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La Bola de Nuevo a la Cancha Joven

A mediados de los años 1970 había un vuelco a la cultura musical joven, mientras la pomposidad del progresivo se sentía cada vez más alejado de la realidad y el público adolescente, frente a tiempos problemáticos, la respuesta fue volver a las bases, aunque los mismos músicos de esta “nueva ola” no querían responder ante ninguna influencia del pasado.

 En el marco de esta revolución urbana, con Nueva York incubando el sonido, uno de los grupos favoritos del repertorio del CBGB estaba grabando su primer disco. “The Ramones”, empleó un par de días y menos de 7 mil dólares para su producción, de eso se trataba el “punk”, término que para aquellos días aún no era tan grato de utilizar, pues sonaba muy crudo, por eso Seymour Stein, fundador del sello discográfico “Sire” prefirió bautizarlo como “New Wave” (nueva ola).

El disco debut de “The Ramones”, homónimo al nombre de la banda es una explosión de frenesí y guitarras de algo menos de media hora. Canciones con 3 o 4 acordes sin los característicos y tal vez auto complacientes solos de guitarra de los tiempos, coros energéticos y un ritmo constante e incansable con un muy puntual Tommy Ramone en la batería y Dee Dee Ramone sosteniendo en el bajo a la ya desquiciada guitarra. Serían la piedra fundacional de un movimiento que tendría a finales de la década su mayor explosión y que definiría al sonido de los siguientes años, aunque desde luego, con otros matices menos rudimentarios.

 El álbum “The Ramones” en realidad tuvo poco suceso comercial, publicado el 23 de abril de 1976, sin llegar a las 500 mil copias vendidas y alcanzar solo el puesto 111 en las listas de Billboard, mas en el camino se convirtió en álbum de culto para el sonido más primigenio y cavernario del género con el inconfundible poder de la guitarra Mosrite de Johnny Ramone. Tan solo promocionó 2 sencillos, el icónico “Blitzkrieg Bop” y su ya característico grito de guerra: “Hey, Ho,Let’s Go!” y la balada “I Wanna Be Your Boyfriend”, tema más lento del disco y prueba irrefutable que hasta el punk más feroz tiene su lado romántico.

Joey Ramone, vocalista de la banda, afirmó que estas primeras canciones salieron de sentimientos de aislamiento y frustración, “los que todos sienten entre los 17 y los 75 años”, tales como “Listen To My Heart” o “I Don’t Want to Walk Around With You”. En realidad, el disco tiene mucho de espíritu infantil si tomamos en cuenta la inspiración de “Beat On The Brat” (una madre persiguiendo con un bate de béisbol a su hijo), los miedos de las tempranas edades a monstruos o criaturas extra terrenales reflejados en “Chain Saw” o “I Don’t Wanna Go Down to the Basement”, el uso de alcohol o drogas contra la desidia y aburrimiento, tal es el caso de “Judy Is a Punk” o “Now I Wanna Sniff Some Glue”. También se exponen problemas sociales de una Nueva York decadente, como la prostitución en “53rd and 3rd”.

ramones 1976

 

Con un presupuesto escaso, equipos que apenas cumplían los mínimos requisitos y un conocimiento musical que pasaba la suficiencia, pero que desbordaba actitud. “The Ramones” terminó siendo una de las mayores influencias musicales de finales del siglo XX. Base de la cual parte el movimiento que en la Gran Bretaña liderarían los Sex Pistols o The Clash, inspiración para la movida alternativa noventera (Nirvana, Green Day) y aliento para miles de muchachos que vieron en al gruñido de las guitarras, un canal de expresión de sus propias inquietudes. Hay que hablar también de la carátula del álbum, pues también dictaría la manera de vestir del “punk que se respeta”: los jeans de tubo y la chaqueta de cuero inconfundibles en quien gusta del sonido trepidante de los acordes en quinta y los temas de menos de 3 minutos.

 

The Ramones – 1976 – Sire

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  • Blitzkrieg Bop
  • Beat on The Brat
  • Judy Is a Punk
  • I Wanna be Your Boyfriend
  • Chain Saw
  • Now I Wanna Sniff Some Glue
  • I Don-t Wanna Go Down to the Basement
  • Loudmouth
  • Havana Affair
  • Listen to my Heart
  • 53rd & 3rd
  • Let’s Dance
  • I Don’t Wanna Walk Around With You
  • Today Your Love, Tomorrow the World
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Canciones de las Gradas (Parte 9)

“Porque la vuelta vamo’ a dar, yo no te dejo de alentar…” es el estribillo que muchas barras solían (?) cantar en los escenarios deportivos de Ecuador y América adaptando a sus respectivos equipos de sus amores mientras los apoyaban en sus partidos. En esta edición de “Canciones de la Gradas”, hablamos de su origen.

La melodía de este ya clásico cántico es tomada del tema “Corazón Mágico”, interpretada por el cantante español Dyango. Nacido en Barcelona en 1940 y bautizado como como José Gómez Romero. Es una de las voces más importantes de la música romántica hispanoparlante.

dyango

“Corazón mágico” forma parte del décimo quinto álbum publicado por el artista catalán allá por el 1984 titulado “Al Fin Solos”. Es uno de los temas reconocibles del mismo junto a “¿A Dónde Vas Amor?” y “Esta Noche Quiero Brandy”. El disco fue producido por el afamado compositor Luis Gómez Escolar y si hablamos específicamente de “Corazón Mágico, fue compuesta además de por Gómez Escolar, por Julio Seijas y Honorio Herrero. La placa entera fue publicada por el antiguo sello discográfico EMI.

Dyango es muy conocido por haber interpretado a lo largo de su extensa carrera preferentemente música romántica y baladas, no por nada se lo conoce como “la voz del amor”, sin embargo, al adaptación que las hinchadas hacen de este tema dista de estar a ritmo de balada y de hecho (y como corresponde) es mucho más animada. Lo que haría irreconocible respecto a la versión original, salvo por su melodía característica, que en el caso de los futboleros, toma el coro.

Dyango es un artista que tuvo mayor éxito en Latinoamérica que en su España natal, por lo que sería algo lógico que uno de sus temas, tal vez el más famoso, forme parte de la identidad cultural del fútbol de la región. Se podría rastrear sus orígenes desde la barra de la Universidad de Chile “Al león, yo lo llevo en el corazón…”

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
rompan todo

Del Génesis al Evangelio del Rock Latino

Al más puro estilo de “Las 7 Edades del Rock” o cualquiera de los especiales cronológicos de las grandes cadenas como MTV o Much Music, se realizó una producción que relate al historia del Rock hispanoparlante. “Rompan Todo”, transmitido por la plataforma Netflix, buscó explicar en 6 capítulos la historia de un género que ha tenido un sinnúmero de matices, influencias y puntos de partida en una región que a veces pareciera que lo único que tiene en común es el idioma, pero al final es mucho más que eso.

Hubo un eje estrictamente histórico en el que se repasa cómo la música juvenil pasó de una simple imitación a la escena que sucedía en las naciones angloparlantes a incorporar elementos originarios de cada país, sin necesidad de ser tradicionalista. Si la identidad del latinoamericano está en el mestizaje, el rock latino justamente se podría definir como un mestizaje de sonidos, siendo el rock propiamente, como sonido americano, un sonido de por sí mestizo. Es así como la imitación y traslado de éxitos pop en inglés al español como en México sucedía con Enrique Guzmán y sus Teen Tops inició la ruta para después lograr un sonido similar a los monstruos del rock de los 1960s., como Los Shakers de Uruguay.

shakers

Muchas veces ese mestizaje dependió de las tendencias de los tiempos. Hubo momentos de mayor conexión con las raíces como en los años 1970s, donde destacaron Los Jaivas de Chile por ejemplo. También en los años 1990s, en los cuales la fusión es el encantamiento hacia las nuevas generaciones. Desde México Café Tacuba, en Colombia Aterciopelados o en Argentina con Los Fabulosos Cadillacs definen una identidad que definitivamente se consolida.

cafe_tacuba

La evolución comercial del movimiento también es abordado en esta serie documental. Si bien en las décadas de 1960s y 70s, el público joven caía en histeria colectiva en presentaciones como las de Sandro, sería Soda Stereo la banda que introduciría el súper estrellato en la escena latina. El éxito comercial es principalmente enarbolado por Maná, probablemente la banda que más discos y boletos de concierto haya vendido y que cante en Castellano en la historia. Su participación en el documental fue muy del disgusto de “puristas”. La aparición de una señal latinoamericana para la cadena MTV significó una excelente vitrina para una escena que se expandió aceleradamente en la última década del Siglo XXI.

soda 80s

El eje político es un factor transversal y absolutamente fundamental en la historia del rock latinoamericano. La historia de la región se ha caracterizado por episodios turbulentos y una eterna sensación de insatisfacción de la gente hacia el accionar de sus gobernantes. Si el rock nació como una propuesta contracultural, en Latinoamérica pudo en muchos casos canalizar esa insatisfacción generalizada, lo que también muchas veces trajo problemas a los artistas. Prácticamente en todos los capítulos de la serie se abordó del tema político con artistas que se han caracterizado por ese contenido como: León Gieco, Los Prisioneros, Molotov, Bersuit.

los prisioneros

Así fue como rompan todo buscó mencionar la mayoría de personajes que han recorrido un movimiento con varias generaciones de protagonistas y que han derivado en lo que se escucha actualmente que es la música con más adaptación tecnológica y el hoy por hoy todopoderoso reggaetón. Sin duda a través de redes sociales se manifestó insatisfacción por omisión de algunos favoritos de quienes comentaron o exceso de protagonismo de otros, sobretodo los que han tenido relación creativa con Gustavo Santaolalla, quien de hecho forma parte de la producción ejecutiva de la serie. Se acusó tal vez de falta de no dar el suficiente espacio que ha sido generado por mujeres a lo largo de la historia del movimiento y que su espacio más bien llegó al final cuando tomaron la palabra Julieta Venegas o Mon Laferte.

julieta venegas

Podríamos decir que el esfuerzo por abarcar la mayoría de países con sus detalles precisos fue titánico y el producto final es de bastante buena calidad y especialmente entretenido para el melómano y fanático de la historia. Siempre es reconfortante escuchar voces autorizadas como Álex Loras, Charly García, Fito Páez o Andrés Calamaro hablar de lo que sucedía en sus mayores momentos de fama y gloria. Tal vez hubiera sido bueno juntarlo más con la escena española, que ha venido siempre muy de la mano para la audiencia americana. Con sus omisiones, se trató de una producción absolutamente mirable y recomendable.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
obituario 2021

Obituario 2020

El 2020 fue un año en que la muerte fue más habitual para la humanidad que desde hace mucho tiempo, digamos que desde la Guerras Mundiales. La pandemia de Covid 19 se llevó millones de vidas alrededor del mundo y no solo por las complicaciones propias de la enfermedad, sino por la atención médica que se mermó en opciones e incluso por las complicaciones económicas que generó. En el mundo del deporte y la cultura popular hubo mucho que lamentar al respecto. Un año que mucha gente preferirá olvidar.

El 25 de noviembre el mundo del fútbol perdió uno de sus nombres icónicos y fundamentales: Diego Armando Maradona falleció a los 60 años víctima de complicaciones pulmonares. El “pelusa” será siempre recordado por su decisiva participación en la obtención de la Copa del Mundo de México 1986 por la Selección Argentina. Siempre celebrado su paso por la albiceleste y por clubes como: Argentinos Juniors, Boca Juniors, FC Barcelona, Napoli, Sevilla, Newell’s Old Boys. Tal vez no fue lo más brillante y oficiaba como Director Técnico de Gimnasia y Esgrima de La Plata en el momento de su deceso. Su vida personal llena de polémicas y excesos lo llenaron de detractores, mas nunca pasó desapercibido. Homenajes a su memoria hubo por todas partes.

 paolo rossi

El mundo del fútbol despidió a algunos de sus grandes campeones. Se fue de este mundo Paolo Rossi, delantero italiano muy recordado por ser goleador y máxima figura del Mundial de España 1982. Falleció también Jack Charlton, integrante de la selección de Inglaterra campeona de 1966 y estratega de Irlanda en el Mundial de 1990. No fue campeón del Mundo, pero disputó las finales de las Copas del Mundo 1974 y 1978, el atacante neerlandés Rob Rensenbrink, quien también nos dejó este año. Muy tempranera fue la partida de Papa Bouba Diop, el futbolista senegalés, conocido por anotar el primer gol del Mundial Japón – Corea 2002, sorprendiendo a Francia. Falleció también Radomir Antic, entrenador nacido en la ex Yugoslavia y que destacó en la liga española en los años noventa.

Antes que la pandemia tome las dimensiones conocidas, una inesperada muerte sacudió el mundo del deporte. Kobe Bryant, basquetbolista estadounidense falleció a los 41 años víctima de un accidente mientras viajaba en helicóptero junto a su hija Gianna Maria y otros 8 acompañantes y tripulación. Considerado como uno de los mayores exponentes en su deporte, defendió durante 15 temporadas la camiseta de Los Ángeles Lakers con la cual se consagró 5 veces campeón de la NBA (2000, 2001, 2002, 2009, 2010), además de liderar a la selección olímpica de Estados Unidos a la obtención de la Medalla de Oro en Beijing 2008. El mundo lamentó la partida de Stirling Moss, piloto de Fórmula Uno subcampeón en varias temporadas de los años 1950s e insigne de la época fundacional de la categoría.

 leonel montoya

Figuras entrañables en la dirección técnica del fútbol latinoamericano partieron al más allá. Se lamentó el fallecimiento de Alejandro Sabella, estratega argentino que llevó a disputar la final del Mundial Brasil 2014 a la selección de su país, además de haberse consagrado campeón de América con Estudiantes de La Plata en 2009. Gabriel Ochoa Uribe, uno de los más grandes entrenadores de fútbol en Colombia dejó este mundo. Famoso por dirigir a Millonarios y América de Cali en sus mejores momentos locales e internacionales como los 60 con los bogotanos y los 80 con los caleños. Estrategas vinculados al fútbol ecuatoriano como: Leonel Montoya, colombiano, destacado por conducir a Liga Deportiva Universitaria al bicampeonato ecuatoriano y a semifinales de Copa Libertadores entre 1974 y 1976 ; Luis Grimaldi, uruguayo, quien dirigió la selección ecuatoriana, además de planteles como: Emelec, Liga de Quito y 9 de Octubre u Oscar Blanco, argentino quien jugó en y dirigió a Emelec en sus etapas como jugador y entrenador.

 amadeo carrizo

 

Argentina y Latinoamérica lamentaron la partida de futbolistas insignes en su posición y en la historia como el portero Amadeo Carrizo, el lateral izquierdo Silvio Marzolini o el carismático volante Tomás “trinche”Carlovich. En otro deporte, falleció el legendario tenista peruano Álex Olmedo, ganador de los Grand Slam de Australia y Wimbledon en los años 50 y cuya habilidad le valió para que Estados Unidos lo integre en su equipo de Copa Davis.

El plano de la dirigencia deportiva también se vio afectado en el 2020. Falleció Lorenzo Sanz, quien presidió al Real Madrid entre 1995 y 2000, siendo una de las primeras víctimas “famosas” del Covid 19. Falleció también el médico y político uruguayo Tabaré Vázquez, quien presidió al Club Progreso de su país y años después presidió su nación durante 2 períodos distintos. En Ecuador dejó este mundo Omar Quintana, quien fue conocido dirigente de 9 de Octubre y Emelec, además de destacar en la política como Presidente del Congreso ecuatoriano. También de las primeras víctimas del corona virus.

 dannes

 

Los decesos de futbolistas ecuatorianos causaron conmoción en el país. A mediados de año falleció Carlos Luis Morales. “Pestañita” fue portero campeón con Barcelona SC en: 1985, 1987, 1989 y 1991 y jugador fundamental para que el cuadro guayaquileño dispute la primera final de Copa Libertadores de un cuadro ecuatoriano. Además de ser titular de la Selección Nacional en los años 1980s y 90s. Su carisma lo llevó a la pantalla de televisión donde fue presentador de noticias y finalmente terminó incursionando en política. Mientras ejercía el cargo de Prefecto del Guayas enfrentó acusaciones de corrupción y la muerte lo sorprendió en dicho trance. Falleció también Dannes Coronel, zaguero lateral derecho, que vistió las camisetas de: Emelec, El Nacional y Barcelona, además de vestir la camiseta del la Selección ecuatoriana en los 1990s. En una posición, pero años antes jugaba Ecuador Figueroa, defendiendo a la Selección, Emelec, Liga de Quito o Liga de Portoviejo. También dejó este mundo, así como también se fue Iván “clavo” Caicedo, figura de Deportivo Cuenca en los 1970s. El arbitraje lamentó la pérdida de Rosa Canales, jueza de línea pionera a inicios del Siglo XXI en la incursión femenina en el fútbol ecuatoriano.

El mundo de la música lamentó varias pérdidas notables. Después de varios años batallando por su salud falleció el guitarrista Eddie Van Halen, muy popular en los 1980s con la banda de su apellido y considerado uno de los más virtuosos con su instrumento. Hablando de rock, uno de sus nombres fundacionales dejó este plano existencial: Little Richard “el arquitecto del rock”. Falleció también Kenny Rogers, uno de los cantantes más famosos de la música country. Reconocidos músicos de rock nos dejaron con Neil Peart, baterista de los canadienses “Rush” o el líder de los británicos “The Outfield”, Tony Lewis. El mundo de la música y el cine sufrió con la pérdida del director de orquesta Ennio Morricone, compositor de varias clásicas bandas sonoras del séptimo arte.

El pentagrama hispano parlante tuvo mucho de luto también, como con la pérdida del gran cantante y compositor mexicano Armando Manzanero, cuyas creaciones llevaron a la fama y gloria a muchos artistas del continente y más allá. Fue una de las últimas víctimas del Covid 19. Nos dejó también el líder de la agrupación española “Jarabe de Palo”, Pau Donés. También nos dejó el compositor, cantante y artista multifacético español Luis Eduardo Aute. En cuanto a géneros latinos, partieron de este mundo el salsero puertorriqueño Tito Rojas y el popular merenguero dominicano Sandy Carriello “Sandy MC”.

naya rivera

Las pantallas grande y chica se despidieron de figuras icónicas y estrellas emergentes. Tras 103 años de existencia se fue de este mundo Kirk Douglas, el genial Espartaco y tras cumplir 90 se fue el inolvidable Agente 007, Sean Connery. Hablando de la saga de James Bond, falleció Honor Blackman, una de las célebres chicas Bond de los 1960s. Partió al más allá Rhonda Fleming, clásica actriz de la época dorada de Hollywood y Olivia de Havilland, la última sobreviviente del reparto de “Lo Que El Viento Se Llevó”. Lamentable fue saber que el cáncer se llevó al joven actor Chadwick Boseman, quien recientemente interpretó a “Black Panther”, enfermedad que también se llevó a la actriz Kelly Preston y al director Joel Schumacher. Se nos fue Conchata Ferrell, la popular “Berta” de “Two And a Half Men”, además que el actor Andrew Jack también fue otra víctima del corona virus. Una lamentable así como sorprendente pérdida fue la de Naya Rivera, la popular “Santana Lopez” de “Glee” en un incidente que la terminó ahogando en el Lago Piru de California. Falleció a los 92 años Jerry Stiller, conocido por varios papeles cómicos en cine y televisión (Zoolander, Seinfeld, etc.)

Fallecieron grandes personalidades de la creación de humor en América Latina. Joaquín Salvador Lavado “Quino”, el reconocido caricaturista argentino creador de “Mafalda” dejó este mundo, así como los humoristas mexicanos: Héctor Suarez, principal actor de producciones como “La Cosa” y “¿Qué Nos Pasa?” y Manuel “El Loco” Valdés, notable figura de la época de oro del cine de su país. Si hablamos del cine de oro mexicano, recordamos también la partida de Guillermina Jiménez Chabolla, “Flor Silvestre”, actriz y cantante emblemática.

flanagan

Falleció Jens Nygaard Knudsen, quien se lo podría considerar el padre de LEGO, juguetes que nos han entretenido a generaciones. El mundo de la moda perdió a grandes exponentes como el ítalo-francés Pierre Cardin y el japonés Kenzo Takada. El universo WWE lamentó la partida de James Arthur Harris “Kamala”

En Ecuador fallecieron personalidades como el periodista Jorge Ribadeneira Araujo “Soflaquito”, de dilatada trayectoria en rotativos como El Comercio y Últimas Noticias. El escritor guayaquileño José Antonio Gómez Iturralde, quien durante años fue director del Archivo Histórico del Guayas. La compositora y cantante de música tradicional ecuatoriana Mercedes Mendoza Suasti. Personalidades de la política como ex Vicepresidente Luis Parodi o el activista y catedrático Leonardo Vicuña.

Alrededor del mundo se supo de la partida de políticos como el ex Secretario General de las Naciones Unidas, el peruano Javier Pérez de Cuéllar, el antiguo dictador keniano Daniel Arap Moi o el ex Presidente egipcio Hosni Mubarak.

Edison Guapaz Zambrano
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liveislife

Canciones de las Gradas – Edición Maradoniana

La partida de Diego Armando Maradona ha causado mucho pesar en el ambiente futbolero, la expresiones de gratitud y dolor se han multiplicado por la partida del 10, así como los hechos más destacados de su carrera que hicieron sonreír a tantas personas.

Una de esas particularidades ha sido resaltar aquel informalmente reconocido como “el mejor calentamiento del mundo”, que durante la previa del juego que se debía disputar entre el Bayern de Munich y el Napoli por las semifinales de la Copa de la UEFA (hoy Europa League), un 19 de abril de 1989, rompió el molde de una entrada en calor clásica y el periodista belga Frank Raes se dio el trabajo de editar y publicar en YouTube varios años después, ganando en fama con el pasar de los años y tal vez ahora más que el “Pelusa” se ha ido. El fondo musical que se entonaba y se escucha es el tema “Live is Life” de la agrupación austriaca “Opus”.

Mientras nos fascinamos viendo como Diego Maradona dominaba el balón como si fuera una parte más de su cuerpo y sincroniza perfectamente con la melodía ochentera, nos detenemos un poco en la canción. Como se mencionó antes “Live is Life” fue grabado por el grupo austriaco “Opus” en 1984 justamente en vivo, dentro de un álbum homónimo publicado bajo este formato, aunque con distribución europea, por lo que esta canción se incluyó para Estados Unidos y Canadá en el álbum de estudio “Up and Down”, también publicado en 1984.

“Live is Life” es un clásico ejemplo de lo que se conoce como “One Hit Wonder”, es decir, cuando un artista tiene un gran éxito pero no registra nada cercanamente similar durante su trayectoria. Por ello es difícil encontrar o hacer memoria de algún otro tema referente, salvo en la propia Austria o quizás en países vecinos. El tema fue concebido en giras y su grabación incluye coros del público. No es difícil inferir que el tema habla mayormente del éxtasis de las presentaciones en vivo y la conexión con la gente por parte del o los artistas.

Una canción que prácticamente no tendría sentido sin los coros del público. A ritmo casi de reggae, con guitarras preferentemente acústicas y teclados muy de los años 80, se convirtió en uno de los sonidos clásicos de dicha década y su coro (na-na na-na-na) es inconfundible. Alcanzó el número uno en las listas de éxitos de Austria, su tierra natal, y también en: Canadá, España, Francia, Suecia y la en ese entonces Alemania Occidental entre los años de 1984 y 1985. El sencillo sobrepasó fácilmente en millón de copias vendidas alrededor del mundo y ha tenido varias reediciones con el transcurso de los años.

 Esta canción volvió al reconocimiento público, justamente en asociación al espectacular calentamiento protagonizado por Diego Maradona y formó parte de los homenajes a raíz de su fallecimiento, tanto vía redes sociales, así como recreando al menos la banda sonora, como fue en el caso del Ajax previo a su duelo por Champions Legue ante el Midtjylland. Este homenaje habría sido pedido por el lateral izquierdo argentino Nicolás Tagliafico, quien milita en el club neerlandés.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
dorado back

Y se Dijo: ¡Colombia También es Rock!

Desde la primera mitad de la década de 1990 hubo una efervescencia en la producción musical rock – pop latinoamericana que bien podría ser un símil de lo que fue el boom latinoamericano de los años 60 en Literatura.  Tomaban fuerza agrupaciones como: Café Tacuba, Los Fabulosos Cadillacs o Los Tres, que conducían un estilo propio del continente en el que se condimentaba fuertemente los ritmos autóctonos y la música de los jóvenes. Pero faltaba en ese tren el protagonista colombiano.

“El Dorado”, segundo álbum de la agrupación bogotana “Aterciopelados”, vio la luz un 24 de octubre de 1995. Un par de semanas antes habían sorprendido a media Latinoamérica con la publicación de “Bolero Falaz”, el primer sencillo del disco. Una dulce historia de desengaño que tiene precisamente eso, mucho de bolero y de romance de este sector del continente con un sutil bajo que coquetea con el rock alternativo 80 – 90ero. No hubo nadie que se resista a la enviciante cadencia de este tema que se posicionó como un clásico definitivo del rock en español. Además, su videoclip promocional es una obra maestra, sencilla y conmovedora. Los efectos como de recorte de revistas, la guitarra de flores y las gafas de corazón de Andrea Echeverri son parte indeleble de la memoria de un joven noventero latinoamericano.

Pero “El Dorado” abre con el siguiente sencillo publicado para su promoción. “Florecita Rockera” hacia el final de 1995 se tomó radios y pantallas con un estridente intercambio entre melodías en arpegio y algo de reggae con la furia de las guitarras distorsionadas. Muy en la onda del rock alternativo de aquellos tiempos. Un tema divertidísimo y otro clásico indiscutible para los hispano hablantes.

Hablamos de la fusión del rock con el alma y ritmo latinoamericano y precisamente de eso el sencillo “Candela” es uno de los mejores ejemplos, esta vez haciendo justamente gala de elementos de “sangre caliente” como la percusión que domina todo el tema más los coros hacen una combinación perfecta con las guitarras distorsionadas y un bajo que juega de intermediario. Una pieza inolvidable.

Mientras “El Dorado”  seguía siendo un éxito casi sin precedentes para el género y nacionalidad de la placa, entre Vals y Mariachi (?), Aterciopelados en 1996 promocionó a “La Estaca” como el siguiente sencillo. Este divertidísimo tema también habla de desengaño con una letra fácilmente memorizable por sus dichos, modismos y metáforas repletas de inteligencia y humor. El bajo de Héctor Buitrago, sonando lo suficientemente rockero y lo suficientemente latino guía de principio a fin.

 

Tus ojos son dos luceros
Que alumbran los basureros
Tus patas son dos estacas
Para amarrar muchas vacas
Tu pelo es como un trapero
Enredado, sucio y feo
Tu corazón no palpita
Y es peligroso cual dinamita

Adiós, que te vaya bien
Que te coja un carro
Que te parta un rayo
Que te destripe un tren
Adiós, que te vaya bien
Que te muerda un perro,
Que te lleve el diablo y
Marques calavera…

 

Aterciopelados fue uno de los modeladores del sonido de los 90. En “Sueños del 95” existen muchos elementos de rock y de pop que se podrían advetir en años posteriores alrededor de latinoamérica. El rock alternativo y el “pogo” se hacía presente con “Pilas!” y “No Futuro”, temas que además vertían contenidos sociales en sus letras, causas de las cuales, Atercipelados se han abanderado desde entonces. Si hablamos de atmósfera alternativa latinoamericana, hay que citar a “Tripas Corazón”, pues tiene de todo, alternancia entre melodías candenciosas y poder de guitarras, además que la misma técnica tiene su influencia autóctona.

Aterciopelados siempre grita “Colombia” en este álbum, de formas menos ambiguas y de las otras, como en “Colombia Conexión”, la cual es prácticamente una clase de Estudios Sociales acerca de su nación, una clase bailable y pogueable. El tema “El Diablo” más bien retrata estructuras sociales de la sociedad colombiana y tal vez latinoamericana que como habitantes del continente han sido presivas, especialmente a las mujeres. Andrea Echeverri se ha encargado desde siempre, a alzar la voz cuando es necesario.

atercipelados 90s

Es bueno recordar entonces como hace 25 años el rock colombiano dio su gran salto de calidad y ofreció por lo menos al mundo hispano parlante, un sonido que unía al pasado con el futuro, un sonido del cual se puede estar muy orgulloso.

 

El Dorado – BMG – 1995

Aterciopelados-el-dorado-1995-album-cover

  • Florecita Rockera
  • Sueños del 95
  • Candela
  • Bolero Falaz
  • No Futuro
  • El Dorado
  • De Tripas Corazón
  • Colombia Conexión
  • Las Cosas de la Vida
  • Pilas!
  • La Estaca
  • El Diablo
  • Si no se Pudo, Pues no se Pudo
  • Siervo sin Tierra
  • Errantes
  • Mujer Gala *
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Del Infortunio a la Gloria

Era el año de 1979 y AC/DC, banda formada por escoceses en Australia, empezaba a tener un reconocible éxito tras la publicación de “Highway To Hell”, una oda al frenético estilo de vida del rock and roll con continuo desplazamiento y aparente fiesta eterna. Poco después, aquel disco y sobretodo, su canción homónima parecían ser el preludio del fatal desenlace del vocalista, Bon Scott, quien falleció por intoxicación etílica a principios de 1980.

 

bon scott

 

La desaparición de la carismática figura de Scott sin duda afectó a la banda, que bien pudo desaparecer, lo cual afortunadamente no sucedió entre otras cosas, en ánimos de preservar la memoria de Scott mismo. La sucesión al frente de los AC/DC cayó en los hombros de Brian Johnson, cantante inglés del que el propio Bon había dado las mejores referencias. Para Abril, Johnson ya estaba en la banda, para mayo iban finalizando las sesiones de composición de un nuevo álbum en las Bahamas y el 25 de julio de 1980 salía a la luz “Back in Black”.

El séptimo álbum de estudio de los “anglo – australianos” sería su puerta de entrada al mega estrellato. De la mano mágica del “productor del éxitos”, Mutt Lange, AC/DC logró un sonido supremamente energético con el poder combinado de las guitarras de los hermanos Angus y Malcolm Young, un dinamismo que se podría bien sospechar que se extrajo del punk y el suficiente criterio para coquetear con el pop comercial, pues prácticamente no quedó persona sobre la tierra sin bailar al ritmo de uno de los mejores discos de rock and roll de la historia.

El álbum sin embargo arranca los más tétrico posible. El sonido de una gigantesca campana de bronce anuncia cierta pompa fúnebre. “Hells Bells” bien puede ser lo más “heavy metal” del disco con un tempo más bien lento, tal como el heavy de la época. No pudo haber tenido una mejor fecha de lanzamiento como sencillo que un 31 de octubre. El tema es muy reconocido por ser usado en eventos deportivos, como la clásica entrada al campo de juego del club de fútbol alemán St. Pauli, así como en eventos por ejemplo de la Major League Baseball.

“Back in Black” continúa con un hoy por hoy tradicional himno de estadio. “Shoot to Thrill” es prácticamente indispensable en los set list de los monstruosos conciertos que ofrece la banda. Con el sello característico de ese bajo punzante, perfecto y cuasi mecánico de Cliff Williams, quien sumado a la energética batería de Phil Rudd logran rítmicamente sostener al frenetismo de este clásico, así como de los siguientes temas en el orden del disco: “What Do You Do for Money Honey” y “Givin the Dog a Bone”, temas que hasta podrían rayar en una connotación sexista, pero que bien pueden dibujar una cruda realidad de supervivencia.

Con “Let Me Put My Love Into You”, AC/DC da un respiro al disco con un hard rock que coqueteaba con los años 1970s recientemente clausurados, para dar paso a los mega hits del disco y tal vez, de la historia del grupo. El tema homónimo del álbum, “Back in Black” y “You Shook Me All Night Long” tienen los riffs de guitarras tal vez más conocidos del mundo e infaltables en una celebración rockera, pues no solo son rudos y afilados, sino que a la vez bailables. Con solos inmaculados y un ritmo implacable, obviamente los Young se lucen y dejan una huella indeleble en la historia. Que decir de Brian Johnson con registros vocales impresionantes, nada mal para su debut y de hecho, deja su marca característica que no solo tendría que ver con el aspecto musical, sino incluso en la puesta en escena con su clásica cachucha que sería tan icónica como el traje de colegial de Angus Young.

Con los temas finales del álbum, AC/DC hace un rock más tradicional. “Have a Drink On Me” es muy heavy metal, “Shake a Leg” suena mucho al rock de estadio característico de los 70 y 80, mientras que el cierre con “Rock and Roll Ain’t Noise Pollution” tiene mucho de raíces blues. Un buen remate para un disco que en general va a buena velocidad.

Siempre de “Back in Black” se habla no únicamente de su legado como una piedra angular del sonido hard rock de lo que en ese entonces era la naciente década de los 1980s, sino su suceso mediático y comercial. Siempre catalogado como “el segundo álbum más vendido de todos los tiempos”, oficialmente se le cuenta 29.4 millones de copias vendidas, aunque se habla de más de 50 millones, lo cierto es que solo en Estados Unidos certificó disco de platino en 25 ocasiones, logro recién alcanzado el 2019, lo que habla de una pieza musical que simplemente no pasa de moda.

AC-DC-1980-II

 

AC/DC tuvo su definitivo golpe comercial con “Back in Black” sobreponiéndose a lo que se supondría sería su fin, pero más bien sería el comienzo de una leyenda.

 

Back In Black – 1980 – Atlantic

back in black

  • Hells Bells
  • Shoot to Thrill
  • What Do You Do for Money
  • Given the Dog a Bone
  • Let Me Put My Love into You
  • Back in Black
  • You Shook Me All Night Long
  • Have a Drink on Me
  • Shake a Leg
  • Rock and Roll Ain’t Noise Pollution
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Un Grito Furioso de Mujer

A mediados de la década de los noventa, mientras el grunge iba perdiendo su dominio en las carteleras y radios, lo que “no pasaba de moda” era el descontento, fue entonces cuando una voz admirable se dio a conocer en el mundo entero con una fuerza demoledora no solo por el talento natural, sino también, desde el punto de vista comercial.

 “Jagged Little Pill” vio la luz en la audiencia el 13 de junio de 1995, siendo el tercer disco publicado por la cantante y actriz canadiense Alanis Morissette, aunque fue el primero en darse a conocer internacionalmente con un éxito sorprendente. A la extraordinaria performance de Morissette, se sumó la participación en la escritura y producción del estadounidense Glen Ballard, involucrado en varios éxitos de consagrados artistas pop como Michael Jackson o Paula Abdul. El proceso de producción duró más de un año entre sesiones de demo, producción post – producción, con los mejores resultados posibles.

En el verano de 1995, Alanis con la canción “You Oughta Know” hace su presentación al mundo con lo que se interpreta como una furiosa descarga contra un ex novio, la cual apunta hacia el actor Dave Coulier (famoso por ser Joey Gladstone en el sitcom “Full House”), con quien Alanis sostuvo una relación antes de grabar el disco. Coulier no ha sido claro en admitir ser el sujeto de este temazo o no, pero lo importante es lo musical. Para imprimir la fuerza necesaria a esta metralla de sensaciones, Ballard reclutó a Dave Navarro (Jane’s Addicition y Red Hot Chili Peppers) para la guitarra y Flea (RCHP) para el bajo con resultados sensacionales.

Morissette no se guardó nada para la ejecución de la canción en incluso sus letras explícitas como How quickly I was replaced And are you thinking of me when you fuck her?” fueron objeto de censura en medios donde se promocionó el tema. Obviamente la crudeza con la que fue tratado este supuesto desengaño amoroso concitó la atención de millones de jóvenes decepcionados, especialmente jovencitas. Fue la despedida de la canadiense del “pop de algodón de azúcar” interpretado con anterioridad, situación incluso parodiada en el sitcom “How I Met Your Mother”, en su recordado capítulo “P.S. I Love You”.

robin daggers

Con el impacto que significó “You Oughta Know”, el álbum se disparó en emisiones y ventas. Fue momento para promocionar el siguiente sencillo. “Hand In My Pocket” empezó a rotar en el otoño boreal de 1995. Un tema más lento, pero a la vez muy poderoso llenó de poesía e inteligencia que indudablemente transite con autenticidad su propia situación.

 

I’m broke but I’m happy, I’m poor but I’m kind
I’m short but I’m healthy, yeah
I’m high but I’m grounded, I’m sane but I’m overwhelmed
I’m lost but I’m hopeful, baby
What it all comes down to
Is that everything’s gonna be fine, fine, fine
‘Cause I’ve got one hand in my pocket
And the other one is giving a high five

 

La sobresaturación de efectos de una guitarra hipnótica y la armónica de Alanis son un complemento perfecto entre lo clásico y el sonido noventero en ese entonces vanguardista. El productor Ballard manifestó haberse gratamente sorprendido del brillo de Morissette.

Desde febrero de 1996 se promocionó otro espectacular hit del álbum. “Ironic” tiene una divertida letra en la que Alanis expresa los momentos contradictorios y tal vez desilusionantes de la vida. Hoy por hoy es una icónica balada noventera que al más puro estilo de sus tiempos conjuga perfectamente los tempos lentos para dar pasó a la tensión, utilizando guitarras acústicas y órganos en juego con las distorsiones. Su videoclip es también uno de los más recordados de su tiempo en el cual, gracias ala magia de la edición, el espectador puede disfrutar de 4 estados de ánimo de Alanis Morissette en uno mientras está en el viaje de su vida (la metáfora de la conducción del auto).

Recientemente el videoclip fue editado en 4K.

Ya era verano boreal de 1996 y “Jagged Little Pill” había sido tremendo suceso alrededor del mundo. Entonces se promocionó el sencillo “You Learn” que con baterías programadas y una suave guitarra con efectos tipo fuzz y un beat más bien lento marcó una forma de hacer pop – rock para finales del siglo XX, así como el siguiente sencillo que fue “Head Over Feet”, donde también se destaca a Morissette en la ejecución de la armónica.

“Jagged Little Pill” arranca con el que fue su último sencillo promocional que fue “All I Really Want”. Una descarga de guitarras mitad funk y mitad grunge, más su armónica y una consistente batería programada que hoy se reconoce como una típica estructura de música noventera. Temas como: “Perfect”, “Mary Jane” o “Not The Doctor” destacan por su tratamiento mayormente de guitarras acústicas, mientras la dinámica muy de la época entre momentos calmados e intensos se aprecia en “Forgiven”, “Right Through You” o “Wake Up”. El sonido de la época queda mayormente expresado en casi todos sus matices en esta maravillosa obra de arte.

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“Jagged Little Pill obtuvo varios reconocimientos del mercado y la academia. Certificando múltiples discos de platino en América, Europa y Asia, el disco ha vendido más de 30 millones de copias y contando, lo que lo coloca como uno de los álbumes más exitosos de los años 90 y de la historia. En 1996 ganó el álbum del año y el mejor álbum de rock en los premios Grammy, mientras que “You Oughta Know” ganó mejor performance de rock femenina y mejor canción de rock.

“Jagged Little Pill” marcó el camino para la producción del pop y rock femenino por lo menos para los siguientes 20 años. Varias de las más famosas artistas del momento reconocen su influencia y legado.

 

Jagged Little Pill – Reprise – 1995

 

jagged little pill

  1. All I Really Want
  2. You Oughta Know
  3. Perfect
  4. Hand in My Pocket
  5. Right Through You
  6. Forgiven
  7. You Learn
  8. Head over Feet
  9. Mary jane
  10. Ironic
  11. Not the Doctor
  12. Wake Up
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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La Cima del Sonido Sintético

Este 19 de marzo se cumplieron 30 años desde la aparición de “Violator”, disco que se podría catalogar como el trabajo más exitoso de la banda inglesa Depeche Mode. Sin duda fue la cima de una carrera que si bien es resplandeciente, difícilmente alcanzó el reconocimiento de aquellos días.

Se iban acabando los años 80, época en que los oriundos de Basildon fueron ganando fama y fortuna. La cima de esta frenética carrera fue documentada en “101” para audio y video, cuando una insólita marea de personas abarrotó el Rose Bowl de Pasadena para romper los mitos de un estilo musical al que supuestamente el público norteamericano era hostil. De todas formas, la conquista del otro lado del charco a Depeche Mode le costó sudor y lágrimas.

Pero el público norteamericano así como es exigente es sumamente grato y este puñado de ingleses supo acomodar el mercadeo con la inspiración artística, dando como fusión perfecta la canción tal vez más difundida y exitosa de su hoy por hoy extenso catálogo. Hablamos de “Personal Jesus”. El primer sencillo que fue publicado de hecho a finales de la década de los 80.

 

Se trataba de una canción algo extraña para el común material de la banda, pues su instrumento principal de hecho es una guitarra, cuando habían acostumbrado a sus seguidores durante años a la sinfonía de sintetizadores y cajas de ritmo. Una guitarra puntual, punzante, obsesiva y tal vez con mucho de tradición norteamericana en su ritmo y notas. Tal es el guiño hacia el gran público del país del norte que el videoclip promocional recrea descaradamente al viejo oeste. Esto sumado al perfecto compás de máquina inglesa dieron como resultado uno de los grandes clásicos del rock.

El segundo sencillo tiene un poco más de los juguetes electrónicos con los que habían hecho tanta magia en los 80, sin embargo, en “Enjoy The Silence” también hay una guitarra muy oportuna que le da ese ambiente de fiesta pero también introspección y debate filosófico que encierra un impresionante contenido lírico en el que básicamente habla del poder y a la vez la banalidad de la palabra. Al igual que “Personal Jesus”, “Enjoy The Silence” es otra genialidad del director y fotógrafo holandés Anton Corbijn, mente maestra de buena parte de la puesta en escena visual de Depeche Mode a lo largo de los años. La eterna búsqueda y la comodidad de la soledad hasta cierto punto.

 

En este punto habrá que destacar la solidez que como compositor había alcanzado Martin Gore, quien supo añadir nuevos instrumentos y posibilidades al sonido de la banda, además de optar por bajarle al tempo para entrar con gloria a la nueva década. David Gahan había alcanzado el mejor estado de su voz de barítono para otorgar energía y solemnidad a las canciones.

Ya en la primavera boreal de 1990 se publicó el siguiente promocional, “Policy Of Truth” en el cual la inmensa recursividad tecnológica los hace capaces de dominar un universo impresionante de sonidos sintetizados con las armonías a cargo de Alan Wilder más su fino olfato con la programación y beats y el ritmo acertado de Andrew Fletcher en los bajos sintetizados, con otra canción que hablaba de ética y el amargo mundo de los adultos, tal como lo hacían en varias ocasiones en los ochentas aunque esta vez con un sonido evidentemente más rico y maduro.

El último sencillo promocional y a la vez tema de apertura del álbum es “World In My Eyes” que un poco es el nexo entre el Depeche Mode ochentero y noventero al predominar aquel característico bajo sintetizado un poco remanente de “Music For The Masses”, su LP anterior, e integrarlo a un universo más complejo de sonidos programados. Otro tema que sigue por esa misma onda es “Halo”, que también digamos está entre las canciones más divertidas de este mas bien introspectivo disco.

“Violator” de hecho está lleno de momentos taciturnos como la muy oscura “Sweetest Perfection”, cantada por Martin Gore al igual que la algo claustrofóbica “Waiting For The Night”, “Blue Dress” que preparaba el camino para el sonido más bien alternativo de los años 90 y el cierre maestro con “Clean”, un tema que transpira redención y sería un símbolo más adelante para David Gahan y su batalla contra la drogas.

Depeche Mode1990

“Violator” llegó justo a tiempo, en momentos en que todo era sumamente cambiante, desde la política hasta el arte. Su gira el, “World Violation Tour”, tuvo un multitudinario éxito e incluso generó caos y problemas de manejos de masas y orden público en algunos puntos de la misma.

Se calcula que “Violator” vendió más de 13 millones de copias y fue disco número uno en las listas de países como: España, Grecia, Francia y Bélgica. En Su Reino Unido natal fue número 2 y la mejor posición en el Billboard 200 fue séptima.

Violator – Sire – 1990

dm violator

  • World In My Eyes
  • Sweetest Perfection
  • Personal Jesus
  • Halo
  • Waiting For The Night
  • Enjoy The Silence
  • Policy Of Truth
  • Blue Dress
  • Clean
Edison Guapaz Zambrano
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Canciones de Las Gradas – Copas Sudamericanas

En el año pasado, CONMEBOL implementó finales únicas para sus competiciones de clubes, buscando se diría, de alguna manera, emular a sus pares europeos. Debido a situaciones políticas y climáticas, finalmente ambos eventos rotaron de sede y más allá de este hecho, también quedó en el recuerdo del aficionado un par de canciones que se mostraron en el espectáculo previo a dichos encuentros. El espectáculo previo también, emulando a Europa o Estados Unidos, pero con el toque sudamericano.

Entonces, se concibió que haya músicos representantes de cada club involucrado en los juegos. En el partido final de Copa Sudamericana celebrado en “La Olla” de Asunción el escenario fue compartido por los ecuatorianos “La Vagancia”, quienes interpretaron un tema compuesto para Independiente del Valle, mas la atención del continente entero se la llevó el veterano conjunto de cumbia santafesina “Los Palmeras”.

Este grupo oriundo de Santa Fe, Argentina, entonó una versión adaptada de su tema “El Parrandero” que forma parte del álbum “Un Toque Diferente”, publicado en 1997. “Soy sabalero” básicamente cambió la parranda por la devoción a Colón de Santa Fe y la respetable banda con medio siglo de trayectoria, ayudada por el fervor de 40 mil paisanos, se hizo de fama internacional.

Una versión junto a otra figura de la canción del interior argentina como “La Mona” Jiménez

Ciertamente, la gente de Santa Fe fue protagonista en las gradas. En le cancha ampliamente mandó el club ecuatoriano.

“Vamos, vamos, vamos millonarios…” es una tonada pudo haber llamado la atención en varios hinchas del fútbol alrededor del continente, pues este homenaje previo a River Plate en su partido final ante Flamengo por Copa Libertadores es coreado de hecho por varias barras en Argentina y Sudamérica.

En este caso, la banda argentina Turf presentó en el Monumental de Lima una versión que ya venía siendo adaptada desde hace algunos años en las canchas de su país. “Pasos al Costado” es el tema original y uno de los éxitos del disco que publicó este grupo bonaerense llamado “Para Mí, Para Vos” en el 2004 y supuso su mayor éxito comercial, aunque poco después tendrían un largo distanciamiento sus integrantes.

Muy originalmente publicitado con este sencillo pero simpático videoclip

Por el lado de Flamengo actuó “Gabriel O Pensador” con una versión rapeada del himno del Mengão, actual campeón de la Libertadores. Previo a este duelo musical, no hubo mejor manera de arrancar el show que con “Y Dale Alegría a Mi Corazón”, un clásico de Fito Páez que incluso a traspasado el Océano Atlántico y la barrera del idioma futbolísticamente hablando. Pero eso merece otro post.

Edison Guapaz Zambrano
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