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Las Puertas de la Percepción Musical 1967 – 1969

En la historia del rock tan ligada hasta nuestros días a movimientos llamados contraculturales existió un momento muy particular que se relaciona estrechamente al aparecimiento del flower power en Estados Unidos y el surgimiento de una corriente musical en el viejo continente, específicamente en Inglaterra. A pesar de su período corto, sin duda fue uno de los momentos más importantes por todo lo que acarreó cultural y musicalmente con el surgimiento de nuevas figuras en un momento álgido de la historia moderna: Vietnam en su máximo apogeo desde 1955, con la intervención de los Estados Unidos quienes a través de una operación de falsa bandera conocida como el incidente del Golfo de Tonkín que ocurrió el 31 de julio y 4 de agosto de 1967 y con la que “legitimaron” su intromisión bélica, la misma que como sabemos les costó demasiado caro. Estos contrastes de guerra por una parte de la sociedad y amor, paz y música en otra generaron una etapa muy surrealista.

A esta etapa se le liga mucho el aparecimiento y consumo en la sociedad del famoso dietilamida de ácido lisérgico más conocido como LSD que de cierta manera fue parte y sentó las bases de una revolución de expansión mental y musical. El químico suizo Albert Hofmann sintetizó por primera vez la sustancia en 1938 y en 1943 descubrió sus efectos por accidente al tomar un dosis demasiada alta antes de salir de los laboratorios Sandoz de Basilea hasta su domicilio en su famoso viaje en bicicleta.

Este uso recreacional de esta droga alucinógena (que usada en exceso puede ocasionar trastornos psiquiátricos adversos aunque actualmente nuevos experimentos han demostrado que también tiene efectos positivos en el tratamiento de enfermedades tan diversas como los trastornos de ansiedad crónica, tratamiento de adicciones como el alcohol o el tabaco o también la depresión), dio origen a varios trabajos musicales interesantes que, si bien tiene que ver mucho a la genialidad creatividad y capacidad artística, siempre han sido relacionados con el uso de esta sustancia durante su creación para abrir las puertas de la percepción y expandir la mente.

En esta ocasión y al cumplirse ya medio siglo de esta revolución, nos centramos en lo que creo que son los discos más icónicos de este período de la música sin un orden en particular:

Are You Experienced? – The Jimmy Hendrix Experience

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Debut de la banda británico americana liderada por el ya mítico Jimmy Hendrix, sería ya un ejercicio innecesario hablar de la revolución que generó Hendrix que tuvo que viajar a Inglaterra para encontrar el apoyo necesario y poder brindarnos uno de los discos que revolucionaria la historia del rock. Publicado en 1967, una amalgama de blues, psicodelia, ciertas referencias de jazz que sin duda lo convirtió en un punto de partida de donde se generarían sonido como el Hard Rock. Canciones con unas raíces bluseras como Red House, los sonidos más elaborados de “Maniac Depression” (se puede apreciar su influencia posterior en artistas como Lenny Kravitz); más hard rockeros como “Foxy Lady”, o la versión de una canción popular estadunidense” Hey Joe”. La importancia de este disco en la cultura es tal que se encuentra catalogado en el National Recording Registry de los Estados Unidos

Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band – The Beatles

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Otro disco editado en Inglaterra en 1967, de la mano de los famosos pero cambiados Beatles. Una oda a la psicodelia que generó una transformación radical en la parte musical (sin dejar su sonido pop) y visual del cuarteto de Liverpool que estaban cansados de ser “The Beatles Mod Top”. Encontramos temas ya con un sonido más  rockero como “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, canciones con un toque pop como “Lovely Rita” o “Fixing a Hole”, con una fuerte influencia de sonidos hindús y psicodelia en “Within You Without You” o la magnífica “ A Day in a Life”.

Una propuesta muy interesante que marcó un antes y después con sus siguientes discos donde recrudecieron su sonido y continuaron con sus innovaciones y complicados arreglos hasta su último trabajo en estudio el magnífico Abbey Road (a pesar de que cronológicamente su último lanzamiento fue el “Let It Be”).

The Doors – The Doors

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Surgidos en Los Angeles – Calfornia, uno de los grupos que supo desmarcarse musicalmente del resto de bandas que florecieron y desaparecieron en un abrir y cerrar de ojos, pese a que su existencia podríamos decir que también fue corta, sin embargo nos dejó una serie de discos que son considerados claves en la historia del rock. “The Doors” lanzado en el año 1967. álbum homónimo con el que debutaron, muestra una banda compacta formada por diferentes corrientes musicales, una mezcla de poesía y música, liderados por el carismático vocalista Jim Morrison, cuyas increíbles letras influenciadas por Nietzche, Huxley, etc.; fueron amalgamadas  por los sonidos diversos del resto de la banda: blues, jazz, etc. Incluyeron grandes clásicos de la banda las poderosas “Break On Through”; “Light My Fire”; “Back Door Man”; la hermosa balada “The Crystal Ship” y su tema más controversial: la psicodélica y edípica “The End”. Varias de estas canciones en su momento fueron censuradas por su fuerte contenido lírico. Un punto a favor que con tiempo favoreció a la leyenda y permanencia del grupo en siguientes generaciones fue su legado visual, siendo de los primeros grupos en grabar videos de sus temas.

The Piper at the Gates of Dawn – Pink Floyd

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Si The Doors marcaba la cancha en Estados Unidos, algo similar pasaba en Inglaterra con una banda que se desmarcó de todo lo que se estaba gestando allá, sentando las bases del rock psicodélico británico posteriormente devenido a el rock progresivo, art rock y algo en el avant garden: Pink Floyd que en mayo de 1967 lanzan su primer trabajo “The Piper at the Gates of Dawn”. Letras surrealistas, sonidos y arreglos experimentales  con cierto oscurantismo, incluso dos de los temas fueron censurados en su momento: “Arnold Layne” y “See Emily Play” para ser posteriormente rescatados en otras ediciones. Un disco a cierto punto difícil de escuchar, cuesta engancharse pero como todo gusto adquirido hay que hacerlo de a poco por lo que no podríamos destacar un tema que sobresalga del resto, todo el disco es muy lineal y no tiene algún tema que sobresalga, como se dijo anteriormente, hay que tenerle un poco de paciencia, aunque “See Emily Play” es un tema que podría recomendarse escuchar antes de seguir con el disco en sí al igual que Astronomy Domine.

Gimme Shelter I´m gonna fade away

Los problemas en las bandas y una serie de eventos desafortunados comenzaron a enterrar este movimiento siendo cronológicamente los más importantes:

En 1968 los problemas mentales (asociados entre otras cosas a sus excesos con LSD) empezaron a mermar la mente de Syd Barrett, letrista del grupo finalizando su salida  de Pink Floyd. Esto lejos de mermar al grupo le permitió expandir su creatividad musical y embarcarse en proyectos más ambiciosos orientados hacia el más elaborado y experimental rock progresivo.

Lennon anunció su retirada de la formación el 20 de septiembre de 1969 y Paul McCartney presentó una demanda para la disolución de The Beatles el 31 de diciembre de 1970.

El fin de esta etapa tiene como fecha referencial el 6 de diciembre de 1969 en el desastroso y accidentado concierto de los Rolling Stones en el Speedway Free Festival de Altamont que saldó 4 muertes y terminó con esta utopía de la filosofía amor y paz, permitiendo  el aparecimiento de nuevas corrientes y grupos. La desaparición de gran parte de grupos y en algunos casos la evolución y experimentación musical de los mismos como mencionaba anteriormente ocurrió con Pink Floyd.

Muchos de los héroes musicales comienza a desaparecer, así los  más icónicos fueron:

3 de julio de 1969 muere Brian Jones – The Rolling Stones

18 de septiembre de muere Jimmy Hendrix

4 octubre de 1970 muere Janis Joplin

3 Julio de 1971 muere Jim Morrison

Jorge Aguirre
Quito
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La Loma Grande
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El Thriller del Rock

A finales de 1984 una banda oriunda del industrial Sheffield, Inglaterra, vivía un tremendo suceso. Def Leppard había vuelto más comercial su sonido “New Wave Of British Heavy Metal” con lo que llegó a mucho público de ambos lados del charco. Sin embargo, el infortunio golpearía a esta banda que de hecho, se ha caracterizado por la tragedia en su trayectoria. El baterista Rick Allen sufrió un accidente automovilístico que le arrancó un brazo. El futuro de la banda y la grabación de su siguiente álbum estaba en vilo, mas sus compañeros optaron por respaldar a Allen.

La recuperación de la salud de Rick tomó su tiempo, pues comprometió severamente su salud. Posteriormente la banda dispuso que se adapte a Allen una batería con varios componentes electrónicos que le permitió tocarla preferentemente con los pies hasta que pudo reaparecer en vivo en el festival “Monsters of Rock” en Donington siendo ya 1986 y exhibiendo una serie de cadencias y ritmos inusitados. Entre tanto las grabaciones fueron de lo más accidentadas, pues el vocalista, Joe Elliot, tuvo un cuadro de paperas, mientras que el productor, Robert “Mutt” Lange, tuvo su propio accidente, todo esto llevó a que el final de las mismas se extienda a inicios de 1987 y el álbum vio la luz un 3 de agosto de aquel año.

“Mutt” Lange es conocido por estar detrás de discos tremendamente exitosos como “Back In Black” de AC/DC, “Heartbeat City” de The Cars o “Come On Over” de Shania Twain. Había transmitido a la banda su intención de lograr el “Thriller” del rock, en referencia a la cantidad de sencillos que lanzó el aire aquel legendario disco de Michael Jackson. Hysteria se realizó con la intención de que cada tema sea un potencial single radiable y dicha premisa se consiguió al poder emitir 7 sencillos, algo prácticamente inconcebible para una banda de Heavy Metal.

“Hysteria” se dio a conocer en la Inglaterra natal de los “Leps” con el tema “Animal”. En el cual destacan los tradicionales “coro y respuesta” marca registrada de Def Leppard con perfecta sincronía entre las guitarras de Phil Collen y Steve Clark que no precisamente llevaban un sonido atronador y gozaron de muchas ventajas tecnológicas de estudio. Mientras tanto, en Estados Unidos debutaron con el tema “Women”, algo más solemne que el festivo “Animal” y con un videoclip sofisticado en el que incluía animaciones y una historia tipo cómic.

Después vendría la aclamación mundial. En el otoño británico la balada homónima del álbum, “Hysteria” se presentó como sencillo con su ritmo lento, sus guitarras dulces, casi de baile de salón, además de varios recursos de estudio que permitieron sincronizar las secciones cambiantes del tema. Sin embargo, la locura se desató cuando se presentó como sencillo a “Pour Some Sugar On Me” en los Estados Unidos en la primavera de 1988. Casi en simultáneo al lanzamiento del álbum, Def Leppard había emprendido una gira mundial para su promoción y en muchos de los recitales usaron un innovador escenario de 360 grados en el medio de la locación. Dicha experiencia fue registrada en los espectáculos de Denver y se utilizó principalmente para el diseño del videoclip de esta, tal vez la canción más famosa de la banda.

En el espíritu rock – glam de “Pour Some Sugar On Me”, se edita el sencillo de “Armaggedon It” con mucha guitarra, con Rick Savage empujando desde atrás con los coros y el bajo, mucha energía y matices en la voz de Joe Elliot y un videoclip prácticamente continuación de “Pour Some…” A esas alturas el éxito en los Estados Unidos era total con una gira que agotaba localidades donde vaya y un disco que había certificado diamante (más de 10 millones de copias vendidas). Tal era el impulso mediático y comercial que la banda se anima a sacar al mercado un sexto sencillo que fue la balada “Love Bites”, dramática y repleta de efectos en las guitarras de Collen y Clark. Para 1989 y una vez que había finalizado la gira mundial, se editó un último sencillo con el poderoso tema “Rocket” que hace un repaso u homenaje a la cultura pop británica tanto en sus letras como en la producción de un videoclip en el que se observa la influencia total de las telecomunicaciones.

Más allá de los sencillos, Hysteria ofrece un cúmulo brutal de sensaciones con temas frenéticos como “Run Riot” o “Excitable”, energéticos como “Don´t Shoot The Shotgun”, solemnes como “Gods of War” o nostálgicos como la dulce “Love And Affection”. Todos aquellos con la cinemática que aporta el bajo de Savage que jamás es opacado por las bien producidas guitarras que de todas formas dominan.

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“Hysteria” es un fenómeno ochentero por excelencia. Alcanzó el número uno en las listas tanto británicas (UK Top 40) y norteamericanas (Billboard 200). Se le conocen más de 20 millones de copias vendidas alrededor del mundo, se considera “la obra maestra” de la banda y sin duda, el pico de su popularidad, para pasar a unos 90 más modestos que incluyeron el dolor del fallecimiento de Steve Clark. Disco imprescindible para entender el “glam rock”.

Hysteria – Mercury – 1987

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  • Women
  • Rocket
  • Animal
  • Love Bites
  • Pour Some Sugar On Me
  • Armaggedon It
  • Gods Of War
  • Don’t Shoot The Shotgun
  • Run Riot
  • Hysteria
  • Excitbale
  • Love And Affection

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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El Furioso Grito de las Calles

Pocos sonidos pueden evocar con tanta crudeza la sordidez de una metrópoli convulsa como Los Ángeles como el inicio de “Welcome To The Jungle”. Los Guns N’ Roses llegaban a darle un baño de realidad a la escena “Glam Rock” del Sunset Strip y con su música descarnada conquistaron la voluntad de millones.

Este 21 de julio se cumplieron 30 años desde que la exitosa banda norteamericana lanzó al público su álbum debut “Appetite For Destruction”. A través de aquellos díscolos jóvenes, David Geffen tendría por pocos años un negocio millonario, pero “domarlos” no fue fácil. Estos talentos vivían una vida totalmente caótica y trastornada por el alcohol, las drogas y la sórdida bohemia de las calles angelinas. Ahí estaban 2 revoltosos amigos del alma (Slash y Steven Adler), 2 cuasi campesinos del Estado de Indiana (Axl Rose e Izzy Stradlin) y un chico inteligente aunque adicto de Seattle (Duff Mc Kagan) persiguiendo sus sueños en el ambiente más malsano posible.

En la primavera de 1987 y tras agotadoras sesiones, concibieron a un álbum que demoraría en causar conmoción, pero ¡vaya sí lo haría! Lo que sí, para dar su golpe de gracia, estos “rebeldes” tuvieron que aparecer en el Mainstream. Tras todo el lobby que Geffen ejerció en la cadena MTV, sus ejecutivos accedieron a pasar en el peor horario posible (domingo 4 A.M.) el videoclip de “Welcome To The Jungle”, mas el resultado fue fabuloso.

Mucha gente pidió su continua rotación, muchos otros se lanzaron a comprar un disco que no tenía hasta ese entonces las ventas deseadas. El tema llega inspirado en el arribo de Rose a Los Ángeles a buscar a su amigo Izzy quien había migrado con anterioridad. Pasó la noche en el patio de un colegio y ahí fue cuando un sujeto afro descendiente le profirió el célebre verso: “D’You know where you are? You’re In The Jungle, You’re Gonna Die” (¿sabes dónde estás?, estás en la jungle, vas a morir). Aquel aterrador recibimiento marcaría a Rose y reflejaría en el hit que dio a conocer a Guns N’ Roses al mundo. Hablando de la dura realidad de Los Ángeles con guitarras estridentes, un bajo poderoso y batería enérgica.

Sin embargo, el éxito total llegaría como a muchas bandas de la escena ochentera, a través de su “balada”. Lo que era un “torpe ejercicio” de guitarra de Slash enseguida fue secundado por Stradlin y tres acordes, a lo que se sumaría la batería de Adler y algo en secreto, las letras de Rose en homenaje a Erin Everly, su novia de aquellos tiempos “She’s Got Eyes Of The Bluest Sky…”. El resultado atrajo a una multitudinaria fanaticada femenina y el éxito de “Sweet Child O’ Mine” fue rotundo. Un clásico imprescindible.

Un grandioso sencillo del álbum es “Paradise City”, otro tema acerca de Los Ángeles y su decadencia. Acá la transición entre un ritmo sosegado y uno más violento es la delicia del oyente, pues especialmente al ser tocada en vivo lo lleva a estadios de calma y euforia a la vez siendo hipnotizado por esa atrapante sucesión de notas de guitarra y bajo muy de hard rock. Acá la marcial batería de Adler en el comienzo engancha rápidamente, mientras los aullidos de Axl y sus “take me home” hacen delirar a miles. Acá Rose haría gala de los increíbles rangos vocales y quiebres que lo harían famoso e idolatrado.

Además de aquellos sencillos sumamente exitosos, “Appetite For Destruction” está lleno de temas poderosos. El primer y no tan exitoso sencillo “It’s So Easy” imaginado en la cabeza del bajista Duff Mc Kagan, lo que se refleja en la atrapante línea de este instrumento. Hablando de insatisfacción y rabia. Esta también un gran clásico  que es tocado con regularidad en los recitales de los Guns o de cualquiera de sus miembros en otros proyectos en solitario que es “Mr. Brownstone”. Se trata de una oda a la adicción a la heroína por la que pasaba el guitarrista Izzy Stradlin quien se luce con su clásica técnica de acordes entrecortados y soberbios palm mutings que son tan enigmáticos y a la vez tienen tanta personalidad.

Habíamos hablado de la influencia femenina en “Sweet Child O’Mine”, pero la misma es recurrente en todo el álbum. Por ejemplo, “My Michelle” es dedicada a una amiga de la banda con dicho nombre, “Think About You” es sobre una chica con la que a su tiempo salieron varios miembros de la banda e incluso Rose la tiene tatuada en el brazo, “You’re Crazy” es inspirada en una dama que atacó a Rose con una botella, mientras que la historia de “Rocket Queen” es algo más polémica, pues los conocidos gemidos que se escuchan en la pista son reales y producidos por la novia de Steven Adler mientras tenía relaciones con Axl. El baterista no se lo tomó bien cuando supo el origen de los mismos y de hecho, sería el punto de partida de las fricciones de la banda.

Temas vertiginosos como “Anything Goes”, a la insanidad mental como “Out Ta Get Me”, al alcohol como “Nightrain” no pierden los elementos que caracterizan este disco: la impresionante capacidad vocal de Axl Rose con sus gritos y aullidos, el innegable virtuosismo de Slash, el talento creativo y el alma en la guitarra de Izzy Stradlin, el punzante ritmo del bajo con púa de Duff Mc Kagan y la precisión y energía de la batería de Steven Adler.

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Originalmente “Appetite For Destruction” había concebido un portada que resultaba algo controversial por lo violento de su imagen, donde entre otras cosas se insinúa una violación, por lo que finalmente acabaron con la conocida portada negra con una cruz en el medio y los integrantes caracterizados como calaveras. Originalmente el álbum iba a ser producido por Paul Stanley de Kiss, quien finalmente fue rechazado y el trabajo estuvo a cargo de Mike Clink.

“Appetite For Destruction” es el álbum debut mejor vendido en la historia de los Estados Unidos y se le presume alrededor de 30 millones de copias vendidas alrededor del mundo. Alcanzó el número uno en la lista “Billboard 200” en 1988 y en Estados Unidos certificó 18 veces disco de platino. El sencillo de “Sweet Child O’ Mine” así mismo llegó al primer lugar en la lista “Hot 100” de Billboard.

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Guns N’ Roses con “Appetite For Destruction” inició el camino a un efímero pero legendario paso por la cima del rock and roll con sus polémicas, excesos, pero sobretodo, por sus canciones llenas de sentimientos descarnados mas sinceros.

Appetite For Destruction – Geffen – 1987

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  • Welcome To The Jungle
  • It’s So Easy
  • Nightrain
  • Out Ta Get Me
  • Brownstone
  • Paradise City
  • My Michelle
  • Think About You
  • Sweet Child O’Mine
  • You’re Crazy
  • Anything Goes
  • Rocket Queen
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Cuando Radiohead le Apostó al Futuro

Tras el éxito de su trabajo predecesor, el melancólico “The Bends”, Radiohead se aprestaba a realizar un trabajo más sofisticado donde difícilmente iban a dejar su sello introspectivo, pero el ensamblaje de los temas tendría una riqueza de elementos e influencias que lograrían la aclamación de la crítica y la conquista de voluntades a ambos lados del charco. Concebido entre 1996 y 1997 en las zonas rurales de Oxfordshire, venía a dar la alerta sobre el nuevo mundo tecnológico post moderno, advirtiendo más sus trampas que beneficios.

OK Computer tuvo varios lanzamientos, el japonés el 21 de mayo, el británico el 16 de junio y el norteamericano el 1 de julio de 1997. Se dio a conocer al mundo a través de su fenomenal primer sencillo “Paranoid Android”, tema que se podría considerar la obra cumbre del rock de los noventas, dispuesta en secciones cual pieza de música académica. La introducción con guitarra y la programación llevan a un mundo taciturno que se va volviendo más agreste a medida que el tema avanza llevando a unos picos violentos con la guitarra distorsionada. La alternancia entre el sosiego y la locura, tan asociada a Pixies o Nirvana, enfrenta al oyente a una serie de sensaciones y emociones que pueden haberlo agobiado a la primera vez y al mismo tiempo, dejarlo con la sensación que ese turbulento viaje valió la pena.

Paranoid Android se publicitó a través de los medios con su confuso videoclip hecho en animación tan descarnada como precaria, tal como se puso en boga en la última década del siglo pasado, relatando una historia atrapante y disparatada.

El siguiente sencillo fue “Karma Police” con su solemne y omnipresente piano. Sería difícil concebir que se trata de la broma interna de la banda con la cual se manejaba el stress de las giras y ser cada vez más reconocidos, ese entonces cuando la broma toma ribetes de seriedad ante la incomodidad e insatisfacción que puede producir el aparentemente gratificante reconocimiento. También consta de momentos claramente definidos que en este caso son dos cuando hacia el final se pone más dinámica. This is what you’ll get when you mess with us…

 “Lucky” tal vez no carga la sofisticación de buena parte de este álbum, aunque si se advierte también aquella dinámica de calma versus tensión casi al cerrar el álbum y fue presentada como el tercer sencillo del LP. “No Surprises” fue el último tema promocional con su muy característico piano cercano a un dulce arrullo acompañado por la guitarra acústica que no le deja perder protagonismo. En dichos temas, Thom Yorke conduce magníficamente con su voz el ambiente aletargado y le da un descanso a los grandes esfuerzos que implicaron “Paranoid Android” o “Karma Police”. Aquella ruptura también la llevan temas como “Exit Music (For A Film)”, “Let Down”, o “Climbing up The Walls”. Estas últimas con una manera más armónica y progresiva de pisar el acelerador.

Por supuesto, OK Computer no es solo sus canciones más famosas. El viaje arranca con “Airbag” y una áurea cargada por las guitarras y programaciones, sin embargo, el bajo de Colin Greenwood con suma precisión marca los tiempos cual artilugio digital, similar trabajo en “Subterranean Homesick Alien”, solo que con mayor presencia de la batería y siempre destacando la carga de efectos en las guitarras para la atmósfera etérea. Con “Electioneering” tenemos el tema digamos, más “normal” de este disco, donde no se privilegia tanto al despliegue tecnológico o a las posibilidades de estudio. “The Tourist” marca un abatido regreso de un viaje que puede ser conceptualmente interior, así como de una búsqueda de posibilidades dentro de un abrumador mundo post moderno. Un retorno a casa repleto de agotamiento.

OK Computer se adelanta a las desazones del mundo tecnológico, se ve tan comprometido con el mismo que “Filter Happier” se canta con el Software de voz de una hoy por hoy arcaica Macintosh, de la cual viene el mismo concepto del álbum cuyo título actúa como comando del mismo. Cuenta entre sus galardones con haber sido el disco número uno del chart británico entre el 28 de junio y el 12 de julio de 1997, certificó triple platino en Europa y doble platino en los Estados Unidos, habiendo sobrepasado las 5 millones de copias vendidas antes del primer año de su publicación.

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A OK Computer se le puede considerar como la obra maestra de Radiohead, es un álbum en el que no hay mayores individualidades, sino un trabajo en conjunto genial, en el que ninguna canción podría ser concebida como tal sin todos sus elementos. Jonny Greenwood, mago de los artilugios tecnológicos configura esa atmósfera enrarecida, pero nada sería igual sin la imaginación de todos, sin su hermano Colin, sin la batería de Phil Selway, sin Ed O’Brien, sin el liderazgo de Yorke. Al fin y al cabo, siempre firman todos en la composición y eso es evidente en el conjunto de elementos que hacen a esta banda británica tan especial.

OK Computer – EMI – 1997

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Airbag
Paranoid Android
Subterranean Homesick Alien
Exit Music (For a Film)
Let Down
Karma Police
Filter Happier
Electioneering
Climbing up The Walls
No Suprises
Lucky
The Tourist

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Rio: Glamour y Frenesí de la Nueva Ola

En esta semana, más concretamente el 10 de mayo se ha celebrado el aniversario 35 del álbum “Rio” de la agrupación británica Duran Duran. Bien se podría considerar a este disco como su “capo lavoro”, consiguiendo tempranamente en su carrera la cima de su popularidad siendo este su segundo álbum en estudio cronológicamente hablando.

Grabado desde finales de 1981, “Rio” buscó pulir y consolidar ese estilo en el que se mezclaba el funk, el disco, el post punk y los ritmos de baile europeos. Es así como el primer sencillo del álbum y primera canción que sonó del mismo “My Own Way” bajó bastante en sus beats  y pasó a tener en su versión definitiva un ritmo más cadencioso, manejado con mucho mayor estilo y sutileza por parte del bajista John Taylor.

Si hablamos de los “singles” indudablemente hay que referirse a “Hungry Like The Wolf”, tema con el que definitivamente conquistaron “el otro lado del charco” (o sea, América). Todo inicia con la maravillosa y apenas perceptible línea de secuenciador armada por el tecladista Nick Rhodes que es omnipresente y conduce a la canción por ese ritmo atrapante al que el mismo Rhodes acompaña con elegantes teclados y tiene la dosis necesaria de rock con el potente riff de guitarra de Andy Taylor, sumada a la ya reconocida precisión del bajo de John. Habla mayoritariamente del deseo “I howl and I whine I’m after you…”

Duran Duran siempre ha sido una banda preferentemente “pop” o “dance”, pero el componente rockero está presente a través de la energética aunque no precisamente protagonista guitarra de Andy Taylor en “Rio”. Así como en “Hungry Like The Wolf”, también destaca en otro emocionante tema como “Hold Back The Rain” en el que esa dualidad junto a los coros le dan esa energía, al igual que en “Last Chance On The Stairway”. Para temas como “New Religion” o la misma homónima “Rio”, hay un tratamiento más funk en la técnica.

Si hablamos del bajo de John Taylor, tenemos que nuevamente elogiar su poderoso y contagioso ritmo, además de la precisión y sincronía para conducir hacia a los temas como “Lonely In Your Nightmare”, “Last Chance On The Stairway” o “New Religion”. Pero sin duda el punto culminante es la canción homónima de apertura. “Rio”, la canción, presenta un despliegue técnico impresionante en las cuatro cuerdas que hace una dualidad mágica con los secuenciadores de Rhodes, exigiendo al máximo a su compañero en la batería, el introvertido Roger Taylor. Todo esto conduce a aquellos lugares mágicos que evocan las fastuosas producciones de sus videoclips.

Pero “Rio” no es solo fiesta, chicas y pasarla bien. También presenta sus momentos de recogimiento como la poderosa balada  “Save A Prayer” donde las melodías a cargo del canto de Simon LeBon marcan un momento de recogimiento ya que la armonía permanece por sobre las exigencias a las que somete a su garganta en la mayoría de temas del disco, además que nuevamente Nick Rhodes nuevamente se luce produciendo tal vez la línea de secuenciador más famosa de la historia del pop. Finaliza con “The Chauffeur” y un místico trabajo de teclados y programación añadido a sonidos exóticos como el de la ocarina (tocada por el propio Simon LeBon) emulando sonidos de Europa del Este o Los Andes.

Hablando de lo exótico. Duran Duran para promocionar este disco no escatimó esfuerzos. Al ser los “abanderados” del movimiento “New Romantic” a la que se le podría tildar como la fase “fashionista” y decadente del New Wave, tenían mucho que trabajar a partir de su imagen: maquillaje, ropa de diseñador y libre expresión fueron desde siempre su carta de presentación. Además, se podría decir que Duran Duran es la primera banda que explota a fondo las bondades de MTV y su en ese entonces novedosísimo concepto de pasar videos musicales todo el día. Es así como la pinta y el glamour se combina con producciones fastuosas en locaciones fuera de lo común como Antigua (donde se filma el videoclip de Rio) o Sri Lanka (donde se filman los de Hungry Like The Wolf y Save a Prayer). Además de agotadoras presentaciones en Norteamérica donde iniciaron acompañados por Blondie para poco a poco recoger el testigo de la New Wave y liderar el movimiento que vendría acompañado con la siguiente “invasión británica” musical.

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Rio es uno de los álbumes más influyentes de los años ochenta, logró la sexta posición en la lista Billboard 200 en 1983. Su legado dentro de lo que se puede considerar “música de baile” permanece.

Rio – EMI – 1982

Rio

1. Rio
2. My Oen Way
3. Lonely In Your Nightmare
4. Hungry Like The Wolf
5. Hold Back The Rain
6. New Religion
7. Last Chance On The Stairway
8. Save A Prayer
9. The Chauffeur

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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The Joshua Tree: La Conquista del Mundo

En marzo de 1987 se publicó uno de los discos más importantes de la música popular de los años 80, el cual consagró comercial y mediáticamente a unos irlandeses que escalaban con pasos cortos pero seguros en el “peligroso” mundo del Rock and Roll.

La inspiración para la composición de “The Joshua Tree” llegó por algunos caminos. La gira “Conspiracy of Hope” que reunió a varios artistas famosos en 1986 para respaldar la labor de Amnistía Internacional consolidó la fascinación de la banda por América (Estados Unidos), la cual desde muy jóvenes venían visitando presentándose en audiencias que fueron creciendo con el paso del tiempo. El viaje de Bono y su esposa Ali a Etiopía durante su tristemente recordad hambruna le dio muchos temas para contar, al igual que su visita a Centroamérica en los difíciles años de las guerras civiles. El amor, la guerra, tópicos que han abordado siempre a lo largo de su carrera.

Esos pueblos remotos, donde las calles no tienen nombre, inspiraron el tema inicial del disco. “Where The Streets Have No Name” tiene la dificultad de ser una canción que necesita cambiar de compás al andar marcado por la punzante guitarra de The Edge, quien domina con maestría el uso del delay y actúa cual acelerador para llevar al oyente hacia un viaje musical inolvidable. Lo acompaña el persistente bajo y una estentórea batería difícil de descifrar.  “Streets” emociona con su vertiginoso ritmo, “música cinemática” que la banda llamó. Siempre hablando de las dificultades del amor y el transitar del mismo por parajes desolados e intentar superar la sensación de oxidación. Still building then burning down love…

Se viene el góspel y otra de las inspiraciones americanas para U2 con “I Still Haven’t Found What I’m Looking For”, descrita por el baterista Larry Mullen como “un himno de duda más que de fe”. Siempre se habló de la cierta intención religiosa en la música de U2 y este tema aparentemente sencillo, con una guitarra muy fácil de seguir con la siempre presente gama de notas agudas de Edge y un nuevo despliegue fantástico de la batería, Bono llegando con su voz a garganta abierta hacia notas inhumanas y un alma propia de las misas celebradas por afro descendientes en los Estados Unidos. Habla de esa eterna búsqueda del ser humano, un deseo permanente de reinvención y cierta fe en que podrá el mañana ser mejor. I believe in the Kingdom Come…

La siguiente parada de este viaje musical es la balada clásica, tal vez el tema más conocido de U2: “With Or Without You”. Acá la magia la hace Adam Clayton y el bajo con 4 solemnes notas que impulsa a la voz de Bono a dar lo mejor de sí, mientras Edge le da ambiente al usar un E-Bow con su guitarra. Un tema también dedicado a los problemas del amor y las dificultades que se presentan en la convivencia en pareja. Ese “I can’t live … With Or Without You” un poco característico de las relaciones que ya han durado su tiempo puede ser identificado y reivindicado por cualquiera. Un tema más de pesadumbre y reflexión más que de romance.

“Bullet The Blue Sky” recrea un ambiente de campo de batalla al ritmo de una batería marcial, un bajo lacerante entre notas profundas y slaps y una guitarra algo “zeppelinesca”. Inspirada en las vivencias de los bombardeos y las guerras civiles en Nicaragua y El Salvador, la angustia presa en la canción es permanente y la esperanza de llegar a un lugar mejor

Across the field you see the sky ripped open
See the rain through a gaping wound
Pounding on the women and children
Who run
Into the arms
Of America

“Running to Stand Still” es una amarga balada que narra los pesares y peligros de la adicción a las drogas entre rasgados lastimeros de guitarras acústicas, en tanto que “Red Hill Mining Town” da vueltas como una sinfonía desgarradora inconclusa forzando a Bono a las mayores exigencias de su voz tal vez en toda su carrera. Lo cual ha hecho que este tema sea difícil de interpretarlo en vivo.

La fascinación por América y la evocación de un paisaje. La inmensidad del desierto del oeste estadounidense es la imagen que U2 reproduce en el arte visual del disco. Ahí justamente está localizado el Parque Nacional “Joshua Tree”, bautizado así por los únicos cactus característicos de la zona y que llevan aquel nombre, además de tener alguna alusión bíblica (el profeta Josué). Bajo el cielo del desierto se dibuja con música el paisaje de “In God’s Country”, un frenético y cinemático tema que traslada con su trepidante guitarra hacia esas tierras inmensas, hermosas y desoladas. Habla justamente del sueño americano. Every day the dreamers die, To see what on the other side…

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El tema Americano prevalece en “Trip Through Your Wires”, en el que una armónica y el evidente ritmo de blues homenajean al gran país del norte y anticipan lo que vendría más adelante con “Rattle and Hum”. A continuación, sigue “One Tree Hill”, un homenaje a uno de sus “roadies”, Greg Carroll, quien murió en un accidente en 1986. Al haber sido él de origen neozelandés, los instrumentos musicales típicos del Pacífico Sur por momentos se toman esta sentida canción. I’ll see you again when the stars fall from the sky…

“Exit” es un tema cargado de angustia en el que se siente la devastación de la guerra a través de un “in crescendo” y una atmósfera creada llena de pesadumbre. Los últimos temas del “Joshua Tree” muestran más bien un lado pesimista y acongojado. Finaliza el álbum con “Mothers Of The Disappeared”, cuyo título habla por sí solo y trata sobre madres que perdieron a sus hijos de diversas formas violentas, suele ser entonado por ejemplo, cuando la banda da su vuelta por Chile o Argentina, países que sufrieron aquella tragedia en las dictaduras de los 70.

“The Joshua Tree” significó para U2 la llegada al Olimpo del Rock And Roll y los convirtió en súper estrellas. Tocaron para audiencias mucho más grandes a las acostumbradas y en cada sitio al que llegaron los boletos para su espectáculo se agotaban rápidamente. El álbum tuvo mucho reconocimiento de la crítica especializada, siendo muchas veces reconocido como el “álbum del año”, honor ratificado con el Premio Grammy a dicha categoría. “The Joshua Tree” llegó a ser número uno en el chart de Billboard durante cerca de 2 meses en 1987, los sencillos “With Or Without You”, “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” y “Where The Streets Have No Name” alcanzaron el número uno en las listas de varios países. Las ventas hasta la actualidad de “The Joshua Tree” superan las 20 millones de copias.

Actualmente U2 ha planeado una gira entre Estados Unidos y Europa para celebrar el trigésimo aniversario de este, el disco que los puso en la cima del mundo.

The Joshua Tree – Island – 1987

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  • Where The Streets Have No Name
  • I Still Haven’t Found What I’m Looking For
  • With Or Without You
  • Bullet The Blue Sky
  • Running To Stand Still
  • Red Hill Mining Town
  • In God’s Country
  • Trip Through Your Wires
  • One Tree Hill
  • Exit
  • Mothers Of The Disappeared
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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El Contraataque de Blur

A mediados de los noventa la batalla de la cima del Britpop parecía ganada por Oasis, quienes con su Morning Glory parecían haber conquistado el mundo, superando en influencia a “Parklife” y arrasado en ventas a “The Great Escape”, placas de sus declarados archirrivales, los londinenses Blur. Esta desventaja lo tenía pasando por malos tiempos a Damon Albarn y de ese via crusis emocional al que debe añadirse la relación de Albarn con su entonces novia Justine Frischmann (Elastica), surgiría el material que pondría a su banda de nuevo en pelea y según cierto sector de la crítica, les daría la victoria definitiva.

Blur buscaba una evolución a su sonido tan británico, comenzó en 1996 a grabar en Reikiavik, Islandia. Aquella urgencia tal vez se ve reflejada en esa agitada portada de álbum en la cual se ve borrosamente a una persona siendo trasladada en un hospital, probablemente a emergencias. Así es como el álbum homónimo “Blur” se presentó en sociedad.

El álbum arranca con “Beetlebum”, tema que también fue el primer sencillo de la banda. Un ritmo dulce y somnífero en el cual el riff de guitarra se une a la voz para dirigir el arrullo, mientras el bajo se une segundos después al concierto letárgico. El tema tiene varias interpretaciones entre las que se encuentran las experiencias de Albarn con las drogas duras o tal vez una analogía con el sexo, pero de seguro con polémica hasta en lo audiovisual, pues en el videoclip se censura al cigarrillo que fuma Alex James, probablemente de marihuana. El hecho que la guitarra sea tan protagonista dará una pauta para lo que venía más adelante.

Sigue “Song 2”, que bien podría ser el tema más exitoso comercialmente hablando de la banda en toda su trayectoria. El intento de Blur por llegar al público estadounidense fue un total éxito con estos enérgicos dos minutos en que fuertes guitarras y bajo distorsionados, una poderosa batería y el icónico “woo-hoo” de Albarn dieron forma a una de las canciones insignia de los años 90. Tal fue el suceso de este tema que fue parte de la banda sonora del muy difundido juego de video “Fifa’98 – Road To World Cup”, que constituyó un gran avance en cuanto a este tipo de entretenimiento y base para los juegos electrónicos de fútbol que conocemos hoy en día. Tranquilamente este tema es conocido mayormente por eso.

“Country Sad Ballad Man” nuevamente disminuye la trepidante marcha del disco y le vuelve a dar el protagonismo a Graham Coxon, además de varios arreglos exuberantes que abren la puerta al Blur del futuro y a lo que se iba a venir también con “Gorillaz”. “M.O.R.” es otro tema muy rockero y guitarrero en que la habilidad de Coxon se desata más la dinámica de James. Vale la pena mencionar que en esta canción metieron mano enormes figuras del rock como David Bowie y Brian Eno. Se devuelve el álbum a la fiesta y advertimos esa dinámica calma – desenfreno.

Llegamos a “On Your Own”, tema bastante experimental en el que los secuenciadores, samplers, loops y demás efectos juegan un papel fundamental para crear su lúdica atmósfera, bien pudiendo ser otro anticipo a lo que sería Gorillaz. Nuevamente la guitarra es relevante con riff juguetones y se intercala con la atmósfera de festividad controlada animada por los coros.

“Theme from Retro” es un tema sumamente experimental, de atmósfera etérea y sobrecarga de efectos de delay para recrear ese momento cuasi lisérgico. “You’re So Great” y su guitarra acústica es un momento totalmente diferente, tal vez de guitarreada de amigos junto a una fogata, tema con mucho sentimiento y una confusa interpretación si es inspirada por un amor o por el alcoholismo que en ese tiempo enfrentaba Graham Coxon (sad drunk and poorly sleep in really late).

“Death of a Party” se une al club experimental del disco, donde misteriosos teclados se dejan acompañar por el bajo de James y un tratamiento más escondido y en palm muting de la guitarra. Como el álbum está diseñado en ese esquema letargia – fiesta, llega “Chinese Bombs” para apalear la batería de Dave Rowntree y poner en máximo el volumen y las distorsiones de bajo y guitarra dentro de un minuto y medio de furiosa descarga.

“I’m Just a Killer for Your Love” debe ser el tema más parecido a lo que más tarde sería Gorillaz con la sobrecarga de efectos, ese deje funk y casi coqueteando con el hip hop. Uno tranquilamente puede imaginar a los simpáticos muñequitos caminando. “Look Inside America” tiene un ritmo muy britpop, con el bajo más bien imitando a los álbumes predecesores de la banda, algo paradójico o más bien de búsqueda de encajar en el otro lado del charco desde su muy europea visión.

“Strange News from Another Star” tiene una notable participación con los redoblantes de Rowntree y el perfomance místico de los efectos y opciones de estudio. “Movin’ On” de nuevo es la guitarra la que toma el mando e incluso por ahí suena un poco a lo que hacía “Elastica” y demás bandas del movimiento Britpop a principios de la década, y un buen cierre con “Essex Dogs”, susurros, sobrecarga de efectos y el bajo frenando la marcha a esa sobredosis tecnológica.

En cuanto a reconocimientos, fue número uno indiscutible en las listas británica e irlandesa, si bien en ese rubro no le fue tan bien en Estados Unidos, de todas formas les valió para certificar disco de oro y sobretodo, darse a conocer a dicha audiencia con la legendaria “Song 2”.

Blur con su álbum homónimo demostró una increíble versatilidad, pues a la hora de rockear lo hicieron, a la hora de lanzarse a las aventuras experimentales que la tecnología disponible les generaba también lo hicieron y todo con absoluta brillantez. Damon Albarn demostró ser un magnífico compositor más allá que un notable frontman y Graham Coxon se consagró como un brillante guitarrista. La alternancia del ritmo de James y Rowntree entre lo británico tradicional y las nuevas opciones del álbum fueron un aporte valioso. Siempre será elogiable que Albarn y compañía jamás se han quedado estáticos en una fórmula ganadora.

Blur – EMI – 1997

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  1. Beetlebum
  2. Song 2
  3. Country Sad Ballad Man
  4. O.R.
  5. On Your Own
  6. Theme from Retro
  7. You’re So Great
  8. Death of a Party
  9. Chinese Bombs
  10. I’m Just a Killer for Your Love
  11. Look Inside America
  12. Strange News from Another Star
  13. Movin’ On
  14. Essex Dogs
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
8 diciembre

Un Día Para el Rock Clásico

Aniversarios varios para el género que se los puede considerar hitos importantes. El primero sin duda es uno de los que generó mayor conmoción en la historia del rock: el asesinato de John Lennon.

El ex Beatle había publicado el álbum “Double Fantasy”, su primer disco tras 5 años de silencio y con el que había logrado resultados ampliamente satisfactorios en lo personal y artístico para la estrella de la música, aunque la crítica no lo aceptaría inicialmente con tanto agrado por la idealización que parecía manifestar sobre la relación entre Lennon y Yoko Ono. Luego, incluso ganaría el Grammy de “álbum del año” en 1982. El renovado deseo de componer de John había venido de una experiencia navegando  en el mar que rodea la isla de Bermuda en la cual, una tormenta sitió a su nave por horas.

Un 8 de diciembre de 1980, John Lennon firmaría en una copia del Double Fantasy, el que sería el último autógrafo de su vida. Lo hizo para un fanático suyo y de “The Beatles”, un tal Mark Chapman que horas después acabaría con su vida propinándole varios disparos a las afueras de su hogar en New York. La inesperada muerte de Lennon, aparte de producir shock en sus fanáticos y los melómanos en general, dio un giro en la crítica y en lo comercial a Double Fantasy. Uno de los temas extraídos del mismo es la sobrecogedora “Woman”.

James Douglas Morrison nació un 8 de diciembre de 1943 en el Estado de Florida. Hijo de un reconocido Almirante de la Armada de los Estados Unidos, desarrollaría el gusto por la poesía y la filosofía en su juventud marcada por continuas mudanzas motivadas por el oficio de su padre. La oscuridad de autores como Rimbaud y Baudelaire, más el tratamiento sobre el comportamiento moral de la obra de Nietzche modelarían la estética del “Rey Lagarto”, dándole su sitial y sello inconfundible a “The Doors” en la historia de la música.

La banda toma su nombre del libro “Las Puertas de la Percepción” de Aldous Huxley en el que se trata básicamente de experiencias con drogas alucinógenas. Eso más o menos trataban de hacer los Doors con su música: una experiencia que comprometa y junte lo sensorial y su placer con lo extra sensorial y su conexión espiritual. El concepto, la poderosa voz de “Jim” Morrison, el enloquecedor teclado de Ray Manzarek, la intrigante guitarra de Krieger y la punzante batería de Densmore harían una revolución de rock y psicodelia muy adelantados a su época y de corta duración, pues fue truncada por la muerte de Jim a escasos 27 años en 1971.

“Hotel California” fue el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense “The Eagles”, fue publicado un 8 de diciembre de 1976 y constituyó un gran éxito comercial con alrededor de 30 millones de copias vendidas, cosechando lo que venía siendo una trepidante carrera hacia la cima desde que esta agrupación se formó a inicios de los años 70. A aquellas alturas, los excesos también habían podido con sus integrantes.

Se decía que el tema “Hotel California” hablaba de drogas e incluso se le buscó un vínculo con adoración satánica, pero la verdad, es que tanto el tema como el disco en general tratan de la decadencia de los grandes del “show business”, sobretodo cuando se llega a esa cima de popularidad y éxito comercial. Aquel alejamiento de la primigenia furiosa del rock que pocos años después sería tan criticada y dejada de lado por la juventud y cuyo desencanto se manifestaría a través del surgimiento del punk y demás corrientes.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Achtung Baby! … Renovarse o Morir

El inicio de la última década del Siglo XX trajo consigo profundos cambios políticos y culturales. Mientras en Berlín, la caída del muro simbolizaba una nueva era social e ideológica, una de las bandas más exitosas de aquellos tiempos se instalaba en dicha ciudad: los irlandeses U2.

Bono y compañía tuvieron un fantástico cierre de década de los 80. Desde la publicación de “The Joshua Tree” todo les iba saliendo espectacularmente bien, con millones de discos vendidos, estadios a reventar en sus presentaciones, premios varios, el reconocimiento de la crítica que les era esquivo a inicios de su carrera y la sensación de ser tal vez la banda más influyente de aquellos días. Sin embargo, lejos de estancarse en una fórmula ganadora, U2 replanteó radicalmente su sonido. Tal vez olían el profundo cambio que vendría y la historia les daría la razón, puesto que a prácticamente todas las bandas exitosas de los 80 les costó muchísimo el cambio de década y de gustos en las preferencias de los jóvenes y el mundo.

A partir de octubre de 1990, cuando se reunificó Alemania, U2 se “acuarteló” en los estudios Hansa en busca de aquel nuevo sonido que golpee la década emergente. La idea era navegar a través de los sonidos de la nueva Europa y dejar atrás el romance con América que les dio tanta fama y fortuna, sin embargo, el experimento estuvo cargado de tensión, los 4 integrantes no parecían caminar en un mismo sendero, las ideas eran dispersas y disímiles, parecía cercano el final del grupo, mas los ensayos arrojaron la canción que los salvó: “One”.

La hoy por hoy famosísima balada partió a través de un jam extendido de lo que sería otro de sus grandes éxitos: “Mysterious Ways”. Dejó a la banda conforme y lista para los pasos finales en el habitual “Windmill Lane” de Dublín. “One” habla de amor, pero no precisamente de una forma idílica y acaramelada. Habla que al mismo hay que cultivarlo día a día, cuidarlo como a una delicada planta y que al menor descuido, puede marchitarse, es más bien sobrevivir al amor, dentro de una melodía que es más bien desgarradora y cargada de cierta crudeza.

Hubo fans que a su tiempo dijeron que Achtung Baby tenía “demasiadas canciones de amor”. En este combo podemos incluir a temas como “So Cruel” en el que los desencuentros de pareja se exponen (the man who loves you, you hate the most). “Ultraviolet (Light My Way)” habla de celos e infidelidad (sometimes I fell like I don’t know, sometimes I feel like checking out, I wanna get it wrong, can’t always be strong, and love it won’t be long). “Love Is Blindness” tiene un motivo de intrigas que tal vez no sean tan buena idea aclararlas en una relación de pareja. “Tryin’ To Throw Your Arms Around The World” es más bien la calma para tanta turbulencia. Es un disco más bien de decepción y resignación, más que de su aparente colorido.

“Achtung Baby” tuvo estéticamente un giro radical para U2. De pasar a ser la banda circunspecta que solo se sacaba fotos a blanco y negro, pasaron a ser todo sonrisa y variedad de tonalidades de la mano de su habitual fotógrafo, el holandés Anton Corbijn. Un collage multicolor como portada del álbum alarmó a más de un fan y cuya angustia pudo haber crecido al poner play. “Zoo Station”. Arranca con una guitarra saturada de efectos y no faltó quien piense que el disco venía defectuoso, pero era la alerta con la que U2 talaba a su pasado, al Joshua Tree tal vez. I’m ready for what’s next…

U2 en los años 90 era una banda que disponía del dinero y los recursos para hacer de su sonido una revolución sonora de la cual el guitarrista “The Edge” es el cabecilla con la sobredosis de efectos en temas como “Zoo Station”, “Acrobat” o el primer sencillo del disco: “The Fly”. Aquel tema que hace una cínica burla de lo que es el mega estrellato. “The Fly” sería la carta de presentación del nuevo U2 al mundo y a la vez, uno de los tantos alter-egos que Bono utilizaría en la gira promocional del disco.

El siguiente corte promocional fue “Mysterious Ways”, uno de los emblemáticos temas de la banda, de orden místico, respaldado por los miles de efectos de la guitarra de Edge, el ultra funk bajo de Adam Clayton y la oportuna percusión de Larry Mullen forman una sensacional combinación en el que la sensualidad y espiritualidad van de la mano. El videoclip dirigido por Stephane Sednaoui no pudo ser más acertado al darle ese movimiento propio del uso de espejos convexos. Totalmente atrapante.

“Even Better Than The Real Thing” inicia al oyente a la experiencia mediática por venir a partir de los años 90 y que creció y se consolidó en el Siglo XXI, aquella sobredosis de imagen e información que lo utilizarían como parte de su concepto artístico más adelante, que en aquellos momentos era motivo de fascinación y que ahora es diario vivir, objeto de debate y a la vez, de preocupación.

También fueron tomados en cuenta como sencillos los temas “Until The End Of The World”, que también conjuga espiritualidad y sensualidad y “Who’s Gonna Ride Your Wild Horses”, una compleja balada difícil de ser interpretada en vivo. En ambos temas, es evidente el sesudo trabajo de producción de Flood, Brian Eno y Daniel Lanois. ¿Por qué este disco se llamó así? Se podría decir que es una fusión entre su experiencia alemana (Achtung) y el hecho que en las letras del disco se encuentra la palabra “baby” varias veces, algo que los U2 en los inicios de su carrera habían jurado que jamás incluirían. La vida da vueltas.

1992

“Achtung Baby” fue un álbum muy exitoso en cuanto a números. Se estima que hasta la fecha ha vendido 18 millones de copias, fue número uno en la lista “Billboard 200” en la primera semana de diciembre, ganó un Grammy por mejor presentación de rock por un grupo o dúo y su gira promocional, el “Zoo TV Tour” tuvo ingresos millonarios. Los críticos lo ubican junto a “The Joshua Tree” como las obras maestras de la banda. El disco es un referente de los años 90, uno de los fundamentales de la década.

Achtung Baby – Island / Polygram – 1991

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Zoo Station
Even Better Than The Real Thing
One
Until The End Of The World
Who’s Gonna Ride Your Wild Horses?
So Cruel
The Fly
Mysterious Ways
Tryin’ To Throw Your Arms Around The World
Ultraviolet (Light My Way)
Acrobat
Love Is Blindness

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
Led Zeppelin IV

Discos Imprescindibles: Revisión Led Zeppelin IV – 45 años

Cuarta entrega de la banda inglesa, punto cumbre donde queda demostrado todo su talento musical y lírico con una mezcla perfecta de rock, blues y su acostumbrada parte acústica. De este disco se desprendieron varios himnos inmortales y emblemáticos del rock que hasta el día hoy siguen trascendiendo en el tiempo, talvez sonando en menor medida que en décadas anteriores pero sin duda alguna  han resistido al convulsionado mercado musical.

 Varios datos curiosos se tejen alrededor de la composición del mismo, como el hecho de que si bien al disco se lo conoce como IV, no tiene título por decisión de la banda que se encontraba bastante contrariada con las críticas recibidas por su anterior trabajo (Led Zeppelin III), así que decidieron dejarlo así para ver la reacción del público, vale recalcar que en sus tres anteriores trabajos tampoco se esforzaron mucho por darles nombres, como si ocurriría en sus posteriores entregas.

 La portada sencilla que correspondía a una lámina que había comprado Plant en una chatarrería de Reading  y que de acuerdo a Page simbolizaba lo viejo que resalta adelante con el viejo leñador y la pared derruida en contraste con el florecimiento de lo nuevo que se aprecia en los árboles que surgen al fondo de la imagen. No hay a donde más darle la vuelta si se quiere interpretar o buscar otros significados.

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También es el último disco donde se puede apreciar aún la voz original de Robert Plant, quien a partir de 1973 (fecha de publicación del House of Holly), sufrió un cambio en su rango vocal sobre el cual se conoce muy poco por qué fue la razón.

 Así mismo en este tiempo aparecen los famosos símbolos que identificarían a los miembros de Led Zeppelin hasta el final de la banda y sobre los cuales se tejieron varias teorías respecto a su significado. Los símbolos fueron tomados del libro The Book of Signs de Rudolph Koch” en el cual consta un compilado de varios símbolos medievales y de iconografía rúnica.

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En el orden de la imagen de izquierda a derecha corresponden a:

Jimmy Page: Símbolo del misterio ya que nadie salvo el mismo Page conoce su significado y sobre el cual se han tejido todo tipo de especulaciones.

John Paul Jones: Su símbolo representa el cuerpo la mente y el alma, utilizado en las artes místicas para ahuyentar espíritus malignos.

John Bonham: El símbolo temprano de la trinidad.

Robert Plant: Utiliza la pluma que simboliza al Dios Egipcio Maat que representa la verdad la justicia y la armonía cósmica, aunque el propio Plant también ha explicado varias veces que la pluma simboliza en muchas tribus la valentía.

Dejemos la parte esotérica que siempre acompañó a esta banda para bien y para mal. Es mejor enfocarse en lo esencial: su música. La producción estuvo a  estuvo cargo de Jimmy Page y fue lanzado al mercado el 8 de noviembre de 1971 a través del Sello Atlantic Records, consta de 8 temas perfectamente amalgamados con una diversidad de recursos tanto en la parte de arreglos musicales como en la parte de sus letras que abarcan desde la psicodelia, el folclor inglés con muchas referencias a la obra de J.R.R. Tolkien y las letras de “amor” crudo que nos tenían acostumbrados en sus trabajos anteriores.

Canciones

Black Dog 4:56

Primer corte y uno de sus clásicos más reconocibles, inicia con un intro del  bajo del multi instrumentista y uno de los mejores bajistas del rock: John Paul Jones. Seguido de la voz de Plant para posteriormente incorporarse la gran y estruendosa batería del mítico y desaparecido “Bonzo” Boham  y los sonidos característicos de la guitarra de Page. Un tema cargado de mucha fuerza musical y una de sus típicas letras de amor y erotismo como lo habíamos mencionado anteriormente: “Hey, hey, mama said the way you move,  gonna make you sweat, gonna make you groove.  Oh, oh, child, way you shake that thing, gonna make you burn, gonna make you sting.  Hey, hey, baby, when you walk that way, watch your honey drip, can’t keep away”. El título de la canción es en honor al perro que vivía donde  compusieron la letra de la canción.

Rock and Roll 3:41

Otro de sus clásicos. Un tema más rockanrolero y menos estridente que Black Dog, con una letra que se podría aplicar a todos los mal casados (?) Tema con una letra básica de alguien que quiere ser libre para rockear pero que su relación le ha coartado esa libertad: “It’s been a long time since I rock and rolled,  It’s been a long time since I did the Stroll”… …” Seems so long since we walked in the moonlight, making vows that just can’t work right”.

The Battle of Evermore 5:52

La Batalla de la Eternidad nos muestra la otra faceta más sosegada y acústica de Led Zeppelin acompañado de una letra con mucha fantasía referencias a la obra de J.R. Tolkien y al folclor británico. Aquí Page deja de lado su guitarra y se hace cargo de una mandolina que le da ese sonido folklórico que se acopla perfectamente con la historia contada: The pain of war cannot exceed the woe of aftermath, The drums will shake the castle wall, The ring wraiths ride in black, ride on”.

Stairway to Heaven 8:02

Su obra maestra, uno de los himnos inmortales del rock. Hablar de todo lo que engloba esta criptica melodía nos tomaría un artículo aparte, con una letra tan compleja que puede tener muchos significados según quien la escuche: la vida la muerte; Dios o el Diablo, con una melodía inicial acústica que termina con una psicodelia eléctrica y vocal, simplemente una canción perfecta que a pesar de su duración está estructurada para no cansar. Sigue siendo objeto de polémicas así como del record de ser la canción más reproducida en la historia de la radio (más de tres millones de veces y sumando).

”And as we wind on down the road, our shadows taller than our soul. There walks alady we all know. Who shines white light and wants to show How everything still turns to gold. And if you listen very hard, the tune will come to you at last. When all are one and one is all To be a rock and not to roll”.

En un homenaje efectuado recientemente hay una versión que emociona hasta las lágrimas a Robert Plant y vale la pena chequearla porque estremece:

 

Misty Mountain Hop 4:39

Una canción con referencias nuevamente a Tolkien y al uso de estupefacientes. Aquí con un gran trabajo en la parte de teclados y segunda guitarra por parte de Jones. La canción con mucho rock y sigue la línea marcada por el disco a excepción de los quiebres musicales de las canciones  The Battle of Evermore  y Going to California que son más sosegadas.

Four Sticks 4:45

Denominada así porque para este tema el gran “Bonzo” Boham tocó la batería con cuatro palillos para darle la intensidad que buscaba, este tema solo fue interpretado una vez en vivo. Una canción con una letra que nos recuerda mucho a “The lemon Song” incuída en Led Zepellin II: “Oh baby it’s cryin’ time, Oh baby I got to fly, Got to try to find a way, Got to try to get away”.

Going to California 3:32

Tal vez su canción más sencilla del disco. Netamente acústico, lleva el compás de la guitarra de Plant acompañada de la mandolina de Jones. Un tema nostálgico que habla de las dudas existenciales de Plant con la locura de la carretera, los conciertos y las groupies de la época. Si se quiere saber cómo era eso, se recomienda ver la película Almost Famous (Casi Famosos) de Camero Crowe : “ Spent my days with a woman unkind, smoked my stuff and drank all my wine. Made up my mind to make a new start, going to California with an aching in my heart”

When the Levee Breaks 7:08

La canción final y para mi exceptuando la obra magistral que incluye el disco ( Stairway to Heaven ) la mejor canción del disco y como dato curioso, es una versión de una canción de blues de 1929, compuesta por Kansas Joe Mckoy y Memphis Minnie. Un blues que incluye una armónica de Plant y con el arreglo de las guitarras en otro tempo más lento, lo que hizo muy difícil de tocarla en vivo. Pese a esto, escuchar la versión de estudio te hace erizar la piel, en resumen un corte clásico de blues al estilo de Zepellin.

Este fue un breve repaso a uno de los discos esenciales en la historia del Rock para escucharlo de principio a fin sin pausas y volverlo a repetir hasta el cansancio.

Jorge Aguirre
Quito
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