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¿Por Qué Nos Gusta Tanto Bob Esponja?

El pasado 1 de mayo, este ya icónico programa de la cadena Nickelodeon cumplió 20 años desde la primera vez que fue emitido y actualmente es una de sus insignias, todavía con planes de seguir en vigencia con una nueva película que estaría por estrenarse en 2020.

Con una emisión casi continua, Bob Esponja (SpongeBob SquarePants) debe ser una de las caricaturas más importantes de la historia de la animación y fácilmente en el podio de las del Siglo XXI. ¿Cómo es posible tanto éxito? La respuesta parecería residir en el hecho que no precisamente su contenido sea agradable únicamente para niños, pues hay un gran segmento de adolescentes y adultos que vienen siguiendo por años las aventuras desde Fondo de Bikini por muchos motivos.

Hay que empezar con el personaje principal. Es difícil atinar a la edad cronológica de Bob Esponja pero se supondría que es un joven adulto un tanto (o bastante) nerd con mucha alma infantil que delatan sus aficiones y gustos. Un personaje que se supone adulto, pues vive solo y trabaja, pero está lejos por ejemplo de tener intereses románticos (¿sexuales?) y sus actividades de esparcimiento son mas bien bastante lúdicas. Bob es muy feliz con lo que hace: cocinar hamburguesas en un local de comidas, donde no siente mayor responsabilidad, con lo que tiene ingresos y actividades fijas. Visión “mediocre” e inocente que es aprovechada por su ambicioso patrón, Don Cangrejo, pero que Bob no le pone mayor reparo y al contrario, valora mucho esa aparentemente pequeña pero en realidad gigantesca dosis de dicha gracias a su sencillez.

Bob Esponja bien puede reflejar esa poca seriedad con la que se toma a la vida adulta desde fines del siglo pasado hasta hoy. Pero mientras Bob tiene algo que hacer, Está su mejor amigo, Patricio Estrella (Patrick Star), un personaje muy querible que evidentemente no está en sus mejores facultades mentales y su sola supervivencia es una verdadera incógnita, siendo junto a su amigo la encarnación del “adulto no-adulto” que muchos son (¿somos?) o queremos ser.

Pero las dolorosas lecciones de la vida adulta las encarna uno de los personajes más importantes de la serie: Calamardo Tentáculos (Squidward). Un tipo que se supone le lleva varios a Bob y Patricio. Se trata de un artista frustrado quien nunca pudo tener fama y fortuna en el mundo de la música al que alguna vez buscó tocando el clarinete y que vive sus días trabajando en la misma plaza que Bob Esponja, pero mientras su amarillo compañero lo disfruta, Calamardo lo detesta por no ser ni por cerca el mundo glamoroso que alguna vez soñó. Se dice que Bob Esponja es una caricatura cultora del humor negro y uno de sus clásicos chistes es el de Calamardo llorando sobre una lápida que dice que ahí yacen sus sueños y esperanzas.

El maravilloso universo de Fondo de Bikini se adelantó al “girl power” con un personaje fuerte, decidido y dinámico como es Arenita Mejillas (Sandy Cheeks), quien también aporta a esa especie de “sin razón” del mismo. Es una ardilla que vive en el fondo del mar y como tal necesita un traje de buzo profesional y un complejo mecanismo que simula las condiciones de vida de tierra firme para su hogar. Es interesante como ella es la ruda de un grupo de amigos que está muy lejos de transmitir poder.

Para tener algo de emoción en las historias siempre se necesita antagonistas. En este caso es el avaro Plankton, quien ambiciona derribar a Don Cangrejo como el mayor proveedor de comida rápida de Fondo de Bikini y usando su súper inteligencia más métodos reñidos con la ética, busca apoderarse de la fórmula de las sabrosas cangre burguers. Plankton rivaliza contra un tipo que también se caracteriza por su codicia, sin embargo acá se valora la lealtad de Bob Esponja, quien defiende con alma y vida aquella fórmula que tan bien maneja como empleado estrella del viejo cangrejo.

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El humor está presente en todo lugar en Bob Esponja. Todos los habitantes de Fondo de Bikini, que son animales marinos, están dibujados de forma divertidísima y la lógica descabellada está a la orden del día. Es así como nos terminamos haciendo a la idea de ver a Bob y sus amigos: tomar agua debajo del agua, encender fogatas debajo del agua, cocinar a la parrilla debajo del agua, tomar duchas debajo del agua, usar piscinas o surfear debajo del agua. El absurdo de este universo no puede hacer otra cosa que alegrar el día.

Bob Esponja es una fantasía creada por Stephen Hillenburg, un biólogo marino apasionado no solo por la vida en el fondo del océano, sino también por los dibujos y la animación, habiendo creado a los personajes de este divertido universo primero como hobby y después como método didáctico para enseñanza. Recientemente fallecido (26 de noviembre de 2018), dejó como legado una caricatura clásica en su género, extremadamente peculiar y en el que se trató de enseñar valores como la amistad, sencillez y lealtad a un mundo que siempre será complicado. ¡Celebremos entonces los 20 años de existencia de Bob Esponja!

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Los Excesos y la Gloria

Si algo está a la orden del día en Netflix es poner música de los 80. Para mantenerse en esa onda era imperioso contar la historia de uno de los protagonistas icónicos de la época como la banda californiana Mötley Crüe.

“The Dirt” es una producción audiovisual basada en el libro de nombre similar (The Dirt: Confessions of the World’s Most Notorious Rock Band) que a principios de siglo se encargó de relatar varios de los momentos más sórdidos de los miembros de este exitoso grupo, que eran bien conocidos no sólo por su enorme talento, sino también por sus excesos. Ciertamente, en la película no se cuenta nada que un melómano empedernido o un fanático más o menos militante de los Crüe no sepa.

Sin embargo, resultó valioso tener algo más que solo imaginar lo relatado en el libro y atestiguarlo como si se hiciera un viaje 35 años en el tiempo mientras se presencian las locuras de los muchachos, y es que se pudo identificar claramente el papel que cada uno de los miembros de Mötley Crüe desempañaba en la banda más allá del instrumento que tocaban o su posición en el escenario. Se trata más bien de un rol anímico y psicológico que aportó cada uno para que este grupo se convierta en un monstruo imbatible.

Nikki Sixx: el conocido bajista fue siempre el alma de la banda, la voluntad que la impulsaba, la mente creadora de los temas y la peculiar estética de los Crüe. La locura y rebeldía, aquella aura de peligro que rondaba cada caminata y presentación, además del innato carisma.

Tommy Lee: el prodigioso baterista fue el alma. El tipo buena onda, el dínamo inagotable, la energía vital. Puro carisma y alma joven imposible de caer mal. También el complemento ideal para las travesuras de Sixx, tal vez con algo más de conciencia que su compañero de los “gemelos del terror”.

Vince Neil: la cara, el marketing y glamour. Uno de los pioneros en cuanto a instaurar la clásica imagen de las bandas de rock glamoroso de los 80 que casi obligadamente debían tener un vocalista rubio y galante para que se lleve la atención de las muchachas. Un tipo codiciado.

Mick Mars: el guitarrista era la cabeza y conciencia del grupo. Al ser el miembro más veterano y por bastante de Mötley Crüe y al tener que soportar una enfermedad degenerativa ósea, Mars tenía que ser obligadamente la voz sensata del grupo, el que buscaba apaciguar el ímpetu de los demás y que ciertamente aportó a evitar un desastre.

“The Dirt” tiene una interesante novedad narrativa y es que tiene varias voces que cuentan la historia como son los 4 integrantes de Mötley Crüe además de su mánager de los años fundacionales, lo que hace a la historia aún más rica y verosímil a pesar que obviamente hubo ciertas modificaciones como en cualquier biografía llevada a la pantalla y que ciertamente son las voces de los actores que encarnan a estas personalidades.

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Las voces narrativas junto a las secuencias y planos ayudan a relatar cómo es de tumultuosa la vida de una estrella de rock. Con primeros planos, secuencias y edición aceleradas y un par de discretos efectos se describe los sórdidos momentos en los que el alcohol y las drogas se tomaban sus vidas. Los inicios tumultuosos y violentos , el trato por momentos degradante hacia las mujeres que recientemente se ha visibilizado en el mundo del espectáculo cuando en los 80 era pan de todos los días, entre otras cosas son los elementos mostrados de un camino que no precisamente es de rosas como el de la fama. El maquillaje y vestuario de los acordes fue minuciosamente puesto en escena dependiendo de qué etapa histórica iba siendo contada para evitar la decepción del fanático empedernido.

“The Dirt” es una historia divertida, atrapante y finalmente enriquecedora. Los protagonistas fueron retratados con sus humanos defectos que los hacen por momentos malcriados y desagradables. Del mismo modo se hizo énfasis en su sensibilidad de artistas y capacidad de madurez y evolución aceptando los golpes de la propia vida y del cambiante gusto del público, que así como a los Crüe, a muchas otras bandas exitosas de los 80 golpeó severamente. Totalmente recomendable para el melómano y para el nostálgico.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Un Caballero Octogenario

El pasado 30 de marzo se cumplió el octogésimo aniversario desde la primera aparición de “Batman”. Uno de los emblemáticos personajes del cómic y la ficción contemporáneas. Ha pasado mucho desde que Bob Kane dio vida con su pluma e ingenio al hombre murciélago y así mismo, hay mucho que hablar sobre su influencia y evolución a lo largo de la historia.

Los fanáticos de Batman principalmente lo valoran como un héroe sin poderes fantásticos atribuibles a condiciones que rebasan lo humano, aunque se ironiza con que su súper poder es su súper billetera (?) La lucha de Batman no sólo se configura contra el crimen, sino contra sí mismo, contra su propia humanidad que le puede llevar a concebir atrocidades canalizadas en el mismo instinto motivador que le llevo a su vida combativa: la venganza. La crisis de los años 30 degeneró en tiempos oscuros y violentos reflejados a productos artísticos y de ficción como Batman.

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Hizo falta algunas publicaciones de “Batman” para descubrir su origen. Es bien sabido que el hombre murciélago es la identidad que adoptó Bruce Wayne, un heredero multimillonario que en su infancia quedó huérfano de padre y madre ya que ambos murieron en un asalto que él mismo presenció, momento en el que juró combatir al crimen, sin embargo, siempre contrario a vencerlos mediante la muerte. Así es como no acepta ser el heredero de Ra’s Al Ghul. El enigmático y longevo personaje quien según la película “Batman Begins” es protagonista dentro del intenso entrenamiento y transformación de Bruce.

Se podría decir que “con todo ese dinero cualquiera”, pero tal vez el verdadero poder de Batman está en su determinación para adquirir las destrezas y la fuerza para el combate, así como el dominio de las ciencias con las cuales se puede configurar su sofisticado equipamiento desarrollado por sus empresas dirigidas por Lucius Fox y ayudado a operar por al gran Alfred Pennyworth su fiel custodio y mayordomo. Tal vez la voluntad y obsesión de Wayne al encarnar al justiciero nocturno se las podría catalogar como sobrehumanas.

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Algo tan o más fascinante que el mismo Batman son sus antagonistas. Villanos que encarnan toda variedad de maldad. El principal de todos ellos es “Joker” o Guasón en traducciones latinoamericanas. En el complejo universo de Ciudad Gótica escasea la cordura y Joker es un caso emblemático al tener una conducta sociópata que lo motiva a ser daño por el puro gusto de hacerlo. “Hay hombres que sólo quieren ver arder el mundo” es una icónica frase que Alfred le dice a Bruce en “The Dark Knight”, película que se centra en la dualidad Batman – Joker contando con la espectacular actuación del desaparecido Heath Ledger, quien encarna casi a la perfección la locura, el egoísmo y resumidas cuentas: la maldad.

Es usual que los villanos de Batman tengan relaciones familiares turbulentas que implican abandono o sensación de injusticia como Pingüino, Gatúbela o el Señor Frío. Otros rivalizan desde un punto de vista filosófico e intelectual, tales como Jonathan Crane, Bane, El Acertijo o el mismo Ra’s Al Ghul. Uno de los más fascinantes antagonistas de Batman es Two-Face quien pasó del lado de la impartición de la justicia al crimen cuando su cara se deformó luego de recibir ácido por parte de uno de los capos de la mafia de Gótica: Salvatore Maroni. Su polémico sentido de la justicia, basado en el azar, denota su obsesión por el destino. Asociado con trastornos como la esquizofrenia y la bipolaridad, es un extremo de la clásica temática del universo de Batman que se narra en esa lucha permanente de justicia vs injusticia.

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Mencionamos que Batman fue creado en momentos de crisis. A medida que la misma pasó y se llegó a los tiempos a los años 50, prósperos y conservadores de la unión americana, cuando la obra “La Seducción del Inocente” del psiquiatra Fredric Wertham influyó en la creación del “código del cómic”, llevó una transformación temática y estética que casi hiere de muerte a Batman. La suposición que los crímenes relatados en las historietas alientan a los jóvenes a cometerlos o más aún especular con una supuesta relación homosexual entre Batman y su protegido Robin, algo muy mal visto en aquellos tiempos, motivaron a la introducción de personajes femeninos como Batichica, al énfasis de la imagen Playboy de Bruce y en si a un universo más edulcorado que tuvo su clímax con la popular serie de los 60.

 

 

El desinterés por Batman se fue acrecentando hasta 1986, cuando Frank Miller (el creador de Sin City) publicó “The Dark Knight Returns”, en la cual, un Bruce Wayne avejentado vuelve a la escena para lidiar con la siempre problemática Ciudad Gótica y sus clásicos enemigos en un escenario ambientado con preocupaciones del momento como las mutaciones o la guerra fría. El nuevo interés por Batman motivó a la producción de películas basadas en su universo y Tim Burton fue el director ideal para retomar el ambiente sombrío y la idea original de Batman cuyo éxito también se sostuvo en la actuación de grandes de Hollywood como Michael Keaton en el papel de Wayne / Batman, Jack Nicholson como el Joker de la película homónima o Danny De Vito como el Pingüino de “Batman Returns”.

 Con la intención de atenuar la oscuridad de las producciones de Burton que causaban conflictos comerciales, Pasó Joel Schumacher a dirigir “Batman Forever” y “Batman & Robin” a mediados de los 90 con una recepción poco entusiasta por parte de la crítica aunque bastante buena por los espectadores. La época 80-90era de Batman incluso trajo a la cultura pop éxitos musicales clásicos como “Batdance” de Prince, “Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me” de U2, “Kiss From a Rose” de Seal o “The End is The Beginning is The End” de Smashing Pumpinks.

 

 

Finalmente la trilogía de Christopher Nolan: “Batman Begins”, “The Dark Knight” y “The Dark Knight Rises” supo devolver completamente el entusiasmo del consumidor de cultura popular con Batman en obras que envuelven con pesadez el drama psicológico de protagonistas y antagonistas sumado a un impresionante despliegue tecnológico con el que resalta la tecnología desarrollada por Empresas Wayne al servicio de Batman. Impresión definitiva del Siglo XXI. Grandes actuaciones de Christian Bale como Batman, Heath Ledger como Joker, Tom Hardy como Bane o Gary Oldman como el Comisionado Gordon.

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El desfile de damas interesantes y hermosas es una característica propia de las películas modernas de Batman. Kim Basinger como la reportera Vicki Vale, Nicole Kidman como la doctora Chase Meridian o Elle McPherson como Julie Madison son el sello propio de los films. Así mismo para encarnar personajes clásicos del cómic estuvieron grandes nombres Michelle Pfeiffer y Anne Hathaway como Gatúbela o Uma Thurman como Poison Ivy.

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Sin duda la dualidad entre bien y mal que no solo enfrenta a los personajes de Batman, sino que enfrenta a sí mismos prácticamente a cada uno de ellos, es la característica principal y motivo por el cual ha podido este universo sobrevivir a lo largo de los años y adaptarse a las actualidades de los tiempos por los que ha atravesado. Sus historias incluso atraviesan la línea temporal como con ¨Batman Beyond” y las líneas estéticas con las producciones de Lego. Batman es esencial para entender la cultura pop y la cultura misma.

Edison Guapaz Zambrano
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Cuervos: ¡Un Cierre Espectacular!

Cuando se supo de la filmación de la cuarta temporada de “Club de Cuervos” sus principales productores y actores supieron señalar que sería la última. Para lo que no prepararon a la fanaticada acumulada durante su de todas formas corta existencia es para afrontar la emotividad que trajeron cada uno de los 12 capítulos con los que se cierra uno de los trabajos más exitosos que la plataforma Netflix ha presentado desde Latinoamérica.

Se dice que cuando en una pieza de ficción sus personajes presentan una evolución (personajes redondos) ésta realmente es interesante. En el caso de “Club de Cuervos”, sus 2 principales personajes, que son los hermanos Iglesias, han llegado a la madurez a su estilo. En el primer capítulo de la cuarta temporada y producto de lo ocurrido al final de la segunda la relación de Chava e Isabel es más fuerte que nunca y ello ocurre para solucionar el primer lío que sería el paso de su querido club a manos de la poderosa y mediática familia Cantú.

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La serie ha formado una especie de culto que pudo ser plenamente explotado no sólo con sus capítulos, sino gracias a los Spin Off, que tal vez tuvieron menos acogida en el público, pero fueron fundamentales para entender lo que se vino en la temporada final en la cual prácticamente se juntaron todos los personajes y circunstancias del “Universo Club de Cuervos”. Sin “La Balada de Hugo Sánchez” no es posible explicar parte del dinero recaudado para rescatar a los Cuervos de las graves deudas del final de temporada 3, la extraña alucinación del “Zombie Guerrero” y la situación familiar del DT, Fede. Del mismo modo, “Yo, Potro” es el nexo para entender el lamentable estado en el que es encontrado el entrañable “Potro” Romani al principio de la última temporada.

 Cuervos está a nada de “irse a la chingada” y para su rescateregresan 2 de los más queridos personajes de inicio de este cuento: Mariluz, con el contingente económico y transformada en una poderosa mujer de negocios y Aitor Cardoné, aquella excéntrica estrella del fútbol que con un poco menos de humos en la cabeza puso su talento al servicio del equipo. Desde sus respectivos lugares llegaron a hacer frente al mayor rival al que los Cuervos se pudieron haber enfrentado: el Club Tarántulas que no solo era un rival en la cancha, sino que amenazaba con desplazarlos como el equipo emblema de Nuevo Toledo con sus ataques desde frentes políticos, mediáticos y económicos.

Conscientes del rol decisivo de los medios, buena parte de la trama tiene como eje la participación de los mismos: los problemas de derechos de televisión, la influencia de los periodistas y su posición desde su sitios de labores, la venta de una determinada imagen en la que vemos a Isabel hacer tripas corazón para escandalizar como una “femme fatale” que inevitablemente llama la atención y la visión del siempre poco convencional Chava que vio en la digitalización de los contenidos como una oportunidad nada despreciable.

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El cultivar una imagen fue el plan de salvación de Cuervos. La parafernalia mediática no es suficiente cuando no hay algo atractivo que mostrar y el querido club nuevotoledano se calzó el papel del villano bajo la dirección de Chava, lo que incluía aparatoso vestuario y la apropiación del Haka de los All Blacks de Nueva Zelandia. De todas maneras, para recuperar el cariño de su ciudad natal, recordando el exilio por el que atraviesan desde el final de la temporada 2, eran necesarios los buenos resultados.

Habíamos introducido este texto con la evolución de los personajes y la madurez. Es así como vemos sentirnos contentos y orgullosos de la evolución de Chava Iglesias hacia la sensatez para la toma de decisiones, aunque ciertamente lo malo de esto es que ya no es tan chistoso como antes y de paso, la merma de su característica tiranía desbocada e hilarante quitó cierto protagonismo a uno de los mimados de la fanaticada de la serie como es Hugo Sánchez, quien termina siendo una pieza clave cuando interviene el excéntrico Ricky Lamas como parte del arreglo final a los problemas financieros de los Cuervos.

 El personaje de Isabel es tal vez el más interesante de analizar, pues muy a la par de las contemporáneas discusiones sobre los roles masculinos y femeninos, observamos que la hermana Iglesias es un referente de la misma, pues ella constituye el verdadero liderazgo del club. Es Isabel la que está plenamente interesada en el fútbol dentro de la familia Iglesias, nota interesante tomando en cuenta el tradicional tinte masculino de la actividad del fútbol y más bien Chava está interesado en actividades distintas al juego, de hecho, nunca dio mayores señas de entenderlo. Es Isabel justamente quien no solo conoce al equipo desde el punto de vista administrativo, sino que sabe del juego en sí y tendrá su oportunidad de demostrarlo. Finalmente, su amor filial y su fuerte personalidad hacen que anteponga a los Cuervos a los roles clásicos femeninos como el matrimonio y la maternidad. Si bien se la ve feliz tomando las riendas del club, es evidente que la producción hace ver que la elección de Isabel sobre los roles tradicionales deja un pequeño pero apreciable vacío.

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Los últimos capítulos tienen una emotividad impresionante, propia de un ciclo que inevitablemente se va cerrando. Cerca del final, el emotivo discurso de Chava, hablando de qué es lo que realmente hace a una persona hincha de un club puede tocar las fibras sensibles de cualquier futbolero, el habla que las personas son hinchas de la historia del club muy por encima de sus jugadores o dirigentes y puede tener mucho de cierto, ser hincha es asociar muchas memorias gozosas, que no necesariamente se emparentan con la victoria. Fue una temporada final sensacional, digna de una producción que ha generado su propio universo, a la altura de las películas y series de televisión más renombradas… Y según redes sociales, parece que no hay un final del todo, sino revisen las publicaciones de @DJ_Churches en Twitter.

Edison Guapaz Zambrano
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You: Secretos y Mentiras

En este inicio de 2019 una de las mayores apuestas de Netflix ha sido la Serie “You”, teniendo una notoria publicidad dentro de la plataforma a través de una historia que de plano llama la atención y atrajo a más de uno a ser vista. Originalmente se estrenó en el canal Lifetime para Estados Unidos, pero Netflix se encargó de la difusión internacional y lo hará para las siguientes temporadas. La Serie se basa en la novela homónima de la autora Caroline Kepnes.

Tal vez cuesta un poco encasillar en un género a “You”. Bien podría ser un drama romántico como una serie policíaca. Me gustaría señalarlo como una versión algo hipster y bastante más oscura de clásicos juveniles noventeros como Melrose Place o Beverly Hills 90210.

En estos tiempos, la idílica historia de una obsesión de hecho ya no es tan bien vista. Al ver esta serie, el encanto del enamoramiento a primera vista desaparece rápido, pues detrás de muchos buenos modales se oculta el comportamiento obsesivo de Joe Goldberg, quien se enamora perdidamente de Guinevere Beck, una hermosa joven estudiante que ambiciona convertirse en una escritora famosa. Obviamente el lugar ideal para transformar estos sueños en realidad es la ciudad de Nueva York.

A la mitad de la serie Beck propone a Joe vivir en tono de broma y tal vez algo en serio “una relación de secretos y mentiras” que les permitiría llevarse mejor. Ciertamente la mentira es la temática central de “You”. Pues está presente en todo momento. Joe vive una doble vida que permite vigilar prácticamente casa paso de Beck y presentarse al mundo como un sujeto inmaculado y ejemplar, aunque tal vez su halo de misterio es uno de los aspectos atractivos para Beck, quien a su vez miente reiteradamente acerca de su status social e incluso sobre su misma familia. De hecho, tanto las raíces de Joe como de Beck son sumamente difusas.

El sentido de la amistad tal vez es de los temas más desagradables de “You”, siendo esta toda falsa y pretensiosa. Beck tiene un grupo de amigas en el que sobresale Peach Salinger, una estereotípica malcriada hija de millonarios quien con un comportamiento despótico y manipulador domina al grupo de Beck, haciendo énfasis en la protagonista, con quien siempre tiene mensajes ambiguos que van desde la sobreprotección hasta el desprecio. La idea es siempre tenerla disponible a su lado. Tal vez el loco Joe es más franco con sus relaciones, aunque esto se contradice cuando quiere sacarse a alguien de su camino o dice proteger a quienes dice querer. La pretensión se manifiesta desde el hilo conductor de la serie que son los libros: Beck la estudiante de Literatura, Joe el “heredero” de una librería. A lo largo de la serie hay un incesante duelo de egos intelectuales.

 

Se puede decir que la gran tragedia de esta historia recae en Beck, ¿la desgracia de ser hermosa? Elizabeth Lail es la bella actriz que encarna a la joven aspirante a escritora que tiene en sus 2 personas más cercanas a personajes considerados en estos tiempos como “tóxicos”. Peach, con sus permanentes cambios de ánimo y de salud manipula a Beck, mientras que Joe con su permanente vigilancia busca limitar sus movimientos hacia lo que él cree que es correcto. El sentido de superioridad moral de Joe resulta ser invasivo, pues siempre se lo observará haciendo creer que siempre tiene la razón y que defiende lo justo, lo cual se confirma con el personaje transversal de la serie que es Paco, un niño vecino afectado por su disfuncional vida familiar, pero de un intelecto y curiosidad notable por los libros.

“You” tiene momentos de harta expectativa y tensión por la tensión de los secretos al borde de ser descubiertos, por la violencia y los crímenes, por ese descubrimiento descarnado de la falsedad de las sociedades de élites culturales e intelectuales en lugares tan vastos y sórdidos como New York. Mas el final no terminó de ser del todo convincente para el espectador. Se espera nuevas temporadas, nuevos esclarecimientos.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
obituario 2018

Obituario 2018

En todo año nos dejan grandes personajes que han influido en la sociedad y se los puede catalogar como notables. Como esta es una página que mayormente se dedica al deporte y al fútbol, empezaremos por recordar desde ese mundo.

En 2018 dos grandes periodistas dejaron a la afición deportiva ecuatoriana. Alfonso Laso Bermeo “Pancho Moreno” partió a mediados de año tras una larga vida dedicada al periodismo deportivo, siendo un ícono de la actividad misma y del país. Sus programas como “Ronda Deportiva” (radio y televisión) o “Jornadas Deportivas” fueron pioneros y su peculiar grito gozoso de gol fueron sus marcas distintivas. Su cobertura de 13 mundiales de fútbol, desde Suiza 1954 hasta Alemania 2006 tiene incluso reconocimiento a nivel mundial. También estuvo varios años vinculado a la administración pública de Quito como concejal.

 Manuel Kun Ramírez es otro de los grandes del periodismo deportivo que nos dejó. Con una extensa trayectoria no solo en Ecuador, sino en ESPN en Estados Unidos donde supieron reconocer su calidad. “Acción”, programa deportivo que acertadamente condujo durante varios años dejó un precedente en el análisis a fondo de la actividad deportiva y sobretodo del fútbol con sus amplios resúmenes de fechas o juegos importantes.

Figuras fundamentales de la televisión ecuatoriana también partieron de este mundo como Bernard Fougères, periodista francés que se radicó en el Ecuador y dejó una enorme pauta para la conducción de programas de espectáculos. Gino Molinari fue uno de los más importantes presentadores de programas gastronómicos del país y recordada figura de televisión que nos dejó.

Sin embargo, el Ecuador se conmovió con la muerte de los periodistas y trabajadores de Diario El Comercio: Javier Ortega, Paúl Rivas y Efraín Segarra, víctimas de la disidencia de las guerrillas colombianas aún no desmovilizadas. Frente a este lamentable hecho aún quedan temas a esclarecer.

El mundo del deporte lamentó el fallecimiento de Jorge Lazo Logroño, jugador y Director Técnico ecuatoriano de actividad en el Siglo XX, así como el del joven árbitro Ángel Hidalgo. Muy lamentable el fallecimiento de la joven basquetbolista Vanessa Ochoa.

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En Ecuador también se lamentó la partido de Gustavo Alfredo Jácome, notable hombre de letras y academia, también de la actriz Martha Ormaza, famosa por encarnar a una de las protagonistas de la obra de teatro “La Marujjita se ha Muerto con Leucemia”. La música tradicional ecuatoriana se quedó sin 2 de sus grandes exponentes como Ángel Medardo Luzuriaga, fundador de “Don Medardo y Sus Players” o Laura Mendoza Suasti. Citar también la lamentable pérdida de Hittar Cuesta, uno de los mejores guitarristas ecuatorianos de rock.

El deporte internacional lamentó la partida de afamados DTs mundialistas como Henri Michel, quien dirigió a Camerún en 1994, Marruecos en 1998 y Costa de Marfil en 2006; Azeglio Vicini, entrenador de Italia en 1990 y Wladimir Weiss quien dirigió a Eslovaquia en 2010.

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Una lamentable noticia fue la muerte del futbolista Davide Astori, quien jugaba en la Fiorentina. También se fueron leyendas del fútbol como el argentino René Houseman, el español Enrique Castro González “Quini”, el húngaro Karoly Palotai o el chileno Alberto Foillioux.

El mundo del espectáculo latinoamericano sintió la pérdida del clásico galán de pantalla mexicano Rogelio Guerra, así como de los recordados cantantes Violeta Rivas y Lucho Gatica.

Una gran pérdida para la ciencia e historia del pensamiento es la de Stephen Hawking, que con sus teorías sobre el Universo abrió muchísimos campos de estudios. También se sintió el deceso de Paul Allen, uno de los fundadores de la empresa de software Microsoft.

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El mundo de las historietas y los héroes de ficción se enlutó tras la partida de Stan Lee, fundador de la conocida “Marvel Comics”. Partió la leyenda de la música afroamericana, Aretha Franklin. Un velo de misterio se llevó el entorno de la misteriosa muerte de la vocalista de “The Cranberries”, Dolores O’Riordan. Dejaron este mundo muy jóvenes el DJ Sueco Avicii y el rapero XXXTentacion. Los programas de gastronomía se vieron enlutados tras el suicidio de Anthony Bourdain. Dejaron este mundo Margot Kidder, la primera “Lois Lane” de las películas de Superman y Verne Troyer, el conocido “mini me”.

En el mundo de la política internacional resaltaron las partidas del ex Secretario de Naciones Unidas, el ghanés Koffi Annan, del ex Presidente de Estados Unidos George W. H. Bush y el ex candidato a la presidencia de la misma nación, John McCain.

 

Edison Guapaz Zambrano
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Sabrina, La Bruja Rebelde

En estos tiempos en los que los remakes están a la orden del día, emergió una nueva producción que se transmite por la plataforma Netflix. “The Chilling Adventures of Sabrina” o “El Mundo Oculto de Sabrina” en Español tiene un espíritu muy diferente a “La Bruja Adolescente” del Siglo XX.

Justamente existe una gran diferencia entre “The Teenage Witch” (la bruja adolescente) y “The Chilling Adventures”, ambas originalmente publicadas como una serie de tiras cómicas de Archie Cómics, siendo esta última de una temática bastante más oscura y a eso se refirió la serie que se estrenó el 2018.

Empezamos con absoluta sumisión y alabanzas a Satanás, lo que en la centuria pasada hubiera generado terrible escándalo. La diferencia primordial entre “La Bruja Adolescente” y “El Mundo Oculto” es que mientras en el primero el personaje de Sabrina Spellman encarnado por la entrañable Melissa Joan Hart se ocupaba de lidiar con problemas terrenales algo ayudada con sus poderes sobrenaturales, en la actual es una Sabrina que más bien se ocupa mucho de su ser paranormal y la lucha más bien es la de ser valorada pese a su origen 50 por ciento mortal.

“El mundo oculto” se ocupa mucho de temáticas contemporáneas: empoderamiento y feminismo, combate a la xenofobia, al bullying, abierto abordaje a la homosexualidad y a la diversidad. La Sabrina interpretada por la joven actriz Kiernan Shipka ahora es un chica rebelde, contestataria, que no cumple con cánones y ritos, tantos mortales como ocultos, sin antes reflexionar en sus significados y consecuencias. Una Sabrina que frunce el ceño mucho más de lo que lo hizo la noventera.

En la Academia de Artes Ocultas Sabrina es recibida con hostilidad por muchos debido a su origen mitad mortal, pasando por durísimas pruebas sobre las cuales sobrevive mostrando carácter y una digamos “estirpe” heredada de su padre, quien había sido un eminente y respetado brujo, sorprendiendo y ganando progresivamente el respeto de sus “bullies”. Mientras que en su escuela “normal”, sus amigos no son precisamente la gente “popular”.

En esta nueva Sabrina el romance tiene varios frentes. Sabemos desde siempre que su amor es Harvey Kinkle, pero esta vez este personaje se construye a partir de una tradición familiar de cazadores de brujas, lo que convierte a esta relación en una fantasmagórica versión de Montescos y Capuletos. Está lo que fueron sus padres, una unión entre brujos y mortales idealizada por su pronta partida (en esta versión de Sabrina, ambos han fallecido en un accidente), la relación de pareja y poder de Miss Satan con el mismísimo señor de la oscuridad, las tías de Sabrina y sus desventuras que las hacen las solteras dedicadas a cuidar de su sobrina, amorosas aunque de una moral bastante más retorcida. La “cuota gay” con el primo Ambrose y su confinamiento en el hogar de las Spellman que no deja de tener un contexto simbólico, incluso no huele a coincidencia que sea afro descendiente el actor que lo encarna.

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Sabrina lidia con su poder como una mujer en camino a serla, como heredera de una tradición dentro del mundo de los brujos. Es una rebelde que se rehúsa a cumplir ciegamente con los requerimientos de ambos mundos y se forja los suyos propios. Bien podría ser un personaje femenino de inspiración sin necesidad de llegar a la grosería o intercambio de roles de dominación. Además, para quienes gustan del mundo de lo oculto, el contenido de hechizos, demonología y demás es simplemente fascinante. Es un buen tratado sobre la oscuridad que bien puede llegar a ser luz.

Edison Guapaz Zambrano
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Bohemian Rhapsody: Apoteosis y Nostalgia

Uno de los éxitos de la temporada ha sido el film inspirado en la vida del legendario cantante de la agrupación británica Queen. Presentando en específico en su carrera a la cima y su lucha por permanecer ahí. Privándonos de lo más profundo de sus orígenes o de su doloroso final, aunque insinuando algo de ellos. Bien así, lo mejor fue ver al Freddie glorioso.

A pesar de contar con los mismos integrantes de Queen para la elaboración del guión, la película incurre en algunas imprecisiones biográficas, la cual es normal en este tipo de producciones, pues siempre es necesario añadir más drama en las mismas. Tal vez la más importante es que su conocimiento sobre portar el VIH fue tiempo después del legendario concierto del Live Aid. Acá se puede leer algo más sobre estas inexactitudes.

 

Más allá de la completa fidelidad del relato, fue muy emocionante adentrarse en lo profundo de la humanidad de Freddie Mercury. Más allá de esa distante y casi perfecta súper estrella que se paseó por los escenarios estaba un hombre ciertamente seguro de su talento y lo hacía saber con cierta arrogancia a sus compañeros, radiodifusores y ejecutivos de casas disqueras. Un tipo sensible al que relaciones como la que sostuvo con Mary Austin los involucraban rotundamente, lo mismo con sus compañeros hombres, quienes mal o bien jerecieron alguna influencia en su vida. El excéntrico, el excesivo y sobretodo, el artista audaz, capaz de mutar cuantas veces sea posible para poder expresarse.

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Un detalle importante en la construcción de la historia de Queen fue el introducir cada paso que dio la banda con el origen y creación de varios de sus importantes clásicos, haciendo después partícipe al público con el “sing along” y pueda ser la proyección de la película más una fiesta. Algo fuera de lo común, a la vez que vamos descubriendo como fueron concebidas las más grandes ideas, los riffs y ritmos más importantes de su historia y tal vez de la historia de la música.

Finalmente es importante destacar que la producción fue prolija en unos detalles importantísimos. Uno es la peculiar dentadura de Freddie, tal vez algo exageradamente montada en la boca de Rami Malek, quien interpretó a Freddie Mercury, pero aun así, rasgo fundamental con el que de hecho el propio cantante justificaba su privilegiada y peculiar voz. Otra fue la reproducción fiel del viejo Estadio Wembley, recordando que fue demolido y hoy por el mítico escenario tiene una fachada totalmente distinta. Así mismo, Malek tuvo que memorizar todos los gestos y pasos que dio Mercury en el mítico show de Live Aid para reproducir fielmente el momento y por supuesto, halagar a la fanaticada.

No precisamente se trata de una producción muy profunda, con mensajes a la conciencia y reflexiones, mucho menos de una historia con una intrincada elaboración. Por supuesto que ese no era el objetivo, mas bien era entretener y conmover a través de la música. Es una biografía que tranquilamente se la puede encasillar en musical y que puede dejar satisfecho a un melómano promedio. Tal vez no tanto a un cinéfilo.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
borg mcenroe

Una Rivalidad Mítica Hecha Film

En la presentación du la película advierten que relatan una rivalidad que cambió la historia del tenis. Estamos hablando del film nórdico Borg vs McEnroe. Realmente esta rivalidad duró muy poco debido al relativamente tempranero retiro de Björn Borg de las pistas, en la práctica desde 1982. Incomparable a la longeva carrera de John McEnroe, la cual duró 15 años.

El punto de encuentro entre estos 2 gigantes para el desarrollo de la historia del film es el torneo de Wimbledon de 1980, cuando aparecían como los grandes favoritos para adjudicarse dicho certamen, eso sí con una importante diferencia. Por aquellos días, el sueco Borg era el amo y señor del circuito, pues dueño de un atildado, a la vez que poco ortodoxo juego, había ganado 4 títulos en Wimbledon consecutivos con tan solo 24 años de edad. El estadounidense McEnroe en cambio era la gran promesa, aunque a pesar de su juventud se erigía como el villano del circuito por su mal carácter, el cual contrastaba con la aparente impoluta serenidad de Borg.

Pero este film, producido en Suecia en asociación con otros países nórdicos apunta más a cómo Borg consigue aquella sólida personalidad que permitió manejar su innato talento para el deporte, aquella transformación de un joven díscolo a un tenista imperturbable tendría un piloto: el entrenador Lennart Bergelin, antigua gloria del deporte sueco que vería en Borg el potencial para superarlo con creces. En realidad la película se centra bastante más en la vida de “Ice-Borg”, considerado el mejor deportista sueco de todos los tiempos, en tanto que del lado de McEnroe se contempla sus relaciones familiares, con otros tenistas y sus luchas personales originadas por su rol de villano.

Hay poco en sí sobre tenis: historia o técnica y mucho más del lado humano. La evolución de Borg hacia convertirse en uno de los mejores tenistas de la historia que tiene su punto de inflexión en su brillante participación en la Copa Davis en 1975, antes de cumplir 20 años, dio los puntos decisivos para que Suecia logré el primer lugar de este certamen por primera vez en su historia. Logramos transitar por las obsesiones y compulsiones de Borg, quien necesitaba de una serie de inflexibles rutinas para lograr la calma con la que afrontaba sus juegos. Compulsiones que incluso deterioraban las relaciones con su círculo cercano.

Tal vez por el título se esperaba en una trama enfocada en la rivalidad, pero es más bien un viaje hacia el interior de los grandes campeones, la angustia y las privaciones por las que pasan para lograr los grandes victorias, mientras otros prefieren evitar el paso doloroso, más bien disfrutar y eventualmente ganar, filosofía encarnada en el film por Vitas Gerulaitis, destacado tenista de aquellos tiempos. Está obsesión de la que somos testigos a diario por ejemplo cuando vemos jugar a Rafael Nadal, estas compulsiones y angustias narradas en la autobiografía de Andre Agassi, finalmente llegaron a la pantalla para hacerse agarrar de la silla al espectador.

Como bien sabemos, Borg derrota en la final de 1980 a McEnroe y logra su quinto Wimbledon consecutivo, impresionante récord que sería superado varios años después por Roger Federer. Después, y esto ya no fue parte de la película, McEnroe derrotaría en la final del US Open 1981 a Borg, lo que influiría decisivamente en la decisión del temprano retiro del sueco. En realidad, oficialmente solo se enfrentaron en 14 ocasiones, con 7 victorias para cada uno.

La película fue dirigida por el danés Janus Metz Pedersen. El islandés Sverrir Gudnason encarnó a Björn Borg, mientras que el estadounidense Shia Labeouf a John McEnroe. Excelente labor al fidelizar el relato con diálogos en sueco, inglés, francés y hasta castellano argentinizado.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
casa de las flores

El Gran Hit de la Polémica que Llegó de México

Te la había recomendado algún amigo o pariente, te engancha y horroriza … Y cuando parece que lo habías visto todo, ves (alerta de spoiler) a Verónica Castro fumarse un hit de marihuana. La impresión es similar a si vieras hacer eso a tu mamá o la más devota de tus tías. La Casa de las Flores llegó para dar la poderosa patada final a los convencionalismos en televisión.

Obviamente, la trama y los temas que ofrece esta serie son claramente para plataformas digitales como Netflix, donde se ha emitido su primera temporada y más que eso, lo impactantes que pueden ser muchas de las escenas para prácticamente cualquier público, por más culto, cinéfilo o “seriéfilo” o por más mente abierta que pueda ser. No porque no sean cosas que en la realidad no pasan, en realidad pasan y mucho, pero en la producción mediática no es precisamente costumbre observarlos.

Desde el inicio de “La Casa de las Flores” en su primer capítulo, la serie ataca con sus mejores armas, como aquel equipo de fútbol al que le urge ganar con un resultado contundente y deja boquiabiertos a todos con explícitas escenas de muerte y sexo homo y heterosexual. Un mazazo que inevitablemente engancha al espectador. Toda esta aparente violencia es trabajada impecablemente, pues está lejos de emitirse como un festival de sangre o publicación digna de tabloides.

La temática de “La Casa de las Flores” se desarrolla alrededor del poder y las apariencias. Virginia de la Mora es el personaje principal de la serie. Una poderosa dama de alta sociedad mexicana quien es cabeza principal de un próspero negocio y la verdadera cabeza visible de una prestigiosa familia cuyo vínculo social con la élite depende del éxito de la reputada florería y de la construcción de una imagen escrupulosamente pulida por Virginia. El desarrollo de la temporada transcurre entre dos grandes eventos que la familia de la Mora ofrece y entre los sucesos del primero y la preparación de los segundos, el mantener esa imagen impecable parece costarle la cordura a Virginia.

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El lodo que Virginia tiene que limpiar viene de muchas partes. Empezando por temas que en las altas sociedades de Latinoamérica son muy mal vistas como: la infidelidad, el homosexualismo o transexualismo y centrándose en problemas en serio como los legales y económicos. Todos ellos disimulados con una sincronía casi artística, lo que lógicamente a la familia entera la va progresivamente consumiendo.

 El tratamiento narrativo es interesantísimo, pues quien cuenta la historia es un narrador omnisciente que tal vez adquiere dicha condición por lo que le sucede en el primer capítulo y es quien presenta los dilemas morales que pasa sobretodo a Virginia, a quien la ata un vínculo amargo pero más común de lo pensado en nuestra sociedad. El ritmo de esta serie es incesante, las tomas y edición son vertiginosas y con ello es imposible perder el interés. Es muy interesante también la banda sonora, pues tratando de dar un ambiente kitsch en una de las locaciones, se toman varias canciones que a principios de los 90 fueron un éxito y son mayormente interpretadas por los actores. Ver a Virginia (interpretada por Verónica Castro) cantar un tema de Cristian Castro es una delicia.

Hay que decir que una de las virtudes de la Serie y por lo que podría ser memorable son las actuaciones. Una que se queda en la mente de cualquiera es la de Cecilia Suárez como Paulina de la Mora, hija mayor de Virginia, quien busca siempre tomar las riendas de la familia y los negocios, mostrándose como una mujer fuerte a pesar de su en teoría “revés sentimental” parece haberla marcado seriamente. El trabajo de Suárez con el peculiar hablado de Paulina es fenomenal y casi que icónico, así como su esposo. La personificación de José María y/o María José es muy pulcra y también deberían llevarse el mérito los encargados del maquillaje, pues la apariencia de “María José” es simplemente regia.

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Hay personajes que inducen al debate moral como el padre de familia Ernesto de la Mora o Carmelita, la amiga de la familia. Darío Yazbek como Julián, el hijo varón, y su papel de “jugar a dos bandas” y salvar las apariencias con su orientación sexual y compromisos. Él junto  a su hermana Elena (Aislinn Derbez) encarnan la angustia de volverse adultos y sufren de permanentes decisiones erradas. La inocencia se encarna con Bruno, único nieto de la familia y Micaela, hija de Ernesto, quienes tienen una simpática amistad a pesar de que sus orígenes los podrían poner distantes desde un punto de vista adulto.

Con una producción que luce muy bien cuidada desde los créditos de inicio, “La Casa de las Flores” destaca por su dinamismo, su ataque frontal a temas polémicos y por actuaciones espectaculares. De lo mejor que se ha visto en México y Latinoamérica vía plataformas digitales.

Edison Guapaz Zambrano
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