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“Music Complete”: New Order de la A a la Z

Recientemente la banda británica “New Order”, publicó su nuevo álbum “Music Complete”, que vendría a ser el décimo álbum en estudio de los originarios de Manchester. En el transcurso de este verano boreal fue presentando los sencillos de este disco que va retornando un poco a las bases bailables que lo hicieron conocidos en el mundo.

Claro, “Music Complete” es bastante más bailable que lo que fueron sus producciones dosmileras, sin embargo, en este disco se advierte un repaso a lo que ha sido la discografía de la banda, si bien, se ha privilegiado los sintetizadores y las programaciones, es notable también la participación de la guitarra. Para los fans de “vieja guardia”, el sonido de bajo de Peter Hook se extraña, sin embargo, Tom Chapman es eficiente, tal vez eso sí, menos protagonista y ha sido interesante escuchar su debut con nuevos temas.

El disco inicia con el primer sencillo: “Restless”. Tema que viene con la herencia del “Get Ready”, “Waiting for the Sirens’ Call” o incluso, se parece al proyecto paralelo de Bernard Sumner: “Bad Lieutenant”. Un buen pop de inicios del siglo XXI que busco conectar el trabajo de estos últimos años de los británicos con este presente en el que vuelven a dominar las pistas de baile. Que haya sido el primer sencillo se entiende como un buen engranaje cronológico, más que una apuesta comercial.

Con el advenimiento en septiembre de “Music Complete”, se develó el siguiente sencillo: “Plastic”. Contrariamente a lo que pasó en “Restless”, este sí es un tema sumamente bailable que tiene mucha influencia de DJ’s de principios de Siglo XXI. Es importante la ayuda vocal de Elly Jackson de “La Roux”, para darle ese toque más de discoteca. Tema donde se hace buen y casi exclusivo uso de sintetizadores, programadores y demás artificios tecnológicos. Es un tema muy de los New Order antiguos: Sumner, Morris, Gilbert con un toque muy de vanguardia e intervenciones puntuales en el bajo. Ideal para fiesta.

Pero decíamos que “Music Complete” es una mezcla de muchas épocas de New Order. Por ejemplo, el tema “Singularity”, del que tuve el honor de presenciar su estreno en el Lollapalooza 2014 de Chile, tiene muchos sampleos y ritmos programados, pero a su vez, una poderosa línea de bajo donde Tom Chapman imprime su estilo y todo permite hacer una mezcla muy acelerada y trepidante, a la vez que difícil de encajar en los 80, época de mayor fama y gloria de la banda.

New Order ni siquiera se olvida de sus orígenes. Si los fans de hueso colorado y oscuro corazón de “Joy Division” buscan un sonido similar al de la banda primigenia, probablemente lo encuentren en el tema “Nothing But a Fool”, donde los teclados solemnes, el bajo incansable y la guitarra melancólica hacen el deleite de esta taciturna canción, aunque finaliza con riffs más bien característicos de los tiempos donde Phil Cunningham se integró al grupo.

Si hablamos de favoritos, yo me quedo con “Academy”, un tema que también tiene mucho del sonido que New Order ha venido desarrollando en este siglo, privilegiando bastante las guitarras y como siempre, dando ese distintivo de música “soundtrack de carretera” que han desarrollado Sumner y compañía desde el “Get Ready”. Siempre con esa sutil línea entre lo festivo y lo nostálgico.

“Music Complete” trae un sonido de pista de baile bastante renovado, no solo por los equipos utilizados, sino por la manera de componer los temas. De todas formas, no deja de homenajear a viejos estilos y ese sería el caso del tema “Tutti Frutti”, que tiene algunos elementos de “Italo Disco”, tanto que los párrafos cantados con una grave acento italiano bien podrían hacer recordar al bueno de Pino D’Angio.

También mencionaríamos a “People on the High Line” que en cambio, pone énfasis en aquellos teclados secos de inicios de finales de los ochenta e inicios de los noventa, que New Order, además de muchas bandas y solistas de música bailable usaron para aquellas épocas. Algo muy del “Technique” o de “World in Motion”.

También, habrá que resaltar las participaciones especiales. Ya nombramos a Elly Jackson hace vocales en “Plastic” y “Tutti Frutti”, Iggy Pop hace su aparición en “Stray Dog” (¿fuerte la asociación del señor Pop y los perros, no?). El cierre del disco va con la canción “Superheated”, donde Brandon Flowers, vocalista de “The Killers” no solo comparte vocales, sino créditos en la composición. La verdad es que este track tiene cierto aire al “rock revival” del grupo norteamericano. Tom Rowlands de los Chemcial Brothers colaboró en la creación de los temas “Singularity” y “Unlearn This Hatred”.

“Music Complete” devuelve a New Order las ganas de bailar, sus miembros originales, que ya pasaron hace rato las 5 décadas de existencia, todavía tienen arrestos para hacer echar paso a multitudes, salvo pequeños espacios para la nostalgia, pero así mismo son ellos: festivos y reflexivos.

Music Complete – New Order – Mute – 2015

new order music complete

1. “Restless” 5:28
2. “Singularity” 5:37
3. “Plastic” 6:55
4. “Tutti Frutti (featuring Elly Jackson)” 6:22
5. “People on the High Line” 5:41
6. “Stray Dog (featuring Iggy Pop)” 6:17
7. “Academic” 5:54
8. “Nothing but a Fool” 7:43
9. “Unlearn This Hatred” 4:19
10. “The Game” 5:06
11. “Superheated (featuring Brandon Flowers)”
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Morning Glory: la cúspide del Britpop

Este 2 de octubre se han cumplido 20 años de la publicación de “(What’s The Story) Morning Glory?”, álbum de la banda británica “Oasis” que es considerado como uno de los esenciales de la década de los noventa en cuanto a Rock y Pop se refiere. Morning Glory supuso una catapulta al súper estrellato mundial de los hermanos Gallagher y compañía.

Con 22 millones de copias vendidas y contando, “Morning Glory” es uno de los discos más exitosos en cuanto a ventas de finales de siglo XX. Por lejos, el mejor vendido dentro de la tendencia conocida como “britpop” que tuvo su auge a mediados de los noventa y cuando terminó dicha década, el disco fue coronado como el indiscutible número 1 en el Reino Unido si de nuevo, hablamos del éxito comercial, superando a Simply Red y a las pegajosas Spice Girls. La foto de la tapa del álbum fue tomada al amanecer en la concurrida Berwick Street del barrio Soho, donde en la época existía un frenético comercio de discos.

“Morning Glory” tuvo momentos disímiles en su acelerada producción en el verano de 1995. Si bien en el estudio hubo armonía y buen ambiente para las sesiones creativas, el rato de definir los roles (quien cantaba cada tema), surgieron las tradicionales asperezas fruto de las explosivas personalidades de los hermanos Gallagher. Al final, Liam se quedó con las voces de “Wonderwall” y “Champagne Supernova”, mientras que Noel con “Don’t Look Back In Anger”.

En el año de 1995 estaba totalmente desatada la guerra del “britpop” con los londinenses “Blur”, que habían tenido un suceso enorme con el disco “Parklife”, como era de esperarse, dicha disputa era azuzada en buena parte por la prensa. Comercialmente, la guerra se declaró en agosto de 1995, cuando Oasis decide lanzar el single “Roll With It” el mismo día que Blur publicaba “Country House”. Esa batalla la ganaron sus en ese entonces archi enemigos, pero la batalla se la terminarían llevando los de Manchester ya que “(What’s The Story) Morning Glory?” duplicó en ventas a “The Great Escape” de Blur. Contundente victoria que sumada a su notable aceptación en Estados Unidos, erigía a Oasis como los reyes del género.

“Morning Glory”, contradiciendo un poco a su predecesor, “Definitely Maybe”, desacelera un poco, es más introspectivo y menos arrogante. Bastante antes de la puesta a la venta del álbum, se dio a conocer el sencillo “Some Might Say”, nostálgico tema que se debate entre optimismo y pesimismo que fusiona la dulce melodía británica con un elemento rítmico blues. Ideal para tratar de darse ánimos, aunque sea por el coro que dice que algún rato encontraremos un día más brillante.

Habíamos hablado de “Roll With It”, un tema que tiene muchísimo “ADN Beatle”, especialmente en el coro, tal vez no sea la más novedosa, pero el siguiente sencillo “Morning Glory”, es más interesante con ese punzante intro de guitarra que da un ambiente más crudo y callejero al tema más frenético del éste, su homónimo álbum.

Obviamente hay que detenerse en “Wonderwall”, que ya sería el cuarto sencillo de la placa y que reventaría en popularidad en ambos lados del charco para 1996. Un tema muy sencillo con predominio de la guitarra acústica, una omnipresente además de solemne sección de vientos. Hay que señalar que Liam Gallagher se luce totalmente cantándola, recuerdo en mis años pubertos haberme conmovido mucho con el tema y hasta ahora me estremece, pese a ser el más trillado no sólo de este disco, sino de la banda misma.

Noel, quien siempre ha sido el cerebro creativo de Oasis, compuso este tema para su en ese entonces pareja, tratándola como su sostén y muro. Ese “you’re gonna be the one that saves me” repetido mántricamente hacia el final de la canción adquiere un notable significado para cualquiera que aunque sea alguna vez se ha sentido rescatado por un gran amor.

“Don’t Look Back In Anger”, tiene el guiño “John Lennon” o ¿de donde más don Noel se pudo sacar la frase “start a revolution frome my bed”? Y ni hablar de la introducción de piano del tema. Esta canción tiene un personaje ficticio como “Sally”, pero si existe o no es lo de menos. Oasis de nuevo juega con emociones nostalgia – esperanza, lo que hace tan reconfortante escuchar a este sencillo publicado en febrero de 1996. Todo el “Morning Glory“ tiene esa propiedad depuradora de alma.

El psicodélico cierre del álbum es “Champagne Supernova”. Con un ritmo más taciturno y una indescifrable letra, puede de todas formas ser un perfecto consuelo para los tiempos difíciles, porque ese inicio melancólico termina en una explosión sónica que le da bastante épica y euforia al tema. Volviendo a lo de las letras, siempre llamará la atención ese Where were you while we were getting high?”

Fuera de los sencillos, tenemos temas muy conmovedores como “Cast No Shadow”, que Noel Gallagher dedicó a Richard Ashcroft, vocalista de “The Verve”, quien no atravesaba buenos momentos personales. Mientras que “Hey Now!” tiene una guitarra mucho más poderosa que no deja de tener esa clásica melodía pop británica, bastante lúdica, casi infantil.

A 20 años de la publicación de “(What’s The Story) Morning Glory?” no nos queda de otra que escuchar de nuevo todo el álbum y empaparnos de historia. Sin duda, un definitivo sonido noventero que evoca tiempos más inocentes y simples, escuchando la inspiración que genera la dureza de la calle de Manchester. El álbum producido por Owen Morris deja una huella imborrable en muchos de los actuales treintones.

(What’s The Story) Morning Glory? – Oasis – Sony – 1995

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1. “Hello”
2. “Roll with It”
3. “Wonderwall”
4. “Don’t Look Back in Anger”
5. “Hey Now!”
6. Untitled (“The Swamp Song — Excerpt 1″)
7. “Some Might Say”
8. “Cast No Shadow”
9. “She’s Electric”
10. “Morning Glory”
11. Untitled (also known as “The Swamp Song — Excerpt 2″)
12. “”Champagne Supernova”
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Bandas y discos imprescindibles: The Cult – Love

Habrá que decir, que gracias al poco espacio que tuvo el rock en los medios radiales del país durante los 80´s y 90, muchos nos perdimos de grandes bandas en sus momentos de apogeo. Lo poco que llegamos a tener en nuestras primeras bibliotecas musicales, eran los cassetes o discos que algún conocido te cruzaba o los que tus viejos en los 70´s (si es que eran de la tendencia) tenían en su colección. En mi caso gracias a mi padre tuve la oportunidad de acceder al rock. El primer disco que escuche conscientemente con doce años fue Led Zeppelin II y The Doors Greatest Hits; Y fue un kabooommmm en el cerebro. De ahí poco a poco se pudo acceder a algunas bandas gracias a los contados programas (“Prohibido Prohibir” en Tele Onda musical 95.3 o “Romper Falsos Mitos” por Hot 106). También nos empezamos a enterar algo de las bandas que existían con revistas españolas Kerrang o Heavy Rock que vendían en los quioscos de la ciudad pero no mucho más. Por suerte la globalización hizo, entre otras cosas, que los artistas y su música se expanda. ¿Alguien se acuerda aun de Napster?, Winamp y otras cositas que como locos empezamos a descubrir y usar.

Este antecedente quiere servir como preámbulo para hablar de algunos discos y bandas que en su momento fueron y son desde mi punto de vista baluartes de la historia de la música sin tratar de encasillarlos en los malditos géneros. Hoy escribo sobre una banda que aun en estos tiempos es prácticamente desconocida por acá: The Cult y el álbum que los hizo conocidos sobre todo en Europa y Estados Unidos: “Love”.

Formación del disco Love. William “Billy” Duffy, Ian AStbury y  Jamie Stewart Foto tomada de la página Facebook The Cult.

Formación del disco Love. William “Billy” Duffy, Ian AStbury y Jamie Stewart
Foto tomada de la página Facebook The Cult.

The Cult surge a inicios de los ochenta, encasillada dentro del género “Hard Rock”. Tiene su base creativa en Ian Astbury vocalista (n. Cheshire – Inglaterra, 14 de mayo de 1962) y el guitarrista Billy Duffy (n. Manchester- Inglaterra, 12 de mayo de 1961) siendo los únicos miembros fijos de la banda. Catalogada en su momento una de los grupos más emblemáticas de Inglaterra en los 80, son considerados como la banda que hizo resurgir el Hard Rock como género en Inglaterra y Europa. En septiembre de 1984 lanzan su primer álbum, “Dreamtime”, con el que ganan reconocimiento en las listas independientes británicas. Anteriormente habían lanzado un EP con el nombre de “Death Cult”. A mediados del año 1985 lanzan su segundo álbum en estudio y sujeto a nuestra revisión: “Love”.

the cult love

Love es un disco con un sonido limpio, sin mayores arreglos, donde se destaca el gran trabajo en guitarras (principal y secundaria) de Billy Duffy que le dan un toque rítmico espectacular y que a posterior sería el sonido característico de la banda conjuntamente con la sonoridad vocal de Ian Astbury. El disco arranca con un gran tema: “Nirvana” donde ya puedes apreciar el sonido “Hard Rock” por el que te llevará todo el disco. Aunque derrapan un poco con “Brother Wolf Sister”, (tema demasiado largo, lento y sin mucho que ofrecer), vuelven a recuperar el ritmo con la genial “Rain”, para sorprendernos más adelante con un medio tiempo: “Revolution”. Casi para terminar este disco, se desprende uno de sus temas más comerciales y conocidos (en Europa y Estados Unidos): “She Sells Sanctuary”. Desde mi opinión, el tema que más se destaca del disco, para finalizar con “Black Angel”, canción que te puede dejar un poco indiferente, así que mejor quedarse hasta la canción anterior.

Temas a destacar del disco:

She Sells Sanctuary

 Nirvana

Rain

Revolution

Sáltate:

Brother Wolf Sister Moon

Black Angel

Jorge Aguirre
Quito
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La Loma Grande
Rock N´Roll, Futbol, Café y Chocolate
Paper Gods 1

“Paper Gods”: ¡para sacar viruta al piso!

La banda británica “Duran Duran”, publicó en este mes su más reciente material discográfico. El álbum llamado “Paper Gods” fue esperado a lo largo de este año con una publicidad de expectativa en la cual, los oriundos de Birmingham supieron hacer uso de las redes sociales y de armas más tradicionales como los recitales en los que ya incluyeron temas del citado disco.

“Paper Gods” privilegia el sonido del bajo, los loops, samplers y sintetizadores. Obviamente, la partida de Andy Taylor es una sensible baja a la que la banda decidió no buscarle un reemplazo permanente y sí quien les apoye en giras o quien grabe secciones de guitarra que pocas veces han sido protagonistas desde hace más de 10 años.

El nuevo disco puso al aire un anticipo, el tema “Pressure Off”, siendo una excelente decisión para primer sencillo. Ahí Duran Duran suena bastante funky, onda de los tiempos del “Notorious”, claro, con sintetizadores más fuertes y varios elementos de música de discoteca contemporáneas. Una fusión entre lo clásico y lo moderno que inevitablemente hace mover la cabeza cuando no, echar un par de pasos. La intervención vocal de Janelle Monáe y Nile Rodgers ayudan a darle un aire contemporáneo, es Duran Duran buscando ganar nuevos adeptos.

Paper Gods tiene varios colaboradores para las voces: Mr Hudson (quien ha sido el encargado de la producción mayormente), Kiesza, Jonas Bjerre y los citados en “Pressure Off”. Ideales para imprimir ese toque de noche y fiesta a las súper bailables “Last Night in The City” (Kiesza) y “Change The Skyline” (Jonas Bjerre). Este disco casi siempre es juerga aunque claro, de esas de camisa y pantalón de marca costosa.

El inicio con el tema homónimo del disco, parece ser un despertar, ¿un amanecer chuchaqui? (con resaca, para quienes nos leen de fuera de Ecuador), la canción tarda en “ponerse en pie” y avanza lentamente, con momentos de agitación moderada y otros más taciturnos. Un buen tema que va jugando con emociones y tal vez, traslada hacia lugares más cálidos. Tal vez es el amanecer de una farra playera.

Predomina el espíritu de baile y tal vez, se pueda identificar diversas épocas, recordando también pues, que los Duran Duran están por sus 50 años de edad. “Danceophobia” es un tema que cualquier grupo Pop actual pudo haber producido, lo mismo con “Only in Dreams”, mientras que “Sunset Garage” hubiera estado bueno para discos como “Big Thing”. El tema “Butterfly Girl” en cambio, suena a banda pop de inicios de los 2000, bastante disfrutable.

No hay mucha variación en la guitarra, siempre en este disco destinada a dar un ritmo “funk”. Temas como “Only in Dreams” o “Pressure Off”. Una vez más, quien se encargó de la grabación fue “Dom Brown”. También hay colaboradores como el ex Red Hot Chili Pppers, Jhon Frusciante. Acá podemos identificar su característico sonido “cinemático” en el tema “The Universe Alone”. Muy roadie, muy para reflexión. Personalmente, mi favorito.

Podría decir que este es un disco de Nick Rhodes, pues los sintetizadores y programaciones son bastante notorios y sofisticados. Cada vez se perfecciona más detrás de su barricada de teclados, secuenciadores y computadoras portátiles. El bajo de John Taylor tiene menor protagonismo que en trabajos pasados de Duran Duran, pero sigue siendo vital para sostener la característica bailable del grupo británico.

Temas “taciturnos” hay pocos, “You Kill Me With Silence” y “The Universe Alone” podrían ser. La edición de lujo cuenta con tres temas “bonus”: “Planet Roaring” contemporánea y bailable, “Valentine Stones” un poco más oscura aunque también funk y “Northern Lights”, que también tiene un espíritu de carretera, de nuevo, se nota la mano de Frusciante.

“Paper Gods” es un disco muy animado, busca férreamente posicionarse en nuevas generaciones, sin resentirse en inspiración. Se podría decir con este trabajo que hay Duran Duran para rato, pues se los escucha rejuvenecidos, vitales, divertidos como hace 20 o 30 años. La voz del gran Simon LeBon ha sufrido poco con los años.

Paper Gods – Duran Duran – Warner Bros. – 2015

Duran Duran PG 2

1. “Paper Gods” (featuring Mr Hudson)
2. “Last Night in the City” (featuring Kiesza)
3. “You Kill Me with Silence”
4. “Pressure Off” (featuring Janelle Monáe and Nile Rodgers)
5. “Face for Today”
6. “Danceophobia” (featuring Lindsay Lohan)
7. “What Are the Chances?”
8. “Sunset Garage”
9. “Change the Skyline” (featuring Jonas Bjerre)
10. “Butterfly Girl”
11. “Only in Dreams”
12. “The Universe Alone”

 

Deluxe version (bonus tracks)
13. “Planet Roaring”
14. “Valentine Stones”
15. “Northern Lights”
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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El tan esperado retorno discográfico de Blur

La gran banda británica presentó este año y a los tiempos, un nuevo material discográfico, más bien dicho, un nuevo álbum ya que en 2012 habían publicado un par de sencillos en los tiempos de disputa de los Olímpicos de Londres. “The Magic Whip” tuvo mucha inspiración del lejano oriente y eso se advierte desde su portada. Fue pulbicado el 27 de abril de 2015.

La llegada de “The Magic Whip” constituyó una larga espera para el fan de Blur y el britpop, pues pasaron 12 años desde la publicación de su último LP “Think Tank”, allá por el 2003. El receso fue prolongado. Con Damon Albarn de lleno en su carrera de solista como con su proyecto paralelo: “Gorillaz”, Graham Coxon separado desde 2001 y Alex James alejado lo que más podía del mundanal ruido urbano y pop, parecía que la banda no tenía otro destino que el del recuerdo. La reunión del 2009 en el Hyde Park fue un aliciente.

Pero es mejor hablar del presente. “The Magic Whip” vio la luz en el marcado el pasado 27 de abril de 2015, siendo el octavo álbum de estudio de “Blur”. Como se había señalado, el punto de partida para la grabación de esta placa es Hong Kong, donde la banda se puso a trabajar en material nuevo, tras la cancelación de fechas en festivales en varios países de Lejano Oriente en el que estaban programados.

Bajó una atmósfera lúdica, a la que Albarn nos ha acostumbrado en sus últimas producciones, este disco tiene una fuerte identidad del vocalista de esta banda. Sin embargo, yo al menos haría una distinción entre los temas que han sido escogidos como sencillos del resto del álbum. Cuando sonó el primer sencillo: “Go Out”, valía la pena emocionarse, pues había un sonido actualizado, pero a la vez, los pegadizos riffs pop que caracterizaron a buena parte del trabajo noventero de Blur.

Si seguimos con los sencillos, nos topamos con temas como “Lonesome Street”, que tiene una inconfundible identificación con los tiempos primigenios de Blur, con álbumes como “Modern Life Is Rubbish”. “Ong Ong”, al igual que “Go Out”, parece acumular la discografía de Damon, incluyendo principalmente sus trabajos fuera de la banda, pero la línea de bajo que conduce Alex James tiene mucho de ese endulzante sonido pop de mediados de los 90.

“I Broadcast” fue recientemente presentado como sencillo. Esta es una canción donde luce Graham Coxon, aunque por ahí, el ritmo suena mucho a “Think Tank” del cual, él no fue partícipe. Tal vez, por los muchos recursos tecnológicos y de estudio que tiene la misma. Además, ni en este ni en ningún otro tema, la guitarra es muy estridente, es más bien un acompañante más discreto en el camino del álbum.

Se puede elogiar positivamente a los sencillos, los cuales, ninguno es tan espectacular como los temas más conocidos de la banda. Tal vez, ningún grupo del Siglo XX ya puede alcanzar los niveles de explosión de sus mejores momentos de fama y gloria y ahora graban sus discos por diversión y obviamente dinero, pero lejos del hambre de fama y gloria. Acá en “The Magic Whip” eso también evidente y tenemos un montón de temas aletargados y se puede decir que aburridos. O tal vez, para un tipo que pasó los 30 años y que creció con el pop enviciante de esta banda, estas propuestas son incomprensibles o poco sorprendentes.

Es bueno sin embargo, que la banda esté de vuelta, con todos plenamente reconciliados y con ganas de seguir tocando. A inicios de octubre, Blur estará pisando Latinoamérica y como no puede ser de otro modo, Ecuador será totalmente ignorado de la gira. Si usted tiene ahorrados unos centavos, podría ir este 7 de octubre a Chile o mejor el 10 y 11 de octubre a Argentina y de pasito, ve a la selección.

Más o menos a los treintones eso nos queda, esperar que nuestros ídolos hagan algún álbum que rara vez termina siendo plenamente satisfactorio y esperar a la gira que nos agarre con la quincena cobrada, porque en el caso de ser ecuatoriano, la dificultad de movilizarse a ver sus espectáculos, se multiplica.

The Magic Whip – Blur – Parlophone – 2015

magic whip 2

1. “Lonesome Street” 4:23
2. “New World Towers” 4:03
3. “Go Out” 4:41
4. “Ice Cream Man” 3:25
5. “Thought I Was a Spaceman” 6:16
6. “I Broadcast” 2:51
7. “My Terracotta Heart” 4:05
8. “There Are Too Many of Us” 4:25
9. “Ghost Ship” 4:59
10. “Pyongyang” 5:47
11. “Ong Ong” 3:08
12. “Mirrorball” 3:39
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
maiden book of souls

El Libro de las Almas

Pocas cosas tienen la capacidad de mantenerse inalterables en nuestra vida como la música, esa emoción difícil de explicar de escuchar por primera vez un disco de nuestra banda favorita, hoy por ejemplo, escuché “The Book of Souls”, el nuevo disco de Iron Maiden, como lo he hecho desde mi adolescencia. Esta vez con una emoción especial puesto que realmente no teníamos la certeza de volver a tener un nuevo disco de una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos.

 La banda británica hacía noticia hace unos días cuando lanzó su nuevo single, “Speed of Light”, incluyendo un brillante video musical, en el que se aprovechan de ser una de las agrupaciones con mayor, y mejor, mitología propia, como para hacer al mismo tiempo un recuento de su carrera musical enfocada en su querida mascota Eddie, como un recuento de la historia de los videojuegos, un muy bien logrado homenaje a la cultura popular; merece una mención especial la secuencia en que Eddie enfrenta a muerte a “la Bestia” en modo Mortal Kombat, teniendo de escenario la portada del single de 1982 “Run to the Hills”, un regalo para cualquier fan.

 Iron Maiden fue fundada por su bajista Steve Harris a mediados de la década de los 70 en Londres. Actualmente se constituye en un sexteto, en el que conviven tres guitarristas, los virtuosos Murray y Smith y el siempre importante Janick Gers. La batería es propiedad de Nicko Mc Brain desde 1983 y en las vocales aparece Bruce Dickinson, quien recientemente fue noticia por haber superado con éxito el tratamiento por un cáncer a la lengua.

“The Book of Souls” es su décimo sexto álbum de estudio, el primero desde hace cinco años, la mayor espera entre dos trabajos de la doncella, en razón justamente de la enfermedad de su cantante, quien vale aclarar, grabó el disco cuando se encontraba con su enfermedad latente sin que aún se la diagnostiquen, quizá eso explique que su voz no suena tan arrasadora como siempre, un detalle que no puede dejar de notarse al reproducir el álbum, lo cual para nada le quita brillo, al contrario, más bien exalta el trabajo del frontman, de quien jamás se podrá decir que algún día no lo dejó todo ante el micrófono.

 Esta nota no pretende examinar el álbum a manera de “review”, para eso están los críticos, a quienes de paso el disco parece gustarles bastante, esta es por su parte la opinión de un fan a quien la música de Iron Maiden le acompañó siempre en los momentos más importantes de su vida, como lo entenderán todos quienes sientan algún grado de pasión por la música, entenderán también la emoción de encontrarse con que pese a que el tiempo pasa para todos, siguen estando a la altura, sobrepasando nuestras expectativas.

 Si bien es cierto que el disco no está al nivel de los clásicos de los 80, ¿cómo estarlo? pues los trabajos de la banda en aquella época marcaron la historia del heavy metal para siempre, convirtiéndose en discos de culto que influenciaron a miles de bandas a nivel mundial, pero “The Book of Souls” marca un interesante paso adelante en la historia de la banda, con canciones que nos recuerdan varios de sus mejores trabajos y trayéndonos nuevo material que, confíen en quien escribe, mejora con cada reproducción, un disco, como se dijo, a la altura de su historia.

Como recomendación particular, sugiero escuchar la excelente “If Eternity Should Fail”, tema compuesto íntegramente por Dickinson que abre el álbum; “The Red and the Black” firmada por Harris, la cual, para quien escribe, es la gema del disco; o inclusive una canción dedicada al fallecido actor Robin Williams: “Tears of a Clown”; sobre gustos no está nada escrito, la extensa entrega de los británicos ofrece suficientes alternativas como para satisfacer a los viejos fans y al mismo tiempo seguir abriendo la puerta para que nuevas generaciones se acerquen a la doncella.

Nuevamente, al no ser esta una crítica sobre el álbum, encargo a cada fanático su opinión del disco y su valoración de los temas, me quedo con la emoción que seguramente compartimos todos de volver a escuchar a la banda de Steve y Bruce, verlos homenajear a su leyenda y al mismo tiempo, seguir agigantándola.

Nuestros ídolos se hacen mayores, nos preguntamos si les llega el retiro y nos quedaremos con sus viejas glorias, es un placer que en ese contexto Iron Maiden nos siga regalando música de primer nivel. Ojalá podamos volver a verlos en vivo en nuestro país, mientras tanto, nos entretendremos con su libro de las almas.

Up The Irons.

soda 1990

La bodas de plata de “Canción Animal”

Si menor – Sol – Re – La. Acordes con los que casi todo guitarrista o “guitarrero” ecuatoriano se inicia, para tocar en el “chupe de los panas” o para intentar hacer una difícil carrera de músico pop – rock en nuestro medio. Pocos le atinan a hacer los “hammers” correctos, obviamente nadie logra ese sonido tan “animal” que logró Gustavo Cerati y su guitarra PRS para crear el tema más emblemático, más coreado, más “berreado” de Latinoamérica: “De Música Ligera”.

Se cumplen 25 años de Canción Animal. Un disco que históricamente trasciende en varios ejes históricos. La discografía de Soda Stereo, la historia del rock argentino y el rock en español en general. Para los Soda, la consagración continental. “Canción Animal” fue un decisivo paso hacia la década de los 90 para la banda, un paso rockero, crudo, vigoroso y sobretodo, triunfal.

Repitiendo un elemento del “Doble Vida”, Soda Stereo vuelve a realizar las grabaciones del “Canción Animal” en Estados Unidos y Miami fue la elección concertada con la disquera, se negoció el control hegemónico de la producción por la comercialización anticipada en México y Estados Unidos antes que en Argentina. El proceso fue violento, la inspiración bullía y el producto final varió poco de los demos trabajados por Cerati antes de iniciar la grabación.

Canción Animal contó con la participación de Daniel Melero acompañando la creación de letras, Tweety González para los teclados y Andrea Álvarez como música agregada. Se publicó el 7 de agosto de 1990 y cuenta con muchos temas considerados “clásicos” de Soda Stereo: “De Música Ligera”, “Un Millón de Años Luz”, “Entre Caníbales”, “Hombre Al Agua”, etc. La “Gira Animal”, con la que se promocionó esta placa, se extendió por prácticamente cada rincón del República Argentina, la gran mayoría de países latinomericanos, los Estados Unidos y por primera vez incluso, llegó al continente europeo.

Canción Animal fácilmente llegó a ser disco de oro, lo cual en sus tiempos, para ser música en español era tremendo mérito. Impuso un récord de asistencia en su concierto gratuito de la Av. 9 de Julio en Buenos Aires, registrando 250 mil espectadores. Entre los años 1990 y 1992, los temas de “Canción Animal” tomaron por asalto las radios de América hispano hablante. Uno de sus grandes puntos de fama.

Cerati PRS

La famosa PRS del maestro

Este debe ser el disco de Soda con mayor protagonismo en la guitarra. Hablamos en el primer párrafo de la “viola” PRS. Con dicho instrumento, se pudo imprimir toda la fuerza que tienen temas como “En el Séptimo Día”, “Sueles Dejarme Solo”, la desgarradora melodía de “Un Millón de Años Luz” y obviamente, el clásico riff de “De Música Ligera”. Pero también tenemos temas que Cerati supo manejar muy bien con guitarra acústica: “Te Para Tres”, “1990”, “Entre Caníbales”.

El Bajo de Zeta Bosio tiene un protagonismo más circunspecto, lejos del tono fiestero de las producciones ochenteras de Soda, Zeta hace un trabajo más bien similar a lo que se oía en el rock alternativo angolsajón de aquella década. Destacando las líneas de “Hombre al Agua”, “Entre Caníbales” o “1990”.

Fuerza demoledora en la batería. Charly Alberti sobretodo destacó en “Sueles Dejarme Solo” y “Entre Caníbales”, demostrando una notoria evolución en su trabajo, respecto a lo realizado en los ochenta y espegándose de aquel ritmo similar al que imprimía “Simple Minds”. De hecho, todo “Soda” se desprendió de sus influencia ochenteras y pasaron a tener una identidad muy propia y constante evolución hasta que se disolvió como banda en 1997.

Tenemos temas muy sentidos, “Te Para Tres” es un homenaje a su padre, cuya vida se venía apagando por aquellas épocas. “Cae El Sol” con aquella característica sección de cuerdas hechas en sintetizador evoca nostalgia, un poco de viaje, soledad, tránsito y espera de un nuevo día. Personalmente, mi favorita.

El disco emocionalmente tiene de todo: nostalgia, pesadumbre, rabia, sexualidad desbordada. Sensaciones de un grupo de hombres entrando en la madurez de sus vidas y que se detienen un poco a plasmar todo lo que han recibido en sus vidas que comienzan a prolongarse. Un paso valiente pero bien estructurado. Los Soda sabían hacia donde querían ir, por eso prefirieron encargarse de la producción y su resultado fue maravilloso.

En cuanto a ránkings y demás. La revista Rolling Stone supo ubicar a este disco como segundo mejor en la lista de 250 esenciales del rock latinoamericano y en novena posición entre los 100 mejores discos del rock argentino. Hoy cumple sus bodas de plata como otro de los tantos anuncios del paso inmisericorde del tiempo. Parece ayer que yo en mi radiecita Sanyo color amarillo, escuchaba “De Música Ligera” hasta el cansancio, siendo transmitida casi en Cadena Nacional en las emisoras de “música moderna” de Quito – Ecuador. Dios o quien sea les guarde siempre a mis héroes musicales.

 cancion animal

Canción Animal – Soda Stereo – CBS

7 de agosto de 1990

  1. (En) El Séptimo Día
  2. Un Millón de Años Luz
  3. Canción Animal
  4. 1990
  5. Sueles Dejarme Solo
  6. De Música Ligera
  7. Hombre Al Agua
  8. Entre Caníbales
  9. Té Para Tres
  10. Cae El Sol
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol