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Relatos de Problemática Adolescente

La temática juvenil se ha hecho presente en varias series que han estado a disposición de televisión pagada y plataformas digitales en las cuales se muestra los sucesos alrededor de temas claves de esta etapa del desarrollo como sexo y drogas, además de las derivaciones con el crimen.

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“Euphoria” se transmitió por la señal de HBO y trajo una cruda propuesta en la que todos los 8 episodios se conectan con un personaje distinto de la serie y las razones que han construido un presente en el que cada uno tiene problemas que se van agravando en medida que transcurre el capítulo. Una historia contada por el eje de un colegio público de Estados Unidos cuya protagonista, Rue Bennett, interpretada por la joven cantante y actriz Zendaya, lucha con fuerte problema de adicción a las drogas que la lleva a un enmarañada red de mentiras y caos. En el resto del elenco el consumo se muestra en forma de escape y rebeldía, causas comunes en la adolescencia.

 En “Euphoria” el sexo es el tema central ya que define las características de muchos personajes como la mejor de Rue, Jules, quien afronta su transición como persona trans género que la llevó desde a instituciones psiquiátricas hasta un comportamiento promiscuo. Nate, el prototipo del muchacho popular, deportista y futuro promisorio y su inseguridad acerca de su identidad sexual que la transforma en agresividad, tiene una relación tóxica y enmarañada con Maddy, quien utiliza su propia sexualidad para su supervivencia. Kat pasó por problemas mientras ganó peso abruptamente, pero se hace de su “negocio” al hacer sesiones eróticas online. Cassie, quien debido a su enorme atractivo ha sufrido diversos abusos por parte de hombres provenientes de relaciones y familias.

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“Élite” es una serie española emitida por la plataforma Netflix para el mundo desde 2018. En ella el sexo se retrata en otros matices como el VIH, la promiscuidad, la bisexualidad y homosexualidad, esta última con el condimento (?) de la interculturalidad y el desafío que esta condición implica en el mundo musulmán por ejemplo. Además de contar con escenas bastantes explícitas, tal vez incluso más atrevidas que la cruda Euphoria, aunque estas series se cuentan en ambientes distintos.

En “Élite” el tema es mas bien las diferencias sociales que tienen alguna inspiración en la telenovela latinoamericana del Siglo XX con roles cambiados, acá predominan los chicos pobres enamorados de chicas adineradas, todo escenificado en un colegio privado al que asisten hijos de gente predominantemente poderosa. El personaje principal es Marina (María Pedraza), hija de un magnate constructor en problemas legales que ha hecho a un lado a su antiguo círculo y prefiere juntarse con los nuevos becados, quienes no son de mayores posibilidades económicas y fueron afectados por uno de los malos trabajos de la constructora del padre.

Marina es rebelde y extrovertida, una personalidad encantadora y a la vez conflictiva, quien (¿alerta de spoiler?) termina muriendo violentamente y su fallecimiento desarrolla la trama de al menos la primera temporada. Su relación con Samuel y Nano, quienes son hermanos y mientras el uno es su compañero de clase e intenta llevar una vida ejemplar, el otro es un ex convicto, formándose uno de los triángulos del relato. El hermano de Marina, Guzmán, tiene un rol de especie de macho alfa que lidera y protege a sus amigos y hermana, además de no ver con buenos ojos la irrupción de los becados de otra clase social, sin embargo, aprende por interés mediático a tolerarlos y después se iría interesando por Nadia, becada de origen musulmán, tal vez por sus inflexibles valores, lo que provoca el celo de Lucrecia, con quien ha tenido una relación extraña. Ella, hija de diplomáticos, es obsesiva y su deseo de ser la mejor la leva al límite. Carla y Polo, chicos adinerados que aparentaban ser la pareja perfecta descubren nuevas sensaciones al incluir a Christian, uno de los becados y de una personalidad muy extrovertida, en un complicado triángulo amoroso. Carla sobre el final hace un lapidario comentario a Christian dándole una especie de bienvenida al mundo de los poderosos: “nos cuidamos entre nosotros”.

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“Élite” giró en su primera temporada en torno a un crimen, similar a lo que fue la tercera temporada de “13 Reasons Why”, en la que trata de resolverse el crimen del aborrecible Bryce y mientras se forma el entramado legal y policial, el nexo hacia todo es el nuevo personaje de dicha temporada: Ani Achola, quien prácticamente es un testigo omnisciente de los sucesos alrededor de la escuela Liberty High, fuertemente desacreditada tras el suicidio de Hannah, personaje al que finalmente hacen descansar tras haber sido el “tormento post mórtem” de Clay en la temporada 2.

El tema principal de la tercera temporada de “13 Reasons…” es el secreto, pues durante la temporada queda la sensación de una especie de acordado encubrimiento colectivo de quienes conocieron a Bryce y cuyos disgustos con aquel personaje los hacían potenciales sospechosos. Nuevamente la agresión sexual es un eje conductivo que va haciendo evolucionar a la narración a desembocar al mismo problema hacia un reconocimiento claro y tal vez reconciliación, mas no olvido.

Es interesante la evolución de los personajes en estas series, pero destacan los siguientes. En “Euphoria” la más importante vendría a ser Rue, cuya adicción la puso en el papel de condenada sin remedio, pero su lucha por superarla la va llevando hacia una vida más ordenada y esperanzadora. En “Élite”, Primera Temporada, es Guzmán quien pasa de una personalidad hostil y odiosa hacia una actitud más conciliadora y abierta con los “extraños”. Su liderazgo se vuelve más cálido a la hora de intentar ayudar a su padre y hermana. Para “13 Reasons…” el cambio es aún más impactante, pues es Bryce quien busca un camino de reconstrucción y reconciliación por todo el daño hecho, y en medio de ese camino encuentra la muerte.

Las nuevas series adolescentes han ido tocando su problemática de una forma más descarnada y tal vez puede ser gracias a la libertad que ofrecen las plataformas digitales. Surgen tramas interesantes y preocupación para el público adulto por la crianza de sus hijos y el inmenso mundo de ellos que suelen desconocer.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Cuando los Orígenes son Duros

Recientemente fue estrenada en la plataforma Netflix la serie “Apache” que narra los tempranos años de Carlos Tévez, el reconocido futbolista argentino que actualmente milita en el Boca Juniors de su país. Este es un relato que no necesariamente se enfocó en el fútbol.

La historia arranca contando el incidente que explica las características cicatrices en rostro y cuello con las que se reconoce físicamente al jugador, a partir de ahí, la narración se va situando en una plaza dura y violenta como son los barrios marginales del conurbano de Buenos Aires. Enseguida busca lugar en la característica producción latinoamericana de realismo duro, en este caso añadiéndole el tinte biográfico. El pretexto de la vida de este ídolo popular dio paso para desarrollar el tema de la serie que va más con la marginalidad y la violencia. Su historia se desarrolla en paralelo a la de su familia, amigo más cercano y vecinos involucrados en organizaciones criminales. Las armas y las drogas son cotidianidad en todos esos relatos.

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En cuanto los vecinos, son personajes que hacen alegoría no del todo explícita a una banda que se bautizó como los “Backstreet Boys”, tomando el nombre del grupo musical estadounidense, que cometió numerosos crímenes en Buenos Aires. Es común que en barrios como “Ejército de Los Andes”, mejor conocido como “Fuerte Apache” se formen grupos violentos que se dediquen a los asaltos y tráfico de drogas. Era claramente visible que los miembros del grupo forajido de la serie provenían de hogares rotos, siendo en verdad una familia entre ellos mismo.

La disfuncionalidad de hogar tiene en su mayor exponente a Danilo “el uruguayo”, quien encarna al que en la vida real fue el mejor amigo de Tévez, Darío “guacho Cabañas” Coronel, quien criado prácticamente sin referentes adultos, fue en la serie cayendo a los infiernos de la droga. En la realidad, “guacho Cabañas” pasó de ser un valioso prospecto del fútbol profesional, quienes lo vieron aseguran incluso mejor que Tévez, a un asaltante que prefirió tomar su vida a caer en manos de la policía. Aunque el fin de “uruguayo” en la serie es distinto.

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Entonces, el paralelo entre la vida sin guía del uruguayo y Carlitos se traza entre cómo el abandono del primero los descarriló hacia un mundo violento y dañino, Tévez rodeado de un entorno familiar cálido pudo enrumbar su vida hacia el triunfo como deportista. Una familia también con sus problemas, pues además de las carencias materiales hay miembros purgando prisión, otros exiliados y un entorno confuso en el cual se explica como Tévez fue de hecho criado por sus tíos y que de hecho de ellos adopta el apellido. Puesto que su padre biológico murió violentamente antes de que el crack nazca.

Dentro de lo destacable está la fidelidad a la locación, el hoy por famoso “Fuerte Apache”. El difícil barrio donde creció Carlitos que se mantuvo respetuoso y colaborativo con la producción. El maquillaje también tenía un papel crucial para reproducir las características cicatrices del argentino. Las tomas y secuencias para las escenas violentas siempre dramáticas y a la altura, pero tal vez lo más destacable fue la actuación. El principal está a cargo de Balthazar Murillo que encarna las virtudes de Carlitos como la determinación y el amor filial. Mas hay trabajos tremendos como el de Matías Recalt en el papel de “uruguayo”, logrando transmitir plenamente la picardía de un muchacho pendenciero, así como su transformación por las drogas. Sofía Gala en el papel de Fabiana, madre biológica del crack se luce al retratar los problemas de conducta a causa de sus vicios, mientras que Vanesa González en el papel de Adriana y Alberto Ajaka como Segundo, los tíos y padres adoptivos de Carlos, encarnan una amorosa y valiente guía por el mundo para el crack en su juventud. Los malosos del barrio bridan certeramente el toque malsano de la serie.

“Apache” es una historia particular pero valiosa a la hora de entender los complejos orígenes de muchos de los héroes del deporte latinoamericano.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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The Big Bang Theory y Un Final Ideal

El pasado mayo llegó a su emisión final una de las sitcoms más exitosas de los último tiempos: “The Big Bang Theory”. Con la misma, queda en la cultura popular un sinnúmero de elementos.

Pero más allá de los “Bazinga”, “Soft Kitty” o “knock, knock, knock: Penny”, una serie con más de 10 años de duración supo traer giros y cambios importantes. La historia original tenía una idea interesante: contar la historia de 4 nerds exitosos como profesionales y científicos, pero socialmente inoperantes, aunque cada uno con sus matices, con el condimento de cómo va cambiándoles la vida tener como vecina a una vecina guapa y totalmente apta en cuanto a habilidades interpersonales.

En primer lugar está la evolución de Rajesh Koothrappali (Kunal Nayyar). Un astrofísico de origen hindú y acaudalada familia que al comienzo de la serie sufre de un curioso mutismo selectivo que le impide hablar con mujeres a menos que haya ingerido alcohol, lo que por supuesto le afectó a la hora de conseguir pareja. Su evolución en el transcurso de la serie es hacia un tipo que va superando sus inseguridades y termina pudiendo hablar con damas sin necesidad de alcohol de por medio, además de forjar una imagen más de respeto hacia sí mismo, con la que adquiere otro aspecto personal (en el peinado) y es menos permisivo con el bullying.

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Tal vez el personaje con menos cambios, pero importantes al fin es Leonard Hofstadter (John Galecki). Del grupo de 4 nerds, él es el más social, aunque no lo suficientemente exitoso en dicho campo. Tal vez representa el verdadero triunfo de un inadaptado al quedarse con una pareja como Penny, de cuya evolución hablaremos más tarde. Este físico experimental tiene un problema por el que tiende a complacer a todo el mundo, muchas veces a costa de sus propios deseos, lo que en la serie se explica por su relación con una madre exigente y distante, con la que se reconcilia en los capítulos finales, así como lima las incomodidades generadas por la tiránica vecindad de Sheldon. Diríamos que al final vemos un Leonard maduro y reconciliado con sus demonios.

De ahí está Howard Wolowitz (Simon Helberg). el menos preparado del clan, quien “tan solo” posee una ingeniería en el MIT. Al inicio de la historia se presentaba como un perturbador y edípico personaje cuya infantil y morbosa conducta va modificándose a medida que se involucra en su vida Bernardette Rostenkowski (Melissa Rauch), su pareja con quien se casó, formó una familia y tuvo hijos, responsabilidades que lo obligaron a madurar en medida también de la inesperada desaparición de su madre. Bernardette por su lado y tomando en cuenta la aparición del personaje a media serie, pasó de ser una tímida camarera a una poderosa ejecutiva farmacéutica, que le da cierto rol de dominio sobre Howard, una característica de la que él jamás se libró del todo.

Ciertamente las incidencias de la serie giran en torno al personaje de Sheldon Cooper (Jim Parsons), un físico teórico de extraordinaria inteligencia y excéntrico comportamiento, quien a diferencia de sus amigos, no parecía sufrir por sus incompetencias sociales e incluso parecía disfrutarlas. En el último capítulo Sheldon pronuncia un emotivo discurso en el que manifiesta el valor del amor y la amistad y entre otras cosas se disculpa por no haber podido expresar dichos sentimientos de mejor forma. Aunque en la serie no se especifica y los guionistas lo descartan, se especula con que el personaje de Sheldon tenga Síndrome de Asperger, lo que podría explicar su dificultad para comprender normas sociales y su necesidad de apoyarse en pautas específicas para poder seguirlas. Pautas dadas principalmente por sus amigos y entorno íntimo, sobretodo cuando en la serie aparece Amy Farrah Fowler (Mayim Bialik), quien termina siendo su novia y esposa y a su vez pasa de ser una robótica y femenina versión de Sheldon a un personaje que aporta la dulzura y paciencia necesaria para “civilizarlo”.

ADX006. HOLLYWOOD (EE.UU.), 01/05/2019.- El elenco de "The Big Bang Theory" (i-d): el actor estadounidense Johnny Galecki, el actor estadounidense Jim Parsons, la actriz estadounidense Kaley Cuoco, el actor estadounidense Simon Helberg, el actor indio Kunal Nayyar, la actriz estadounidense Mayim Bialik y la actriz estadounidense Melissa Rauch posan tras colocarl sus huellas y firmas en el cemento del Teatro Chino IMAX de TCL en Hollywood, California, EE. UU., el 1 de mayo de 2019. "The Big Bang Theory" es la serie de comedia multi-cámara más larga en la historia de la televisión. EFE / ADAM S DAVIS

ADX006. HOLLYWOOD (EE.UU.), 01/05/2019.- El elenco de “The Big Bang Theory” (i-d): el actor estadounidense Johnny Galecki, el actor estadounidense Jim Parsons, la actriz estadounidense Kaley Cuoco, el actor estadounidense Simon Helberg, el actor indio Kunal Nayyar, la actriz estadounidense Mayim Bialik y la actriz estadounidense Melissa Rauch posan tras colocarl sus huellas y firmas en el cemento del Teatro Chino IMAX de TCL en Hollywood, California, EE. UU., el 1 de mayo de 2019. “The Big Bang Theory” es la serie de comedia multi-cámara más larga en la historia de la televisión. EFE / ADAM S DAVIS

 Finalmente es bueno cerrar con Penny (Kaley Couco), quien en el inicio se planteó como el personaje atractivo y discordante de la serie. El encuentro de 2 mundos, que se puede insinuar entre el mundo “geek” de Sheldon y compañía y el mundo “socialmente apto” de Penny logra lo mejor de cada uno. Por un lado, los chicos se vuelven más sociables y terminan insertados en un mundo adulto más o menos “normal”, mientras que Penny pasa de ser de una chica desordenada a una importante ejecutiva de ventas, a pesar de dejar a un lado su primigenio sueño de ser actriz que la obligó a mudarse de la agrícola Nebraska a la ciudad de Los Ángeles. Penny termina siendo la persona más “adaptada” del mundo al finalmente terminar casada y con un hijo en camino. Cosas que siempre hacía esfuerzo en descartar en cada capítulo en el que intervenía.

La serie tuvo un desenlace de cuento de hadas, donde hasta el extraño tendero de cómics, Stuart, terminó con una pareja. Después de más de 10 años de una comedia que empezó siendo brillante para pasar a ser algo repetitiva con sus chistes, los mensajes fueron bastante positivos, con el valor de la amistad como una base tal vez más sólida hasta que la familia o tal vez, edificar una familia a partir de la misma, con el mensaje de que el encontrarte con gente buena y adecuada puede sacar lo mejor de ti y finalmente lo que dirían las abuelitas: “para cada roto hay un descosido”. La serie acabó cuando debía hacerlo, dejando un legado de interés hacia la cultura pop y la misma ciencia innegables.

Edison Guapaz Zambrano
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¿Por Qué Nos Gusta Tanto Bob Esponja?

El pasado 1 de mayo, este ya icónico programa de la cadena Nickelodeon cumplió 20 años desde la primera vez que fue emitido y actualmente es una de sus insignias, todavía con planes de seguir en vigencia con una nueva película que estaría por estrenarse en 2020.

Con una emisión casi continua, Bob Esponja (SpongeBob SquarePants) debe ser una de las caricaturas más importantes de la historia de la animación y fácilmente en el podio de las del Siglo XXI. ¿Cómo es posible tanto éxito? La respuesta parecería residir en el hecho que no precisamente su contenido sea agradable únicamente para niños, pues hay un gran segmento de adolescentes y adultos que vienen siguiendo por años las aventuras desde Fondo de Bikini por muchos motivos.

Hay que empezar con el personaje principal. Es difícil atinar a la edad cronológica de Bob Esponja pero se supondría que es un joven adulto un tanto (o bastante) nerd con mucha alma infantil que delatan sus aficiones y gustos. Un personaje que se supone adulto, pues vive solo y trabaja, pero está lejos por ejemplo de tener intereses románticos (¿sexuales?) y sus actividades de esparcimiento son mas bien bastante lúdicas. Bob es muy feliz con lo que hace: cocinar hamburguesas en un local de comidas, donde no siente mayor responsabilidad, con lo que tiene ingresos y actividades fijas. Visión “mediocre” e inocente que es aprovechada por su ambicioso patrón, Don Cangrejo, pero que Bob no le pone mayor reparo y al contrario, valora mucho esa aparentemente pequeña pero en realidad gigantesca dosis de dicha gracias a su sencillez.

Bob Esponja bien puede reflejar esa poca seriedad con la que se toma a la vida adulta desde fines del siglo pasado hasta hoy. Pero mientras Bob tiene algo que hacer, Está su mejor amigo, Patricio Estrella (Patrick Star), un personaje muy querible que evidentemente no está en sus mejores facultades mentales y su sola supervivencia es una verdadera incógnita, siendo junto a su amigo la encarnación del “adulto no-adulto” que muchos son (¿somos?) o queremos ser.

Pero las dolorosas lecciones de la vida adulta las encarna uno de los personajes más importantes de la serie: Calamardo Tentáculos (Squidward). Un tipo que se supone le lleva varios a Bob y Patricio. Se trata de un artista frustrado quien nunca pudo tener fama y fortuna en el mundo de la música al que alguna vez buscó tocando el clarinete y que vive sus días trabajando en la misma plaza que Bob Esponja, pero mientras su amarillo compañero lo disfruta, Calamardo lo detesta por no ser ni por cerca el mundo glamoroso que alguna vez soñó. Se dice que Bob Esponja es una caricatura cultora del humor negro y uno de sus clásicos chistes es el de Calamardo llorando sobre una lápida que dice que ahí yacen sus sueños y esperanzas.

El maravilloso universo de Fondo de Bikini se adelantó al “girl power” con un personaje fuerte, decidido y dinámico como es Arenita Mejillas (Sandy Cheeks), quien también aporta a esa especie de “sin razón” del mismo. Es una ardilla que vive en el fondo del mar y como tal necesita un traje de buzo profesional y un complejo mecanismo que simula las condiciones de vida de tierra firme para su hogar. Es interesante como ella es la ruda de un grupo de amigos que está muy lejos de transmitir poder.

Para tener algo de emoción en las historias siempre se necesita antagonistas. En este caso es el avaro Plankton, quien ambiciona derribar a Don Cangrejo como el mayor proveedor de comida rápida de Fondo de Bikini y usando su súper inteligencia más métodos reñidos con la ética, busca apoderarse de la fórmula de las sabrosas cangre burguers. Plankton rivaliza contra un tipo que también se caracteriza por su codicia, sin embargo acá se valora la lealtad de Bob Esponja, quien defiende con alma y vida aquella fórmula que tan bien maneja como empleado estrella del viejo cangrejo.

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El humor está presente en todo lugar en Bob Esponja. Todos los habitantes de Fondo de Bikini, que son animales marinos, están dibujados de forma divertidísima y la lógica descabellada está a la orden del día. Es así como nos terminamos haciendo a la idea de ver a Bob y sus amigos: tomar agua debajo del agua, encender fogatas debajo del agua, cocinar a la parrilla debajo del agua, tomar duchas debajo del agua, usar piscinas o surfear debajo del agua. El absurdo de este universo no puede hacer otra cosa que alegrar el día.

Bob Esponja es una fantasía creada por Stephen Hillenburg, un biólogo marino apasionado no solo por la vida en el fondo del océano, sino también por los dibujos y la animación, habiendo creado a los personajes de este divertido universo primero como hobby y después como método didáctico para enseñanza. Recientemente fallecido (26 de noviembre de 2018), dejó como legado una caricatura clásica en su género, extremadamente peculiar y en el que se trató de enseñar valores como la amistad, sencillez y lealtad a un mundo que siempre será complicado. ¡Celebremos entonces los 20 años de existencia de Bob Esponja!

Edison Guapaz Zambrano
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Los Excesos y la Gloria

Si algo está a la orden del día en Netflix es poner música de los 80. Para mantenerse en esa onda era imperioso contar la historia de uno de los protagonistas icónicos de la época como la banda californiana Mötley Crüe.

“The Dirt” es una producción audiovisual basada en el libro de nombre similar (The Dirt: Confessions of the World’s Most Notorious Rock Band) que a principios de siglo se encargó de relatar varios de los momentos más sórdidos de los miembros de este exitoso grupo, que eran bien conocidos no sólo por su enorme talento, sino también por sus excesos. Ciertamente, en la película no se cuenta nada que un melómano empedernido o un fanático más o menos militante de los Crüe no sepa.

Sin embargo, resultó valioso tener algo más que solo imaginar lo relatado en el libro y atestiguarlo como si se hiciera un viaje 35 años en el tiempo mientras se presencian las locuras de los muchachos, y es que se pudo identificar claramente el papel que cada uno de los miembros de Mötley Crüe desempañaba en la banda más allá del instrumento que tocaban o su posición en el escenario. Se trata más bien de un rol anímico y psicológico que aportó cada uno para que este grupo se convierta en un monstruo imbatible.

Nikki Sixx: el conocido bajista fue siempre el alma de la banda, la voluntad que la impulsaba, la mente creadora de los temas y la peculiar estética de los Crüe. La locura y rebeldía, aquella aura de peligro que rondaba cada caminata y presentación, además del innato carisma.

Tommy Lee: el prodigioso baterista fue el alma. El tipo buena onda, el dínamo inagotable, la energía vital. Puro carisma y alma joven imposible de caer mal. También el complemento ideal para las travesuras de Sixx, tal vez con algo más de conciencia que su compañero de los “gemelos del terror”.

Vince Neil: la cara, el marketing y glamour. Uno de los pioneros en cuanto a instaurar la clásica imagen de las bandas de rock glamoroso de los 80 que casi obligadamente debían tener un vocalista rubio y galante para que se lleve la atención de las muchachas. Un tipo codiciado.

Mick Mars: el guitarrista era la cabeza y conciencia del grupo. Al ser el miembro más veterano y por bastante de Mötley Crüe y al tener que soportar una enfermedad degenerativa ósea, Mars tenía que ser obligadamente la voz sensata del grupo, el que buscaba apaciguar el ímpetu de los demás y que ciertamente aportó a evitar un desastre.

“The Dirt” tiene una interesante novedad narrativa y es que tiene varias voces que cuentan la historia como son los 4 integrantes de Mötley Crüe además de su mánager de los años fundacionales, lo que hace a la historia aún más rica y verosímil a pesar que obviamente hubo ciertas modificaciones como en cualquier biografía llevada a la pantalla y que ciertamente son las voces de los actores que encarnan a estas personalidades.

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Las voces narrativas junto a las secuencias y planos ayudan a relatar cómo es de tumultuosa la vida de una estrella de rock. Con primeros planos, secuencias y edición aceleradas y un par de discretos efectos se describe los sórdidos momentos en los que el alcohol y las drogas se tomaban sus vidas. Los inicios tumultuosos y violentos , el trato por momentos degradante hacia las mujeres que recientemente se ha visibilizado en el mundo del espectáculo cuando en los 80 era pan de todos los días, entre otras cosas son los elementos mostrados de un camino que no precisamente es de rosas como el de la fama. El maquillaje y vestuario de los acordes fue minuciosamente puesto en escena dependiendo de qué etapa histórica iba siendo contada para evitar la decepción del fanático empedernido.

“The Dirt” es una historia divertida, atrapante y finalmente enriquecedora. Los protagonistas fueron retratados con sus humanos defectos que los hacen por momentos malcriados y desagradables. Del mismo modo se hizo énfasis en su sensibilidad de artistas y capacidad de madurez y evolución aceptando los golpes de la propia vida y del cambiante gusto del público, que así como a los Crüe, a muchas otras bandas exitosas de los 80 golpeó severamente. Totalmente recomendable para el melómano y para el nostálgico.

Edison Guapaz Zambrano
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Un Caballero Octogenario

El pasado 30 de marzo se cumplió el octogésimo aniversario desde la primera aparición de “Batman”. Uno de los emblemáticos personajes del cómic y la ficción contemporáneas. Ha pasado mucho desde que Bob Kane dio vida con su pluma e ingenio al hombre murciélago y así mismo, hay mucho que hablar sobre su influencia y evolución a lo largo de la historia.

Los fanáticos de Batman principalmente lo valoran como un héroe sin poderes fantásticos atribuibles a condiciones que rebasan lo humano, aunque se ironiza con que su súper poder es su súper billetera (?) La lucha de Batman no sólo se configura contra el crimen, sino contra sí mismo, contra su propia humanidad que le puede llevar a concebir atrocidades canalizadas en el mismo instinto motivador que le llevo a su vida combativa: la venganza. La crisis de los años 30 degeneró en tiempos oscuros y violentos reflejados a productos artísticos y de ficción como Batman.

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Hizo falta algunas publicaciones de “Batman” para descubrir su origen. Es bien sabido que el hombre murciélago es la identidad que adoptó Bruce Wayne, un heredero multimillonario que en su infancia quedó huérfano de padre y madre ya que ambos murieron en un asalto que él mismo presenció, momento en el que juró combatir al crimen, sin embargo, siempre contrario a vencerlos mediante la muerte. Así es como no acepta ser el heredero de Ra’s Al Ghul. El enigmático y longevo personaje quien según la película “Batman Begins” es protagonista dentro del intenso entrenamiento y transformación de Bruce.

Se podría decir que “con todo ese dinero cualquiera”, pero tal vez el verdadero poder de Batman está en su determinación para adquirir las destrezas y la fuerza para el combate, así como el dominio de las ciencias con las cuales se puede configurar su sofisticado equipamiento desarrollado por sus empresas dirigidas por Lucius Fox y ayudado a operar por al gran Alfred Pennyworth su fiel custodio y mayordomo. Tal vez la voluntad y obsesión de Wayne al encarnar al justiciero nocturno se las podría catalogar como sobrehumanas.

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Algo tan o más fascinante que el mismo Batman son sus antagonistas. Villanos que encarnan toda variedad de maldad. El principal de todos ellos es “Joker” o Guasón en traducciones latinoamericanas. En el complejo universo de Ciudad Gótica escasea la cordura y Joker es un caso emblemático al tener una conducta sociópata que lo motiva a ser daño por el puro gusto de hacerlo. “Hay hombres que sólo quieren ver arder el mundo” es una icónica frase que Alfred le dice a Bruce en “The Dark Knight”, película que se centra en la dualidad Batman – Joker contando con la espectacular actuación del desaparecido Heath Ledger, quien encarna casi a la perfección la locura, el egoísmo y resumidas cuentas: la maldad.

Es usual que los villanos de Batman tengan relaciones familiares turbulentas que implican abandono o sensación de injusticia como Pingüino, Gatúbela o el Señor Frío. Otros rivalizan desde un punto de vista filosófico e intelectual, tales como Jonathan Crane, Bane, El Acertijo o el mismo Ra’s Al Ghul. Uno de los más fascinantes antagonistas de Batman es Two-Face quien pasó del lado de la impartición de la justicia al crimen cuando su cara se deformó luego de recibir ácido por parte de uno de los capos de la mafia de Gótica: Salvatore Maroni. Su polémico sentido de la justicia, basado en el azar, denota su obsesión por el destino. Asociado con trastornos como la esquizofrenia y la bipolaridad, es un extremo de la clásica temática del universo de Batman que se narra en esa lucha permanente de justicia vs injusticia.

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Mencionamos que Batman fue creado en momentos de crisis. A medida que la misma pasó y se llegó a los tiempos a los años 50, prósperos y conservadores de la unión americana, cuando la obra “La Seducción del Inocente” del psiquiatra Fredric Wertham influyó en la creación del “código del cómic”, llevó una transformación temática y estética que casi hiere de muerte a Batman. La suposición que los crímenes relatados en las historietas alientan a los jóvenes a cometerlos o más aún especular con una supuesta relación homosexual entre Batman y su protegido Robin, algo muy mal visto en aquellos tiempos, motivaron a la introducción de personajes femeninos como Batichica, al énfasis de la imagen Playboy de Bruce y en si a un universo más edulcorado que tuvo su clímax con la popular serie de los 60.

 

 

El desinterés por Batman se fue acrecentando hasta 1986, cuando Frank Miller (el creador de Sin City) publicó “The Dark Knight Returns”, en la cual, un Bruce Wayne avejentado vuelve a la escena para lidiar con la siempre problemática Ciudad Gótica y sus clásicos enemigos en un escenario ambientado con preocupaciones del momento como las mutaciones o la guerra fría. El nuevo interés por Batman motivó a la producción de películas basadas en su universo y Tim Burton fue el director ideal para retomar el ambiente sombrío y la idea original de Batman cuyo éxito también se sostuvo en la actuación de grandes de Hollywood como Michael Keaton en el papel de Wayne / Batman, Jack Nicholson como el Joker de la película homónima o Danny De Vito como el Pingüino de “Batman Returns”.

 Con la intención de atenuar la oscuridad de las producciones de Burton que causaban conflictos comerciales, Pasó Joel Schumacher a dirigir “Batman Forever” y “Batman & Robin” a mediados de los 90 con una recepción poco entusiasta por parte de la crítica aunque bastante buena por los espectadores. La época 80-90era de Batman incluso trajo a la cultura pop éxitos musicales clásicos como “Batdance” de Prince, “Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me” de U2, “Kiss From a Rose” de Seal o “The End is The Beginning is The End” de Smashing Pumpinks.

 

 

Finalmente la trilogía de Christopher Nolan: “Batman Begins”, “The Dark Knight” y “The Dark Knight Rises” supo devolver completamente el entusiasmo del consumidor de cultura popular con Batman en obras que envuelven con pesadez el drama psicológico de protagonistas y antagonistas sumado a un impresionante despliegue tecnológico con el que resalta la tecnología desarrollada por Empresas Wayne al servicio de Batman. Impresión definitiva del Siglo XXI. Grandes actuaciones de Christian Bale como Batman, Heath Ledger como Joker, Tom Hardy como Bane o Gary Oldman como el Comisionado Gordon.

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El desfile de damas interesantes y hermosas es una característica propia de las películas modernas de Batman. Kim Basinger como la reportera Vicki Vale, Nicole Kidman como la doctora Chase Meridian o Elle McPherson como Julie Madison son el sello propio de los films. Así mismo para encarnar personajes clásicos del cómic estuvieron grandes nombres Michelle Pfeiffer y Anne Hathaway como Gatúbela o Uma Thurman como Poison Ivy.

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Sin duda la dualidad entre bien y mal que no solo enfrenta a los personajes de Batman, sino que enfrenta a sí mismos prácticamente a cada uno de ellos, es la característica principal y motivo por el cual ha podido este universo sobrevivir a lo largo de los años y adaptarse a las actualidades de los tiempos por los que ha atravesado. Sus historias incluso atraviesan la línea temporal como con ¨Batman Beyond” y las líneas estéticas con las producciones de Lego. Batman es esencial para entender la cultura pop y la cultura misma.

Edison Guapaz Zambrano
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Cuervos: ¡Un Cierre Espectacular!

Cuando se supo de la filmación de la cuarta temporada de “Club de Cuervos” sus principales productores y actores supieron señalar que sería la última. Para lo que no prepararon a la fanaticada acumulada durante su de todas formas corta existencia es para afrontar la emotividad que trajeron cada uno de los 12 capítulos con los que se cierra uno de los trabajos más exitosos que la plataforma Netflix ha presentado desde Latinoamérica.

Se dice que cuando en una pieza de ficción sus personajes presentan una evolución (personajes redondos) ésta realmente es interesante. En el caso de “Club de Cuervos”, sus 2 principales personajes, que son los hermanos Iglesias, han llegado a la madurez a su estilo. En el primer capítulo de la cuarta temporada y producto de lo ocurrido al final de la segunda la relación de Chava e Isabel es más fuerte que nunca y ello ocurre para solucionar el primer lío que sería el paso de su querido club a manos de la poderosa y mediática familia Cantú.

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La serie ha formado una especie de culto que pudo ser plenamente explotado no sólo con sus capítulos, sino gracias a los Spin Off, que tal vez tuvieron menos acogida en el público, pero fueron fundamentales para entender lo que se vino en la temporada final en la cual prácticamente se juntaron todos los personajes y circunstancias del “Universo Club de Cuervos”. Sin “La Balada de Hugo Sánchez” no es posible explicar parte del dinero recaudado para rescatar a los Cuervos de las graves deudas del final de temporada 3, la extraña alucinación del “Zombie Guerrero” y la situación familiar del DT, Fede. Del mismo modo, “Yo, Potro” es el nexo para entender el lamentable estado en el que es encontrado el entrañable “Potro” Romani al principio de la última temporada.

 Cuervos está a nada de “irse a la chingada” y para su rescateregresan 2 de los más queridos personajes de inicio de este cuento: Mariluz, con el contingente económico y transformada en una poderosa mujer de negocios y Aitor Cardoné, aquella excéntrica estrella del fútbol que con un poco menos de humos en la cabeza puso su talento al servicio del equipo. Desde sus respectivos lugares llegaron a hacer frente al mayor rival al que los Cuervos se pudieron haber enfrentado: el Club Tarántulas que no solo era un rival en la cancha, sino que amenazaba con desplazarlos como el equipo emblema de Nuevo Toledo con sus ataques desde frentes políticos, mediáticos y económicos.

Conscientes del rol decisivo de los medios, buena parte de la trama tiene como eje la participación de los mismos: los problemas de derechos de televisión, la influencia de los periodistas y su posición desde su sitios de labores, la venta de una determinada imagen en la que vemos a Isabel hacer tripas corazón para escandalizar como una “femme fatale” que inevitablemente llama la atención y la visión del siempre poco convencional Chava que vio en la digitalización de los contenidos como una oportunidad nada despreciable.

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El cultivar una imagen fue el plan de salvación de Cuervos. La parafernalia mediática no es suficiente cuando no hay algo atractivo que mostrar y el querido club nuevotoledano se calzó el papel del villano bajo la dirección de Chava, lo que incluía aparatoso vestuario y la apropiación del Haka de los All Blacks de Nueva Zelandia. De todas maneras, para recuperar el cariño de su ciudad natal, recordando el exilio por el que atraviesan desde el final de la temporada 2, eran necesarios los buenos resultados.

Habíamos introducido este texto con la evolución de los personajes y la madurez. Es así como vemos sentirnos contentos y orgullosos de la evolución de Chava Iglesias hacia la sensatez para la toma de decisiones, aunque ciertamente lo malo de esto es que ya no es tan chistoso como antes y de paso, la merma de su característica tiranía desbocada e hilarante quitó cierto protagonismo a uno de los mimados de la fanaticada de la serie como es Hugo Sánchez, quien termina siendo una pieza clave cuando interviene el excéntrico Ricky Lamas como parte del arreglo final a los problemas financieros de los Cuervos.

 El personaje de Isabel es tal vez el más interesante de analizar, pues muy a la par de las contemporáneas discusiones sobre los roles masculinos y femeninos, observamos que la hermana Iglesias es un referente de la misma, pues ella constituye el verdadero liderazgo del club. Es Isabel la que está plenamente interesada en el fútbol dentro de la familia Iglesias, nota interesante tomando en cuenta el tradicional tinte masculino de la actividad del fútbol y más bien Chava está interesado en actividades distintas al juego, de hecho, nunca dio mayores señas de entenderlo. Es Isabel justamente quien no solo conoce al equipo desde el punto de vista administrativo, sino que sabe del juego en sí y tendrá su oportunidad de demostrarlo. Finalmente, su amor filial y su fuerte personalidad hacen que anteponga a los Cuervos a los roles clásicos femeninos como el matrimonio y la maternidad. Si bien se la ve feliz tomando las riendas del club, es evidente que la producción hace ver que la elección de Isabel sobre los roles tradicionales deja un pequeño pero apreciable vacío.

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Los últimos capítulos tienen una emotividad impresionante, propia de un ciclo que inevitablemente se va cerrando. Cerca del final, el emotivo discurso de Chava, hablando de qué es lo que realmente hace a una persona hincha de un club puede tocar las fibras sensibles de cualquier futbolero, el habla que las personas son hinchas de la historia del club muy por encima de sus jugadores o dirigentes y puede tener mucho de cierto, ser hincha es asociar muchas memorias gozosas, que no necesariamente se emparentan con la victoria. Fue una temporada final sensacional, digna de una producción que ha generado su propio universo, a la altura de las películas y series de televisión más renombradas… Y según redes sociales, parece que no hay un final del todo, sino revisen las publicaciones de @DJ_Churches en Twitter.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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You: Secretos y Mentiras

En este inicio de 2019 una de las mayores apuestas de Netflix ha sido la Serie “You”, teniendo una notoria publicidad dentro de la plataforma a través de una historia que de plano llama la atención y atrajo a más de uno a ser vista. Originalmente se estrenó en el canal Lifetime para Estados Unidos, pero Netflix se encargó de la difusión internacional y lo hará para las siguientes temporadas. La Serie se basa en la novela homónima de la autora Caroline Kepnes.

Tal vez cuesta un poco encasillar en un género a “You”. Bien podría ser un drama romántico como una serie policíaca. Me gustaría señalarlo como una versión algo hipster y bastante más oscura de clásicos juveniles noventeros como Melrose Place o Beverly Hills 90210.

En estos tiempos, la idílica historia de una obsesión de hecho ya no es tan bien vista. Al ver esta serie, el encanto del enamoramiento a primera vista desaparece rápido, pues detrás de muchos buenos modales se oculta el comportamiento obsesivo de Joe Goldberg, quien se enamora perdidamente de Guinevere Beck, una hermosa joven estudiante que ambiciona convertirse en una escritora famosa. Obviamente el lugar ideal para transformar estos sueños en realidad es la ciudad de Nueva York.

A la mitad de la serie Beck propone a Joe vivir en tono de broma y tal vez algo en serio “una relación de secretos y mentiras” que les permitiría llevarse mejor. Ciertamente la mentira es la temática central de “You”. Pues está presente en todo momento. Joe vive una doble vida que permite vigilar prácticamente casa paso de Beck y presentarse al mundo como un sujeto inmaculado y ejemplar, aunque tal vez su halo de misterio es uno de los aspectos atractivos para Beck, quien a su vez miente reiteradamente acerca de su status social e incluso sobre su misma familia. De hecho, tanto las raíces de Joe como de Beck son sumamente difusas.

El sentido de la amistad tal vez es de los temas más desagradables de “You”, siendo esta toda falsa y pretensiosa. Beck tiene un grupo de amigas en el que sobresale Peach Salinger, una estereotípica malcriada hija de millonarios quien con un comportamiento despótico y manipulador domina al grupo de Beck, haciendo énfasis en la protagonista, con quien siempre tiene mensajes ambiguos que van desde la sobreprotección hasta el desprecio. La idea es siempre tenerla disponible a su lado. Tal vez el loco Joe es más franco con sus relaciones, aunque esto se contradice cuando quiere sacarse a alguien de su camino o dice proteger a quienes dice querer. La pretensión se manifiesta desde el hilo conductor de la serie que son los libros: Beck la estudiante de Literatura, Joe el “heredero” de una librería. A lo largo de la serie hay un incesante duelo de egos intelectuales.

 

Se puede decir que la gran tragedia de esta historia recae en Beck, ¿la desgracia de ser hermosa? Elizabeth Lail es la bella actriz que encarna a la joven aspirante a escritora que tiene en sus 2 personas más cercanas a personajes considerados en estos tiempos como “tóxicos”. Peach, con sus permanentes cambios de ánimo y de salud manipula a Beck, mientras que Joe con su permanente vigilancia busca limitar sus movimientos hacia lo que él cree que es correcto. El sentido de superioridad moral de Joe resulta ser invasivo, pues siempre se lo observará haciendo creer que siempre tiene la razón y que defiende lo justo, lo cual se confirma con el personaje transversal de la serie que es Paco, un niño vecino afectado por su disfuncional vida familiar, pero de un intelecto y curiosidad notable por los libros.

“You” tiene momentos de harta expectativa y tensión por la tensión de los secretos al borde de ser descubiertos, por la violencia y los crímenes, por ese descubrimiento descarnado de la falsedad de las sociedades de élites culturales e intelectuales en lugares tan vastos y sórdidos como New York. Mas el final no terminó de ser del todo convincente para el espectador. Se espera nuevas temporadas, nuevos esclarecimientos.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Sabrina, La Bruja Rebelde

En estos tiempos en los que los remakes están a la orden del día, emergió una nueva producción que se transmite por la plataforma Netflix. “The Chilling Adventures of Sabrina” o “El Mundo Oculto de Sabrina” en Español tiene un espíritu muy diferente a “La Bruja Adolescente” del Siglo XX.

Justamente existe una gran diferencia entre “The Teenage Witch” (la bruja adolescente) y “The Chilling Adventures”, ambas originalmente publicadas como una serie de tiras cómicas de Archie Cómics, siendo esta última de una temática bastante más oscura y a eso se refirió la serie que se estrenó el 2018.

Empezamos con absoluta sumisión y alabanzas a Satanás, lo que en la centuria pasada hubiera generado terrible escándalo. La diferencia primordial entre “La Bruja Adolescente” y “El Mundo Oculto” es que mientras en el primero el personaje de Sabrina Spellman encarnado por la entrañable Melissa Joan Hart se ocupaba de lidiar con problemas terrenales algo ayudada con sus poderes sobrenaturales, en la actual es una Sabrina que más bien se ocupa mucho de su ser paranormal y la lucha más bien es la de ser valorada pese a su origen 50 por ciento mortal.

“El mundo oculto” se ocupa mucho de temáticas contemporáneas: empoderamiento y feminismo, combate a la xenofobia, al bullying, abierto abordaje a la homosexualidad y a la diversidad. La Sabrina interpretada por la joven actriz Kiernan Shipka ahora es un chica rebelde, contestataria, que no cumple con cánones y ritos, tantos mortales como ocultos, sin antes reflexionar en sus significados y consecuencias. Una Sabrina que frunce el ceño mucho más de lo que lo hizo la noventera.

En la Academia de Artes Ocultas Sabrina es recibida con hostilidad por muchos debido a su origen mitad mortal, pasando por durísimas pruebas sobre las cuales sobrevive mostrando carácter y una digamos “estirpe” heredada de su padre, quien había sido un eminente y respetado brujo, sorprendiendo y ganando progresivamente el respeto de sus “bullies”. Mientras que en su escuela “normal”, sus amigos no son precisamente la gente “popular”.

En esta nueva Sabrina el romance tiene varios frentes. Sabemos desde siempre que su amor es Harvey Kinkle, pero esta vez este personaje se construye a partir de una tradición familiar de cazadores de brujas, lo que convierte a esta relación en una fantasmagórica versión de Montescos y Capuletos. Está lo que fueron sus padres, una unión entre brujos y mortales idealizada por su pronta partida (en esta versión de Sabrina, ambos han fallecido en un accidente), la relación de pareja y poder de Miss Satan con el mismísimo señor de la oscuridad, las tías de Sabrina y sus desventuras que las hacen las solteras dedicadas a cuidar de su sobrina, amorosas aunque de una moral bastante más retorcida. La “cuota gay” con el primo Ambrose y su confinamiento en el hogar de las Spellman que no deja de tener un contexto simbólico, incluso no huele a coincidencia que sea afro descendiente el actor que lo encarna.

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Sabrina lidia con su poder como una mujer en camino a serla, como heredera de una tradición dentro del mundo de los brujos. Es una rebelde que se rehúsa a cumplir ciegamente con los requerimientos de ambos mundos y se forja los suyos propios. Bien podría ser un personaje femenino de inspiración sin necesidad de llegar a la grosería o intercambio de roles de dominación. Además, para quienes gustan del mundo de lo oculto, el contenido de hechizos, demonología y demás es simplemente fascinante. Es un buen tratado sobre la oscuridad que bien puede llegar a ser luz.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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El Gran Hit de la Polémica que Llegó de México

Te la había recomendado algún amigo o pariente, te engancha y horroriza … Y cuando parece que lo habías visto todo, ves (alerta de spoiler) a Verónica Castro fumarse un hit de marihuana. La impresión es similar a si vieras hacer eso a tu mamá o la más devota de tus tías. La Casa de las Flores llegó para dar la poderosa patada final a los convencionalismos en televisión.

Obviamente, la trama y los temas que ofrece esta serie son claramente para plataformas digitales como Netflix, donde se ha emitido su primera temporada y más que eso, lo impactantes que pueden ser muchas de las escenas para prácticamente cualquier público, por más culto, cinéfilo o “seriéfilo” o por más mente abierta que pueda ser. No porque no sean cosas que en la realidad no pasan, en realidad pasan y mucho, pero en la producción mediática no es precisamente costumbre observarlos.

Desde el inicio de “La Casa de las Flores” en su primer capítulo, la serie ataca con sus mejores armas, como aquel equipo de fútbol al que le urge ganar con un resultado contundente y deja boquiabiertos a todos con explícitas escenas de muerte y sexo homo y heterosexual. Un mazazo que inevitablemente engancha al espectador. Toda esta aparente violencia es trabajada impecablemente, pues está lejos de emitirse como un festival de sangre o publicación digna de tabloides.

La temática de “La Casa de las Flores” se desarrolla alrededor del poder y las apariencias. Virginia de la Mora es el personaje principal de la serie. Una poderosa dama de alta sociedad mexicana quien es cabeza principal de un próspero negocio y la verdadera cabeza visible de una prestigiosa familia cuyo vínculo social con la élite depende del éxito de la reputada florería y de la construcción de una imagen escrupulosamente pulida por Virginia. El desarrollo de la temporada transcurre entre dos grandes eventos que la familia de la Mora ofrece y entre los sucesos del primero y la preparación de los segundos, el mantener esa imagen impecable parece costarle la cordura a Virginia.

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El lodo que Virginia tiene que limpiar viene de muchas partes. Empezando por temas que en las altas sociedades de Latinoamérica son muy mal vistas como: la infidelidad, el homosexualismo o transexualismo y centrándose en problemas en serio como los legales y económicos. Todos ellos disimulados con una sincronía casi artística, lo que lógicamente a la familia entera la va progresivamente consumiendo.

 El tratamiento narrativo es interesantísimo, pues quien cuenta la historia es un narrador omnisciente que tal vez adquiere dicha condición por lo que le sucede en el primer capítulo y es quien presenta los dilemas morales que pasa sobretodo a Virginia, a quien la ata un vínculo amargo pero más común de lo pensado en nuestra sociedad. El ritmo de esta serie es incesante, las tomas y edición son vertiginosas y con ello es imposible perder el interés. Es muy interesante también la banda sonora, pues tratando de dar un ambiente kitsch en una de las locaciones, se toman varias canciones que a principios de los 90 fueron un éxito y son mayormente interpretadas por los actores. Ver a Virginia (interpretada por Verónica Castro) cantar un tema de Cristian Castro es una delicia.

Hay que decir que una de las virtudes de la Serie y por lo que podría ser memorable son las actuaciones. Una que se queda en la mente de cualquiera es la de Cecilia Suárez como Paulina de la Mora, hija mayor de Virginia, quien busca siempre tomar las riendas de la familia y los negocios, mostrándose como una mujer fuerte a pesar de su en teoría “revés sentimental” parece haberla marcado seriamente. El trabajo de Suárez con el peculiar hablado de Paulina es fenomenal y casi que icónico, así como su esposo. La personificación de José María y/o María José es muy pulcra y también deberían llevarse el mérito los encargados del maquillaje, pues la apariencia de “María José” es simplemente regia.

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Hay personajes que inducen al debate moral como el padre de familia Ernesto de la Mora o Carmelita, la amiga de la familia. Darío Yazbek como Julián, el hijo varón, y su papel de “jugar a dos bandas” y salvar las apariencias con su orientación sexual y compromisos. Él junto  a su hermana Elena (Aislinn Derbez) encarnan la angustia de volverse adultos y sufren de permanentes decisiones erradas. La inocencia se encarna con Bruno, único nieto de la familia y Micaela, hija de Ernesto, quienes tienen una simpática amistad a pesar de que sus orígenes los podrían poner distantes desde un punto de vista adulto.

Con una producción que luce muy bien cuidada desde los créditos de inicio, “La Casa de las Flores” destaca por su dinamismo, su ataque frontal a temas polémicos y por actuaciones espectaculares. De lo mejor que se ha visto en México y Latinoamérica vía plataformas digitales.

Edison Guapaz Zambrano
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