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Del Infortunio a la Gloria

Era el año de 1979 y AC/DC, banda formada por escoceses en Australia, empezaba a tener un reconocible éxito tras la publicación de “Highway To Hell”, una oda al frenético estilo de vida del rock and roll con continuo desplazamiento y aparente fiesta eterna. Poco después, aquel disco y sobretodo, su canción homónima parecían ser el preludio del fatal desenlace del vocalista, Bon Scott, quien falleció por intoxicación etílica a principios de 1980.

 

bon scott

 

La desaparición de la carismática figura de Scott sin duda afectó a la banda, que bien pudo desaparecer, lo cual afortunadamente no sucedió entre otras cosas, en ánimos de preservar la memoria de Scott mismo. La sucesión al frente de los AC/DC cayó en los hombros de Brian Johnson, cantante inglés del que el propio Bon había dado las mejores referencias. Para Abril, Johnson ya estaba en la banda, para mayo iban finalizando las sesiones de composición de un nuevo álbum en las Bahamas y el 25 de julio de 1980 salía a la luz “Back in Black”.

El séptimo álbum de estudio de los “anglo – australianos” sería su puerta de entrada al mega estrellato. De la mano mágica del “productor del éxitos”, Mutt Lange, AC/DC logró un sonido supremamente energético con el poder combinado de las guitarras de los hermanos Angus y Malcolm Young, un dinamismo que se podría bien sospechar que se extrajo del punk y el suficiente criterio para coquetear con el pop comercial, pues prácticamente no quedó persona sobre la tierra sin bailar al ritmo de uno de los mejores discos de rock and roll de la historia.

El álbum sin embargo arranca los más tétrico posible. El sonido de una gigantesca campana de bronce anuncia cierta pompa fúnebre. “Hells Bells” bien puede ser lo más “heavy metal” del disco con un tempo más bien lento, tal como el heavy de la época. No pudo haber tenido una mejor fecha de lanzamiento como sencillo que un 31 de octubre. El tema es muy reconocido por ser usado en eventos deportivos, como la clásica entrada al campo de juego del club de fútbol alemán St. Pauli, así como en eventos por ejemplo de la Major League Baseball.

“Back in Black” continúa con un hoy por hoy tradicional himno de estadio. “Shoot to Thrill” es prácticamente indispensable en los set list de los monstruosos conciertos que ofrece la banda. Con el sello característico de ese bajo punzante, perfecto y cuasi mecánico de Cliff Williams, quien sumado a la energética batería de Phil Rudd logran rítmicamente sostener al frenetismo de este clásico, así como de los siguientes temas en el orden del disco: “What Do You Do for Money Honey” y “Givin the Dog a Bone”, temas que hasta podrían rayar en una connotación sexista, pero que bien pueden dibujar una cruda realidad de supervivencia.

Con “Let Me Put My Love Into You”, AC/DC da un respiro al disco con un hard rock que coqueteaba con los años 1970s recientemente clausurados, para dar paso a los mega hits del disco y tal vez, de la historia del grupo. El tema homónimo del álbum, “Back in Black” y “You Shook Me All Night Long” tienen los riffs de guitarras tal vez más conocidos del mundo e infaltables en una celebración rockera, pues no solo son rudos y afilados, sino que a la vez bailables. Con solos inmaculados y un ritmo implacable, obviamente los Young se lucen y dejan una huella indeleble en la historia. Que decir de Brian Johnson con registros vocales impresionantes, nada mal para su debut y de hecho, deja su marca característica que no solo tendría que ver con el aspecto musical, sino incluso en la puesta en escena con su clásica cachucha que sería tan icónica como el traje de colegial de Angus Young.

Con los temas finales del álbum, AC/DC hace un rock más tradicional. “Have a Drink On Me” es muy heavy metal, “Shake a Leg” suena mucho al rock de estadio característico de los 70 y 80, mientras que el cierre con “Rock and Roll Ain’t Noise Pollution” tiene mucho de raíces blues. Un buen remate para un disco que en general va a buena velocidad.

Siempre de “Back in Black” se habla no únicamente de su legado como una piedra angular del sonido hard rock de lo que en ese entonces era la naciente década de los 1980s, sino su suceso mediático y comercial. Siempre catalogado como “el segundo álbum más vendido de todos los tiempos”, oficialmente se le cuenta 29.4 millones de copias vendidas, aunque se habla de más de 50 millones, lo cierto es que solo en Estados Unidos certificó disco de platino en 25 ocasiones, logro recién alcanzado el 2019, lo que habla de una pieza musical que simplemente no pasa de moda.

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AC/DC tuvo su definitivo golpe comercial con “Back in Black” sobreponiéndose a lo que se supondría sería su fin, pero más bien sería el comienzo de una leyenda.

 

Back In Black – 1980 – Atlantic

back in black

  • Hells Bells
  • Shoot to Thrill
  • What Do You Do for Money
  • Given the Dog a Bone
  • Let Me Put My Love into You
  • Back in Black
  • You Shook Me All Night Long
  • Have a Drink on Me
  • Shake a Leg
  • Rock and Roll Ain’t Noise Pollution
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Un Grito Furioso de Mujer

A mediados de la década de los noventa, mientras el grunge iba perdiendo su dominio en las carteleras y radios, lo que “no pasaba de moda” era el descontento, fue entonces cuando una voz admirable se dio a conocer en el mundo entero con una fuerza demoledora no solo por el talento natural, sino también, desde el punto de vista comercial.

 “Jagged Little Pill” vio la luz en la audiencia el 13 de junio de 1995, siendo el tercer disco publicado por la cantante y actriz canadiense Alanis Morissette, aunque fue el primero en darse a conocer internacionalmente con un éxito sorprendente. A la extraordinaria performance de Morissette, se sumó la participación en la escritura y producción del estadounidense Glen Ballard, involucrado en varios éxitos de consagrados artistas pop como Michael Jackson o Paula Abdul. El proceso de producción duró más de un año entre sesiones de demo, producción post – producción, con los mejores resultados posibles.

En el verano de 1995, Alanis con la canción “You Oughta Know” hace su presentación al mundo con lo que se interpreta como una furiosa descarga contra un ex novio, la cual apunta hacia el actor Dave Coulier (famoso por ser Joey Gladstone en el sitcom “Full House”), con quien Alanis sostuvo una relación antes de grabar el disco. Coulier no ha sido claro en admitir ser el sujeto de este temazo o no, pero lo importante es lo musical. Para imprimir la fuerza necesaria a esta metralla de sensaciones, Ballard reclutó a Dave Navarro (Jane’s Addicition y Red Hot Chili Peppers) para la guitarra y Flea (RCHP) para el bajo con resultados sensacionales.

Morissette no se guardó nada para la ejecución de la canción en incluso sus letras explícitas como How quickly I was replaced And are you thinking of me when you fuck her?” fueron objeto de censura en medios donde se promocionó el tema. Obviamente la crudeza con la que fue tratado este supuesto desengaño amoroso concitó la atención de millones de jóvenes decepcionados, especialmente jovencitas. Fue la despedida de la canadiense del “pop de algodón de azúcar” interpretado con anterioridad, situación incluso parodiada en el sitcom “How I Met Your Mother”, en su recordado capítulo “P.S. I Love You”.

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Con el impacto que significó “You Oughta Know”, el álbum se disparó en emisiones y ventas. Fue momento para promocionar el siguiente sencillo. “Hand In My Pocket” empezó a rotar en el otoño boreal de 1995. Un tema más lento, pero a la vez muy poderoso llenó de poesía e inteligencia que indudablemente transite con autenticidad su propia situación.

 

I’m broke but I’m happy, I’m poor but I’m kind
I’m short but I’m healthy, yeah
I’m high but I’m grounded, I’m sane but I’m overwhelmed
I’m lost but I’m hopeful, baby
What it all comes down to
Is that everything’s gonna be fine, fine, fine
‘Cause I’ve got one hand in my pocket
And the other one is giving a high five

 

La sobresaturación de efectos de una guitarra hipnótica y la armónica de Alanis son un complemento perfecto entre lo clásico y el sonido noventero en ese entonces vanguardista. El productor Ballard manifestó haberse gratamente sorprendido del brillo de Morissette.

Desde febrero de 1996 se promocionó otro espectacular hit del álbum. “Ironic” tiene una divertida letra en la que Alanis expresa los momentos contradictorios y tal vez desilusionantes de la vida. Hoy por hoy es una icónica balada noventera que al más puro estilo de sus tiempos conjuga perfectamente los tempos lentos para dar pasó a la tensión, utilizando guitarras acústicas y órganos en juego con las distorsiones. Su videoclip es también uno de los más recordados de su tiempo en el cual, gracias ala magia de la edición, el espectador puede disfrutar de 4 estados de ánimo de Alanis Morissette en uno mientras está en el viaje de su vida (la metáfora de la conducción del auto).

Recientemente el videoclip fue editado en 4K.

Ya era verano boreal de 1996 y “Jagged Little Pill” había sido tremendo suceso alrededor del mundo. Entonces se promocionó el sencillo “You Learn” que con baterías programadas y una suave guitarra con efectos tipo fuzz y un beat más bien lento marcó una forma de hacer pop – rock para finales del siglo XX, así como el siguiente sencillo que fue “Head Over Feet”, donde también se destaca a Morissette en la ejecución de la armónica.

“Jagged Little Pill” arranca con el que fue su último sencillo promocional que fue “All I Really Want”. Una descarga de guitarras mitad funk y mitad grunge, más su armónica y una consistente batería programada que hoy se reconoce como una típica estructura de música noventera. Temas como: “Perfect”, “Mary Jane” o “Not The Doctor” destacan por su tratamiento mayormente de guitarras acústicas, mientras la dinámica muy de la época entre momentos calmados e intensos se aprecia en “Forgiven”, “Right Through You” o “Wake Up”. El sonido de la época queda mayormente expresado en casi todos sus matices en esta maravillosa obra de arte.

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“Jagged Little Pill obtuvo varios reconocimientos del mercado y la academia. Certificando múltiples discos de platino en América, Europa y Asia, el disco ha vendido más de 30 millones de copias y contando, lo que lo coloca como uno de los álbumes más exitosos de los años 90 y de la historia. En 1996 ganó el álbum del año y el mejor álbum de rock en los premios Grammy, mientras que “You Oughta Know” ganó mejor performance de rock femenina y mejor canción de rock.

“Jagged Little Pill” marcó el camino para la producción del pop y rock femenino por lo menos para los siguientes 20 años. Varias de las más famosas artistas del momento reconocen su influencia y legado.

 

Jagged Little Pill – Reprise – 1995

 

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  1. All I Really Want
  2. You Oughta Know
  3. Perfect
  4. Hand in My Pocket
  5. Right Through You
  6. Forgiven
  7. You Learn
  8. Head over Feet
  9. Mary jane
  10. Ironic
  11. Not the Doctor
  12. Wake Up
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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La Cima del Sonido Sintético

Este 19 de marzo se cumplieron 30 años desde la aparición de “Violator”, disco que se podría catalogar como el trabajo más exitoso de la banda inglesa Depeche Mode. Sin duda fue la cima de una carrera que si bien es resplandeciente, difícilmente alcanzó el reconocimiento de aquellos días.

Se iban acabando los años 80, época en que los oriundos de Basildon fueron ganando fama y fortuna. La cima de esta frenética carrera fue documentada en “101” para audio y video, cuando una insólita marea de personas abarrotó el Rose Bowl de Pasadena para romper los mitos de un estilo musical al que supuestamente el público norteamericano era hostil. De todas formas, la conquista del otro lado del charco a Depeche Mode le costó sudor y lágrimas.

Pero el público norteamericano así como es exigente es sumamente grato y este puñado de ingleses supo acomodar el mercadeo con la inspiración artística, dando como fusión perfecta la canción tal vez más difundida y exitosa de su hoy por hoy extenso catálogo. Hablamos de “Personal Jesus”. El primer sencillo que fue publicado de hecho a finales de la década de los 80.

 

Se trataba de una canción algo extraña para el común material de la banda, pues su instrumento principal de hecho es una guitarra, cuando habían acostumbrado a sus seguidores durante años a la sinfonía de sintetizadores y cajas de ritmo. Una guitarra puntual, punzante, obsesiva y tal vez con mucho de tradición norteamericana en su ritmo y notas. Tal es el guiño hacia el gran público del país del norte que el videoclip promocional recrea descaradamente al viejo oeste. Esto sumado al perfecto compás de máquina inglesa dieron como resultado uno de los grandes clásicos del rock.

El segundo sencillo tiene un poco más de los juguetes electrónicos con los que habían hecho tanta magia en los 80, sin embargo, en “Enjoy The Silence” también hay una guitarra muy oportuna que le da ese ambiente de fiesta pero también introspección y debate filosófico que encierra un impresionante contenido lírico en el que básicamente habla del poder y a la vez la banalidad de la palabra. Al igual que “Personal Jesus”, “Enjoy The Silence” es otra genialidad del director y fotógrafo holandés Anton Corbijn, mente maestra de buena parte de la puesta en escena visual de Depeche Mode a lo largo de los años. La eterna búsqueda y la comodidad de la soledad hasta cierto punto.

 

En este punto habrá que destacar la solidez que como compositor había alcanzado Martin Gore, quien supo añadir nuevos instrumentos y posibilidades al sonido de la banda, además de optar por bajarle al tempo para entrar con gloria a la nueva década. David Gahan había alcanzado el mejor estado de su voz de barítono para otorgar energía y solemnidad a las canciones.

Ya en la primavera boreal de 1990 se publicó el siguiente promocional, “Policy Of Truth” en el cual la inmensa recursividad tecnológica los hace capaces de dominar un universo impresionante de sonidos sintetizados con las armonías a cargo de Alan Wilder más su fino olfato con la programación y beats y el ritmo acertado de Andrew Fletcher en los bajos sintetizados, con otra canción que hablaba de ética y el amargo mundo de los adultos, tal como lo hacían en varias ocasiones en los ochentas aunque esta vez con un sonido evidentemente más rico y maduro.

El último sencillo promocional y a la vez tema de apertura del álbum es “World In My Eyes” que un poco es el nexo entre el Depeche Mode ochentero y noventero al predominar aquel característico bajo sintetizado un poco remanente de “Music For The Masses”, su LP anterior, e integrarlo a un universo más complejo de sonidos programados. Otro tema que sigue por esa misma onda es “Halo”, que también digamos está entre las canciones más divertidas de este mas bien introspectivo disco.

“Violator” de hecho está lleno de momentos taciturnos como la muy oscura “Sweetest Perfection”, cantada por Martin Gore al igual que la algo claustrofóbica “Waiting For The Night”, “Blue Dress” que preparaba el camino para el sonido más bien alternativo de los años 90 y el cierre maestro con “Clean”, un tema que transpira redención y sería un símbolo más adelante para David Gahan y su batalla contra la drogas.

Depeche Mode1990

“Violator” llegó justo a tiempo, en momentos en que todo era sumamente cambiante, desde la política hasta el arte. Su gira el, “World Violation Tour”, tuvo un multitudinario éxito e incluso generó caos y problemas de manejos de masas y orden público en algunos puntos de la misma.

Se calcula que “Violator” vendió más de 13 millones de copias y fue disco número uno en las listas de países como: España, Grecia, Francia y Bélgica. En Su Reino Unido natal fue número 2 y la mejor posición en el Billboard 200 fue séptima.

Violator – Sire – 1990

dm violator

  • World In My Eyes
  • Sweetest Perfection
  • Personal Jesus
  • Halo
  • Waiting For The Night
  • Enjoy The Silence
  • Policy Of Truth
  • Blue Dress
  • Clean
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Discos Imprescindibles: Led Zeppelin II

Hace 50 años salió al mercado el segundo y definitivo disco de Led Zeppelin: “Led Zeppelin II”. Considerado como uno de los discos más influyentes en la historia del rock, siendo su sonido catalogado por los críticos musicales como una de las producciones que sentaría las bases del hard rock y el heavy metal a pesar que mantiene las bases del blues. Se pueden apreciar las progresiones de guitarra de Page hacia sonidos más duros y experimentales.

Las grabaciones iniciaron en abril de 1969 y terminaron en octubre del mismo año, fue producido por su guitarrista Jimmy Page e introducido al mercado por Atlantic Records. Las canciones fueron concebidas durante su gira por Europa y Norteamérica, en condiciones muy particulares según lo cuenta Robert Plant: “fue realmente una locura. Estábamos escribiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York”.

La carátula del álbum está inspirada y toma una vieja fotografía de la Undécima División Jasta de la Fuerza Aérea Alemana durante la Primera Guerra Mundial, el “Circo Aéreo” conducido por Manfred von Richthofen, el Barón Rojo, introduciendo en la misma las caras de los integrantes de la banda.

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El repertorio del disco inicia con la apoteósica “Whole Lotta Love”, quizá la segunda canción más conocida de la banda luego de Starway to Heaven. Generó controversia por estar basada en la canción “you need love” de Muddy Waters. Uno de los riffs más repetitivos y más reconocibles de Page, conforme avanza la canción se viene una mezcla de batería, gritos de Plant y el uso del “theremín” que le dieron una mezcla única a la canción que remata con un ingreso ruidoso de la batería de Bonham la guitarra de Page para terminar con una interpretación digamos “orgásmica” de Plant sobre la final de esta dura canción de amor.

What is and what should never be” es el Segundo corte con un ambiente de psicodelia por la manera como fueron grabadas las voces de Plant y donde destaca el bajo del gran John Paul Jones acompañado de un solo de Page con gran uso del slide durante el mismo. La letra similar al primer corte trata de una historia de amor escrita por Plant y que habla de una supuesta relación que tuvo este con la hermana menor de su esposa.

En The Lemon Song el blues se hace presente, pero con la marca de la banda (musical y líricamente), con una interpretación descomunal del bajo de Jones quien en alguna entrevista dijo que no siguió ningún patrón o acordes previamente escrito, sino que fue improvisado.

Thank You talvez el tema más íntimo del disco (y uno de sus temas más versionados por artistas como Duran-Duran, Tori Amos o Chris Cornell), una balada escrita por Plant. Destaca su hermosa letra y el sonido del órgano tocado por Jones: “If the sun refused to shine, I would still be loving you, when mountains crumble to the sea, there will still be you and me”.

Heartbreaker: Otros de los temas mas reconocibles de la banda, el sonido del riff de la guitarra de Page acompañada de la base rítmica de Bonham y Jones se acoplan perfectamente mientras la voz de Plant se va uniendo de a poco, sobre la mitad de la canción, similar a lo que pase con Whole Lotta Love, se hace un quiebre para iniciar un solo de espectacular de Plant que culmina con la irrupción del bajo y la batería de la banda para arrancar un nuevo solo, nueva pausa y la voz de Plant para cerrar la que en mi opinión es la mejor canción de disco.

Living loving maid (She’s Just a Woman), nos cuenta la historia de una “groupie” que acechó a la banda. Tal vez el tema que menos se destaque de todo el disco (nunca fue tocada en vivo por que no fue del gusto de Page).

Ramble On Co escrita por Page y Plant nos sumerge en el mundo fantástico de J. R. R. Tolkien: “When magic filled the air, ‘T was in the darkest depths of Mordor, I met a girl so fair,but Gollu”m, and the evil one crept up and slipped away with her, her, her, yeah, Ain’t nothing I can do, no”. La canción muestra nuevamente el gran ensamble entre Bonham (quien toca durante varias partes de la canción un tacho de basura) con Bohamn quienes van llevando el ritmo de la canción.

Moby Dick: O el momento de John Bonham. Al inicio de la misma es acompañado de la guitarra de Page que lanza varios riffs hasta que desaparece sobre el minuto 1:03 para dejar que el mítico baterista haga el resto (con versiones en vivo más largas y complejas). Canción obligada para quienes se están iniciando o gustan de la batería.

El disco cierra con Bring It On Home, canción adaptada de Willie Dixon, la misma que inicia con la introducción más blusera del disco, el bajo de Jones se une a la armónica y versos de Plant durante los primeros minutos de misma (lo que fue una homenaje a Sonny Williamson quien la interpretó en 1966), para dar paso a la guitarra de Page, la batería de Boham y el acople final de la banda, sobre el final de la misma se cierra de la misma manera con un sonido básico de blues.

Te dejo la versión de Williamson.

Disco imprescindible en la historia de la música, que debe ser cabecera de cualquier melómano.

Led Zeppelin II – Atlantic – 1969

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Whole Lotta Love
What Is and What Shuld Never Be
The Lemon Song
Thank You
Heartbreaker
Living Loving Maid (She’s Just a Woman)
Ramble On
Moby Dick
Bring It On Home

Jorge Aguirre
Quito
Since 1980
Hablamos de fútbol, finanzas, música y cine.
La Loma Grande
Rock N´Roll, Futbol, Café y Chocolate
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De Vuelta a la Senda Legendaria

Uno de los discos que dieron lustre al cierre del siglo pasado cumplió 20 años de existencia el 8 de junio de 1999. Californication significó un reinicio hacía un camino que ya lucía próspero pero tal vez, tuvo un bache hacia mediados de los noventa entre los problemas de alineación en los Red Hot Chili Peppers.

“Californication” marcó principalmente el retorno a la banda del guitarrista John Frusciante, quien ha sido el músico que más tiempo ha estado a cargo de este instrumento en el ensamble californiano, tras 6 años de ausencia. Con Frusciante volvió el funk y la melodía dejando atrás el experimento un poco más denso de Dave Navarro ocupándose de la viola.

“Californication” es un extenso álbum de 15 temas grabado desde finales de 1998, tras cristalizarse los jams entre Frusciante y Flea. El primer sencillo con el que este álbum haría su presentación salió al público en mayo de 1999. “Scar Tissue” como es recurrente en el grupo californiano, habla de las complicaciones de la adicción a las drogas. Los cálidos y a la vez melancólicos riffs de guitarra de Frusciante, a la vez de los intensos solos son el hilo conductor de la canción. Tal como se lo aprecia en el videoclip junto a sus compañeros de banda, los cuales aparecen con lastimaduras. Tal vez símbolo de un doloroso camino y reunión.

With the birds I’ll Share This Lonely Viewin’…

 El disco abre con “Around The World” y una reconocible marca de los Chili Peppers que es el impecable e hipnotizante trabajo de Flea en el bajo. Su interacción con un estilo casi “rapeado” en el canto de Anthony Kiedis se hacen algo similares a lo que sucedía en el exitoso álbum predecesor “Blood Sugar, Sex Magik”, último disco en el que había estado presente Frusciante. Este tema apareció como sencillo ya en el otoño boreal de 1999 e iba también reclutando a fanáticos “vieja escuela” del grupo.

Había llegado el nuevo milenio y los logros positivos en cuanto a críticas y ventas de “Californication”. En enero de 2000 se lanza el tercer sencillo de la banda que se fue convirtiendo en uno de sus clásicos. “Otherside” es un emocionante viaje en el que la intercalación entre momentos relajados y acelerados en la interpretación suena muy noventera y a la vez muy energética. La letra más o menos es una lucha interna y melancólica sobre lo difícil que puede ser dejar atrás ciertos aspectos (¿adicciones tal vez?) de la vida o dolorosamente mantenerlos. Absolutamente todos se lucen, un tono entre agresivo y arrullador de Kiedis, la sutil guitarra de Frusciante, el constante camino marcado del bajo de Flea y la batería sobretodo usando mucho los redobles, con los que Chad Smith logra más suspenso.

En mayo del 2000 se presentó como sencillo el tema homónimo de la banda. “Californication” describe con crudeza el acelerado y oscuro mundo de Hollywood y la fama. La venta de un sueño de vida que ha terminado siendo pesadilla tanto para famosos como para quienes no han llegado a hacerlo. La deformación del mismísimo sueño americano. La canción tiene justamente un ritmo taciturno, casi onírico entre la técnica de redobles de Smith y desgarradores solos de guitarra. Su riff que acompaña a las estrofas tiene un diálogo decididamente sabroso entre guitarra y bajo. Verdaderamente una cima creativa.

En este tema es un punto aparte hablar de su videoclip. Aprovechando el auge de los 64 bits en los videojuegos, la banda se presenta dentro de uno en el cual atraviesan por psicodélicas aventuras en una California que está camino a la destrucción. A su tiempo fue un guiño futurista.

 

It’s understood that Hollywood sells Californication

 

El último sencillo que se publicó en la promoción de este muy exitoso álbum fue “Road Trippin’”, en el que se utilizó mayormente instrumentos acústicos, aunque la cinematica “Parallel Universe” tuvo difusión en radios una vez alcanzado el 2001.

Californication fue un guiño a lo que iba a pasar con el sonido de los Chili Peppers en el Siglo XXI, esto se puede advertir en temas como “Savior”, “I Like Dirt” o “Easily”, que son temas más melódicos y con progresiones más complejas, más también hubo guiños de su sonido paso e incluso ochentero como “Get On Top” o “Purple Stain” donde aún la guitarra funk y el fraseo rápido de Kiedis son elementos característicos. Constituye la bisagra definitiva en la que pasaron del rock alternativo al mainstream.

En cuanto a galardones, “Californication” ha sido el álbum más exitoso comercialmente de la banda, con más de 15 millones de copias vendidas alrededor del mundo, habiendo certificado 6 discos de platino en Estados Unidos y 4 en Europa. En las lista de 200 de Billboard llegó a la tercera posición y alcanzó el 1 en lugares como Australia, Nueva Zelandia, Suecia o Finlandia. Además, “Scar Tissue” ganó el Grammy a Mejor canción de rock en el año 2000.

Red Hot Chili Peppers backstage during The 2000 My VH1 Music Awards at Shrine Auditorium in Los Angeles, California, United States. (Photo by KMazur/WireImage)

Red Hot Chili Peppers backstage during The 2000 My VH1 Music Awards at Shrine Auditorium in Los Angeles, California, United States. (Photo by KMazur/WireImage)

Este fue una de las grandes anclas a las que se aferró el rock, en momentos donde el pop adolescente gobernaba las carteleras y un impulso definitivo a una banda californiana que ha pasado duros momentos y sin dudo su talento e inspiración merecieron los días mejores de los que hasta el momento goza.

Californication – 1999 – Warner Bros.

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1. Around The WOrld
2. Parallel Universe
3. Scar Tissue
4. Otherside
5. Get on Top
6. Californication
7. Easily
8. Porcelain
9. Emit Emmus
10. I Like Dirt
11. This Velvet Glove
12. Savior
13. Purple Stain
14. Right on Time
15. Road Trippin

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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La Apuesta Hacia la Oscuridad

A su tiempo fue descrito como un “suicidio comercial”, pero también es considerado el disco que selló el amor incondicional de la fanaticada de The Cure hacia la banda inglesa. “Disintegration” cumplió 30 años de haber sido publicado el pasado 2 de mayo y en honor a eso haremos una acostumbrada revisión.

“Disintegration” podría considerarse como un cíclico retorno dentro de la discografía de los británicos, tras haber abandonado el sonido oscuro y monótono de inicios de los 80, haberse reagrupado y logrado el éxito mundial con un pop pegadizo y apto para todo público. Pero este disco estaría lejos de continuar la dulce melancolía de “The Head on the Door” o “Kiss Me…” y más bien tomaría un rumbo más sombrío acompañado por la sensación de envejecimiento que recorría a su líder, Robert Smith.

La preocupación a la interna de su casa disquera se fundaba en las largas introducciones instrumentales de varios de los temas que iban tomando forma durante las sesiones de grabación a finales de 1988 y comienzos de 1989. Cuando el disco arranca con “Plainsong”, la sobriedad de los arreglos son más bien dignos de soundtrack de película. La demora para que Smith entre a cantar da otro añadido dramático y mientras tanto, se podría decir que el álbum es sumamente cinemático.

“Disintegration” tiene varias historias. El primer sencillo es una historia de terror. “Lullaby” escenifica una pesadilla tanto en sus letras (And there is nothing I can do, when I realize with fright that the Spiderman is having me for dinner tonight), como por su tenebroso pero brillante videoclip, aunque también se puede interpretar como una sensación de acoso. El bajo y la batería son sumamente puntuales y precisos para dar ese ambiente de solemnidad y persecución y sobre los mismos descansan guitarras, teclados, vientos y toda la sofisticada orquestación que va encima de un ritmo mayormente taciturno. Para la primavera de 1989 estuvo disponible el sencillo preparando la salida a la venta del disco y alcanzando una sonada popularidad.

 

Casi en simultáneo y para convencer sobre esta nueva apuesta de The Cure al publico norteamericano, se lanzó como sencillo a “Fascination Street”, con un talante decididamente más duro y rockero en el que destaca sobremanera la emblemática línea de bajo de Simon Gallup, tal vez una de las más reconocibles del extenso catálogo del grupo y más el golpeteo casi marcial de la batería de Boris Williams hacen de esta ciertamente la canción más vigorosa de “Disintegration”.

Sin embargo, para un éxito total, hacía falta presentar la balada. “Lovesong” fue publicada como sencillo en verano de 1989 siendo un notable éxito a ambos lados del charco. Un tema en teoría simple, con una letra sencilla que evoca tal vez el lado más empedernido e idealizado. En cuanto a la música, una vez más el bajo es el eje vial por el que pasa todo y al que se acoplan los riffs desgarradores de guitarra de Porl Thompson y la melancolía taciturna de los teclados. Whenever I’m alone … with you…

 

Y para finalizar una exitosa saga de sencillos, el último promocional de “Disintegration” fue publicado en marzo de 1990. “Pictures of You” es otro de los grandes clásicos de The Cure que formaron parte del álbum. Se trata de una canción que evidentemente aborda el tema de la nostalgia fijado en un acto tan propio de la misma como el de mirar fotografías. Bien puede tomársela como el lamento de una ruptura sentimental o la partida de un ser querido. El tratamiento de las guitarras es muy especial, pues entre agudas melodías, disonantes y efectos varios dan en el clavo a la hora de lograr el ambiente casi desolador del tema.

Fue común el que se hable del retorno de The Cure a sus orígenes y se encuentra en temas como “Prayers for Rain”, “The Same Deep Water As You” o “Homesick”, la atmósfera supremamente oscura de discos como “Faith” o “Seventeen Seconds”. Así mismo, una colección de brillantes arreglos en “Las Dance” o “Untitled”, fruto de la acumulación de experiencia y de la que bien se podría calificar como la alineación más brillante de la banda com Smith – Gallup – Thompson – Williams y O’Donnell. Otras como “Closedown” o la homónima “Disintegration”. serían una ventana hacia el futuro. Los temas que no fueron tomados en cuenta como sencillos contaban con largas introducciones instrumentales generalmente.

TheCure 1989

Disintegration también fue un producto de la tensión, pues a pesar del éxito de sus placas anteriores, The Cure pasaba por una crisis fundamentada en el alcoholismo de uno de los miembros originales del grupo, Laurence “Lol” Tolhurst, que incomodaba al resto de integrantes y para su reemplazo desde las épocas del “Kiss Me…” ya estaba en los teclados Roger O’Donnell. De todas maneras Tolhurst estuvo en los créditos del disco.

Entre las distinciones que obtuvo “Disintegration”, Lullaby obtuvo el premio de mejor video en los BRIT Awards. En la cartelera de Billboard 200 alcanzó la posición 12 y vendió cerca de 3 millones de copias. The Cure comenzó a padecer los rigores del éxito masivo y la sensación de desintegración como personas, como grupo de amigos o familia y como banda de música fue casi como un karma arrastrado por el título. Ningún álbum del grupo británico volvería a tener un reconocimiento similar y pasaría por muchos cambios en sus alineaciones.

Disintegration – Fiction – 1989

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1 Plainsong
2 Pictures of You
3 Closedown
4 Lovesong
5 Last Dance
6 Lullaby
7 Fascination Street
8 Prayers for Rain
9 The Same Deep Water as You
10 Disintegration
11 Homesick
12 Untitled

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
heartbeat city the cars

Una Sinfonía Pop en los 80

Como uno de los mayores protagonistas del “New Wave” desarrollado a finales de los 70 como una “forma edulcorada” del punk, los bostonianos “The Cars” ya tenían un prestigio muy bien ganado en la década de los 80. Aunque probablemente les faltaba dar el gran golpe comercial.

Para la realización de “Heartbeat City”, que le pasado 13 de marzo cumplió 35 años de haber visto la luz, se buscó a un productor experto en éxitos como Robert “Mutt” Lange, quien por aquellos días tenía un prestigio muy bien ganado al haber sido el hombre detrás de las consolas de los enormes “Highway to Hell” y “Back in Black” de AC/DC. En los estudios Battery de Londres y usando toda la segunda mitad de 1983 se gestaría el que sería el disco más exitoso de los Cars.

La llamativa carátula del disco es mayormente tomado de una pieza de arte pop creada por Peter Phillips, amigo personal del baterista del grupo, David Robinson, en 1972, llamada “Art-0-Matic Loop di Loop” en la cual destaca una hermosa dama y un Plymouth Duster de 1971. Ideales para conceptualizar visualmente a un grupo llamada “los autos”.

 arto o matic

El mismo día de la publicación de “Heartbeat City”, empezó a sonar su primer sencillo: “You Might Think”. Este pegadizo tema con una base punk, pero un excelso trabajo en los teclados desplegado principalmente por Greg Hawkes marcan la ruta de una canción imposible de sacarse de la cabeza. Aunque también el bajo con efectos de Benjamin Orr y los extraordinarios solos de guitarra del zurdo Elliot Easton dan el sabor perfecto a este tema de hecho escrito por el líder de los Cars, Ric Ocasek. Melodías acerca de obsesión más que amor que se reflejarían en la producción de su famoso videoclip, el cual gozó de un presupuesto bastante más generoso que el de un video musical promedio de la época, pero sobretodo con la imaginación para hacer de un acoso una historia divertidísima y que se podría decir, con final feliz.

 

En una onda similar, rockera pero apoyados en la tecnología y los sonidos de sintetizadores, aunque con un tempo más lento y meloso, llegó “Magic” como segundo sencillo ya en plena primavera de 1984. Mientras se va cantando al enamoramiento, se protagonizó otro videoclip con efectos visuales interesantes con un resultado divertido. A la par de “You Might Think”, Magic también alcanzó el número uno del listado Billboard “Top Rock Tracks”.

 

Sin embargo, y como muchas veces pasó en los 80, el gran suceso llegaría de la mano de la gran balada. “Drive” fue editado como sencillo en julio de 1984 y tuvo la pequeña gran diferencia de contar magistralmente con el bajista Benjamin Orr en la voz. Sin duda este es uno de los grandes temas pop románticos de los 80 con una dinámica de bajos y sintetizador en tempo lento, prácticamente infaltable en celebraciones como bodas y similares, a pesar que el mismo habla de conflictos en una relación más que de amor idílico. Así como “You Might Think” tuvo como protagonista a la bella Susan Gallagher, “Drive” lanzó a la fama a la modelo checa Paulina Porizkova, quien posteriormente contrajo nupcias y ha permanecido mucho tiempo casada con el líder del grupo, Ric Ocasek. Con “Drive”, The Cars tuvo una notable participación en el festival Live Aid de 1985.

 

 “Heartbeat City” arranca con un sofisticadísimo tema para aquellos tiempos. “Hello Again” es un complejo enjambre de programación de beats, efectos de estudio y equipos de vanguardia y sintetizadores a un sonido que desnudo sería básicamente punk. Particularmente acá se lucen el tecladista Greg Hawkes y el baterista David Robinson. Un videoclip bastante polémico con escenas sexuales y provocativas, además de ciertas dosis de violencia acompañó a la promoción de este tema que fue el cuarto sencillo del álbum y fue dirigido ni más ni menos que por Andy Warhol, quien hasta hace un cameo como bartender.

 

“Why Can´t I Have You” se publicó como sencillo ya en 1985 y fue también otro tema soft pop con prodominio de sintetizadores y opciones tecnológicas. “Looking For Love” es bastante más parecida al “The Cars” clásico con fuerte influencia New Wave en la guitarra y posteriormente sería covereada por el austriaco Falco, mientras que “I Refuse” más bien adopta una textura muy similar a los temas de Synthpop que en la época eran muy populares e “It’s Not The Night” en cambio es bastante más rockera y emparentada con el pop – rock de los 80. Un tema muy vertiginoso y vanguardista como “Stranger Eyes” formó parte del tráiler de la legendaria película “Top Gun”, pero finalmente no fue tomada en cuenta para su soundtrack. El disco finaliza con otra pieza sofisticada de ingeniería de sonido como la homónima “Heartbeat City” que fue editada como sencillo sólo para el Reino Unido.

TheCars

En cuanto a reconocimientos, “Heartbeat City” certificó cuádruple platino en Estados Unidos y alcanzó el puesto 3 en la lista de 200 de Billboard. El videoclip de “You Might Think” se llevó el premio de “Video del Año” en la entrega de los primeros MTV Video Music Awards celebrados en 1984. Fue la cima de la carrera de esta agrupación fundada en Boston, Estados Unidos. Después tendrían un éxito escaso, pero un gran nombre al menos en la década de los 80.

 

Heartbeat City – Elektra – 1984

hbc

Hello Again

Looking for Love

Magic

Drive

Stranger Eyes

You Might Think

It´s Not the Night

Why Can´t I Have You

I Refuse

Heartbeat City

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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¡Y el Punk Volvía con Fuerza!

 Era ya 1994, con los 90 plenamente instalados y casi arribando a su mitad. La música conocida como “alternativa” ya no lo era tanto, pues era la preferida de tiendas de discos y radios. De hecho, el término “alternativo” comenzaba a ser bastante difuso.

Green Day era una banda californiana con ese sonido tan energético y “buena onda” característico del punk de la costa Oeste de los Estados Unidos. Este sonido que mantenía una esencia eminentemente “punk” era hasta principios de los 90 más bien de difusión underground. De hecho, al fan promedio de la música en dicho tiempo bien le pudo haber parecido Green Day un grupo nuevo, pero Dookie ya era el tercer álbum de la agrupación. El mismo que tendría una repercusión inimaginable para sus miembros.

 “Dookie” es un álbum noventero por excelencia no sólo porque sus acordes son clásicos de la década, sino por la temática que aborda, iniciando por el propio título (que en inglés puede traducirse como “excremento”), es un disco a través del cual se pudo expresar toda gama de inquietudes y problemas juveniles: angustia existencial, aburrimiento, soledad, masturbación, drogas, etc. Más este no es para nada un disco triste y más bien se presenta con bastante desfachatez.

 Como muchos éxitos de los 90. El primer sencillo del álbum, “Longview”, habla de sentirse sumamente solo y consecuencia de eso, creerse un desastre, el cantar sobre concebirse a sí mismo como un perdedor tan típico de finales del Siglo XX. La soledad que evoluciona en ansiedad, de ansiedad a depresión (I got no motivation, where is my motivation?) y depresión hacia extremo aburrimiento sentenciado con la brutal frase “When masturbation lost its fun, you’re fucking lonely” (cuando masturbarse deja de ser divertido es porque estás jodidamente solo). En lo musical destaca la icónica línea de bajo que Mike Dirnt supo crear a partir de un viaje con ácidos con una batería en la que Tre Cool juega con los momentos de calma y euforia que distinguió al rock alternativo. El videoclip muestra a Billie Joe en un ambiente claustrofóbico de una casa de clase media americana promedio.

 

El líder de la banda, el carismático guitarrista y cantante Billie Joe Armstrong, en su juventud e incluso ya como una consagrada estrella sufrió de ataques de ansiedad. Este casi descenso a la locura es lo que expresa en “Basket Case”, el mega éxito que catapultó a Green Day a la fama internacional. El pánico bien puede ser producto de la confusión o inducir a la misma. Cuando dice “Am I just Paranoid or I’m Just Stoned” (¿estoy paranóico o solamente drogado?) intenta dilucidar si la angustia no tiene que ver con el consumo o cuando intenta arreglar sus problemas y menciona que un “loquero” le insinuó a que se debe a la falta de sexo, entonces acudió a donde una prostituta, pero menciona que “he said my life’s a bore”, o sea que es un ÉL y da un guiño hacia su confusión en identidad sexual de su adolescencia. Mientras líricamente se trata toda esta mezcla de emociones de forma muy entretenida, su energética guitarra con distorsión a tope y la imparable batería dictaminarían lo que se oiría en cuanto a música en los años venideros. El video no puede ser más cómico, filmado en un psiquiátrico abandonado originalmente en blanco y negro y pintados los films, para dar mayor alusión a la locura.

“Welcome to Paradise” fue el siguiente sencillo en ser emitido por el álbum, aunque originalmente este tema estuvo dentro de su anterior álbum “Kerplunk”, pero para “Dookie” se lo reeditó hacia una versión menos áspera. Un tema que habla de los suburbios más oscuros californianos a los cuales el título de la canción alude en forma irónica y con algo de identidad y resignación, como puede aludir cualquiera a su lugar de origen con amor a pesar de los problemas del lugar. Ya en 1995 se editó como sencillo “When I Come Around” que fue inspirado en una pelea de Bille Joe con su pareja en la cual finalmente le da la razón y pide que no le recuerden que tan desastroso es. El tema tal vez es de los más lentos del disco, da forma al resurgimiento del punk como música “mainstream” y su componente más pop de los 90 y principios de Siglo XXI.

El último sencillo de Dookie, “She” tiene también el protagonismo del bajo de Dirnt. En general, “Dookie” a pesar de ser un disco punkero y guitarrero, tiene mucho protagonismo en independencia con su bajista, tal vez es la ventaja de que Green Day sea un “power trio”. “She” se inspiró en una ex pareja de Billie Joe que luego se mudó a Ecuador. En el resto del álbum los conflictos familiares (In The End), la orientación sexual confusa (Coming Clean), la ansiedad (F.O.D., Burnout, Having a Blast), las drogas y el aburrimiento son temas recurrentes.

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“Dookie” marca en algo el principio del fin del Grunge. En una escena en donde los lamentos, la melancolía y desesperanza eran la nota común, llegó la explosión de vitalidad de esta banda californiana que si bien no se alejó de la temática de problemas juveniles, los expuso de una forma más festiva. Green Day con “Dookie” dio el gran empujón al punk para volver de nuevo a los grandes escenarios y sería la pauta para lo que sería una nueva generación de “punk vital” con bandas como The Offspring, Blink 182, Simple Plan, SUM 41 y buena parte de la onda “emo” de inicios de los 2000. Junto con “Smash” de The Offspring se los considera como el combo del renacer del punk.

dookie contra

La portada de Dookie tiene una increíble referencia a la cultura popular e ídolos personales de los miembros de Green Day y en la misma se hace homenaje a: AC/DC, Black Sabbath, Patti Smith, The Ramones y hasta Plaza Sésamo en la contra portada. Encontrar todas estas referencias en la misma puede ser un ejercicio muy divertido.

Entre los reconocimientos de “Dookie” está el haber al momento vendido aproximadamente 20 millones de copias alrededor del mundo certificando diamante en Estados Unidos (10 millones de copias), alcanzó el número uno en países como Argentina o Australia y el número 2 en la lista de Billboard 200. Además recibió en 1995 el Premio Grammy a mejor disco de música alternativa. Con Dookie llegó la fama internacional para Green Day y dio pie para trabajos más sofisticados, sin embargo, el trío mantiene su esencia e identidad.

Dookie – Reprise – 1994

Dookie

1 Burnout

2 Havin a Blast

3 Chump

4 Longview

5 Welcome to Paradise

6 Pulling Teeth

7 Basket Case

8 She

9 Sassafras Roots

10 When I Come Around

11 Coming Clean

12 Emenius Sleepus

13 In The End

14 F.O.D. / All by Myself

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Cuando el Pop Adolescente Tomó el Control

Parece ayer cuando una hermosa colegiala encarnada por Britney Spears lucía impaciente esperando por el sonido de una campana salvadora… para comenzar con el espectáculo. 1999 sería el año del pop y un disco en particular sería su punta de lanza.

“…Baby One More Time” fue publicado un 12 de enero de 1999, por lo que recientemente cumplió 20 años desde su irrupción en la música y en especial en el mundo del pop. Fue el disco debut de la estadounidense Britney Spears como solista y el empujón hacia una carrera impresionante, la cual también la arrastró a su peores momentos, pero no es tiempo de hablar de ello, sino del inicio de la gloria.

Britney Spears había comenzado a ser conocida por su participación en “The All New Mickey Mouse Club” en el que compartió pantalla con otras futuras estrellas del espectáculo como Christina Aguilera y Justin Timberlake. Tras la cancelación del show y su entrada a la adolescencia, Britney mediante sus representantes buscó más y tras un fallido intento de unirse a un grupo de pop adolescente como se estaba poniendo de moda en ese momento, firmó un contrato como solista con Jive Records. El álbum se grabó en su mayor parte en Suecia entre 1997 y 1998.

Antes de la salida al mercado del álbum, a finales de 1998 se editó como sencillo y a la vez se publicó el videoclip de “…Baby One More Time”, el cual sería icónico para la saliente década de los 90. Aquella coreografía con traje colegial está impregnada con tinta indeleble en la memoria de cualquier adolescente noventero: todos querían ser como ella, salir con ella o tener una novia como ella. ¿Se venía el relevo generacional de la gran Madonna? Los medios no dudaron en apurarse a bautizarla como “la princesa del pop”.

La canción “… Baby One More Time” podría describírsela como pop perfecto. Mezcla de R&B, funk y varios elementos de pista de baile con aquel icónico piano que marca los compases. El tema habla de amor y arrepentimiento y una lucha entre saber si lo correcto es la soledad y uno relación que tiene sus pros y sus contras. Una lucha por crecer que se desarrollaría en discos posteriores.

Ya en la primavera de 1999 y como continuación de un lógico ciclo de promoción se publicó como sencillo a la balada “Sometimes”, con una temática muy parecida de no saber si irse o quedarse en una relación, pero con una ritmo edulcorado y fácilmente accesible para el corazón adolescente. Además que el videoclip promocional muestra una imagen dulce y cándida de Britney. La novia que cualquiera quería tener.

El siguiente sencillo fue la más alegre y atrevida “You Drive Me Crazy” que ya sonó en el verano boreal de 1999. Sale un poco del esquema de los corazones rotos y habla más del deseo en un tono mucho menos romántico. El tema es tremendamente bailable y pegajoso con algún toque de percusión latina marcando los compases. Un detalle importante en el videoclip fue la participación de Mellisa Joan Hart, estrella adolescente de por aquellos días.

El álbum tiene muchos elementos de pop – balada como en los temas “Born to Make You Happy” o “From The Bottom of my Borken Heart” que fueron los siguientes sencillos, además de una elección para el disco preferentemente de “corazones destrozados” como el combo “I Will Be There” y “I Will Still Love You” que tienen incluso técnicas y opciones de guitarra muy de pop noventero, estilo Natalie Imbruglia o similares. “E-mail My Heart” incluso da un guiño a la tecnología de por aquellos días por el título siendo una balada de lo más normal. Hay temas también muy disfrutables y de inmensa influencia R&B como “Soda Pop” o “Thinkin’ About You”.

Todos los ritmos juntados en “…Baby One More Time” atesoran el sonido característico de finales de Siglo XX. Pero es tiempo de hablar de sus reconocimientos. El álbum debut de Britney es uno de los más vendidos de la historia de la música, al momento serán 32 millones de copias, llegando justo a tiempo antes de la instalación de la era de la música digital. Britney fue la más joven artista en certificar disco de diamante en Estados Unidos, logro que se acredita cuando se supera los 10 millones de discos vendidos. Así mismo, logró el disco de platino en buena parte de la Unión Europea, así como en los países más poblados de Latinoamérica. Estas cifras permitieron a Britney Spears inscribir su nombre en el Libro Guinness de los récords ser la artista adolescente con mayor cantidad de discos vendidos.

Lógicamente “…Baby One More Time” alcanzó el primer lugar en la lista de 200 de Billboard en Estados Unidos alternando dicho lugar entre enero y abril con otros discos del momento y terminó siendo el segundo mejor vendido de 1999 en la nación americana. Además ocupó el primer lugar en países como Alemania o Canadá. Así mismo ganó en 1999 el premio de mejor disco en los Teen Choice Awards.

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“…Baby One More Time” es una de las grandes joyas del pop adolescente, criticado en su momento por el quizás excesivo ánimo comercial, contiene demasiados elementos musicales y estéticos necesarios para entender lo que fue la cultura popular del cambio de milenio: La consolidación de la música R&B y vocal, el protagonismo femenino en el espectáculo, la evolución de niña a mujer, la piedra angular para el despliegue y difusión masiva vía el vértigo del desarrollo tecnológico e incluso la vestimenta característica de los pantalones de tiro bajo. Britney es una de las gigantes de la cultura pop.

“… Baby One More Time” – Jive Records – 1999

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  • …Baby One More Time
  • (You Drive Me) Crazy
  • Sometimes
  • Soda Pop
  • Born to Make You Happy
  • From the Bottom of My Broken Heart
  • I Will Be There
  • I Will Still Love You
  • Thinkin’ About You
  • E-Mail My Heart
  • The Beat Goes On
Edison Guapaz Zambrano
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Una Fiesta Nacional y Continental

Sabemos que la cadena estadounidense MTV popularizó en los años 90 el concepto de “desenchufado” en el cual, los arreglos con la menor ayuda de la tecnología posible y la escenografía minimalista daban un nuevo aire a varios clásicos del pop y el rock. El formato fue reproducido en su filial latinoamericana dando como resultado varias obras de leyenda.

En 2018 se pudo hablar de un peculiar resurgimiento de esta modalidad en América Latina, pues grandes bandas decidieron a incursionar en esta en otrora novedosa modalidad. Una de ellas es los conocidos argentinos “Los Auténticos Decadentes”.

El título del álbum originado del show de Auténticos Decadentes se llama “Fiesta Nacional”, siendo esa una definición muy adecuada, pues en el mismo se recorre por varias de las expresiones musicales de Argentina, dando nueva vida a algunos de sus ya clásicos temas que de por sí siempre tuvieron ese toque argentino y latinoamericano en un despliegue maravilloso de ritmos e instrumentos poco usuales en el repertorio decadente.

Es necesario hablar de los invitados que “Fiesta Nacional” tuvo para su realización. Fue muy interesante para “Cómo Me Voy a Olvidar” la intervención de Chaqueño Palavecino  y así introducir al folclor del interior argentino acompañado de un muy tradicional tratamiento de la percusión. Se puede advertir un guiño cronológico en los invitados internacionales, pues para interpretar una sentida versión de “Loco (Tu Forma de Ser)” estuvo presente Rubén Albarrán, el multifacético vocalista de Café Tacuba uno de los gigantes del continente, mientras que para “Amor” fue invitada al escenario la chilena Mon Laferte, integrante más bien de la vanguardia latinoamericana de más reciente data.

Si este disco constituye una “Fiesta Nacional” para Argentina, es bueno repasar los ritmos autóctonos por los que atravesaron los Decadentes en este show, como el folclor de los Andes con sus cuerdas típicas en “El Gran Señor” o en la introducción de “Un Osito de Peluche de Taiwán” o la soberbia versión de “Los Piratas” con una fuerte influencia de tango, de nuevo mencionar el aire campesino de “Cómo Me Voy a Olvidar”. Más el “recorrido internacional” es interesante, como esas especie de bossanova de “Como la Abeja y la Flor”, el aire a corridos norteños mexicanos y folclore del Sur de los Estados Unidos que acompañaron a “La Bebida, El Juego y las Mujeres” o el fuerte toque tropical y cumbiero en grandes clásicos como “Corazón” y “Besándote”… Sí, aún más tropicales que sus versiones originales.

Una orquestación completa, brutal y minuciosa acompañó a los Decadentes en esta presentación que se llevó a cabo en mayo en Buenos Aires para publicar el disco en octubre. Las versiones de clásicos como “El Murguero” o “La Guitarra” sonaron sumamente poderosos y qué decir del Popurrí Decadente que remata espectacularmente el disco. Sin duda es imperdible para quien creció en los 90 bailando y divirtiéndose al ritmo de los Auténticos.

Fiesta Nacional – 2018

fiestanacional

  • El muerguero
  • Somos
  • La Bebida, el Juego y las Mujeres
  • Pendeviejo
  • Corazón
  • El Pájaro Vio el Cielo y se Voló
  • No te DEtengas
  • El Gran Señor
  • Besándote
  • Como me Voy a Olvidar
  • Vení Raquel
  • Sigue tu Camino
  • Silbando
  • Amor
  • Un Osito de Peluche de Taiwán
  • Como la Abeja y la Flor
  • Los Piratas
  • Loco (Tu Forma de Ser)
  • La Guitarra
  • Y la Banda Sigue
  • Popurrí Decadente

Foto Principal Bizarro.fm

Edison Guapaz Zambrano
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