himnos mundiales

Historia de los Himnos de los Mundiales

Uno de los rituales que se ha instalado en la espera y desarrollo de los mundiales de fútbol tiene que ver con la música. Los himnos y canciones son el sello característico del recuerdo de una cita mágica como es la copa del mundo.

Esta tradición se instauró en 1962 en el Mundial de Chile. En pleno surgir del rock and roll, esta “novedosa” música inspiró la composición del primer himno de la copa. “El Rock del Mundial” interpretado por la banda local “Los Ramblers” fue la banda sonora de aquella cita en la que brilló el Brasil de Garrincha y otras tantas glorias del balompié mundial.

En 1966, el Mundial de Inglaterra inauguró otra tradición que fue la creación de la mascota oficial. Willie el León no sólo dio el toque lúdico, sino que inspiró el himno de esta edición de la Copa del Mundo llamado “World Cup Willie” interpretado por Lonnie Donegan y que tiene una fuerte influencia de la música tradicional de las islas británicas. Para imaginarse a Bobby Moore y su selección festejando a su ritmo.

México 1970 vería la consagración de tal vez la mejor selección de la historia: el Brasil de Pelé. Su tema, “Fútbol México 70″ obviamente tendría muchos elementos de la tradición musical mexicana y su clásico estribillo de aliento “chiquitibum a la bim bom ba”, aunque el tema también introduce elementos más “modernos” hablando de la época, con un poco de ritmos latinos y otro tanto de soul. Su interpretación corrió a cargo de los Hermanos Zavala.

En el Mundial de Alemania 1974 se oyó “Fussball ist unser Leben” compuesto por Werner Drexler y Jack White (no es el pana de los White Stripes, ojo). Con un ritmo muy tradicional alemán, se la puede imaginar escuchándola mientras se disfruta de un enorme jarro de cerveza, deleitándose con los goles de Gerd Müller, el liderazgo de Beckenbauer y la magia de Johan Cryuff.

Argentina 1978 tuvo un himno mucho más sobrio, obra del famoso compositor de italiano de bandas sonoras de películas, Ennio Morricone e interpretada por la sinfónica de Buenos Aires. “El Mundial” con su ritmo épico nos hace imaginar a Mario Kempes driblando cuanta camiseta naranja se le ponía enfrente.

“Mundial 82” fue el himno de la cita ecuménica celebrada en dicho año en España. Hubo el notable cambio de la inclusión por primera vez de 24 selecciones en la competición, mientras que su canción fue interpretada por el tenor Plácido Domingo y acompañado no precisamente por ópera sino más bien por una especie de pasodoble y demás ritmos tradicionales españoles con los que se recuerda la magia de Zico, Sócrates, además de los goles de Paolo Rossi.

Por primera vez una voz femenina se escuchó en las citas mundialistas en México 1986. La británica Stephanie Lawrence cantó “A Special Kind Of Hero” en un ritmo muy de pop femenino ochentero. Desde este mundial aparecieron más canciones además del tema oficial. Es así como el intérprete Juan Carlos Abara cantó “El Mundo Unido por un Balón” que es mejor recordada por la afición latinoamericana y la inmediata asociación con los regates de Diego Maradona. Del mismo empezaron regulares canciones pop a animar los mundiales y en este caso “Hot, Hot, Hot” del caribeño Arrow fue parte del combo sonoro del mundial mexicano.

A Special Kind of Hero

El Mundo Unido por un Balón

Dicen que Italia 1990 fue “un mundial feo”, sin embargo, dio al fútbol y a la cultura popular en general, la que es considerada la mejor canción de la historia de los mundiales. “Un’estate italiana”, compuesta e interpretada por Edoardo Benato y Gianna Nannini es una conmovedora balada al más puro estilo del pop italiano, capaz de hacer enjugar una lágrima mientras vienen a la mente las atajadas de Goycoehea, los lamentos de Gascoigne y del mismo Maradona, los pasitos de baile de Roger Milla, los goles de Schillaci y a Lothar Matthaus levantando la copa.

Estados Unidos 1994 fue el mundial de los árbitros de colores, los arcos cambiables y las victorias de 3 puntos. Los goles de Romario, el glamour de Roberto Baggio, el brillo de Gheorghe Hagi y demás fueron animados por el tema oficial “Gloryland” interpretado por Daryl Hall y Sounds of Blackness en una onda un poco R&B típico de las tierras norteamericanas. Fue la primera vez en la que se editó un disco conmemorativo en el que se incluyeron emblemáticos temas remezclados para la ocasión como “Celebration” de Kool and The Gang o “Rock & Roll” de Gary Glitter.

A partir de 1998, en el Mundial de Francia, hubo que diferenciar lo que es el “Himno Oficial del Mundial” y la “Canción Oficial del Mundial”. El himno corresponde al tema “La Cour des Grands” interpretado por el senegalés Youssou N’Dour y la belga Axelle Red. En tanto que la canción es la muy conocida “La Copa de la Vida” interpretada por el puertorriqueño Ricky Martin y es de hecho uno de los temas más populares de la década. En el disco conmemorativo se incluyeron temas que durante el mundial fueron muy populares en diferentes latitudes como “Samba E Gol” de Bellini, “Top of the World” de Chumbawamba o “É Uma Partida de Futebol” de Skank para recordar a grandes cracks como Ronaldo, Zinedine Zidane o Davor Suker.

La Cour des Grands

La Copa de la Vida

Samba E Gol

El himno del Mundial de Japón y Corea 2002, que de hecho su nombre oficial es tal cual: “Anthem FIFA World Cup 2002”, fue compuesto por el grupo griego de música electrónica “Vangelis” con una propuesta de música repleta de máquinas acorde a la llegada del siglo XXI. Del mismo modo hay que diferenciar de la canción oficial que fue “Boom”, interpretada por la estadounidense Anastacia y a nivel local se popularizó el tema “Let’s Get Together Now” con un ritmo más bien funk. Se recuerda más a la laboriosa selección coreana, la fina puntería de Ronaldo y un poco de selecciones sorpresivas como Turquía o Senegal que a las canciones que no tuvieron el impacto que las del mundial pasado.

Anthem

Boom

“Celebrate the Day”, interpretada por Herbert Gronemeyer, Amadou y Mariam fue el himno oficial de Alemania 2006 y la canción oficial fue “The Time of Our Lives” interpretada por Il Divo y Toni Braxton. Sin embargo, estos temas des escasa sensibilidad pop no tuvieron la popularidad de “Love Generation” de Bob Sinclar o “Hips Don’t Lie” de Shakira y Wyclef Jean, con los que sí se puede fácilmente asociar las jugadas de Zinedine Zidane, Andrea Pirlo, Alessandro del Piero y los goles de Miroslav Klose.

Celebrate the Day

The Time of Our Lives

Love Generation

R. Kelly se encargó de la producción de “Sign of a Victory” quien con ritmos africanos y americanos estructuró el himno oficial de Sudáfrica 2010 acompañado de los Soweto Spiritual Singers. En cambio la canción oficial fue el muy popular “Waka Waka” de la colombiana Shakira. La gaseosa Coca – Cola es uno de los principales auspiciantes del Mundial de Fútbol y a partir de este mundial emitió su tema promocional que para aquella edición fue “Wavin’ Flag” del somalí K’naan y en español la cantó David Bisbal haciendo juego con la levantada de copa de Iker Casillas, la primera para España.

Sign Of a Victory

Waka Waka

Wavin’ Flag

Brasil 2014 tenía que imprescindiblemente contar con ritmos latinos para su banda sonora. Es así como el himno oficial “Dar um Jeito” reunió al gran Carlos Santana con Wyclef Jean, Avicii y Alexandre Pires para dar una poderosa y explosiva combinación. De todas maneras más popular fue la canción oficial, la recordada “We Are One” que juntó a Pitbull, Jennifer López y Claudia Leitte. Además fueron populares temas de “viejos conocidos” en temas mundialistas como “La La La” de Shakira o “Vida” de Ricky Martin. Muy latino todo pero el brillo en cuanto fútbol lo puso la Alemania de Toni Kroos, Thomas Müller, Manuel Neuer y toda esa generación maravillosa del campeón vigente.

Dar um Jeito

We Are One

La La La

Para este Mundial de Rusia 2018 la canción oficial es interpretada por Polina Gagarina, Egor Creed y DJ Smash, su nombre es “Comanda”. En tanto que sigue en vigencia la moda latina y afrodescendiente, por lo que canción promocional de Coca – Cola es “Colors” interpretada por Jason Derulo y el colombiano Maluma.

Comanda

Colors

¿Cuál creen que fue el mejor tema de los Mundiales? Son libres de comentar.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
dark side of the moon

The Dark Side of the Moon (or The Human?)

Grabado entre 1972 y 1973 en los míticos estudios Abbey Road, fue producido por Pink Floyd acompañados por Alan Parsons en la ingeniería de sonido, vio la luz el 1 de marzo de 1973.

Un álbum que se caracteriza en primer lugar por no contar con temas extensos como sus anteriores trabajos de rock progresivo (refiriendo a aquellos que vieron la luz luego de la salida de Syd Barret), pero que no por eso deja de tener la complejidad musical y lírica que siempre ha caracterizado a Pink Floyd, una banda sin puntos medios: o los amas o los detestas por igual. Así mismo el disco no contiene pausas entre canciones, mantiene la continuidad tan perfecta que es casi imposible percibir el cambio entre un tema y otro. Este disco surge como una pieza conceptual que fueron trabajando y experimentado en años anteriores.

Dark side aborda varios temas existenciales que nos rodean a los humanos desde nuestro complejo mundo interior y exterior, temas que parecen tan simples como respirar, otros que son considerados “pecados” por sectores religiosos y otros que nos agobian muchas veces como el dinero, el paso del tiempo y la muerte o nuestra lucha diaria con nuestros demonios internos (esa pelea que a veces pierdes y los expertos lo consideran un daño cerebral).

Un latido, un reloj, una voz, máquinas, risas perturbadoras y gritos dan inicio a “Speak to me”. De repente asalta el acople del sonido melancólico y voces sosegadas que te aconsejan tomarte un respiro mientras suena Breathe (In the Air) y antes de que te vayas acomodando para dejarte llevar suena la futurística On the Run. Nuevamente los arreglos complejos y con un teclado empiezan a machacar.

Cuando piensas que es todo enseguida vuelves a perturbarte gracias a unos malditos despertadores. Suena Time donde cabe destacar el acompañamiento coral que le da cierto aire melancólico y el solo de la guitarra de David Gilmour tan distintivo que se volvió marca personal de la banda (Ticking away the moments that make up a dull day / You fritter and waste the hours in an offhand way), osea deja de desperdiciar la vida y toma el control de tu maldito tiempo y tu destino.

Un solo teclado triste que parece anunciar un momento de reflexión. Suena The Great Gig in the Sky, la cual no contiene una lírica en particular pero si una intensa interpretación vocal no léxica de Clare Torry, se puede percibir en la primera parte del disco la frase. “And I am not frightened of dying, any time will do I don’t mind. Why should I be frightened of dying, there’s no reason for it you’ve got to go sometime”.

Llega la única parte alegre (?) del disco, suenan las cajas registradoras, las monedas cayendo, pues se viene Money: Su título ya de por sí te explica de que va la canción, gran trabajo en la parte rítmica compuesta el bajo de Roger Waters y la batería de Nick Manson. Mientras va desapareciendo llega Us and Them y con ella vuelve la melancolía con el intro grandioso de los teclados de Richard Wright, “Us and them and after all were only ordinary men. Me, and you. God only knows its not what we would choose to do, forward he cried from the rear and the front rank died”. Esta canción por momentos parece que suena a Alan Parsons Project.

Any Colour you like, es la pieza instrumental del disco, donde Wright nuevamente presente con el teclado espacial acompañado a la perfección por Manson y Waters en la parte rítmica que dan paso incorporación posterior de la guitarra de Gilmour, una pieza con muchos arreglos de sintetizadores que se van sosegando al final para dejar solo un sonido de guitarra que da paso a Brain Damage, canción interpretada por Rogers Waters y dedicada a Syd Barrett. Suenan risas que te dan la impresión del viaje a la locura al que se embarcó Barrett y del que no pudo salir hasta el final de sus días. “The lunatic is in the hall,the lunatics are in my hall, the paper holds their folded faces to the floor and every day the paper boy brings more”, sin que lo puedas percibir Brain Damage ya se ha fusionado con Eclipse, último tema del disco, con un acompañamiento coral que constituye el tema perfecto para cerrar el disco. Es tan perfecto este cierre que su párrafo final reza: “There’s no dark side of the moon really. Matter of fact, it’s all dark”.

Maybe I would note that many times the world and the human being is dark. – Kross2380.

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The Dark Side of the Moon – Capitol – 1973

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  • Speak to me
  • Breathe
  • On the Run
  • Time
  • The Great Gig in the Sky
  • Money
  • Us and Them
  • Any Colour You Like
  • Brain Damage
  • Eclipse
Jorge Aguirre
Quito
Since 1980
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La Loma Grande
Rock N´Roll, Futbol, Café y Chocolate
duran duran ii

La “Resurección” de Duran Duran y The Wedding Album

El álbum que supuso la redirección de la carrera de Duran Duran está en este mes en su aniversario de plata, pues fue publicado el 11 de febrero de 1993. Siendo este motivo de una pequeña revisión.

Esta importante banda de pop rock británica había experimentado un notorio declive de su popularidad desde la segunda mitad de los años 80 y la misma de hecho se emparentó con lo que fue el súbito desinterés que el público experimentó por la gran mayoría de bandas ochenteras mientras fue el cambio de década hacia los noventa. Dicho esto, sus álbumes “Big Thing” y “Liberty” tuvieron una escasa repercusión en ventas, pareciendo condenar a los de Birmingham al baúl del olvido como tantas otras bandas contemporáneas a ellos.

Sin embargo, Duran Duran pudo agarrar un nuevo aire en la década emergente. Su formación había variado con la salida de Andy y Roger Taylor. Desde 1986 se hacía cargo de la guitarra el estadounidense Warren Cuccurullo, un ejecutor bastante más tecnológico y sofisticado que ya tenía su carrera tocando junto a Frank Zappa o Missing Persons. El poder de su instrumentación se hace presente en “The Wedding Album”, que de hecho formalmente no se llama así, sino que su título es homónimo de la banda, es decir “Duran Duran”, mas para diferenciarlo del primer disco de su carrera, también llamado “Duran Duran”, se decidió bautizarlo con ese apodo debido a la portada del álbum. También es conocido como “Duran Duran II”. Hablando de dicha portada, se observan fotos antiguas de bodas, las mismas pertenecen a las ceremonias matrimoniales de los padres de los miembros de la banda.

Esencialmente “The Wedding Album” es otro material festivo, sensual y bailable de Duran Duran, sin embargo su éxito comercial se fundamentó en las hermosas baladas del disco. Hacia finales de 1992 es publicado el sencillo “Ordinary World”, que relata la desolación por la que el vocalista Simon Le Bon atraviesa tras la pérdida de uno de sus mejores amigos víctima de una sobredosis de drogas. Un tema lento, melancólico al que los solos de guitarra de Cucurullo y la voz de Le Bon que ese espeluznante falsetto dan el tono dramático característico de este, un clásico tema de los años 90.

El otro tema que tuvo gran suceso de “The Wedding Album” fue el tema publicado a continuación de Ordinary World. “Come Undone” salió como sencillo al público a finales de marzo de 1993. El mágico inicio con ese sobresaturado efecto chorus que imprime Cuccurullo a su guitarra lleva hacia un mundo místico dentro de un tema que pareciera haber sido más pensado, pero en realidad fue incluido en el álbum a última hora. Las letras son un regalo de Le Bon a su esposa y las voces adicionales son de la cantante Tessa Niles. El maravilloso y polémico videoclip con el que este tema fue promocionado se grabó en el London Aquarium.

Más allá de las baladas que dieron tanto suceso a “The Wedding Album”, este tiene de hecho temas mayormente intensos y movidos. “Too Much Information” también fue uno de los sencillos promocionales del disco, donde una energética batería conduce a guitarras distorsionadas y los eficientes teclados y artilugios varios de Nick Rhodes. Un sonido más robusto que caracterizó a los noventa de Duran Duran y como apertura del disco es atrapante.

 Al disco le quedaron pocos residuos de las anteriores creaciones de Duran Duran. Temas como “To Whom It May Concern” o “UMF” suenan como el anterior álbum “Liberty” con guitarras funk, pero ya adaptando el beat del pop y R&B de los noventa, el cual estaría presente en la mayoría de temas, tomando en cuenta también que para esos momentos no contaban con un baterista permanente en su alineación, por lo que se evidencia muchas ayudas electrónicas en la percusión. La influencia de la forma de hacer “pop” y “dance” por los beats electrónicos se manifiesta en temas como “None of The Above”, “Shotgun”, “Shelter”  o “Drowning Man”, en este último Nick Rhodes se luce en los teclados.  Dejando a un lado el glamour del funk y New Romantic de los ochenta, tal vez hubo menos espacio para el lucimiento de John Taylor en el bajo, destacando en “None of The Above” y “Love Voodoo”. “Breath After Breath” juega con la incursión hacia ritmos latinos al igual que “Drowning Man”, salvo que la primera tiene un tono más de sosiego.

duran duran 1993

“The Wedding Album” le dio nueva vida a la banda oriunda de Birmingham, tal vez no volverían a ser nunca el súper acto de inicios de los ochenta, pero ayudó mucho a mantenerlos en carrera y en vigencia hasta nuestros días. Además de aportar con grandes clásicos para la década de los 90.

Duran Duran (The Wedding Album) – EMI – 1993

The_wedding_album_duran_duran_1993_album_wikipedia_discogs_amazon

  • Too Much Information
  • Ordinary World
  • Love Voodoo
  • Drowning Man
  • Shotgun
  • Come Undone
  • Breath After Breath
  • UMF
  • Femme Fatale
  • None of th Above
  • Shelter
  • To Whom it May Concern
  • Sin of the City
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
morir de amor main

Canciones de las Gradas (Parte 7)

“Sale campeón, porque es un sentimiento es un honor, poder gritar de todo corazón al albo…” un cántico elaborado y entonado por parte de hinchas del Colo – Colo de Chile que en Ecuador fue adaptado por la hinchada de Liga Deportiva Universitaria y posteriormente se pudo escuchar en otras barras de los equipos ecuatorianos.

Como normalmente sucede, los cánticos entonados en las gradas los adaptan desde algún tema anteriormente creado. En este caso, este cántico se deriva del coro de la canción “Morir de Amor” que se hizo conocido bajo la interpretación del cantante español Miguel Bosé.

“Morir de Amor” es el tema con el que abre el cuarto álbum de estudio del artista ibérico llamado simplemente “Miguel”, el cual fue publicado en 1980 en el cual, un muy joven Miguel Bosé aparece vestido de torero en claro homenaje a su padre, el afamado Luis Miguel Dominguín. Publicado para CBS y Sony

miguel bose miguel

De esta placa con la cual Bosé arrancó la década de los 80 se extraen conocidas baladas como “Morir de Amor” y “Te Amaré”, así como temas más movidos y esenciales en la discografía del hispano como “Don Diablo” y “Voy a Ganar”. En el caso de “Morir de Amor”, la canción fue originalmente escrita por otro grande la canción española como José Luis Perales para que Bosé la interprete. La versión de Perales salió en 1990 en el álbum “A Mis Amigos”, donde interpreta varios temas por el ideados, más interpretados por otros artistas.

Finalizamos el post con la interpretación original del tema. Cuya vestimenta y coreografía se podría a su tiempo catalogar de controversial, pero más allá de ello, el tema es grandioso.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
thriller main

La Llegada del Rey

El pasado 30 de noviembre se celebró el 35 aniversario de la llegada de “Thriller” a la historia de la música. Un álbum que no solo es célebre por los récords que batió, sino por el legado que dejó principalmente al pop.

Michael Jackson iniciaba la década de los 80 asentándose plenamente como un solista maduro pese a su aún corta edad. El predecesor de Thriller, “Off The Wall”, había tenido una gran repercusión entre crítica y fanaticada, entonces había que asegurar a uno de los responsables: el productor Quincy Jones. Sin embargo, el nuevo disco daría un paso más adelante, pues se pasó de los alegres y bailables funk y soul a un estilo más agresivo con altas dosis de rock, tal como lo exigiría el oído ochentero.

Con sesiones que se extendieron de abril a noviembre de 1982, Thriller fue un extenuante trabajo en alrededor de 30 canciones vieron la luz, pero que finalmente terminó publicando 9 temas, todos ellos tan fuertes que tenían el potencial de convertirse en sencillos, por lo que el disco se mantuvo vigente con mucho poder entre los años 1982 y 1984.

Previamente el disco tuvo su pequeño adelanto con la dulce balada “The Girl Is Mine” grabada en colaboración con Paul McCartney, la cual alcanzó el puesto 2 en la lista “Billboard Hot 100”. Para enero de 1983 se publicó como sencillo a “Billie Jean”, uno de los temas más emblemáticos temas con una de las líneas de bajo más famosas de la historia del pop y el rock. Totalmente funk y soul, pero más robusta que por ejemplo sus temas de “Off the Wall”. Billie Jean fue el sencillo mejor vendido de la discografía de Michael y permaneció 7 semanas como el número 1 de la lista de Billboard. Su ingenioso videoclip fue no sólo la puerta de entrada para los artistas negros hacia MTV, sino que dio a dicha cadena televisiva la repercusión masiva de la que gozó en los siguientes años.

El siguiente hit que sacudió a la audiencia fue “Beat It”. Tema con muchas guitarras y Rock and Roll que tuvo como invitado especial a Eddie Van Halen tocando el monumental solo de guitarra de esta canción. Con una temática anti violencia reflejada incluso en el videoclip, “Beat It” fue reconocida con los premios Grammy a “grabación del año” y como “mejor presentación vocal masculina de rock” en 1984. Por supuesto, también llegó al número 1 de la lista Billboard.

El álbum Thriller arranca con “Wanna Be Startin’ Somethin’”. Un tema cargado con toda la energía funk y de baile que tal vez nos puede trasladar a los años dorados del mítico “Soul Train”. Por supuesto, también fue editada como sencillo en mayo de 1983, ocupando el puesto 5 en Billboard como tope. Saliendo un poco de la energía vital y colorida de anteriores temas, el siguiente sencillo fue “Human Nature”, una balada compuesta por John Bettis y Steve Porcaro, tecladista de la banda Toto. Ya en otoño de 1983 se lanza otro sencillo que fue “Pretty Young Thing”, con otra celebración bailable y funk que seguía manteniendo al álbum en la cima de ventas y un totalmente disfrutable bajo sintetizado.

Del álbum original, los únicos temas que no fueron tomados en cuenta para ser sencillos fueron “Baby Be Mine” y “The Lady In My Life”, ambas con mucho que influenciar al posterior R&B. Sin embargo, el sencillo final, el homónimo “Thriller”, fue más allá en lo musical al mezclar lo más profundo del funk con el pop ochentero y aquellos acordes lúgubres que introducían una obra de terror complementada por el videoclip que es considerado como uno de los más importantes de dicha expresión artística al haber sido concebido como un cortometraje y con espectaculares coreografías y maquillaje fueron la sensación de inicios de 1984.

“Thriller” constituyó una máquina de récords. Estuvo 37 semanas como número 1 en la lista “Billboard 200” y es considerado el disco más vendido de la historia con 66 millones de copias certificadas y contando. En cuanto a premios, su producción obtuvo 8 premios Grammy, todos ellos recibidos en 1984. Su influencia hasta hoy se reproduce en artistas y producciones en géneros Pop y R&B en tal forma que se puede decir que “Thriller” confirmó a Michael Jackson como el indiscutible rey del género.

Thriller – Epic – 1984

thriller

  • Wanna Be Startin’ Somethin’
  • Baby Be Mine
  • The Girl Is Mine
  • Thriller
  • Beat It
  • Billie Jean
  • Human Nature
  • P.Y.T. (Pretty Young Thing)
  • The Lady In My Life
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
nmb1

La Revolución de Londres

Se han conmemorado 40 años desde que uno de los discos con la energía más cruda del rock se dio a conocer. “Never Mind the Bollocks, Here’s  the Sex Pistols” fue publicado un 28 de octubre de 1977, año que se podría considerar de plena ebullición del punk rock.

La búsqueda de un debut discográfico para esta banda británica fue por lo menos tortuoso, pues las polémicas presentaciones y comportamiento de la banda los habían hecho objeto de rechazo de diversos sellos discográficos hasta que finalmente Virgin “se animó” a trabajar con ellos, previamente despedidos por EMI y A&M Records, firmas bajo las cuales el disco había comenzado a ser elaborado y dentro de un plazo que tomó casi un año desde octubre de 1976 pudo ser terminado.

La grabación de “Never Mind the Bollocks…” pasó por “problemas de personal”, pues a inicios de 1977 el bajista fundador de la banda,  Glen Matlock, había sido reemplazado por John Beverley mejor conocido como “Sid Vicious”, de quien se dudaba ciertamente de sus habilidades como músico, mas su icónica imagen era fundamental para las presentaciones de los Pistols en vivo. Se buscó que Matlock termine con la grabación pero fue imposible por diferencias económicas, entre otras. En verdad Vicious solo grabó el tema “Bodies” y del resto se encargó el guitarrista Steve Jones.

sex pistols

 “Never Mind the Bollocks…” es un álbum esencial del género punk y del rock en general por su sonido tan clásico y que posteriormente sería tan icónico y referente.  Producido por Chris Thomas, contiene un sonido que es pilar para la forma como se entendería la música en años posteriores. La furiosa guitarra de Steve Jones en todos los temas con una poderosa distorsión y tocando casi siempre no más de tres acordes para evitar desviarse por el odiado camino de la sofisticación. Paul Cook con los contundentes y precisos golpes a la batería se suman a los gruñidos de John Lydon (en esos tiempos Johnny Rotten) para el completo coctel explosivo.

Un álbum con continuas polémicas, tal como fue la fugaz carrera de los Pistols. Arrancando con el mismo título del disco, pues “bollocks” en vocablo británico significa testículos. El primer sencillo publicado a fines de 1976 aún bajo el sello de EMI, la legendaria “Anarchy in the U.K.” abre con el manifiesto de la banda “I am an antichrist, I am an anarchist…” con el que se expresa con su inconformidad por el sistema. La mención en las letras de organizaciones paramilitares como el IRA o el UDA en su momento escandalizaron y dejaban el guiño provocador de su propuesta.

A inicios de 1977 se publica “God Save The Queen”, coincidiendo con el 25 aniversario de la llegada de Elizabeth II a la corona británica y con el solo hecho de tomar el título del Himno Nacional del Reino Unido ya cargaron de polémica al tema que insinuaba equivalencias entre la corona y el fascismo, pero en general abarca el desencanto de la clase obrera en tiempos de crisis como fueron el fin de los años 70 y finalizan con su apocalíptica sentencia: “no future”. El único tema de la banda que llegó a la cima de las listas británicas de popularidad.

Canciones cargadas de individualismo, nihilismo, críticas y polémicas. Cerca de 39 minutos de descarga de ira ante la insatisfacción de unos tiempos en los que la desesperanza parecía apoderarse de una generación que se estaba quedando sin respuestas y tuvo en el punk un momento por lo menos de expresión. Ya después vendrían tiempos mejores, aunque depende mucho de la perspectiva social con la que eso se mire.

Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols – Virgin – 1977

bollocks 1

  • Holidays in the Sun
  • Bodies
  • No Feelings
  • Liar
  • God Save the Queen
  • Problems
  • Seventeen
  • Anarchy in the U.K.
  • Submission
  • Pretty Vacant
  • New York
  • E.M.I.
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Aussies Pateando el Tablero en los 80

Durante los 80 el sonido New Wave no sólo que predominó, sino que mutó y adoptó diversos matices y ritmos para ir creando el abanico de opciones con las que se contó desde la segunda mitad de dicha década. Dichas opciones también tenían que ver con las diversas latitudes. Ya todo no provenía de Estados Unidos o la Gran Bretaña.

La fama de INXS tuvo constantes impulsos primero internos en su Australia natal para después proyectarse a un reconocimiento mundial que se reflejó en giras por Europa, Japón y Argentina. En enero de 1987 inició la grabación de “Kick” con Chris Thomas a cargo de la producción, famoso por sus trabajos en “Abbey Road” de The Beatles, “Dark Side of The Moon” de Pink Floyd y “Never Mind The Bollocks” de los Sex Pistols, además de haber tenido suceso con el predecesor álbum “Listen Like Thieves”.

Con una producción más orientada hacia el rock, “Kick” arranca con un tema muy robusto y guitarrero con “Guns In The Sky”, ideal para iniciar recitales y conquistar el público norteamericano, normal objetivo de cualquier artista. Sin embargo, el gancho comercial alrededor del mundo fue el sencillo que lanzaron poco antes de la publicación del álbum. “Need You Tonight” probablemente es el tema más famoso del catálogo de la banda, que bien pudo haber quedado en el olvido, es lo que cuenta la famosa anécdota de Andrew Farriss, quien previo viaje a Hong Kong para juntarse en labores creativas con sus compañeros, “se iluminó” y creo el hoy por hoy ultra conocido riff del tema, lo que retrasó su ida al aeropuerto con la consiguiente ira del taxista quien lo llevaba.

Al genio creativo de Michael Hutchence le costó un par de minutos elaborar las letras de uno de los temas más sensuales de la historia del pop y rock. Lo que parece un sencillo riff de guitarra en verdad son 2, aunque uno permanece por detrás dando la particular cadencia a la canción, manteniendo el ritmo con una batería distendida, además complementada con algunos sampleos y loops que le dan toques de dance, mientras que oportunas intervenciones de guitarras distorsionadas ponen el ingrediente rock. Tema completísimo a pesar de sus 3 minutos de duración. El disco finalmente salió al público el 19 de octubre de 1987

La apuesta de INXS sin duda era más rock y eso se plasmó en el siguiente sencillo de “Kick” que fue “Devil Inside”. Otra canción con un riff de guitarra muy famoso y cargado de distorsión. El duelo de guitarras entre el ritmo de Tim Farriss y la melodía de Kirk Pengiilly hicieron particularmente atractivo el tema para el público rockero, mientras los infaltables teclados de Andrew Farriss devolvían un poco del pop primigenio de la banda y todo se torna en una mezcla lista para una fiesta en la que se celebra la condición humana: el bien y el mal, la tentación y pasiones ocultas de las que hablan las letras “every single one of us the devil inside…”

Exaltación por la vida, la intensidad y persecución de emociones es lo que describe “New Sensation”. La energética batería de Jon Farriss transmite la energía hacia una guitarra imparable y los eternos trucos de su hermano Andrew, el mago detrás de aquellos sonidos que han hecho tan particular al sonido de INXS. “Live baby live, now that day is over / sleep baby sleep, now that the night is over”, parecen ser versos con un mandato de vida para su cosmovisión y su fanaticada: en la noche están las vivencias, las experiencias, la vida misma.

¿Qué sería de un álbum ochentero sin su balada? En el verano boreal de 1988 se publica el sencillo del tema “Never Tear Us Apart”, que fue compuesto originalmente en piano, sin embargo, los acordes fueron finalmente grabados con cuerdas. Así como se popularizó y se convirtió en uno de los temas más famosos de la banda. Cabe destacar el impecable solo de saxofón de Kirk Pengilly que da el punto de quiebre a la solemnidad de la canción y la vuelve en una pieza más sexy a la vez que clásica. Fue ideal la escoger a la ciudad de Praga como locación para grabar el videoclip del tema que es uno de los más sentidos a la hora de evaluar el talento interpretativo de Michael Hutchence, quien alcanza unas notas increíbles cantándolo.

Todos los temas fueron compuestos por el genio creativo de la banda: Andrew Farriss. También compuso en piano el cadencioso “Mystify”, que fue el quinto sencillo del exitoso álbum ya por el año de 1989 y junto al bajo funky de Garry Beers llevan un impresionante ritmo que apenas es complementado por las guitarras más la mágica voz de Michael Hutchence que en este caso es más bien un arrullo versus el poder desplegado en los otros sencillos.

Aparte de 5 sencillos exitosos y claramente reconocidos, “Kick” apuntó efectivamente a rockear con su tema homónimo, así como con “Guns In The Sky”, aunque no se olvidó de sus bases de pop australiano con temas que tenían un sonido similar al de sus obras predecesoras, tales como “Calling All Nations”, “Wild Life” o “Tiny Daggers”. En el caso de “The Loved One”, es un tema antiguo de la banda de R&B “The Loved Ones”, frecuentemente covereado por INXS y grabado en 2 ocasiones en su carrera.

“Kick” tuvo un espectacular suceso y con ello, premios y reconocimientos. Es por lejos el disco más vendido de la banda con aproximadamente 20 millones de copias reportadas. Certificó 6 platinos en Estados Unidos marcando la definitiva conquista del público norteamericano y en el Billboard Hot 200 llegó a la posición 4. El videoclip de “Need You Tonight” que se pasaba en conjunto con el tema “Mediate” (un cuasi rap) ganó el premio a video del año en los MTV Video Music Awards de 1988.

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Sin duda el punto más alto en la carrera de los australianos quienes disfrutarían de lo mejor de su carrera por los siguientes 5 años. Un álbum icónico del pop y rock de finales de siglo XX y sin duda, legendario para la música australiana.

Kick – Atlantic – 1987

INXS kick

  • Guns In The Sky
  • New Sensation
  • Devil Inside
  • Need You Tonight
  • Mediate
  • The Loved One
  • Wild Life
  • Never Tear Us Apart
  • Mystify
  • Kick
  • Calling All Nations
  • Tiny Daggers
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Las Puertas de la Percepción Musical 1967 – 1969

En la historia del rock tan ligada hasta nuestros días a movimientos llamados contraculturales existió un momento muy particular que se relaciona estrechamente al aparecimiento del flower power en Estados Unidos y el surgimiento de una corriente musical en el viejo continente, específicamente en Inglaterra. A pesar de su período corto, sin duda fue uno de los momentos más importantes por todo lo que acarreó cultural y musicalmente con el surgimiento de nuevas figuras en un momento álgido de la historia moderna: Vietnam en su máximo apogeo desde 1955, con la intervención de los Estados Unidos quienes a través de una operación de falsa bandera conocida como el incidente del Golfo de Tonkín que ocurrió el 31 de julio y 4 de agosto de 1967 y con la que “legitimaron” su intromisión bélica, la misma que como sabemos les costó demasiado caro. Estos contrastes de guerra por una parte de la sociedad y amor, paz y música en otra generaron una etapa muy surrealista.

A esta etapa se le liga mucho el aparecimiento y consumo en la sociedad del famoso dietilamida de ácido lisérgico más conocido como LSD que de cierta manera fue parte y sentó las bases de una revolución de expansión mental y musical. El químico suizo Albert Hofmann sintetizó por primera vez la sustancia en 1938 y en 1943 descubrió sus efectos por accidente al tomar un dosis demasiada alta antes de salir de los laboratorios Sandoz de Basilea hasta su domicilio en su famoso viaje en bicicleta.

Este uso recreacional de esta droga alucinógena (que usada en exceso puede ocasionar trastornos psiquiátricos adversos aunque actualmente nuevos experimentos han demostrado que también tiene efectos positivos en el tratamiento de enfermedades tan diversas como los trastornos de ansiedad crónica, tratamiento de adicciones como el alcohol o el tabaco o también la depresión), dio origen a varios trabajos musicales interesantes que, si bien tiene que ver mucho a la genialidad creatividad y capacidad artística, siempre han sido relacionados con el uso de esta sustancia durante su creación para abrir las puertas de la percepción y expandir la mente.

En esta ocasión y al cumplirse ya medio siglo de esta revolución, nos centramos en lo que creo que son los discos más icónicos de este período de la música sin un orden en particular:

Are You Experienced? – The Jimmy Hendrix Experience

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Debut de la banda británico americana liderada por el ya mítico Jimmy Hendrix, sería ya un ejercicio innecesario hablar de la revolución que generó Hendrix que tuvo que viajar a Inglaterra para encontrar el apoyo necesario y poder brindarnos uno de los discos que revolucionaria la historia del rock. Publicado en 1967, una amalgama de blues, psicodelia, ciertas referencias de jazz que sin duda lo convirtió en un punto de partida de donde se generarían sonido como el Hard Rock. Canciones con unas raíces bluseras como Red House, los sonidos más elaborados de “Maniac Depression” (se puede apreciar su influencia posterior en artistas como Lenny Kravitz); más hard rockeros como “Foxy Lady”, o la versión de una canción popular estadunidense” Hey Joe”. La importancia de este disco en la cultura es tal que se encuentra catalogado en el National Recording Registry de los Estados Unidos

Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band – The Beatles

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Otro disco editado en Inglaterra en 1967, de la mano de los famosos pero cambiados Beatles. Una oda a la psicodelia que generó una transformación radical en la parte musical (sin dejar su sonido pop) y visual del cuarteto de Liverpool que estaban cansados de ser “The Beatles Mod Top”. Encontramos temas ya con un sonido más  rockero como “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, canciones con un toque pop como “Lovely Rita” o “Fixing a Hole”, con una fuerte influencia de sonidos hindús y psicodelia en “Within You Without You” o la magnífica “ A Day in a Life”.

Una propuesta muy interesante que marcó un antes y después con sus siguientes discos donde recrudecieron su sonido y continuaron con sus innovaciones y complicados arreglos hasta su último trabajo en estudio el magnífico Abbey Road (a pesar de que cronológicamente su último lanzamiento fue el “Let It Be”).

The Doors – The Doors

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Surgidos en Los Angeles – Calfornia, uno de los grupos que supo desmarcarse musicalmente del resto de bandas que florecieron y desaparecieron en un abrir y cerrar de ojos, pese a que su existencia podríamos decir que también fue corta, sin embargo nos dejó una serie de discos que son considerados claves en la historia del rock. “The Doors” lanzado en el año 1967. álbum homónimo con el que debutaron, muestra una banda compacta formada por diferentes corrientes musicales, una mezcla de poesía y música, liderados por el carismático vocalista Jim Morrison, cuyas increíbles letras influenciadas por Nietzche, Huxley, etc.; fueron amalgamadas  por los sonidos diversos del resto de la banda: blues, jazz, etc. Incluyeron grandes clásicos de la banda las poderosas “Break On Through”; “Light My Fire”; “Back Door Man”; la hermosa balada “The Crystal Ship” y su tema más controversial: la psicodélica y edípica “The End”. Varias de estas canciones en su momento fueron censuradas por su fuerte contenido lírico. Un punto a favor que con tiempo favoreció a la leyenda y permanencia del grupo en siguientes generaciones fue su legado visual, siendo de los primeros grupos en grabar videos de sus temas.

The Piper at the Gates of Dawn – Pink Floyd

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Si The Doors marcaba la cancha en Estados Unidos, algo similar pasaba en Inglaterra con una banda que se desmarcó de todo lo que se estaba gestando allá, sentando las bases del rock psicodélico británico posteriormente devenido a el rock progresivo, art rock y algo en el avant garden: Pink Floyd que en mayo de 1967 lanzan su primer trabajo “The Piper at the Gates of Dawn”. Letras surrealistas, sonidos y arreglos experimentales  con cierto oscurantismo, incluso dos de los temas fueron censurados en su momento: “Arnold Layne” y “See Emily Play” para ser posteriormente rescatados en otras ediciones. Un disco a cierto punto difícil de escuchar, cuesta engancharse pero como todo gusto adquirido hay que hacerlo de a poco por lo que no podríamos destacar un tema que sobresalga del resto, todo el disco es muy lineal y no tiene algún tema que sobresalga, como se dijo anteriormente, hay que tenerle un poco de paciencia, aunque “See Emily Play” es un tema que podría recomendarse escuchar antes de seguir con el disco en sí al igual que Astronomy Domine.

Gimme Shelter I´m gonna fade away

Los problemas en las bandas y una serie de eventos desafortunados comenzaron a enterrar este movimiento siendo cronológicamente los más importantes:

En 1968 los problemas mentales (asociados entre otras cosas a sus excesos con LSD) empezaron a mermar la mente de Syd Barrett, letrista del grupo finalizando su salida  de Pink Floyd. Esto lejos de mermar al grupo le permitió expandir su creatividad musical y embarcarse en proyectos más ambiciosos orientados hacia el más elaborado y experimental rock progresivo.

Lennon anunció su retirada de la formación el 20 de septiembre de 1969 y Paul McCartney presentó una demanda para la disolución de The Beatles el 31 de diciembre de 1970.

El fin de esta etapa tiene como fecha referencial el 6 de diciembre de 1969 en el desastroso y accidentado concierto de los Rolling Stones en el Speedway Free Festival de Altamont que saldó 4 muertes y terminó con esta utopía de la filosofía amor y paz, permitiendo  el aparecimiento de nuevas corrientes y grupos. La desaparición de gran parte de grupos y en algunos casos la evolución y experimentación musical de los mismos como mencionaba anteriormente ocurrió con Pink Floyd.

Muchos de los héroes musicales comienza a desaparecer, así los  más icónicos fueron:

3 de julio de 1969 muere Brian Jones – The Rolling Stones

18 de septiembre de muere Jimmy Hendrix

4 octubre de 1970 muere Janis Joplin

3 Julio de 1971 muere Jim Morrison

Jorge Aguirre
Quito
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El Thriller del Rock

A finales de 1984 una banda oriunda del industrial Sheffield, Inglaterra, vivía un tremendo suceso. Def Leppard había vuelto más comercial su sonido “New Wave Of British Heavy Metal” con lo que llegó a mucho público de ambos lados del charco. Sin embargo, el infortunio golpearía a esta banda que de hecho, se ha caracterizado por la tragedia en su trayectoria. El baterista Rick Allen sufrió un accidente automovilístico que le arrancó un brazo. El futuro de la banda y la grabación de su siguiente álbum estaba en vilo, mas sus compañeros optaron por respaldar a Allen.

La recuperación de la salud de Rick tomó su tiempo, pues comprometió severamente su salud. Posteriormente la banda dispuso que se adapte a Allen una batería con varios componentes electrónicos que le permitió tocarla preferentemente con los pies hasta que pudo reaparecer en vivo en el festival “Monsters of Rock” en Donington siendo ya 1986 y exhibiendo una serie de cadencias y ritmos inusitados. Entre tanto las grabaciones fueron de lo más accidentadas, pues el vocalista, Joe Elliot, tuvo un cuadro de paperas, mientras que el productor, Robert “Mutt” Lange, tuvo su propio accidente, todo esto llevó a que el final de las mismas se extienda a inicios de 1987 y el álbum vio la luz un 3 de agosto de aquel año.

“Mutt” Lange es conocido por estar detrás de discos tremendamente exitosos como “Back In Black” de AC/DC, “Heartbeat City” de The Cars o “Come On Over” de Shania Twain. Había transmitido a la banda su intención de lograr el “Thriller” del rock, en referencia a la cantidad de sencillos que lanzó el aire aquel legendario disco de Michael Jackson. Hysteria se realizó con la intención de que cada tema sea un potencial single radiable y dicha premisa se consiguió al poder emitir 7 sencillos, algo prácticamente inconcebible para una banda de Heavy Metal.

“Hysteria” se dio a conocer en la Inglaterra natal de los “Leps” con el tema “Animal”. En el cual destacan los tradicionales “coro y respuesta” marca registrada de Def Leppard con perfecta sincronía entre las guitarras de Phil Collen y Steve Clark que no precisamente llevaban un sonido atronador y gozaron de muchas ventajas tecnológicas de estudio. Mientras tanto, en Estados Unidos debutaron con el tema “Women”, algo más solemne que el festivo “Animal” y con un videoclip sofisticado en el que incluía animaciones y una historia tipo cómic.

Después vendría la aclamación mundial. En el otoño británico la balada homónima del álbum, “Hysteria” se presentó como sencillo con su ritmo lento, sus guitarras dulces, casi de baile de salón, además de varios recursos de estudio que permitieron sincronizar las secciones cambiantes del tema. Sin embargo, la locura se desató cuando se presentó como sencillo a “Pour Some Sugar On Me” en los Estados Unidos en la primavera de 1988. Casi en simultáneo al lanzamiento del álbum, Def Leppard había emprendido una gira mundial para su promoción y en muchos de los recitales usaron un innovador escenario de 360 grados en el medio de la locación. Dicha experiencia fue registrada en los espectáculos de Denver y se utilizó principalmente para el diseño del videoclip de esta, tal vez la canción más famosa de la banda.

En el espíritu rock – glam de “Pour Some Sugar On Me”, se edita el sencillo de “Armaggedon It” con mucha guitarra, con Rick Savage empujando desde atrás con los coros y el bajo, mucha energía y matices en la voz de Joe Elliot y un videoclip prácticamente continuación de “Pour Some…” A esas alturas el éxito en los Estados Unidos era total con una gira que agotaba localidades donde vaya y un disco que había certificado diamante (más de 10 millones de copias vendidas). Tal era el impulso mediático y comercial que la banda se anima a sacar al mercado un sexto sencillo que fue la balada “Love Bites”, dramática y repleta de efectos en las guitarras de Collen y Clark. Para 1989 y una vez que había finalizado la gira mundial, se editó un último sencillo con el poderoso tema “Rocket” que hace un repaso u homenaje a la cultura pop británica tanto en sus letras como en la producción de un videoclip en el que se observa la influencia total de las telecomunicaciones.

Más allá de los sencillos, Hysteria ofrece un cúmulo brutal de sensaciones con temas frenéticos como “Run Riot” o “Excitable”, energéticos como “Don´t Shoot The Shotgun”, solemnes como “Gods of War” o nostálgicos como la dulce “Love And Affection”. Todos aquellos con la cinemática que aporta el bajo de Savage que jamás es opacado por las bien producidas guitarras que de todas formas dominan.

def leppard 1987

“Hysteria” es un fenómeno ochentero por excelencia. Alcanzó el número uno en las listas tanto británicas (UK Top 40) y norteamericanas (Billboard 200). Se le conocen más de 20 millones de copias vendidas alrededor del mundo, se considera “la obra maestra” de la banda y sin duda, el pico de su popularidad, para pasar a unos 90 más modestos que incluyeron el dolor del fallecimiento de Steve Clark. Disco imprescindible para entender el “glam rock”.

Hysteria – Mercury – 1987

def leppard hysteria

  • Women
  • Rocket
  • Animal
  • Love Bites
  • Pour Some Sugar On Me
  • Armaggedon It
  • Gods Of War
  • Don’t Shoot The Shotgun
  • Run Riot
  • Hysteria
  • Excitbale
  • Love And Affection

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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El Furioso Grito de las Calles

Pocos sonidos pueden evocar con tanta crudeza la sordidez de una metrópoli convulsa como Los Ángeles como el inicio de “Welcome To The Jungle”. Los Guns N’ Roses llegaban a darle un baño de realidad a la escena “Glam Rock” del Sunset Strip y con su música descarnada conquistaron la voluntad de millones.

Este 21 de julio se cumplieron 30 años desde que la exitosa banda norteamericana lanzó al público su álbum debut “Appetite For Destruction”. A través de aquellos díscolos jóvenes, David Geffen tendría por pocos años un negocio millonario, pero “domarlos” no fue fácil. Estos talentos vivían una vida totalmente caótica y trastornada por el alcohol, las drogas y la sórdida bohemia de las calles angelinas. Ahí estaban 2 revoltosos amigos del alma (Slash y Steven Adler), 2 cuasi campesinos del Estado de Indiana (Axl Rose e Izzy Stradlin) y un chico inteligente aunque adicto de Seattle (Duff Mc Kagan) persiguiendo sus sueños en el ambiente más malsano posible.

En la primavera de 1987 y tras agotadoras sesiones, concibieron a un álbum que demoraría en causar conmoción, pero ¡vaya sí lo haría! Lo que sí, para dar su golpe de gracia, estos “rebeldes” tuvieron que aparecer en el Mainstream. Tras todo el lobby que Geffen ejerció en la cadena MTV, sus ejecutivos accedieron a pasar en el peor horario posible (domingo 4 A.M.) el videoclip de “Welcome To The Jungle”, mas el resultado fue fabuloso.

Mucha gente pidió su continua rotación, muchos otros se lanzaron a comprar un disco que no tenía hasta ese entonces las ventas deseadas. El tema llega inspirado en el arribo de Rose a Los Ángeles a buscar a su amigo Izzy quien había migrado con anterioridad. Pasó la noche en el patio de un colegio y ahí fue cuando un sujeto afro descendiente le profirió el célebre verso: “D’You know where you are? You’re In The Jungle, You’re Gonna Die” (¿sabes dónde estás?, estás en la jungle, vas a morir). Aquel aterrador recibimiento marcaría a Rose y reflejaría en el hit que dio a conocer a Guns N’ Roses al mundo. Hablando de la dura realidad de Los Ángeles con guitarras estridentes, un bajo poderoso y batería enérgica.

Sin embargo, el éxito total llegaría como a muchas bandas de la escena ochentera, a través de su “balada”. Lo que era un “torpe ejercicio” de guitarra de Slash enseguida fue secundado por Stradlin y tres acordes, a lo que se sumaría la batería de Adler y algo en secreto, las letras de Rose en homenaje a Erin Everly, su novia de aquellos tiempos “She’s Got Eyes Of The Bluest Sky…”. El resultado atrajo a una multitudinaria fanaticada femenina y el éxito de “Sweet Child O’ Mine” fue rotundo. Un clásico imprescindible.

Un grandioso sencillo del álbum es “Paradise City”, otro tema acerca de Los Ángeles y su decadencia. Acá la transición entre un ritmo sosegado y uno más violento es la delicia del oyente, pues especialmente al ser tocada en vivo lo lleva a estadios de calma y euforia a la vez siendo hipnotizado por esa atrapante sucesión de notas de guitarra y bajo muy de hard rock. Acá la marcial batería de Adler en el comienzo engancha rápidamente, mientras los aullidos de Axl y sus “take me home” hacen delirar a miles. Acá Rose haría gala de los increíbles rangos vocales y quiebres que lo harían famoso e idolatrado.

Además de aquellos sencillos sumamente exitosos, “Appetite For Destruction” está lleno de temas poderosos. El primer y no tan exitoso sencillo “It’s So Easy” imaginado en la cabeza del bajista Duff Mc Kagan, lo que se refleja en la atrapante línea de este instrumento. Hablando de insatisfacción y rabia. Esta también un gran clásico  que es tocado con regularidad en los recitales de los Guns o de cualquiera de sus miembros en otros proyectos en solitario que es “Mr. Brownstone”. Se trata de una oda a la adicción a la heroína por la que pasaba el guitarrista Izzy Stradlin quien se luce con su clásica técnica de acordes entrecortados y soberbios palm mutings que son tan enigmáticos y a la vez tienen tanta personalidad.

Habíamos hablado de la influencia femenina en “Sweet Child O’Mine”, pero la misma es recurrente en todo el álbum. Por ejemplo, “My Michelle” es dedicada a una amiga de la banda con dicho nombre, “Think About You” es sobre una chica con la que a su tiempo salieron varios miembros de la banda e incluso Rose la tiene tatuada en el brazo, “You’re Crazy” es inspirada en una dama que atacó a Rose con una botella, mientras que la historia de “Rocket Queen” es algo más polémica, pues los conocidos gemidos que se escuchan en la pista son reales y producidos por la novia de Steven Adler mientras tenía relaciones con Axl. El baterista no se lo tomó bien cuando supo el origen de los mismos y de hecho, sería el punto de partida de las fricciones de la banda.

Temas vertiginosos como “Anything Goes”, a la insanidad mental como “Out Ta Get Me”, al alcohol como “Nightrain” no pierden los elementos que caracterizan este disco: la impresionante capacidad vocal de Axl Rose con sus gritos y aullidos, el innegable virtuosismo de Slash, el talento creativo y el alma en la guitarra de Izzy Stradlin, el punzante ritmo del bajo con púa de Duff Mc Kagan y la precisión y energía de la batería de Steven Adler.

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Originalmente “Appetite For Destruction” había concebido un portada que resultaba algo controversial por lo violento de su imagen, donde entre otras cosas se insinúa una violación, por lo que finalmente acabaron con la conocida portada negra con una cruz en el medio y los integrantes caracterizados como calaveras. Originalmente el álbum iba a ser producido por Paul Stanley de Kiss, quien finalmente fue rechazado y el trabajo estuvo a cargo de Mike Clink.

“Appetite For Destruction” es el álbum debut mejor vendido en la historia de los Estados Unidos y se le presume alrededor de 30 millones de copias vendidas alrededor del mundo. Alcanzó el número uno en la lista “Billboard 200” en 1988 y en Estados Unidos certificó 18 veces disco de platino. El sencillo de “Sweet Child O’ Mine” así mismo llegó al primer lugar en la lista “Hot 100” de Billboard.

Guns 1987

Guns N’ Roses con “Appetite For Destruction” inició el camino a un efímero pero legendario paso por la cima del rock and roll con sus polémicas, excesos, pero sobretodo, por sus canciones llenas de sentimientos descarnados mas sinceros.

Appetite For Destruction – Geffen – 1987

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  • Welcome To The Jungle
  • It’s So Easy
  • Nightrain
  • Out Ta Get Me
  • Brownstone
  • Paradise City
  • My Michelle
  • Think About You
  • Sweet Child O’Mine
  • You’re Crazy
  • Anything Goes
  • Rocket Queen
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol