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El Inicio de la “Sodamanía”

El 10 de noviembre de 1986 vio la luz un trascendental álbum para la historia del pop – rock latinoamericano. “Signos” constituyó el pasaporte a la fama internacional de Soda Stereo, el comienzo de un camino de alta influencia en la América hispanoparlante.

Se trata de un disco más denso, oscuro e introspectivo que sus predecesores homónimo y “Nada Personal”. Se justifica en su génesis turbulento, con crisis y angustias provocadas por los excesos y el stress de ya proyectarse como un negocio rentable. De esa ansiedad se plasmaron sonidos de loco frenesí y de aprehensión: una obra maestra.

En los Estudios Moebio y bajó la conducción de Mariano López, “Signos” fue tomando cuerpo en el invierno austral de 1986, donde las ideas y el intenso trabajo estuvieron cerca de fundir las equipos. El disco arranca con el frenético “Sin Sobresaltos”, en el que los vientos y el bajo cinemático de Zeta Bosio conducen velozmente al nuevo rumbo que los Soda estaban buscando, esa trascendencia más allá del pop.

Sigue “El Rito”. Un místico tema que endulza el oído suavemente con el característico arpegio que le dio Cerati, moviéndose en una onda muy “New Wave” de aquel otro lado del charco. Una canción que tranquilamente pudo estar en la discografía de las más prestigiosas bandas del género en los 80. Pasamos a “Prófugos”, una turbulenta historia de pasión, apurada por la música que se siente apremiada en toda su orquestación, separada por momentos sosegados  que dan aquellos sencillos solos con arpegio, para pasar de nuevo a la locura.

En “No Existes” se encuentra dolor, deseos de profunda revancha, de nuevo todos se unen para lograr un sonido trepidante, furioso, melodías desgarradoras que alivian aquella inmensa pena. “Persiana Americana” es uno de los inolvidables clásicos de Soda Stereo. Una divertida historia donde el culto a la imagen, la cultura pop y el voyeurismo se funden para alegrar los corazones latinoamericanos de generaciones. El riff inicial de guitarra de “Persiana Americana” debe ser una melodía tan clásica para el hispanohablante promedio como los créditos iniciales del Chavo del 8 o las fanfarreas de Sábado Gigante. Personalmente en ese tema me quedo con la batería de Charly Alberti, escucharla pone automáticamente a mover el esqueleto.

“En Camino” esconde una dulce melancolía en los teclados que completan una estructura aparentemente sencilla con guitarras más bien acústicas y una demoledora batería. “Signos” devuelve el camino de este disco hacia la senda del misterio explorada en “El Rito”. El tratamiento mágico de la guitarra de Cerati con aquel palm-muting enriquecido con delays, la sobriedad del bajo de Zeta para acompañar y la no menos solemne batería de Charly Alberti hacen de este otro indiscutible clásico de la discografía de los Soda. Dentro de los acertijos que planteó Cerati a lo largo de su carrera con sus letras, las de Signos bien pueden estar entre las más enigmáticas.

El cierre de nuevo es con dulce melancolía. “Final Caja Negra” es el término de un viaje sónico cargado de emociones intensas y tal vez estresantes. Tal vez tenga uno de los mejores solos de teclado de la historia, con el que va despidiendo al disco y con ello, acompaña a los eternos viajeros, no necesariamente de morada, sino de situaciones, sensaciones, grupos sociales o familiares. El dolor de saber que la vida es cambio constante y aferrarse es inútil.

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“Signos” fue la entrada triunfal de Soda Stereo a los hogares latinoamericanos. Con su presentación en el afamado festival de Viña del Mar a inicios de 1987, todo un continente se dio cuenta que podía tener ídolos del rock más cercanos. El look “dark” y “New Wave” hacía un juego perfecto con la maratónica gira que por 1987 hizo mover masas y sería definitiva no solo para los Soda, sino para la industria discográfica latinoamericana. A partir de ese momento, hacer música en el continente sería un negocio millonario.

“Signos” es una placa sumamente sofisticada para su tiempo, incluso hoy no sonaría desfasada en el tiempo, salvo tal vez, su beat tan “New Wave”. Después, todo sería apoteósicos éxitos para la afamada banda argentina, aunque también tensiones y desencuentros de una carrera que duró lo justo y necesario.

Signos – Sony Music – 1986

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  • Sin Sobresaltos
  • El Rito
  • Prófugos
  • No Existes
  • Persiana Americana
  • En Camino
  • Signos
  • Final Caja Negra
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Discos Imprescindibles: 25 años Nirvana – Nevermind

A lo largo de la historia del rock, se han producido varias etapas que algunos expertos lo han clasificado como las 7 edades del rock (documental de la BBC muy recomendado) el  final de cada etapa o edad se da con un punto de quiebre en el estilo predominante y el inicio de una nueva corriente de hacer música. Una de estas últimas edades es el aparecimiento del Rock Alternativo.

 Smells Like Teen Spirit

 Allá por los inicios de los 90´s todavía reinada  el rock de estadio y el glam rock dominando durante casi una década las emisoras, cadenas de tv. Sin embargo la fórmula de estas bandas estaba cada vez más desgastada en la parte musical, estética y muy pocas pudieron mantenerse luego de lo que estaba por venir. A la par de esto una nueva generación de adolescentes ( la famosa Generación X) no se sentían identificados con lo que escuchaban y se veían en la escena musical predominante, bandas emergentes comenzaban a presentar sus propuestas y salir de a poco del anonimato: los primeros Soundgarden y Alice In Chains,  o bandas que ya estaba desde los ochentas como R.E.M., Pixies, Sonic Youth, RHCP o  Jane’s Adiction  por mencionar a algunos. Estos se hacían cada vez más populares en los circuitos universitarios de los Estados Unidos, sin embargo algo faltaba para que todo este puñado de música eclosione.

In Bloom

En 1989 una de estas bandas emergentes de nombre Nirvana había ya sorprendido con la publicación a través del sello SubPop de un tremendo Álbum: Bleach. A pesar de que la grabación del mismo fue una paradoja para la banda, sobre todo para su líder: Kurt Cobain. Esto llamó la atención de la Gigantesca David Geffen Company, quien los fichó para crear su siguiente disco: Nevermind.  Quien Estuvo a cargo de la producción fue el genial Butch Vig (conocido por su trabajo en Garbage), dándole un giro completo en sus arreglos manteniendo la agresividad de la banda pero dándole un sonido más limpio y cierto toque pop que fue definitivo para su irrupción en el medio musical mainstream. La revolución que generó luego de su publicación no ha podido ser igualada por ninguna banda, se puede afirmar que salvo el britpop que reinaba en paralelo con Nirvana, no ha existido otro cambio tan radical en la escena musical. Como afirmarían en su momento varios críticos la emergente escena bautizada en ese momento como “grunge” terminó matando el reinado del glam metal y las bandas de estadio.

Come As You Are

 A pesar de las pocas expectativas de Nevermind,  como se comentó, terminó siendo un tremendo éxito comercial que empezó de a poco a minar los estados de ánimo de un ya problemático Kurt Cobain quien terminó repudiando con el tiempo aquello que él y la banda se habían convertido. La fama y éxito de Nirvana jamás pudo ser bien llevada por Cobain con su conocido trágico desenlace.

Publicado el 24 de septiembre de 1991, el disco contiene 12 temas de los cuales 4 fueron extraídos como singles:

 Smells like teen spirit

Come As You Are

Lithium

In Bloom

La portada del disco una de las más emblemáticas de la historia de la música de estuvo a cargo del director artístico de Geffen, Robert Fisher. En el mismo se muestra a un niño buceando tras un billete de un dólar que tiene un anzuelo, con una tonalidad celeste y lila propio del efecto del agua. La idea de dicho arte partió por el interés de Cobain hacia los partos en agua.

Nevermind amalgama perfectamente y toma prestados sonidos de varias bandas como Pixies, Jesus Lizardo o Killing Joke, para darles su toque y juntar las letras de Kurt que abarcan varios tópicos. Las canciones por lo general alternan cambios de ritmos sobre todo en los coros, el bajo de Krist Novoselic y la enérgica batería de David Grohl (aunque Chad Channing, su predecesor, había grabado Polly), se complementan con la guitarra y la increíble voz  de Cobain. La forma para cantar cada una de las canciones le da esa emoción necesaria a cada uno de los temas. Puede ser un paranoico en Territorial Pissings, sonar como una persona desolada en Something in The Way, como un tipo aparentemente tranquilo en la oscura Polly o transmitirte mucha energía en canciones como Loung Act, On a Plain o su incomprendido himno Smells Like Teen Spirit.

 Aquella alternabilidad entre calma e intensidad que marcó a Nevermind y a la música de Nirvana, bien se puede atribuir a Pixies, banda de la que Cobian era fan declarado. Destacar el trabajo de Novoselic en temas como “Come As You Are”, donde el lúgubre riff de bajo conduce a la canción. Temas como “Stay Away” o “Territorial Pissings” tienen el sello inconfundible de Grohl. Peculiarmente, Polly fue grabada con una guitarra con 5 cuerdas y diríamos que la decisión fue acertada.

 Nevermind paradójicamente se vendió como una revolución, la efervescencia de un público juvenil que ya no se identificaba con los valores pomposos de los 80 y la intención de la misma se ve reflejada en el video de “Smells Like Teen Spirit” (título inspirado accidentalmente en una marca de desodorante).

 No podemos entrar a detalle para analizar el significado de cada una de sus temas ya que esto en su momento causó controversia con el mismo Cobain quien alguna vez pregunto ¿Por qué diablos los periodistas insisten en venir con una segunda evaluación freudiana de mis letras cuando no las entienden en el 90 por ciento de las ocasiones?

Nevermind alcanzó el número de la lista “Billboard 200” el 11 de enero de 1992, desplazando de dicho lugar al “Dangerous” de Michael Jackson y permaneció en la afamada lista durante 252 semanas. Certíficó “disco de diamante” en Estados Unidos y Canadá. Además se le registra más de 30 millones de copias vendidas alrededor del mundo. En la lista de 500 discos esenciales de la revista “Rolling Stone” ocupa el puesto 17, siendo el mejor ubicado de los años 90, década de la cual, prácticamente es el disco icónico.

 Nevermind es el último eslabón del rock, lo que vino después si bien no es despreciable no llegó a lograr en el mercado y la cultura musical el efecto que Cobain y Compañía logró. Todavía me pregunto: ¿cuándo vendrá la siguiente edad del rock?

 

Nevermind – Geffen Records – 1991

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  1. Smells Like Teen Spirit
  2.  In Bloom
  3.  Come As You Are
  4.  Breed
  5. Lithium
  6. Polly
  7. Territorial Pissings
  8. Drain You
  9.  Lounge Act
  10.  Stay Away
  11. On A Plain
  12. Something In The Way

 

 

Jorge Aguirre
Quito
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Use Your Illusion: La Ópera Hard-Rock

Este 17 de septiembre se cumplen 25 años desde que salieron al público los discos “Use Your Illusion” de la banda norteamericana Guns N’ Roses. La apuesta por editar discos dobles fue arriesgada, sin embargo, tremendamente exitosa en lo artístico y comercial. Los Guns seguían siendo esos furiosos sujetos de las calles de Los Ángeles, pero esta vez tenían mucho más que decir en la avalancha de sensaciones que transmiten estos álbumes.

Las famosas portadas de los Illusion fueron diseñadas por el artista Mark Kostabi, quien tomó una escena del famoso cuadro de Rafael, “La Escuela de Atenas” y les superpuso colores cálidos para el Volumen 1 (qué es más rockero) y colores fríos para el Volumen 2 (que de pronto tiene temas más lentos). El incluir ese toque clásico a la imagen de GNR era sin duda novedoso para un público acostumbrado a verlos con cruces, esqueletos y demás símbolos de aparente rudeza y calle. Hacía advertir que el producto musical también era bastante más sofisticado.

school of athens

Los Illusion fueron la tercera publicación en estudio de Guns N’ Roses. Durante aquellos días, la alineación de la banda había sufrido algunas modificaciones con la salida de Steven Adler y la incorporación de Matt Sorum a la batería, también sumándose Dizzy Reed para teclados, percusión y demás requerimientos en vivo. Así mismo, el guitarrista rítimico Izzy Stradlin formó parte de la composición de las placas, pero se retiró de la banda poco después que estas se publicaron. En la gira de promoción, su reemplazante sería Gilby Clarke.

La banda encontró en Sorum un baterista con mayores variantes a la hora de llevar el ritmo de la banda que estaba buscando nuevos horizontes componiendo en piano y extendiendo algunos temas que llegaron a durar 8, 9 y 10 minutos como November Rain, Estranged y Coma. Algo poco común y difícil de trabajar comercialmente dado los saturados espacios de radio y más aún de televisión si lo que se buscaba era difusión, la cual de todas formas fue pomposa, pues a esas alturas lo que menos le faltaba a los Guns era dinero.

Guns N’ Roses buscó adentrarse a las raíces del Rock and Roll con varios temas con un notable toque country y blues como: “Dust N’ Bones”, “You Ain’t The First”, “Bad Obsession”, “Dead Horse” o “Breakdown”. También incursionó en ritmos de otras latitudes con ese solo en estilo flamenco de “Double Talkin’ Jive” o las cítaras asiáticas del inicio de “Pretty Tied Up”. Incluyó covers de leyendas como “Live and Let Die” (Paul Mc Cartney & Wings) o “Knockin’ On Heaven’s Door” (Bob Dylan). También tuvieron invitados de lujo como Alice Cooper, quien canto algunas estrofas en “The Garden”.

Como se dijo anteriormente, la promoción de estos discos fue multimillonaria y espectacular. Inició algunos meses antes del lanzamiento del álbum con la inclusión de “You Could Be Mine” en la banda sonora de la película “Terminator 2: Judgment Day”. Su videoclip incluye insertos de la mencionada película que fue un gran suceso de taquilla de los años 90 y a la vez, el tema se convertiría en uno de los clásicos de la banda, con la habitual agresividad de las guitarras de Slash y Stradlin, más el punzante bajo de Duff.

Los Illusion contienen varias de las “Power Ballads” más importantes de la banda y tal vez, de la historia del rock and roll. La trilogía “Don’t Cry”, “November Rain” y “Estranged”, son obras maestras en la que los violentos cambios de sensaciones y emociones, marcados por los tiempos, el volumen e inclusión de los instrumentos pueden llegar a desbordar a quien las escucha. November Rain y Estranged son temas ensamblados de varios segmentos, muy al estilo de las composiciones clásicas – académicas. La oportuna intervención de los solos de Slash en cada uno de los mismos aporta más con la sensación desgarradora de estas canciones que hablan de amor, desamor y sobretodo desengaño. Recordemos que Don’t Cry está basado en los tormentosos últimos días de la relación de Axl Rose con Erin Everly a quien había dedicado Sweet Child Of Mine años atrás.

Dicha trilogía fue promocionada con tres espectaculares videoclips inspirados narrativamente en el cuento “Without You” de Del James. Inicia la misma con “Don’t Cry”. Una conflictiva historia de amor y la insinuación de misticismo y tiempo circular, con vida, muerte, renacimiento y escenas de lo que puede sugerirse como “vidas pasadas”. También disimuladamente buscan a Izzy, quien tenía poco tiempo de haber abandonado la banda tras la publicación de este clip. Una “power ballad” por excelencia.

Sigue “November Rain”, con la trágica historia de una boda que termina en funeral. La producción fue escandalosamente costosa con más de un millón de dólares que incluyeron entre otras cosas fastuosas: la construcción de la capilla del matrimonio o el vestido de bodas de diseñador que usó Stephanie Seymour, quien para ese entonces (1992) era novia de Axl Rose y a su vez, afamada modelo. Todo eso matizado con una impresionante presentación en vivo que incluye músicos académicos. Himno indiscutible de los Guns.

Finalmente con “Estranged” se cierra este ciclo explicando aquella sensación que incluso en el videoclip se describe con definición de diccionario: cuando hay mutua enemistad o indiferencia donde alguna vez hubo amor, afecto o amistad… con la consecuencia obvia de la separación. Un poderoso tema de más de 9 minutos que brindan intensas emociones y a pesar de su duración, es imposible pensar que pueda aburrir.

Como se había dicho anteriormente, los Illusion parecieran tener una diferencia entre un álbum más agresivo y otro más lento, aunque los miembros de la banda aseveran que esa no era la intención. El “Illusion I” inicia con un lúgubre riff de bajo tal como Duff McKagan y su técnica con púa pueden lograrlo en “Right Next Door’s To Hell”, tema dedicado a una conflictiva vecina. Temas muy rockeros como “Back Off Bitch”, “Double Talkin’ Jive” o “Garden Of Eden” hacen sacudir la cabeza, mientras que el final del disco con “Coma” tiene una magnífica conducción hacia la angustia nuevamente dirigida por el bajo de McKagan y apoyado incluso con un desfibrilador.

En el “Illusion II”, un inicio brillante nos adentra a una experiencia “opera rock” con la espectacular “Civil War”, que con un inicio lento y acelerando progresivamente, inyecta más de 7 minutos de adrenalina progresiva. Temas como “Yesterdays” exponen las mejores épocas de la voz de Axl Rose quien con poderosas exclamaciones señala que el ayer no tiene nada para él. Otro buen y sentido tema lento es “So Fine”, mientras que Locomotive son otros 7 minutos lentos pero intensos. El disco finaliza  con la desconcertante “My World”, un pesudo rap que con gemidos y sampleos cierra los discos dejando muchas incógnitas en menos de 2 minutos.

En cuanto a logros artísticos y comerciales, ambos discos certificaron 7 discos de platino, habiéndose vendido más de medio millón tras solo 2 horas de haber salido al mercado. Claro, hay que decir que la “campaña expectativa” del disco fue enorme. “Illusion II” fue número uno, acompañado de “Illusion I” de la lista de “Billboard 200” de los Estados Unidos en las 2 primeras semanas de octubre, ambos discos llegaron a estar en el número uno de las listas de países como: Gran Bretaña, Australia, Nueva Zelandia y Canadá. Su tumultuosa gira promocional, “Use Your Illusion Tour”, tomó 2 años en dar la vuelta a Norte, Sudamérica, Europa, Asia y Oceanía entre 1991 y 1993, donde remataría en Argentina. Ahí ocurrió el último show con mayoría de miembros originales de Guns N’ Roses hasta su reciente reunión en 2016.

Los Guns N’ Roses con los discos “Use Your Illusion” llegaron a ser uno de los más importantes, sino el más importante acto de rock and roll de inicios de los noventa y estaban llamados a ser leyenda. Tal vez sí lo sean, pero los conflictos alrededor del grupo acabaron pronto una formación que tendría muchos híbridos en los años posteriores y que no trascendió en la música como tal vez se esperaba con los miembros originales. La madurez en composición y ejecución que alcanzaron con estas placas regalaron piezas clásicas e inolvidables a la historia del género.

Use Your Illusion I – Geffen Records – 1991

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Right Next Door To Hell 2:58
Dust N’ Bones 4:55
Live And Let Die 2:59
Don’t Cry (Original) 4:42
Perfect Crime 2:22
You Ain’t The First 2:32
Bad Obsession 5:26
Back Off Bitch 5:01
Double Talkin’ Jive 3:19
November Rain 8:53
The Garden 5:17
Garden Of Eden 2:36
Don’t Damn Me 5:15
Bad Apples 4:25
Dead Horse 4:17
Coma 10:08

 

Use Your Illusion II – Geffen Records – 1991  

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Civil War 7:36
14 Years 4:17
Yesterdays 3:13
Knockin’ On Heaven’s Door 5:36
Get In The Ring 5:29
Shotgun Blues 3:23
Breakdown 6:58
Pretty Tied Up 4:46
Locomotive (Complicity) 8:42
So Fine 4:09
Estranged 9:20
You Could Be Mine 5:48
Don’t Cry (Alt. Lyrics) 4:42
My World 1:22
Edison Guapaz Zambrano
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Discos Imprescindibles: 25 años Pearl Jam – Ten

Definitivamente durante la década de los 90 vieron la luz un gran número de bandas que fueron etiquetadas en lo que la prensa musical de ese momento decidió bautizarlo como “Grunge”. Sin embargo, muy pocas pudieron hacer diferencia y destacarse por su calidad musical y sobre todo no verse eclipsadas por el fenómeno Nirvana. Una de estos grupos que trazo su propio camino y trascendió en las décadas posteriores haciendo historia sin duda alguna fue Pearl Jam.

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Su primer trabajo de estudio, “Ten”, es uno de esos discos que expresan la desesperanza, la pérdida del amor y la rabia adolescente de la famosa generación X, así como los problemas de la sociedad norteamericana que marcaban los inicios de los 90. Compuesta en su versión original para el mercado norteamericano por 11 temas, se lanzaron 4 sencillos:

 Alive
Even Flow
Jeremy
Oceans

 Stone Gossard y Jeff Ament guitarrista y bajista respectivamente, habían sufrido la pérdida de su amigo y vocalista de su banda Mother Love Bone: Andrew Wood. Lo que desencadenó en la finalización de este proyecto que estuvo activo entre 1988 y 1990 y vio a luz su único disco póstumo: Apple. Con este antecedente, Gossard invita para su nuevo proyecto a su amigo y guitarrista Mike McCready, quien se encontraba tocando en una banda llamada Love Chile. Estos tres personajes acompañados por el baterista de Soundgarden, Matt Cameron, grabaron una serie de demos conocidos como “the Stone Gossard Demos” que fueron distribuidos a varias personas con la premisa de encontrar un baterista y un vocalista. Uno de estos demos llega a las manos de Jack Irons (baterista de Red Hot Chili Peppers) quien se lo da su amigo Eddie Vedder, por ese entonces vocalista de la banda San Diego Bad Radio.

Vedder con este demo construye las letras de las canciones: Once, Alive y Footsteps (esta última apareció como lado B del sencillo Jeremy), creando la famosa Trilogía Mamasan: una mini ópera que cuenta la historia de un personaje que cuenta su  infancia y su relación enfermiza con su madre (Alive), su conversión a un asesino en serie (Once) y sus últimos momentos antes de ser ejecutado (Footsteps). El demo es devuelto a Gossard con la introducción de su voz, quien queda impactado con la capacidad vocal y lírica de Vedder, invitándolo a formar parte de los Mookie Blaylock (nombre inicial de la banda antes de rebautizarla como Pearl Jam). Vedder se une al resto de los músicos con la última incorporación de Dave Krusen a la batería.

 Las grabaciones fueron entre marzo y mayo de 1991 en los estudios London Bridge de Seattle, producidos por un desconocido Rick Parashar (quien posterior a este disco trabajaría con grupos como Alice in Chains, Blind Melon, Melissa Etheridge y otros hasta su muerte en 2014). Finalmente el disco sale a la venta el 27 de agosto de 1991.

 El diseño de la portada estuvo a cargo de Lance Mercer en la fotografía, mientras que Lisa Sparagano y Risa Zaitschek fueron acreditadas por el diseño, uno de los más recordados conjuntamente con el Smells Like Teen Spirit de Nirvana.

 El sonido marcado por el estilo rítmico muy cargado de la guitarra de Gossard, los solos de McGready que por momentos recuerdan a sonidos de bandas como Bad Company, el buen acompañamiento de las líneas de bajo de Ament y la batería de Krusen. Pero definitivamente uno de los puntos más altos en todo el disco es la sobresaliente e incomparable voz de uno de los mejores cantantes que ha dado el rock: Eddie Vedder, quien adicionalmente se encargó de todas las letras del álbum mostrándonos su  gran capacidad como compositor.

El disco da inicio con Once  que como se comentó fue parte de las tres primeras canciones que escribió Vedder para la banda. La historia de una persona que se convierte en un asesino serial (I got a sixteen gauge buried under my clothes…I pray, Once upon the time). Destaca el sonido de las dos guitarras con cambios de ritmo constantes a lo largo de la canción que con la voz llena de rabia de Vedder le dan cierto toque de angustia y logran transmitir la historia perfectamente.

 Le sigue una de sus canciones más conocidas: Even Flow. Un tema en los que destaca el trabajo del bajo y batería llevando el ritmo de la canción y que trata de las personas marginales y sin techo (congelada, descansa su cabeza en una almohada hecha de concreto) y todos sus padecimientos hasta que encuentran una mano amiga que lo llevan hacia otro lugar (queda a interpretación si es o no el momento en que alguien los ayuda o simplemente van muriendo). Como anécdota al inicio del video promocional de la canción se puede mirar a un enfadado Eddie Vedder reclamando a  realizador del mismo, Josh Taft en estos terminos: “This is not a TV Studio, Josh. Turn those lights out, it’s a fucking rock concert”.

El tercer corte es otro de sus temas emblemáticos: Alive, en este tema deja su marca más visible Mike McCready con un intro de guitarra al inicio y un solo de guitarra al final mostrándonos todo su potencial como guitarra líder. La letra trata de los traumas infantiles y la dura relación de un hijo con su incestuosa madre(hay algún problema dijo ella, por supuesto que lo hay, sigues vivo dijo ella, ¡oh!, ¿merezco estarlo? ) Definitivamente la mejor canción del disco, una verdadera obra maestra:  Son, she said, have I got a little history for you…what you thought was your daddy, was nothing but a…., while you were sitting home alone at age thirteen, your real daddy was diying, sorry you didn’t see him but I’m glad we talked…

Why Go nos entrega nuevamente con una tremenda base rítmica de bajo – batería nos habla del uso de drogas y los problemas familiares que acarrean: Why go home?; le sigue una de sus canciones más emotivas y personales. La hermosa, desoladora y conmovedora balada Black nos habla de la pérdida y resignación por la que pasamos cuando la persona que amamos nos ha dejado por alguien más (por momentos me trae recuerdos de “A tears go by” de los Rolling Stones),  impacta el sentimiento de tristeza y desesperación que imprime Vedder al cantarla: All five horizons revolved around her soul, as the earth to the sun, now the air I tasted and breathed has taken a turn, ooh and all I taught her was everything, Ooh, I know she gave me all that she wore, and now my bitter hands chafe beneath the clouds, ¿of what was a everything?

 En este momento del disco nos encontramos con otro de sus puntos más altos a nivel compositivo y musical. Me refiero a la canción Jeremy, que narra la historia real de Jeremy Wade Walde, quien luego de soportar tanto acoso escolar y falta de atención de sus padres decidió pegarse un tiro frente a sus  compañeros de clase. A pesar de que inicialmente no iba a ser considerada como un sencillo, se hizo el video que retrata esta triste historia. El video que si bien ganó varios premios, fue editado por la censura (el momento en que Jeremy dispara la pistola en su boca y una referencia nazi) siendo este el punto de quiebre donde la banda decidió no realizar más videos. Destaca el gran trabajo en el bajo nuevamente a cargo de Jeff Ament que sobresale en la mayor parte de la canción que si bien es lenta poco a poco va adquiriendo más dramatismo a medida que se va contando la historia.

Le sigue Oceans, una canción tributo de Eddie Vedder a las olas y al surf. Acá se puede apreciar la sensibilidad y armonía de la interpretación vocal de Vedder que contrasta en cierta manera con sus aporte en las canciones anteriores. Nuevamente las líneas y armonías del bajo de Ament se hace presente acompañados de unos acordes sencillos de guitarra y  una interesante ejecución de la batería de Krusen

 Una acelerada Porch nuevamente nos vuelve a hablar de la pérdida del amor aunque musicalmente difiere de Black siendo la temática similar. Garden con arpegios de  guitarra nos llevan hacia las dudas existenciales que acompañan al ser humano y como este ha transformado su modo de vida (I don’t question our existence, I just question our modern needs,  I will walk with my hands bound, I will walk with my face blood). Nuevamente un solo de guitarra impresionante hacia un poco más de la mitad ejecutado por  McCready con la voz desgarradora de Vedder le van dando ese toque distintivo de fuerza y rabia característico de la mayoría de las canciones del disco.

 Deep es uno de los temas más hard rockeros del álbum, nos transporta nuevamente hacia el mundo de las drogas, la muerte y el suicidio. Se conjuga perfectamente la guitarra de McCready y el bajo con muchos efectos de Ament. Cierra el disco Release, la cual inicia con unos arpegios y una voz en tono de mantra de Vedder, para posteriormente ir incorporándose el resto de instrumentos. Su interpretación y lírica relativamente sosegada nos habla de la relación y perdida de un padre y de qué camino tomar en la vida (I see the world, feel the chill, which way to go?).

 Un disco con una tremenda composición lírica lleno de mucho drama y de algunos momentos de misticismos en sus letras, con una sólida interpretación musical y con un frontman que de aquí en adelante haría historia. Ten es una obra maestra que nos da un repaso a todo lo que fue los 90’s, con un acercamiento más hacia el hard rock que al “grunge”. Es un clásico del rock que debe estar en nuestras estanterías musicales.

Jorge Aguirre
Quito
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Discos Imprescindibles: 25 años – Metallica (The Black Album)

El disco que marcó un punto de inflexión en los siguientes trabajos del cuarteto de San Francisco, un disco más trabajado y más lento que el sonido thrashero de sus antecesores. Publicado el 12 de agosto de 1991, fue sin dudas el siguiente paso evolutivo a un sonido definitivamente más comercial que los consolidó en las listas “mainstream” con sus 5 sencillos:

 

Enter Sandman

The Unforgiven

Nothing Else Matters

Wherever I May Roam

Sad But True

 

La grabación del disco no fue fácil debido a la constante tensión entre el nuevo productor, Bob Rock, y los miembros del grupo. Sin embargo, como James Hetfield declararía en varias ocasiones, querían un cambio en el sonido,  cuando escuchó el “Dr. Feelgood” de Motlëy Crüe (producido por Rock), exclamó que ese es el tipo de sonido que estaban buscando.

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¿Qué es lo que caracteriza a este disco? Como se mencionó anteriormente, la composición de las canciones son más lentas, con menos duración y con otra afinación en las guitarras pero manteniendo su estilo pesado a excepción de las dos baladas (las primeras en su discografía) que vienen en el disco. Por primera vez incluyen un arreglo orquestal en la canción Nothing Else Matters, pero sobre todo el sonido del bajo de Jason Newsted aparece y se aprecia por primera vez desde su ingreso a la banda ya que en “And Justice for All” fue prácticamente silenciado por obra y gracia de Lars Ulrich.

 La portada completamente negra con el logo de la banda y una serpiente enrollada en la parte baja que fue tomada de la bandera Gadsden (bandera revolucionaria histórica de los Estados Unidos, recibe su nombre del general americano Christopher Gadsden, que luchó contra el imperio británico durante la Guerra de la Independencia).

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Los temas a destacar del disco son varios, pero hablaremos de los más importantes: abre con la ya clásica Enter Sandman (primer single de la banda) cuya letra hablaba acerca de las peticiones, rezos, miedos, dudas y sueños en los que nos solemos sumergir, aquí la segunda guitarra de Hetfield suena atronadora, se puede aprecia que la banda no pierde su esencia thrash a pesar de que la canción sea mucho más lenta. Fue acompañada de un increíble video que te traslada a la pesadilla de la que Hetfield te está hablando y te sumerge en la misma (Now I lay me down to sleep, pray the lord my soul to keep, If I die before I wake, pray the lord my soul to take).

En el mismo estilo le sigue Sad but true y Holier than thou. El primer quiebre en el sonido y temática del disco se produce con The Unforgiven. Muy diferente a las pocas canciones sosegadas que habíamos escuchado como por ejemplo Fade to Black,  pero siempre contando con el respectivo solo de Kirk Hammet.

Wherever I may roam, con un arreglo de sitar eléctrico, nos vuelve al sonido pesado de este disco, una gran canción y otro de los clásicos de la banda, al igual que Don´t Tread on Me. Le sigue Trough the Never, de las canciones más rápidas del disco, nos traslada por un momento a los anteriores trabajos de Metallica.

 Nuevo punto de quiebre o pausa para escuchar una de las canciones que marcan la transición musical y lírica de Metallica: Nothing else matters. Balada con tintes de nostalgia y amor que fue escrita y parcialmente compuesta por James Hetfield y dedicada a su novia, buenos arpegios, tremenda orquestación introducida acertadamente por Bob Rock que le da más dramatismo y un toque de nostalgia.

Nuevamente suenan atronadoramente Of wolf and Man y The God that Failed. Esta ultima con un tremendo intro de bajo a cargo de Newsted que nos demuestra su calidad como músico y que se ratifica al ser parte de la composición de My friend of misery, la cual en su inicio fue concebida como una pieza instrumental al estilo de Orion o The Call of Ktulu, pero sobre el cierre de la grabación del disco decidieron que tenga letra. Finalmente Cierra el disco The Struggle Within.

A pesar de las críticas generalmente positivas de la prensa especializada, muchos de sus “fans “thrahsers” comenzaron a alejarse y a criticar el nuevo sonido de Metallica, incluso a tildarlos de “vendidos”. Aquí es cuando me pregunto: ¿Si las bandas hacen negocio con la música, lo cual está bien ya que ese es su trabajo y a pesar de que suenan diferente su calidad sigue siendo innegable, por qué se les acusa de venderse? Por ejemplo con Metallica: And Justice for All… vendió nada más y nada menos que 1.000.000 de copias, así que eso de venderse sigue siendo relativo desde el punto de vista del corazón y gusto de cada fan.

 Tal vez no llegue a tener el nivel, incluso no sea comparable con su obra maestra Master of Puppets, pero sin duda su calidad musical es innegable, The Black Album es uno de los discos definitivos de la historia del rock que debe estar en tu biblioteca musical.

Jorge Aguirre
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Discos Imprescindibles: Alice In Chains – Unplugged

Revisión Especial de 20 años

El tiempo es inexorable y la buena música no se vuelve vieja sino que se convierte en clásica.  La mayoría conoce la historia de los famosos “Unplugged” de MTV, que básicamente han sido un formato de conciertos acústicos que se desarrollaron con gran suceso en los 90s y nos permitieron apreciar bajo otra perspectiva musical a nuestros artistas favoritos. Estos conciertos “desenchufados” con el tiempo se volvieron clásicos y en muchos casos generaron historias alrededor de su conceptualización y puesta en escena. Un Unplugged que trascendió en el tiempo y se convirtió de acuerdo a muchos críticos musicales en uno de los mejores fue el de Alice In Chains.

Alice In Chains - MTV Unplugged - Front

Grabado el 10 de abril de 1996 en el Brooklyn Academy os Music’s Majestic Theatre de la ciudad de Nueva York, fue oficialmente publicado el 30 de julio de 1996. Alice In Chains regresaba a los escenarios luego de tres años de ausencia, a pesar de que a finales del año 1995 había visto a la luz su último disco homónimo Alice in Chains y a que  tampoco pudieron realizar la gira programada para el año 1994 luego de que viera a la luz uno de sus trabajos más exitosos: el ep.  “Jar of Flies”, debido al camino hacia la autodestrucción que había seguido su vocalista Layne Staley (del cual ya no saldría poniendo fin a su existencia el 5 de abril de 2002).

 Alice-in-chains unplugged 1

“I would have to say this is the best show we‘ve done in three years” Layne Staley.

Layne It´s the only one…… Jerry Cantrell

Abstraerse y tratar de hablar solo de su versión editada en disco es un poco complicado porque el show que fue televisado y posteriormente editado sin cortes (tienen que intentar ver esta versión) permite apreciar aún más la complicidad y dimensión musical a la que llegaron en este performance.

 El mismo no podía iniciar mejor que con “Nutshell”. Los primeros acordes suenan y uno a uno los miembros de AIC van entrando al escenario, el último en ingresar es Layne o lo que empezaba a quedar de él (con un aspecto enfermizo casi de un cadáver). Se escucha y se ve la ovación con la que es recibido, su voz desgarradora se hace presente y te sumerge en su dolor, te advierte que está peleando pero que no sabe si lo va a lograr, es muy difícil no emocionarse con esta versión, más aun con el pasar de los años. (“We chase mi sprinted lies, we face the path of time, and yet I fight, we chase mi sprinted lies, we face the path of time, and yet I fight and yet I fight, this battle all alone”…)

 

Enseguida te vuelven a golpear con “Brother”, otra vez ese rasgado triste de Cantrell acompañado magistralmente por Mike Inez en el bajo, Sean Kiney en batería y Sean Olson en la segunda guitarra (este último como invitado especial). Acá se puede apreciar a parte de su calidad musical,  otro de lo que fue su sello inconfundible: el uso de las armonías vocales, esa manera en que las voces de Staley y Cantrell se complementaban y apoyaban te hace erizar la piel.

 Suena luego “No Excuses”, extraída del increíble Jar of Flies, nuevamente el dúo vocal Staley y Cantrell al 100% haciendo una versión perfecta de la canción.

Uno de los momentos especiales llega con Sludge Factory. Previo al primer intento de tocarla Layne hace una referencia a los miembros de Metallica que se encontraban presentes en el show y Mike Inez toca brevemente en su bajo el intro de Enter Sandman. En su bajo tenía un mensaje para la nueva imagen de Hetfield y los suyos (que habían lanzado el controversial Load) que más o menos decía esto:

friends don't let friends

Los amigos no dejan a los amigos que se corten el pelo como los amigos

Si bien en el disco se encuentra editado, Staley cometió un error al olvidar partes de la letra de la canción, frustrado por estos, emite un sentido “Fuck”… pero ahí estaba Jerry Cantrell, que en uno de los momentos más tensos y surrealistas de la noche, lo tranquiliza diciéndole palabras más, palabras menos: “te equivocaste, tranquilo todo está bien vamos a hacerlo de nuevo”.

A continuación vienen tres canciones de su aclamado disco Dirt: Una emotiva Down in a Hole. Otra vez la voz de Staley te cala en los huesos. Al respecto sobre este performance, Mike Inez comentó: “Lo de Layne esa noche fue tan inolvidable. Su voz, sobre todo  en “Down in a Hole”, todavía trae lágrimas a mis ojos. Hubo un par de ocasiones en las que tuve que apartar mis ojos de Layne y recordar ¡Hey, estás trabajando!, no soy un fan y debo concentrarme en tocar mi bajo”.

Sigue “Angry Chair” con ese tándem vocal perfecto de Staley – Cantrell para dar paso a la sublime Rooster, canción que trata de una manera desgarradora lo que vivió el padre de Jerry Cantrell cuando estuvo en la guerra de Vietnam y cuyo apodo en la U.S. Army era precisamente Rooster (Ain’t found a way to kill me yet, eyes burn with stinging sweat, seems every path leads me to nowhere, wife and kids, household pet, army green was no safe bet, The bullets scream to me from somewhere)  y que Alice in Chains te lo hace sentir como si tú fueras quien vivió esa historia… “Oh God please won’t you help me make it through”.

 

Viene “Got me Wrong” para posteriormente interpretar una canción que pedía a gritos en su momento una versión menos eléctrica y que tiene su recompensa acá, me refiero a “Heaven Beside You” que en mi opinión, esta  versión acústica es la definitiva. Se aprecia mejor ese toque de guitarra country al inicio y en los intermedios. Pienso que la del disco en estudio deberíamos considerarle como una versión alternativa. En esta canción se roba el show la performance vocal y musical de Cantrell. Al final de su interpretación la emoción de Staley se evidencia al mencionar que es el mejor concierto que han dado en tres años, a lo que Jerry le corrige: “Layne es el único”.

Suena “Would” que nos traslada a la película de culto de Cameron Crowe: “Singles”, seguida de  una versión más oscura de “Frogs”, canción extraída de en el que ese momento era su último disco en estudio: el homónimo Alice in Chains.

Finalmente  tratan de cerrar su concierto con “Over Now”, se podría decir que con broche de oro. Una canción perfecta, ni tan lenta ni tan triste para que la gente salga tranquila a sus casas. Al final de la misma y  luego de dar las gracias respectivas, alguien por ahí alguien se manda un: “Hey fuck you man”. Lejos de tomárselo a mal como suelen hacerlo otros “rockstars”, Layne responde con un “One More” y Jerry explica que lo que va a sonar a continuación es algo que estuvieron tocando en las pruebas de sonido y que le darán una oportunidad. Luego de una intro vocal en tono country de Staley suena la canción inédita escrita por Cantrell “The Killer Is Me”. Cabe mencionar que es la única versión que se ha escuchado hasta la fecha, no se ha grabado para ningún disco o EP  de estudio, lo que la hace aún más especial.

 

 

en algunos intermedios de las canciones, la improvisación y toma final de una canción inédita con la que cierran el concierto y el que este sea considerada la última presentación oficial de Staley e incluso sea referenciada por muchos fans como su despedida de la banda, hace de este Unplugged uno de los más especiales,  por lo que no puedes dejar de escucharlo y mirarlo en algún momento de la vida. Parte esencial de la historia del rock  de los 90s este Alice In Chains – Unplugged.

Layne Staley, lead singer of Alice In Chains performing on MTV Unplugged in 1996 Photo by Frank Micelotta/Getty Images

Layne Staley, lead singer of Alice In Chains performing on MTV Unplugged in 1996 Photo by Frank Micelotta/Getty Images

Jorge Aguirre
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master of puppets

Discos Imprescindibles: Master of Puppets

Hace 30 años ya, el 3 de marzo de 1986 salió a la venta uno de los discos emblemáticos en la historia del Rock: Master of Puppets con la que sin duda fue el mejor line up de Metallica: Cliff Burton, Lars Ulrich, Kirk Hammet y James Hetfield. Disco que al igual que la temática trágica de sus letras, estaría marcado por la dolorosa e inexplicable muerte del bajista Burton durante la gira de presentación por tierras europeas.

 Producido por Metallica y Flemming Rasmussen, con una portada diseñada Don Brautigan, que al igual que el disco se ha vuelto una portada clásica, este tercer disco de estudio cuenta con un total 8 canciones, cuyas letras fueron compuestas por James Hetfield, aunque se asignan a la composición general de las mismas a varios de los miembros del grupo.

 El disco arranca con Battery, cuya letra trata habla sobre aquellos sentimientos que muchas veces nos transforman a las personas en seres intolerantes y con mucha rabia. Un intro suave para luego dar paso a todo el sonido atronador y veloz del “thrash metal”.

 El disco continúa con la que sin duda puede ser considerada la canción más importante del grupo y sobre todo para aquella vieja legión de seguidores: Master of Puppets. Desde su composición musical compleja, con inicio atronador, para dar paso a un medio tiempo, solo de guitarra y volver nuevamente con toda su energía para rematar el tema. Incluso su complejidad lírica que ha sido sujeta hasta hoy de diversas interpretaciones, nos habla sobre el poder que puede ejercer las drogas sobre las personas. Algo que por cierto vivieron sus propios integrantes.

 Le sigue una The Thing that should not be, que se puede considerar un cuento del genial H.P Lovercraft musicalizado por la banda.

El cuarto corte es sin duda otra de las mejores canciones creadas por la banda Welcome Home (Sanitarium). Con otra temática interesante que habla sobre la locura, está creada e interpretada para llevarte a ese mundo doloroso y depresivo, a través de la voz de Hetfield.

 Disposable Heroes, que como su título lo indica, hace referencia a toda esa carne de cañón que es utilizada en las guerras absurdas con las que nos hemos acostumbrado vivir. Leper Messiah nos enseña sobre el papel de las religiones y sectas y como estas juegan con nuestra fe.

 Orion, el tema instrumental que con el tiempo se convertiría en el himno conmemorativo para recordar a Cliff Burton, quien en esta canción nos demostró una vez más la capacidad interpretativa de su bajo distorsionado al inicio. Luego sobre la mitad, en la que el ritmo decae, introducirnos nuevamente con un sonido limpio e impecable de su instrumento acompañado del solo de guitarra para finalmente volver al ritmo que marca la canción.

 Damage Inc. cierra el disco, la canción más rápida del disco, donde nos vuelven a hablar sobre la violencia y la destrucción.

 Harto conocido fue lo que paso luego del cuarto disco de Metallica And Justice for All y que marco un punto de quiebre en el sonido característico de la banda, The Black Aalbum, pero de eso nos encargamos en otra ocasión.

Canciones recomendadas:

Master of Puppets

Welcome Home (Sanitarium)

Orion

Disposable Heroes

Battery

Damage Inc.

 

Saltate:

Ninguna canción tiene desperdicio o esta de relleno, aunque en algún momento se pueda considerar a este disco un poco lineal, escucharlo de principio a fin no te va a cansar.

Jorge Aguirre
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Discos Imprescindibles: Black Sabbath – Live Evil

Primer disco oficial en vivo de Black Sabbath, que sale al mercado en el año 1982 y que desde mi punto de vista, no ha podido ser igualado por la misma banda en discos posteriores.

Luego de la publicación del disco “Never Say Die” en 1978, Ozzy Osbourne sale de Black Sabbath, por lo que Tony Iommi y el resto de la banda sale en busca de un nuevo vocalista contratando a quien sería con el tiempo una de las voces más emblemáticas del heavy metal y en general del rock n roll: Ronnie James Dio, con quien grabaría dos discos de estudio: “Heaven and Hell” y “The Mob Rules”. Durante la gira de presentación de este último disco, denominada “Mob Rules World Tour 81 -82”, se graba Live Evil

“Live Evil” amalgama e intercala perfectamente estas dos primeras etapas de Black Sabbath: Ozzy/Dio, el disco inicia con el tema instrumental E5150 (del disco Mob Rules) cuyo sonido oscuro da la bienvenida a una de las mejores canciones del disco: Neon Knights (del disco Heaven and Hell) donde ya podemos apreciar el poder de la voz de Dio y la solidez en general de la banda.

 

(video referencial no corresponde al live evil)

 

Sigue a continuación una versión más acelerada de N.I.B. donde destaca la gran performance del bajo de Gezzer Buttler, seguida de “Children of the Sea” y “Voodoo”, canciones ya de la etapa Dio y que muestran a un Black Sabbath con un sonido un tanto diferente a lo que venían haciendo, acercándose más al hard rock. De ahí un tridente de canciones Ozzy-Sabbath: “Black Sabbath”, “War Pigs” y “Iron Man”, para regresar a las canciones Dio-Sabbath: “Heaven and Hell” (donde podemos apreciar los dotes de frontman de Dio con el público, que fue a posterior una de sus características más destacables).

 

En la parte final un midley: “The Sign of the Southern Cross/Heaven and Hell” para cerrar conParanoid” y “Children of the Grave”. Se incluyeFluff” pero son 59 segundos de silencio (o eso fue lo que quedó registrado en mi disco). Las canciones registradas en el disco corresponden a sus presentaciones en Seattle, San Antonio y Dallas.

 

 

Sin duda no se puede negar el legado de Ozzy en los Black Sabbath, pero el performance de Ronnie James Dio en este disco en vivo y en los dos de estudio, supera y por mucho a cualquiera de los discos anteriores con Osbourne (o podría decirse que son dos estilos diferentes que no pueden ser comparados, pero no sé cómo le iría al “Príncipe de las Tinieblas” tratando de interpretar alguna de las canciones del “Elfo del Rock”, Dio). Paradójicamente, la mejor performance de Ronnie James Dio con los Sabbath significó el fin de su etapa en el grupo, actuando por última vez en la gira Mob Rules, el 31 de agosto de 1982 en Illinois.

Mención aparte para la portada del disco, una de las mejores de la historia, con un arte creado por Greg Hildebrandt donde se grafica cada una de las canciones sobre un fondo oscuro y lúgubre que da mucho sentido al título del disco y a los caminos por donde recorren las letras y sonidos de la banda.

live evil 1

 Temas a destacar del disco:

Todo el disco increíble de principio a fin

 Saltate:

Fluff

Jorge Aguirre
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immaculate collection

Immaculate Collection: evolución a lo prohibido

El pasado 9 de noviembre se cumplió las bodas de plata de la primera colección de grandes éxitos de la Reina del Pop: Madonna. Nos tardamos un poco, pero vale la pena recordar este gran disco que recoge lo mejor de los años ochenteros de la súper famosa diva norteamericana.

“Immaculate Collection” recorre la evolución de la señorita Louise Veronica Ciccone desde que inicia su carrera hasta el año 1990 que es en el que se publica. Básicamente recoge los sencillos exitosos de sus 4 primeras placas de larga duración: “Madonna”, “Like A Virgin”, “True Blue” y “Like A Prayer”, además de sencillos producto de bandas sonoras de películas donde colaboró Miss “Blonde Ambition” y los temas nuevos que fueron “Justify My Love” y “Rescue Me”.

De su álbum homónimo, se extrajo los sencillos: “Holiday”, “Lucky Star” y “Borderline”, siendo estos, de una línea pop bastante dulzona aunque relativamente pionera para la época (1983), encontraremos un parecido a este tipo de temas más adelante en la década con estrellas adolescente como Debbie Gibson o Tifanny o su “competencia” australiana: Kylie Minogue. Tanto en letras como imagen, Madonna todavía era relativamente inofensiva y aunque su disco debut recibió buenas críticas, digamos que es el menos logrado de todos.

Madonna photographed in New York City, 1984.  ** HIGHER RATES APPLY **  © Michael Putland / Retna Ltd.

Madonna photographed in New York City, 1984. ** HIGHER RATES APPLY ** © Michael Putland / Retna Ltd.

Para 1984, Madonna comienza a decididamente apuntar al lado de la polémica con su álbum “Like A Virgin”, de dónde se extraen los sencillos: “Like A Virgin”, “Material Girl” y “Into The Groove”. Este es el momento en que Madonna se presenta como una mujer ambiciosa, “armas tomar” y que no se pone colorada al abordar el tema del sexo. Su escandalosa presentación en los MTV Video Music Awards la catapultó definitivamente al mega estrellato internacional. Una decisión arriesgada y exitosa como tantas que tomaría la “Reina del Pop”.

En 1986 se publicó “True Blue”, marcando una gran evolución en la calidad de las composiciones y en la potencia de la voz de Madonna. “Papa Don’t Preach” habló con frontalidad sobre el embarazo adolescente, “Open Your Heart” sobre el amor libre y así. A demás de la temática, está el uso de secciones de cuerdas en “Papa Don’t Preach” y la incursión en ritmos latinos de “La Isla Bonita”, aparte de los clásicos sintetizadores y bateráis programadas de un típico álbum de dance pop. Los temas anteriormente citados más “Live To Tell” fueron el aporte del tercer disco larga duración de la norteamericana al “Immaculate Collection”. En cuanto a su look, plegó al onda “andrógina ochentera”, con un cabello más corto y un cuerpo más atlético.

Madonna 1987

 “Like A Prayer” es publicado en 1989 y junto al sencillo homónimo llega otra polémica pues, el tema con el que Madonna le hacía falta meterse era la religión. Gracias al auge del videoclip en la década de los ochenta, vemos a la señorita Ciccone seduciendo santos, caída y limpia. Ella a esas alturas sabía perfectamente que mientras más daba que hablar, más la iban a ver, comprar sus discos y asistir a sus recitales. “Express Yourself” hablaba de poder femenino y junto a “Cherish”, son la cuota de su último ochentero para este disco de grandes éxitos. Es uno de los discos mejor valorados por la crítica, tal vez junto al noventero “Ray Of Light”. Acá ya vemos a una artista completa, segura de sí misma, con impecables producciones, vestuarios y coreografías, así como mucha madurez en su voz.

Madonna 1989

El disco se completa con temas de bandas sonoras como “Crazy For You” y “Vogue”. El sencillo promocional del “Immaculate Collection” que fue “Justify My Love”, trajo consigo un videoclip de alto contenido erótico, que tuvo serias restricciones para ser radiado. Cerró entonces, Madonna los ochenta con broche de oro, dispuesta a pavonearse con su bien merecido título de “La Reina del Pop”. De ahí hasta nuestros días, tendría al público siempre a la expectativa con polémicas, reinvenciones y toda su avasallante personalidad.

Madonna – Immaculate Collection – Sire – 1990

1. Holiday 4:06
2. Lucky Star 3:37
3. Borderline 4:00
4. Like a Virgin 3:12
5. Material Girl 3:53
6. Crazy for You 3:45
7. Into the Groove 4:10
8. Live to Tell 5:19
9. Papa Don’t Preach 4:11
10. Open Your Heart 3:51
11. La Isla Bonita 3:48
12. Like a Prayer 5:52
13. Express Yourself 4:04
14. Cherish 3:52
15. Vogue 5:19
16. Justify My Love 5:01
17. Rescue Me
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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U2 llamando al número de Dios

“Llámame y te responderé, y te anunciaré cosas grandes y ocultas que tu ignoras”. Así dice Jeremías 33-3 en la Biblia y es un detalle que pocos advierten en el lado izquierdo de la portada de “All That You Can’t Leave Behind”, disco que este 30 de octubre cumple 15 años de haber sido publicado y con el cual, U2 entró al Siglo XXI.

Desde dicha portada, se advierte la intención artística del disco cuando se ve a la banda con maletas en un aeropuerto. La idea es un viaje, la idea es tratar de dejarlo todo y emprender ua nueva aventura, un nuevo viaje, pero como dice “Walk On”: “el amor es lo único que no puedes dejar atrás”. Es así como se gesta el famoso símbolo de la maleta con el corazón adentro, característico de este disco y de la gira de promoción que lo siguió.

El disco fue trabajado entre el sur de Francia y Dublín y da un giro completo a la propuesta experimental y alternativa de U2 en los años 90. Con la vuelta a los estudios de sus productores “conocidos”: Brian Eno y Daniel Lanois, se aseguraron del éxito comercial que les fue algo esquivo en la etapa de “Pop”. En los tiempos en los que el archivo mp3 y las descargas gratuitas de música digital comenzaban a tomar una inesperada fuerza, “Leve Behind” fue el último gran éxito comercial de U2 con casi 12 millones de copias vendidas.

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U2 trató de alejarse de la pista de baile, de retomar ciertos sonidos, por ejemplo, el guitarrista The Edge volvió a utilizar una Gibson Explorer, sin embargo, era ya imposible dejar ciertos arreglos con sintetizadores y máquinas y que la influencia de Eno se note, pero siempre el protagonismo fue de sus 4 integrantes clásicos, en los que se vio un notable crecimiento de Larry Mullen como baterista, fruto de sus estudios iniciados en los 90. La portada y fotografía del booklet como ya era costumbre, estuvo a cargo del fotógrafo holandés Anton Corbijn, todo desarrollado en el aeropuerto de París

La presentación de “All That You Can’t Leave Behind” arrancó con el exitoso sencillo “Beautiful Day”, con el cual, U2 anunció su ruptura con su estridente y tumultuoso sonido de los 90. Se trataba de un disco trabajado por personas en sus 40 años, con una vida realizada, familias y millones de admiradores y de dólares. ¿A qué más le van a cantar? Pues a esa misma crisis de media edad, a los amigos, a las causas justas, etc.

“Beautiful Day” habla sobre la esperanza, sobre la dicha y expectativa de comenzar algo, como siempre, la dinámica de los irlandeses es arrancar con calma. El tema empieza con suaves teclados como despertando de un profundo sueño, rumbo a un nuevo desafío que arranca con un viaje, para terminar con mucha euforia y guitarras a todo volumen. “Beautiful Day” está repleta de optimismo con frases como “the sky fall and you feel like’s a beautiful day” o “what you don’t have you don’t need it now”. El videoclip, dirigido por el sueco Jonas Akerlund, es un referente de inicios de siglo XXI. Rodado en el Aeropuerto Charles de Gaulle de París, ilustra esa inmensa emoción que a cualquiera le da el estar por abordar hacia un nuevo destino.

El siguiente sencillo de “Leave Behind” fue: “Stuck In A Moment You Can’t Get Out”. El tema que llegó demasiado tarde quizás. Es sabido que Bono se lo dedica a Michael Hutchence, de quien era amigo y había cometido suicidio 3 años antes. En el mismo, busca imaginariamente hacerlo reflexionar y evitar que cometa la fatal decisión el desaparecido líder de INXS. Una balada dulzona que en verdad, tiene bastante de dolor e impotencia, pues finalmente no salvó a quien debía. Aunque pueda que haya salvado a muchos otros anónimos.

“Walk On” revela la intención artística del disco con su frase “love is all that you can’t leave behind”. A nivel de estructura del tema, es lo más parecido de este disco al U2 de los 80 con las típicas armonías agudas de “The Edge” en la guitarra. El tema es dedicado a Aung San Suu Kyi, activista política y opositora a la dictadura de Birmania, quien se mantenía con arresto domiciliar cuando se publicó el disco. Elevation fue al tema pegajoso o gancho del disco, con guitarras distorsionadas y banda de la película basada en el video juego “Tomb Raider”. Ideal para hacer saltar en los recitales en los que es casi infaltable desde aquellos tiempos.

U2 desde los años 80 se involucró en temas de defensa de causas justas y preocupación por los problemas mundiales y ciertamente, este sería el último tema en el que hablen explícitamente al respecto con temas como “Peace On Earth” o “When I Look At The World”, que obraron fuerza luego de los atentados del 11 de septiembre de 2001. Para ese entonces, Bono promovía la campaña de “Jubileo 2000” que, asumiendo los significados de la celebración de la Iglesia Católica, conminaba al perdón de las deudas de los países más empobrecidos. De nuevo, en el disco aparecían direcciones e indicaciones para unirse a organizaciones como “Greepeace” o “Amnistía Internacional”.

Temas melosos y cursis, pero efectivos como “In a Little While” o “Wild Honey”, también mucho más sentidos e introspectivos como “Kite” o “Grace”. Leave Behind mostró a un U2 agotado de experimentar y con más ganas de disfrutar de lo cosechado, pero también, de asegurar las ganancias. A partir de los 2000, siempre escuchamos discos sólidos, mas sin aventura por parte de los irlandeses.

No solo las ventas los favorecieron, en este período, U2 consiguió más premios Grammy que nunca. Siete con los que pudieron duplicar la cosecha que les había costado conseguir en más de 20 años de carrera. Posteriormente, el “Elevation Tour” reportó ganancias multimillonarias, para compensar la decepción comercial que fue “Popmart”. Fueron un notable suceso, batallando a brazo partido por la preferencia del público, en tiempos en que gobernaban las “boy bands” y el pop adolescente.

A partir de los 40 años cumplidos por sus integrantes, U2 jugó a asegurar el balón con buenas canciones orientadas al éxito en taquillas, siempre, buscando nuevo público que sumado al que viene arrastrando con una dilatada y exitosa carrera, hace que sus shows en vivo, la única forma de hacer buen billete como músico hoy por hoy, sean sumamente codiciados alrededor del planeta. Los chicos aprendieron en el Siglo XX buenas lecciones de negocios y desde All That You Can’t Leave Behind, supieron multiplicar los beneficios. Llamaron a Dios y al parecer, les respondió.

U2 – All That You Can’t Leave Behind – Universal – 2000

leavebehind

1. “Beautiful Day” 4:06
2. “Stuck in a Moment You Can’t Get Out Of” 4:32
3. “Elevation” 3:45
4. “Walk On” 4:55
5. “Kite” 4:23
6. “In a Little While” 3:39
7. “Wild Honey” 3:47
8. “Peace on Earth” 4:46
9. “When I Look at the World” 4:15
10. “New York” 5:28
11. “Grace” 5:31
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