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Discos Imprescindibles: Led Zeppelin II

Hace 50 años salió al mercado el segundo y definitivo disco de Led Zeppelin: “Led Zeppelin II”. Considerado como uno de los discos más influyentes en la historia del rock, siendo su sonido catalogado por los críticos musicales como una de las producciones que sentaría las bases del hard rock y el heavy metal a pesar que mantiene las bases del blues. Se pueden apreciar las progresiones de guitarra de Page hacia sonidos más duros y experimentales.

Las grabaciones iniciaron en abril de 1969 y terminaron en octubre del mismo año, fue producido por su guitarrista Jimmy Page e introducido al mercado por Atlantic Records. Las canciones fueron concebidas durante su gira por Europa y Norteamérica, en condiciones muy particulares según lo cuenta Robert Plant: “fue realmente una locura. Estábamos escribiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York”.

La carátula del álbum está inspirada y toma una vieja fotografía de la Undécima División Jasta de la Fuerza Aérea Alemana durante la Primera Guerra Mundial, el “Circo Aéreo” conducido por Manfred von Richthofen, el Barón Rojo, introduciendo en la misma las caras de los integrantes de la banda.

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El repertorio del disco inicia con la apoteósica “Whole Lotta Love”, quizá la segunda canción más conocida de la banda luego de Starway to Heaven. Generó controversia por estar basada en la canción “you need love” de Muddy Waters. Uno de los riffs más repetitivos y más reconocibles de Page, conforme avanza la canción se viene una mezcla de batería, gritos de Plant y el uso del “theremín” que le dieron una mezcla única a la canción que remata con un ingreso ruidoso de la batería de Bonham la guitarra de Page para terminar con una interpretación digamos “orgásmica” de Plant sobre la final de esta dura canción de amor.

What is and what should never be” es el Segundo corte con un ambiente de psicodelia por la manera como fueron grabadas las voces de Plant y donde destaca el bajo del gran John Paul Jones acompañado de un solo de Page con gran uso del slide durante el mismo. La letra similar al primer corte trata de una historia de amor escrita por Plant y que habla de una supuesta relación que tuvo este con la hermana menor de su esposa.

En The Lemon Song el blues se hace presente, pero con la marca de la banda (musical y líricamente), con una interpretación descomunal del bajo de Jones quien en alguna entrevista dijo que no siguió ningún patrón o acordes previamente escrito, sino que fue improvisado.

Thank You talvez el tema más íntimo del disco (y uno de sus temas más versionados por artistas como Duran-Duran, Tori Amos o Chris Cornell), una balada escrita por Plant. Destaca su hermosa letra y el sonido del órgano tocado por Jones: “If the sun refused to shine, I would still be loving you, when mountains crumble to the sea, there will still be you and me”.

Heartbreaker: Otros de los temas mas reconocibles de la banda, el sonido del riff de la guitarra de Page acompañada de la base rítmica de Bonham y Jones se acoplan perfectamente mientras la voz de Plant se va uniendo de a poco, sobre la mitad de la canción, similar a lo que pase con Whole Lotta Love, se hace un quiebre para iniciar un solo de espectacular de Plant que culmina con la irrupción del bajo y la batería de la banda para arrancar un nuevo solo, nueva pausa y la voz de Plant para cerrar la que en mi opinión es la mejor canción de disco.

Living loving maid (She’s Just a Woman), nos cuenta la historia de una “groupie” que acechó a la banda. Tal vez el tema que menos se destaque de todo el disco (nunca fue tocada en vivo por que no fue del gusto de Page).

Ramble On Co escrita por Page y Plant nos sumerge en el mundo fantástico de J. R. R. Tolkien: “When magic filled the air, ‘T was in the darkest depths of Mordor, I met a girl so fair,but Gollu”m, and the evil one crept up and slipped away with her, her, her, yeah, Ain’t nothing I can do, no”. La canción muestra nuevamente el gran ensamble entre Bonham (quien toca durante varias partes de la canción un tacho de basura) con Bohamn quienes van llevando el ritmo de la canción.

Moby Dick: O el momento de John Bonham. Al inicio de la misma es acompañado de la guitarra de Page que lanza varios riffs hasta que desaparece sobre el minuto 1:03 para dejar que el mítico baterista haga el resto (con versiones en vivo más largas y complejas). Canción obligada para quienes se están iniciando o gustan de la batería.

El disco cierra con Bring It On Home, canción adaptada de Willie Dixon, la misma que inicia con la introducción más blusera del disco, el bajo de Jones se une a la armónica y versos de Plant durante los primeros minutos de misma (lo que fue una homenaje a Sonny Williamson quien la interpretó en 1966), para dar paso a la guitarra de Page, la batería de Boham y el acople final de la banda, sobre el final de la misma se cierra de la misma manera con un sonido básico de blues.

Te dejo la versión de Williamson.

Disco imprescindible en la historia de la música, que debe ser cabecera de cualquier melómano.

Led Zeppelin II – Atlantic – 1969

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Whole Lotta Love
What Is and What Shuld Never Be
The Lemon Song
Thank You
Heartbreaker
Living Loving Maid (She’s Just a Woman)
Ramble On
Moby Dick
Bring It On Home

Jorge Aguirre
Quito
Since 1980
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La Loma Grande
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De Vuelta a la Senda Legendaria

Uno de los discos que dieron lustre al cierre del siglo pasado cumplió 20 años de existencia el 8 de junio de 1999. Californication significó un reinicio hacía un camino que ya lucía próspero pero tal vez, tuvo un bache hacia mediados de los noventa entre los problemas de alineación en los Red Hot Chili Peppers.

“Californication” marcó principalmente el retorno a la banda del guitarrista John Frusciante, quien ha sido el músico que más tiempo ha estado a cargo de este instrumento en el ensamble californiano, tras 6 años de ausencia. Con Frusciante volvió el funk y la melodía dejando atrás el experimento un poco más denso de Dave Navarro ocupándose de la viola.

“Californication” es un extenso álbum de 15 temas grabado desde finales de 1998, tras cristalizarse los jams entre Frusciante y Flea. El primer sencillo con el que este álbum haría su presentación salió al público en mayo de 1999. “Scar Tissue” como es recurrente en el grupo californiano, habla de las complicaciones de la adicción a las drogas. Los cálidos y a la vez melancólicos riffs de guitarra de Frusciante, a la vez de los intensos solos son el hilo conductor de la canción. Tal como se lo aprecia en el videoclip junto a sus compañeros de banda, los cuales aparecen con lastimaduras. Tal vez símbolo de un doloroso camino y reunión.

With the birds I’ll Share This Lonely Viewin’…

 El disco abre con “Around The World” y una reconocible marca de los Chili Peppers que es el impecable e hipnotizante trabajo de Flea en el bajo. Su interacción con un estilo casi “rapeado” en el canto de Anthony Kiedis se hacen algo similares a lo que sucedía en el exitoso álbum predecesor “Blood Sugar, Sex Magik”, último disco en el que había estado presente Frusciante. Este tema apareció como sencillo ya en el otoño boreal de 1999 e iba también reclutando a fanáticos “vieja escuela” del grupo.

Había llegado el nuevo milenio y los logros positivos en cuanto a críticas y ventas de “Californication”. En enero de 2000 se lanza el tercer sencillo de la banda que se fue convirtiendo en uno de sus clásicos. “Otherside” es un emocionante viaje en el que la intercalación entre momentos relajados y acelerados en la interpretación suena muy noventera y a la vez muy energética. La letra más o menos es una lucha interna y melancólica sobre lo difícil que puede ser dejar atrás ciertos aspectos (¿adicciones tal vez?) de la vida o dolorosamente mantenerlos. Absolutamente todos se lucen, un tono entre agresivo y arrullador de Kiedis, la sutil guitarra de Frusciante, el constante camino marcado del bajo de Flea y la batería sobretodo usando mucho los redobles, con los que Chad Smith logra más suspenso.

En mayo del 2000 se presentó como sencillo el tema homónimo de la banda. “Californication” describe con crudeza el acelerado y oscuro mundo de Hollywood y la fama. La venta de un sueño de vida que ha terminado siendo pesadilla tanto para famosos como para quienes no han llegado a hacerlo. La deformación del mismísimo sueño americano. La canción tiene justamente un ritmo taciturno, casi onírico entre la técnica de redobles de Smith y desgarradores solos de guitarra. Su riff que acompaña a las estrofas tiene un diálogo decididamente sabroso entre guitarra y bajo. Verdaderamente una cima creativa.

En este tema es un punto aparte hablar de su videoclip. Aprovechando el auge de los 64 bits en los videojuegos, la banda se presenta dentro de uno en el cual atraviesan por psicodélicas aventuras en una California que está camino a la destrucción. A su tiempo fue un guiño futurista.

 

It’s understood that Hollywood sells Californication

 

El último sencillo que se publicó en la promoción de este muy exitoso álbum fue “Road Trippin’”, en el que se utilizó mayormente instrumentos acústicos, aunque la cinematica “Parallel Universe” tuvo difusión en radios una vez alcanzado el 2001.

Californication fue un guiño a lo que iba a pasar con el sonido de los Chili Peppers en el Siglo XXI, esto se puede advertir en temas como “Savior”, “I Like Dirt” o “Easily”, que son temas más melódicos y con progresiones más complejas, más también hubo guiños de su sonido paso e incluso ochentero como “Get On Top” o “Purple Stain” donde aún la guitarra funk y el fraseo rápido de Kiedis son elementos característicos. Constituye la bisagra definitiva en la que pasaron del rock alternativo al mainstream.

En cuanto a galardones, “Californication” ha sido el álbum más exitoso comercialmente de la banda, con más de 15 millones de copias vendidas alrededor del mundo, habiendo certificado 6 discos de platino en Estados Unidos y 4 en Europa. En las lista de 200 de Billboard llegó a la tercera posición y alcanzó el 1 en lugares como Australia, Nueva Zelandia, Suecia o Finlandia. Además, “Scar Tissue” ganó el Grammy a Mejor canción de rock en el año 2000.

Red Hot Chili Peppers backstage during The 2000 My VH1 Music Awards at Shrine Auditorium in Los Angeles, California, United States. (Photo by KMazur/WireImage)

Red Hot Chili Peppers backstage during The 2000 My VH1 Music Awards at Shrine Auditorium in Los Angeles, California, United States. (Photo by KMazur/WireImage)

Este fue una de las grandes anclas a las que se aferró el rock, en momentos donde el pop adolescente gobernaba las carteleras y un impulso definitivo a una banda californiana que ha pasado duros momentos y sin dudo su talento e inspiración merecieron los días mejores de los que hasta el momento goza.

Californication – 1999 – Warner Bros.

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1. Around The WOrld
2. Parallel Universe
3. Scar Tissue
4. Otherside
5. Get on Top
6. Californication
7. Easily
8. Porcelain
9. Emit Emmus
10. I Like Dirt
11. This Velvet Glove
12. Savior
13. Purple Stain
14. Right on Time
15. Road Trippin

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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La Apuesta Hacia la Oscuridad

A su tiempo fue descrito como un “suicidio comercial”, pero también es considerado el disco que selló el amor incondicional de la fanaticada de The Cure hacia la banda inglesa. “Disintegration” cumplió 30 años de haber sido publicado el pasado 2 de mayo y en honor a eso haremos una acostumbrada revisión.

“Disintegration” podría considerarse como un cíclico retorno dentro de la discografía de los británicos, tras haber abandonado el sonido oscuro y monótono de inicios de los 80, haberse reagrupado y logrado el éxito mundial con un pop pegadizo y apto para todo público. Pero este disco estaría lejos de continuar la dulce melancolía de “The Head on the Door” o “Kiss Me…” y más bien tomaría un rumbo más sombrío acompañado por la sensación de envejecimiento que recorría a su líder, Robert Smith.

La preocupación a la interna de su casa disquera se fundaba en las largas introducciones instrumentales de varios de los temas que iban tomando forma durante las sesiones de grabación a finales de 1988 y comienzos de 1989. Cuando el disco arranca con “Plainsong”, la sobriedad de los arreglos son más bien dignos de soundtrack de película. La demora para que Smith entre a cantar da otro añadido dramático y mientras tanto, se podría decir que el álbum es sumamente cinemático.

“Disintegration” tiene varias historias. El primer sencillo es una historia de terror. “Lullaby” escenifica una pesadilla tanto en sus letras (And there is nothing I can do, when I realize with fright that the Spiderman is having me for dinner tonight), como por su tenebroso pero brillante videoclip, aunque también se puede interpretar como una sensación de acoso. El bajo y la batería son sumamente puntuales y precisos para dar ese ambiente de solemnidad y persecución y sobre los mismos descansan guitarras, teclados, vientos y toda la sofisticada orquestación que va encima de un ritmo mayormente taciturno. Para la primavera de 1989 estuvo disponible el sencillo preparando la salida a la venta del disco y alcanzando una sonada popularidad.

 

Casi en simultáneo y para convencer sobre esta nueva apuesta de The Cure al publico norteamericano, se lanzó como sencillo a “Fascination Street”, con un talante decididamente más duro y rockero en el que destaca sobremanera la emblemática línea de bajo de Simon Gallup, tal vez una de las más reconocibles del extenso catálogo del grupo y más el golpeteo casi marcial de la batería de Boris Williams hacen de esta ciertamente la canción más vigorosa de “Disintegration”.

Sin embargo, para un éxito total, hacía falta presentar la balada. “Lovesong” fue publicada como sencillo en verano de 1989 siendo un notable éxito a ambos lados del charco. Un tema en teoría simple, con una letra sencilla que evoca tal vez el lado más empedernido e idealizado. En cuanto a la música, una vez más el bajo es el eje vial por el que pasa todo y al que se acoplan los riffs desgarradores de guitarra de Porl Thompson y la melancolía taciturna de los teclados. Whenever I’m alone … with you…

 

Y para finalizar una exitosa saga de sencillos, el último promocional de “Disintegration” fue publicado en marzo de 1990. “Pictures of You” es otro de los grandes clásicos de The Cure que formaron parte del álbum. Se trata de una canción que evidentemente aborda el tema de la nostalgia fijado en un acto tan propio de la misma como el de mirar fotografías. Bien puede tomársela como el lamento de una ruptura sentimental o la partida de un ser querido. El tratamiento de las guitarras es muy especial, pues entre agudas melodías, disonantes y efectos varios dan en el clavo a la hora de lograr el ambiente casi desolador del tema.

Fue común el que se hable del retorno de The Cure a sus orígenes y se encuentra en temas como “Prayers for Rain”, “The Same Deep Water As You” o “Homesick”, la atmósfera supremamente oscura de discos como “Faith” o “Seventeen Seconds”. Así mismo, una colección de brillantes arreglos en “Las Dance” o “Untitled”, fruto de la acumulación de experiencia y de la que bien se podría calificar como la alineación más brillante de la banda com Smith – Gallup – Thompson – Williams y O’Donnell. Otras como “Closedown” o la homónima “Disintegration”. serían una ventana hacia el futuro. Los temas que no fueron tomados en cuenta como sencillos contaban con largas introducciones instrumentales generalmente.

TheCure 1989

Disintegration también fue un producto de la tensión, pues a pesar del éxito de sus placas anteriores, The Cure pasaba por una crisis fundamentada en el alcoholismo de uno de los miembros originales del grupo, Laurence “Lol” Tolhurst, que incomodaba al resto de integrantes y para su reemplazo desde las épocas del “Kiss Me…” ya estaba en los teclados Roger O’Donnell. De todas maneras Tolhurst estuvo en los créditos del disco.

Entre las distinciones que obtuvo “Disintegration”, Lullaby obtuvo el premio de mejor video en los BRIT Awards. En la cartelera de Billboard 200 alcanzó la posición 12 y vendió cerca de 3 millones de copias. The Cure comenzó a padecer los rigores del éxito masivo y la sensación de desintegración como personas, como grupo de amigos o familia y como banda de música fue casi como un karma arrastrado por el título. Ningún álbum del grupo británico volvería a tener un reconocimiento similar y pasaría por muchos cambios en sus alineaciones.

Disintegration – Fiction – 1989

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1 Plainsong
2 Pictures of You
3 Closedown
4 Lovesong
5 Last Dance
6 Lullaby
7 Fascination Street
8 Prayers for Rain
9 The Same Deep Water as You
10 Disintegration
11 Homesick
12 Untitled

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
heartbeat city the cars

Una Sinfonía Pop en los 80

Como uno de los mayores protagonistas del “New Wave” desarrollado a finales de los 70 como una “forma edulcorada” del punk, los bostonianos “The Cars” ya tenían un prestigio muy bien ganado en la década de los 80. Aunque probablemente les faltaba dar el gran golpe comercial.

Para la realización de “Heartbeat City”, que le pasado 13 de marzo cumplió 35 años de haber visto la luz, se buscó a un productor experto en éxitos como Robert “Mutt” Lange, quien por aquellos días tenía un prestigio muy bien ganado al haber sido el hombre detrás de las consolas de los enormes “Highway to Hell” y “Back in Black” de AC/DC. En los estudios Battery de Londres y usando toda la segunda mitad de 1983 se gestaría el que sería el disco más exitoso de los Cars.

La llamativa carátula del disco es mayormente tomado de una pieza de arte pop creada por Peter Phillips, amigo personal del baterista del grupo, David Robinson, en 1972, llamada “Art-0-Matic Loop di Loop” en la cual destaca una hermosa dama y un Plymouth Duster de 1971. Ideales para conceptualizar visualmente a un grupo llamada “los autos”.

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El mismo día de la publicación de “Heartbeat City”, empezó a sonar su primer sencillo: “You Might Think”. Este pegadizo tema con una base punk, pero un excelso trabajo en los teclados desplegado principalmente por Greg Hawkes marcan la ruta de una canción imposible de sacarse de la cabeza. Aunque también el bajo con efectos de Benjamin Orr y los extraordinarios solos de guitarra del zurdo Elliot Easton dan el sabor perfecto a este tema de hecho escrito por el líder de los Cars, Ric Ocasek. Melodías acerca de obsesión más que amor que se reflejarían en la producción de su famoso videoclip, el cual gozó de un presupuesto bastante más generoso que el de un video musical promedio de la época, pero sobretodo con la imaginación para hacer de un acoso una historia divertidísima y que se podría decir, con final feliz.

 

En una onda similar, rockera pero apoyados en la tecnología y los sonidos de sintetizadores, aunque con un tempo más lento y meloso, llegó “Magic” como segundo sencillo ya en plena primavera de 1984. Mientras se va cantando al enamoramiento, se protagonizó otro videoclip con efectos visuales interesantes con un resultado divertido. A la par de “You Might Think”, Magic también alcanzó el número uno del listado Billboard “Top Rock Tracks”.

 

Sin embargo, y como muchas veces pasó en los 80, el gran suceso llegaría de la mano de la gran balada. “Drive” fue editado como sencillo en julio de 1984 y tuvo la pequeña gran diferencia de contar magistralmente con el bajista Benjamin Orr en la voz. Sin duda este es uno de los grandes temas pop románticos de los 80 con una dinámica de bajos y sintetizador en tempo lento, prácticamente infaltable en celebraciones como bodas y similares, a pesar que el mismo habla de conflictos en una relación más que de amor idílico. Así como “You Might Think” tuvo como protagonista a la bella Susan Gallagher, “Drive” lanzó a la fama a la modelo checa Paulina Porizkova, quien posteriormente contrajo nupcias y ha permanecido mucho tiempo casada con el líder del grupo, Ric Ocasek. Con “Drive”, The Cars tuvo una notable participación en el festival Live Aid de 1985.

 

 “Heartbeat City” arranca con un sofisticadísimo tema para aquellos tiempos. “Hello Again” es un complejo enjambre de programación de beats, efectos de estudio y equipos de vanguardia y sintetizadores a un sonido que desnudo sería básicamente punk. Particularmente acá se lucen el tecladista Greg Hawkes y el baterista David Robinson. Un videoclip bastante polémico con escenas sexuales y provocativas, además de ciertas dosis de violencia acompañó a la promoción de este tema que fue el cuarto sencillo del álbum y fue dirigido ni más ni menos que por Andy Warhol, quien hasta hace un cameo como bartender.

 

“Why Can´t I Have You” se publicó como sencillo ya en 1985 y fue también otro tema soft pop con prodominio de sintetizadores y opciones tecnológicas. “Looking For Love” es bastante más parecida al “The Cars” clásico con fuerte influencia New Wave en la guitarra y posteriormente sería covereada por el austriaco Falco, mientras que “I Refuse” más bien adopta una textura muy similar a los temas de Synthpop que en la época eran muy populares e “It’s Not The Night” en cambio es bastante más rockera y emparentada con el pop – rock de los 80. Un tema muy vertiginoso y vanguardista como “Stranger Eyes” formó parte del tráiler de la legendaria película “Top Gun”, pero finalmente no fue tomada en cuenta para su soundtrack. El disco finaliza con otra pieza sofisticada de ingeniería de sonido como la homónima “Heartbeat City” que fue editada como sencillo sólo para el Reino Unido.

TheCars

En cuanto a reconocimientos, “Heartbeat City” certificó cuádruple platino en Estados Unidos y alcanzó el puesto 3 en la lista de 200 de Billboard. El videoclip de “You Might Think” se llevó el premio de “Video del Año” en la entrega de los primeros MTV Video Music Awards celebrados en 1984. Fue la cima de la carrera de esta agrupación fundada en Boston, Estados Unidos. Después tendrían un éxito escaso, pero un gran nombre al menos en la década de los 80.

 

Heartbeat City – Elektra – 1984

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Hello Again

Looking for Love

Magic

Drive

Stranger Eyes

You Might Think

It´s Not the Night

Why Can´t I Have You

I Refuse

Heartbeat City

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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¡Y el Punk Volvía con Fuerza!

 Era ya 1994, con los 90 plenamente instalados y casi arribando a su mitad. La música conocida como “alternativa” ya no lo era tanto, pues era la preferida de tiendas de discos y radios. De hecho, el término “alternativo” comenzaba a ser bastante difuso.

Green Day era una banda californiana con ese sonido tan energético y “buena onda” característico del punk de la costa Oeste de los Estados Unidos. Este sonido que mantenía una esencia eminentemente “punk” era hasta principios de los 90 más bien de difusión underground. De hecho, al fan promedio de la música en dicho tiempo bien le pudo haber parecido Green Day un grupo nuevo, pero Dookie ya era el tercer álbum de la agrupación. El mismo que tendría una repercusión inimaginable para sus miembros.

 “Dookie” es un álbum noventero por excelencia no sólo porque sus acordes son clásicos de la década, sino por la temática que aborda, iniciando por el propio título (que en inglés puede traducirse como “excremento”), es un disco a través del cual se pudo expresar toda gama de inquietudes y problemas juveniles: angustia existencial, aburrimiento, soledad, masturbación, drogas, etc. Más este no es para nada un disco triste y más bien se presenta con bastante desfachatez.

 Como muchos éxitos de los 90. El primer sencillo del álbum, “Longview”, habla de sentirse sumamente solo y consecuencia de eso, creerse un desastre, el cantar sobre concebirse a sí mismo como un perdedor tan típico de finales del Siglo XX. La soledad que evoluciona en ansiedad, de ansiedad a depresión (I got no motivation, where is my motivation?) y depresión hacia extremo aburrimiento sentenciado con la brutal frase “When masturbation lost its fun, you’re fucking lonely” (cuando masturbarse deja de ser divertido es porque estás jodidamente solo). En lo musical destaca la icónica línea de bajo que Mike Dirnt supo crear a partir de un viaje con ácidos con una batería en la que Tre Cool juega con los momentos de calma y euforia que distinguió al rock alternativo. El videoclip muestra a Billie Joe en un ambiente claustrofóbico de una casa de clase media americana promedio.

 

El líder de la banda, el carismático guitarrista y cantante Billie Joe Armstrong, en su juventud e incluso ya como una consagrada estrella sufrió de ataques de ansiedad. Este casi descenso a la locura es lo que expresa en “Basket Case”, el mega éxito que catapultó a Green Day a la fama internacional. El pánico bien puede ser producto de la confusión o inducir a la misma. Cuando dice “Am I just Paranoid or I’m Just Stoned” (¿estoy paranóico o solamente drogado?) intenta dilucidar si la angustia no tiene que ver con el consumo o cuando intenta arreglar sus problemas y menciona que un “loquero” le insinuó a que se debe a la falta de sexo, entonces acudió a donde una prostituta, pero menciona que “he said my life’s a bore”, o sea que es un ÉL y da un guiño hacia su confusión en identidad sexual de su adolescencia. Mientras líricamente se trata toda esta mezcla de emociones de forma muy entretenida, su energética guitarra con distorsión a tope y la imparable batería dictaminarían lo que se oiría en cuanto a música en los años venideros. El video no puede ser más cómico, filmado en un psiquiátrico abandonado originalmente en blanco y negro y pintados los films, para dar mayor alusión a la locura.

“Welcome to Paradise” fue el siguiente sencillo en ser emitido por el álbum, aunque originalmente este tema estuvo dentro de su anterior álbum “Kerplunk”, pero para “Dookie” se lo reeditó hacia una versión menos áspera. Un tema que habla de los suburbios más oscuros californianos a los cuales el título de la canción alude en forma irónica y con algo de identidad y resignación, como puede aludir cualquiera a su lugar de origen con amor a pesar de los problemas del lugar. Ya en 1995 se editó como sencillo “When I Come Around” que fue inspirado en una pelea de Bille Joe con su pareja en la cual finalmente le da la razón y pide que no le recuerden que tan desastroso es. El tema tal vez es de los más lentos del disco, da forma al resurgimiento del punk como música “mainstream” y su componente más pop de los 90 y principios de Siglo XXI.

El último sencillo de Dookie, “She” tiene también el protagonismo del bajo de Dirnt. En general, “Dookie” a pesar de ser un disco punkero y guitarrero, tiene mucho protagonismo en independencia con su bajista, tal vez es la ventaja de que Green Day sea un “power trio”. “She” se inspiró en una ex pareja de Billie Joe que luego se mudó a Ecuador. En el resto del álbum los conflictos familiares (In The End), la orientación sexual confusa (Coming Clean), la ansiedad (F.O.D., Burnout, Having a Blast), las drogas y el aburrimiento son temas recurrentes.

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“Dookie” marca en algo el principio del fin del Grunge. En una escena en donde los lamentos, la melancolía y desesperanza eran la nota común, llegó la explosión de vitalidad de esta banda californiana que si bien no se alejó de la temática de problemas juveniles, los expuso de una forma más festiva. Green Day con “Dookie” dio el gran empujón al punk para volver de nuevo a los grandes escenarios y sería la pauta para lo que sería una nueva generación de “punk vital” con bandas como The Offspring, Blink 182, Simple Plan, SUM 41 y buena parte de la onda “emo” de inicios de los 2000. Junto con “Smash” de The Offspring se los considera como el combo del renacer del punk.

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La portada de Dookie tiene una increíble referencia a la cultura popular e ídolos personales de los miembros de Green Day y en la misma se hace homenaje a: AC/DC, Black Sabbath, Patti Smith, The Ramones y hasta Plaza Sésamo en la contra portada. Encontrar todas estas referencias en la misma puede ser un ejercicio muy divertido.

Entre los reconocimientos de “Dookie” está el haber al momento vendido aproximadamente 20 millones de copias alrededor del mundo certificando diamante en Estados Unidos (10 millones de copias), alcanzó el número uno en países como Argentina o Australia y el número 2 en la lista de Billboard 200. Además recibió en 1995 el Premio Grammy a mejor disco de música alternativa. Con Dookie llegó la fama internacional para Green Day y dio pie para trabajos más sofisticados, sin embargo, el trío mantiene su esencia e identidad.

Dookie – Reprise – 1994

Dookie

1 Burnout

2 Havin a Blast

3 Chump

4 Longview

5 Welcome to Paradise

6 Pulling Teeth

7 Basket Case

8 She

9 Sassafras Roots

10 When I Come Around

11 Coming Clean

12 Emenius Sleepus

13 In The End

14 F.O.D. / All by Myself

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Cuando el Pop Adolescente Tomó el Control

Parece ayer cuando una hermosa colegiala encarnada por Britney Spears lucía impaciente esperando por el sonido de una campana salvadora… para comenzar con el espectáculo. 1999 sería el año del pop y un disco en particular sería su punta de lanza.

“…Baby One More Time” fue publicado un 12 de enero de 1999, por lo que recientemente cumplió 20 años desde su irrupción en la música y en especial en el mundo del pop. Fue el disco debut de la estadounidense Britney Spears como solista y el empujón hacia una carrera impresionante, la cual también la arrastró a su peores momentos, pero no es tiempo de hablar de ello, sino del inicio de la gloria.

Britney Spears había comenzado a ser conocida por su participación en “The All New Mickey Mouse Club” en el que compartió pantalla con otras futuras estrellas del espectáculo como Christina Aguilera y Justin Timberlake. Tras la cancelación del show y su entrada a la adolescencia, Britney mediante sus representantes buscó más y tras un fallido intento de unirse a un grupo de pop adolescente como se estaba poniendo de moda en ese momento, firmó un contrato como solista con Jive Records. El álbum se grabó en su mayor parte en Suecia entre 1997 y 1998.

Antes de la salida al mercado del álbum, a finales de 1998 se editó como sencillo y a la vez se publicó el videoclip de “…Baby One More Time”, el cual sería icónico para la saliente década de los 90. Aquella coreografía con traje colegial está impregnada con tinta indeleble en la memoria de cualquier adolescente noventero: todos querían ser como ella, salir con ella o tener una novia como ella. ¿Se venía el relevo generacional de la gran Madonna? Los medios no dudaron en apurarse a bautizarla como “la princesa del pop”.

La canción “… Baby One More Time” podría describírsela como pop perfecto. Mezcla de R&B, funk y varios elementos de pista de baile con aquel icónico piano que marca los compases. El tema habla de amor y arrepentimiento y una lucha entre saber si lo correcto es la soledad y uno relación que tiene sus pros y sus contras. Una lucha por crecer que se desarrollaría en discos posteriores.

Ya en la primavera de 1999 y como continuación de un lógico ciclo de promoción se publicó como sencillo a la balada “Sometimes”, con una temática muy parecida de no saber si irse o quedarse en una relación, pero con una ritmo edulcorado y fácilmente accesible para el corazón adolescente. Además que el videoclip promocional muestra una imagen dulce y cándida de Britney. La novia que cualquiera quería tener.

El siguiente sencillo fue la más alegre y atrevida “You Drive Me Crazy” que ya sonó en el verano boreal de 1999. Sale un poco del esquema de los corazones rotos y habla más del deseo en un tono mucho menos romántico. El tema es tremendamente bailable y pegajoso con algún toque de percusión latina marcando los compases. Un detalle importante en el videoclip fue la participación de Mellisa Joan Hart, estrella adolescente de por aquellos días.

El álbum tiene muchos elementos de pop – balada como en los temas “Born to Make You Happy” o “From The Bottom of my Borken Heart” que fueron los siguientes sencillos, además de una elección para el disco preferentemente de “corazones destrozados” como el combo “I Will Be There” y “I Will Still Love You” que tienen incluso técnicas y opciones de guitarra muy de pop noventero, estilo Natalie Imbruglia o similares. “E-mail My Heart” incluso da un guiño a la tecnología de por aquellos días por el título siendo una balada de lo más normal. Hay temas también muy disfrutables y de inmensa influencia R&B como “Soda Pop” o “Thinkin’ About You”.

Todos los ritmos juntados en “…Baby One More Time” atesoran el sonido característico de finales de Siglo XX. Pero es tiempo de hablar de sus reconocimientos. El álbum debut de Britney es uno de los más vendidos de la historia de la música, al momento serán 32 millones de copias, llegando justo a tiempo antes de la instalación de la era de la música digital. Britney fue la más joven artista en certificar disco de diamante en Estados Unidos, logro que se acredita cuando se supera los 10 millones de discos vendidos. Así mismo, logró el disco de platino en buena parte de la Unión Europea, así como en los países más poblados de Latinoamérica. Estas cifras permitieron a Britney Spears inscribir su nombre en el Libro Guinness de los récords ser la artista adolescente con mayor cantidad de discos vendidos.

Lógicamente “…Baby One More Time” alcanzó el primer lugar en la lista de 200 de Billboard en Estados Unidos alternando dicho lugar entre enero y abril con otros discos del momento y terminó siendo el segundo mejor vendido de 1999 en la nación americana. Además ocupó el primer lugar en países como Alemania o Canadá. Así mismo ganó en 1999 el premio de mejor disco en los Teen Choice Awards.

britney 1999

“…Baby One More Time” es una de las grandes joyas del pop adolescente, criticado en su momento por el quizás excesivo ánimo comercial, contiene demasiados elementos musicales y estéticos necesarios para entender lo que fue la cultura popular del cambio de milenio: La consolidación de la música R&B y vocal, el protagonismo femenino en el espectáculo, la evolución de niña a mujer, la piedra angular para el despliegue y difusión masiva vía el vértigo del desarrollo tecnológico e incluso la vestimenta característica de los pantalones de tiro bajo. Britney es una de las gigantes de la cultura pop.

“… Baby One More Time” – Jive Records – 1999

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  • …Baby One More Time
  • (You Drive Me) Crazy
  • Sometimes
  • Soda Pop
  • Born to Make You Happy
  • From the Bottom of My Broken Heart
  • I Will Be There
  • I Will Still Love You
  • Thinkin’ About You
  • E-Mail My Heart
  • The Beat Goes On
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
decadente banner

Una Fiesta Nacional y Continental

Sabemos que la cadena estadounidense MTV popularizó en los años 90 el concepto de “desenchufado” en el cual, los arreglos con la menor ayuda de la tecnología posible y la escenografía minimalista daban un nuevo aire a varios clásicos del pop y el rock. El formato fue reproducido en su filial latinoamericana dando como resultado varias obras de leyenda.

En 2018 se pudo hablar de un peculiar resurgimiento de esta modalidad en América Latina, pues grandes bandas decidieron a incursionar en esta en otrora novedosa modalidad. Una de ellas es los conocidos argentinos “Los Auténticos Decadentes”.

El título del álbum originado del show de Auténticos Decadentes se llama “Fiesta Nacional”, siendo esa una definición muy adecuada, pues en el mismo se recorre por varias de las expresiones musicales de Argentina, dando nueva vida a algunos de sus ya clásicos temas que de por sí siempre tuvieron ese toque argentino y latinoamericano en un despliegue maravilloso de ritmos e instrumentos poco usuales en el repertorio decadente.

Es necesario hablar de los invitados que “Fiesta Nacional” tuvo para su realización. Fue muy interesante para “Cómo Me Voy a Olvidar” la intervención de Chaqueño Palavecino  y así introducir al folclor del interior argentino acompañado de un muy tradicional tratamiento de la percusión. Se puede advertir un guiño cronológico en los invitados internacionales, pues para interpretar una sentida versión de “Loco (Tu Forma de Ser)” estuvo presente Rubén Albarrán, el multifacético vocalista de Café Tacuba uno de los gigantes del continente, mientras que para “Amor” fue invitada al escenario la chilena Mon Laferte, integrante más bien de la vanguardia latinoamericana de más reciente data.

Si este disco constituye una “Fiesta Nacional” para Argentina, es bueno repasar los ritmos autóctonos por los que atravesaron los Decadentes en este show, como el folclor de los Andes con sus cuerdas típicas en “El Gran Señor” o en la introducción de “Un Osito de Peluche de Taiwán” o la soberbia versión de “Los Piratas” con una fuerte influencia de tango, de nuevo mencionar el aire campesino de “Cómo Me Voy a Olvidar”. Más el “recorrido internacional” es interesante, como esas especie de bossanova de “Como la Abeja y la Flor”, el aire a corridos norteños mexicanos y folclore del Sur de los Estados Unidos que acompañaron a “La Bebida, El Juego y las Mujeres” o el fuerte toque tropical y cumbiero en grandes clásicos como “Corazón” y “Besándote”… Sí, aún más tropicales que sus versiones originales.

Una orquestación completa, brutal y minuciosa acompañó a los Decadentes en esta presentación que se llevó a cabo en mayo en Buenos Aires para publicar el disco en octubre. Las versiones de clásicos como “El Murguero” o “La Guitarra” sonaron sumamente poderosos y qué decir del Popurrí Decadente que remata espectacularmente el disco. Sin duda es imperdible para quien creció en los 90 bailando y divirtiéndose al ritmo de los Auténticos.

Fiesta Nacional – 2018

fiestanacional

  • El muerguero
  • Somos
  • La Bebida, el Juego y las Mujeres
  • Pendeviejo
  • Corazón
  • El Pájaro Vio el Cielo y se Voló
  • No te DEtengas
  • El Gran Señor
  • Besándote
  • Como me Voy a Olvidar
  • Vení Raquel
  • Sigue tu Camino
  • Silbando
  • Amor
  • Un Osito de Peluche de Taiwán
  • Como la Abeja y la Flor
  • Los Piratas
  • Loco (Tu Forma de Ser)
  • La Guitarra
  • Y la Banda Sigue
  • Popurrí Decadente

Foto Principal Bizarro.fm

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
dark side of the moon

The Dark Side of the Moon (or The Human?)

Grabado entre 1972 y 1973 en los míticos estudios Abbey Road, fue producido por Pink Floyd acompañados por Alan Parsons en la ingeniería de sonido, vio la luz el 1 de marzo de 1973.

Un álbum que se caracteriza en primer lugar por no contar con temas extensos como sus anteriores trabajos de rock progresivo (refiriendo a aquellos que vieron la luz luego de la salida de Syd Barret), pero que no por eso deja de tener la complejidad musical y lírica que siempre ha caracterizado a Pink Floyd, una banda sin puntos medios: o los amas o los detestas por igual. Así mismo el disco no contiene pausas entre canciones, mantiene la continuidad tan perfecta que es casi imposible percibir el cambio entre un tema y otro. Este disco surge como una pieza conceptual que fueron trabajando y experimentado en años anteriores.

Dark side aborda varios temas existenciales que nos rodean a los humanos desde nuestro complejo mundo interior y exterior, temas que parecen tan simples como respirar, otros que son considerados “pecados” por sectores religiosos y otros que nos agobian muchas veces como el dinero, el paso del tiempo y la muerte o nuestra lucha diaria con nuestros demonios internos (esa pelea que a veces pierdes y los expertos lo consideran un daño cerebral).

Un latido, un reloj, una voz, máquinas, risas perturbadoras y gritos dan inicio a “Speak to me”. De repente asalta el acople del sonido melancólico y voces sosegadas que te aconsejan tomarte un respiro mientras suena Breathe (In the Air) y antes de que te vayas acomodando para dejarte llevar suena la futurística On the Run. Nuevamente los arreglos complejos y con un teclado empiezan a machacar.

Cuando piensas que es todo enseguida vuelves a perturbarte gracias a unos malditos despertadores. Suena Time donde cabe destacar el acompañamiento coral que le da cierto aire melancólico y el solo de la guitarra de David Gilmour tan distintivo que se volvió marca personal de la banda (Ticking away the moments that make up a dull day / You fritter and waste the hours in an offhand way), osea deja de desperdiciar la vida y toma el control de tu maldito tiempo y tu destino.

Un solo teclado triste que parece anunciar un momento de reflexión. Suena The Great Gig in the Sky, la cual no contiene una lírica en particular pero si una intensa interpretación vocal no léxica de Clare Torry, se puede percibir en la primera parte del disco la frase. “And I am not frightened of dying, any time will do I don’t mind. Why should I be frightened of dying, there’s no reason for it you’ve got to go sometime”.

Llega la única parte alegre (?) del disco, suenan las cajas registradoras, las monedas cayendo, pues se viene Money: Su título ya de por sí te explica de que va la canción, gran trabajo en la parte rítmica compuesta el bajo de Roger Waters y la batería de Nick Manson. Mientras va desapareciendo llega Us and Them y con ella vuelve la melancolía con el intro grandioso de los teclados de Richard Wright, “Us and them and after all were only ordinary men. Me, and you. God only knows its not what we would choose to do, forward he cried from the rear and the front rank died”. Esta canción por momentos parece que suena a Alan Parsons Project.

Any Colour you like, es la pieza instrumental del disco, donde Wright nuevamente presente con el teclado espacial acompañado a la perfección por Manson y Waters en la parte rítmica que dan paso incorporación posterior de la guitarra de Gilmour, una pieza con muchos arreglos de sintetizadores que se van sosegando al final para dejar solo un sonido de guitarra que da paso a Brain Damage, canción interpretada por Rogers Waters y dedicada a Syd Barrett. Suenan risas que te dan la impresión del viaje a la locura al que se embarcó Barrett y del que no pudo salir hasta el final de sus días. “The lunatic is in the hall,the lunatics are in my hall, the paper holds their folded faces to the floor and every day the paper boy brings more”, sin que lo puedas percibir Brain Damage ya se ha fusionado con Eclipse, último tema del disco, con un acompañamiento coral que constituye el tema perfecto para cerrar el disco. Es tan perfecto este cierre que su párrafo final reza: “There’s no dark side of the moon really. Matter of fact, it’s all dark”.

Maybe I would note that many times the world and the human being is dark. – Kross2380.

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The Dark Side of the Moon – Capitol – 1973

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  • Speak to me
  • Breathe
  • On the Run
  • Time
  • The Great Gig in the Sky
  • Money
  • Us and Them
  • Any Colour You Like
  • Brain Damage
  • Eclipse
Jorge Aguirre
Quito
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La Loma Grande
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duran duran ii

La “Resurección” de Duran Duran y The Wedding Album

El álbum que supuso la redirección de la carrera de Duran Duran está en este mes en su aniversario de plata, pues fue publicado el 11 de febrero de 1993. Siendo este motivo de una pequeña revisión.

Esta importante banda de pop rock británica había experimentado un notorio declive de su popularidad desde la segunda mitad de los años 80 y la misma de hecho se emparentó con lo que fue el súbito desinterés que el público experimentó por la gran mayoría de bandas ochenteras mientras fue el cambio de década hacia los noventa. Dicho esto, sus álbumes “Big Thing” y “Liberty” tuvieron una escasa repercusión en ventas, pareciendo condenar a los de Birmingham al baúl del olvido como tantas otras bandas contemporáneas a ellos.

Sin embargo, Duran Duran pudo agarrar un nuevo aire en la década emergente. Su formación había variado con la salida de Andy y Roger Taylor. Desde 1986 se hacía cargo de la guitarra el estadounidense Warren Cuccurullo, un ejecutor bastante más tecnológico y sofisticado que ya tenía su carrera tocando junto a Frank Zappa o Missing Persons. El poder de su instrumentación se hace presente en “The Wedding Album”, que de hecho formalmente no se llama así, sino que su título es homónimo de la banda, es decir “Duran Duran”, mas para diferenciarlo del primer disco de su carrera, también llamado “Duran Duran”, se decidió bautizarlo con ese apodo debido a la portada del álbum. También es conocido como “Duran Duran II”. Hablando de dicha portada, se observan fotos antiguas de bodas, las mismas pertenecen a las ceremonias matrimoniales de los padres de los miembros de la banda.

Esencialmente “The Wedding Album” es otro material festivo, sensual y bailable de Duran Duran, sin embargo su éxito comercial se fundamentó en las hermosas baladas del disco. Hacia finales de 1992 es publicado el sencillo “Ordinary World”, que relata la desolación por la que el vocalista Simon Le Bon atraviesa tras la pérdida de uno de sus mejores amigos víctima de una sobredosis de drogas. Un tema lento, melancólico al que los solos de guitarra de Cucurullo y la voz de Le Bon que ese espeluznante falsetto dan el tono dramático característico de este, un clásico tema de los años 90.

El otro tema que tuvo gran suceso de “The Wedding Album” fue el tema publicado a continuación de Ordinary World. “Come Undone” salió como sencillo al público a finales de marzo de 1993. El mágico inicio con ese sobresaturado efecto chorus que imprime Cuccurullo a su guitarra lleva hacia un mundo místico dentro de un tema que pareciera haber sido más pensado, pero en realidad fue incluido en el álbum a última hora. Las letras son un regalo de Le Bon a su esposa y las voces adicionales son de la cantante Tessa Niles. El maravilloso y polémico videoclip con el que este tema fue promocionado se grabó en el London Aquarium.

Más allá de las baladas que dieron tanto suceso a “The Wedding Album”, este tiene de hecho temas mayormente intensos y movidos. “Too Much Information” también fue uno de los sencillos promocionales del disco, donde una energética batería conduce a guitarras distorsionadas y los eficientes teclados y artilugios varios de Nick Rhodes. Un sonido más robusto que caracterizó a los noventa de Duran Duran y como apertura del disco es atrapante.

 Al disco le quedaron pocos residuos de las anteriores creaciones de Duran Duran. Temas como “To Whom It May Concern” o “UMF” suenan como el anterior álbum “Liberty” con guitarras funk, pero ya adaptando el beat del pop y R&B de los noventa, el cual estaría presente en la mayoría de temas, tomando en cuenta también que para esos momentos no contaban con un baterista permanente en su alineación, por lo que se evidencia muchas ayudas electrónicas en la percusión. La influencia de la forma de hacer “pop” y “dance” por los beats electrónicos se manifiesta en temas como “None of The Above”, “Shotgun”, “Shelter”  o “Drowning Man”, en este último Nick Rhodes se luce en los teclados.  Dejando a un lado el glamour del funk y New Romantic de los ochenta, tal vez hubo menos espacio para el lucimiento de John Taylor en el bajo, destacando en “None of The Above” y “Love Voodoo”. “Breath After Breath” juega con la incursión hacia ritmos latinos al igual que “Drowning Man”, salvo que la primera tiene un tono más de sosiego.

duran duran 1993

“The Wedding Album” le dio nueva vida a la banda oriunda de Birmingham, tal vez no volverían a ser nunca el súper acto de inicios de los ochenta, pero ayudó mucho a mantenerlos en carrera y en vigencia hasta nuestros días. Además de aportar con grandes clásicos para la década de los 90.

Duran Duran (The Wedding Album) – EMI – 1993

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  • Too Much Information
  • Ordinary World
  • Love Voodoo
  • Drowning Man
  • Shotgun
  • Come Undone
  • Breath After Breath
  • UMF
  • Femme Fatale
  • None of th Above
  • Shelter
  • To Whom it May Concern
  • Sin of the City
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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La Llegada del Rey

El pasado 30 de noviembre se celebró el 35 aniversario de la llegada de “Thriller” a la historia de la música. Un álbum que no solo es célebre por los récords que batió, sino por el legado que dejó principalmente al pop.

Michael Jackson iniciaba la década de los 80 asentándose plenamente como un solista maduro pese a su aún corta edad. El predecesor de Thriller, “Off The Wall”, había tenido una gran repercusión entre crítica y fanaticada, entonces había que asegurar a uno de los responsables: el productor Quincy Jones. Sin embargo, el nuevo disco daría un paso más adelante, pues se pasó de los alegres y bailables funk y soul a un estilo más agresivo con altas dosis de rock, tal como lo exigiría el oído ochentero.

Con sesiones que se extendieron de abril a noviembre de 1982, Thriller fue un extenuante trabajo en alrededor de 30 canciones vieron la luz, pero que finalmente terminó publicando 9 temas, todos ellos tan fuertes que tenían el potencial de convertirse en sencillos, por lo que el disco se mantuvo vigente con mucho poder entre los años 1982 y 1984.

Previamente el disco tuvo su pequeño adelanto con la dulce balada “The Girl Is Mine” grabada en colaboración con Paul McCartney, la cual alcanzó el puesto 2 en la lista “Billboard Hot 100”. Para enero de 1983 se publicó como sencillo a “Billie Jean”, uno de los temas más emblemáticos temas con una de las líneas de bajo más famosas de la historia del pop y el rock. Totalmente funk y soul, pero más robusta que por ejemplo sus temas de “Off the Wall”. Billie Jean fue el sencillo mejor vendido de la discografía de Michael y permaneció 7 semanas como el número 1 de la lista de Billboard. Su ingenioso videoclip fue no sólo la puerta de entrada para los artistas negros hacia MTV, sino que dio a dicha cadena televisiva la repercusión masiva de la que gozó en los siguientes años.

El siguiente hit que sacudió a la audiencia fue “Beat It”. Tema con muchas guitarras y Rock and Roll que tuvo como invitado especial a Eddie Van Halen tocando el monumental solo de guitarra de esta canción. Con una temática anti violencia reflejada incluso en el videoclip, “Beat It” fue reconocida con los premios Grammy a “grabación del año” y como “mejor presentación vocal masculina de rock” en 1984. Por supuesto, también llegó al número 1 de la lista Billboard.

El álbum Thriller arranca con “Wanna Be Startin’ Somethin’”. Un tema cargado con toda la energía funk y de baile que tal vez nos puede trasladar a los años dorados del mítico “Soul Train”. Por supuesto, también fue editada como sencillo en mayo de 1983, ocupando el puesto 5 en Billboard como tope. Saliendo un poco de la energía vital y colorida de anteriores temas, el siguiente sencillo fue “Human Nature”, una balada compuesta por John Bettis y Steve Porcaro, tecladista de la banda Toto. Ya en otoño de 1983 se lanza otro sencillo que fue “Pretty Young Thing”, con otra celebración bailable y funk que seguía manteniendo al álbum en la cima de ventas y un totalmente disfrutable bajo sintetizado.

Del álbum original, los únicos temas que no fueron tomados en cuenta para ser sencillos fueron “Baby Be Mine” y “The Lady In My Life”, ambas con mucho que influenciar al posterior R&B. Sin embargo, el sencillo final, el homónimo “Thriller”, fue más allá en lo musical al mezclar lo más profundo del funk con el pop ochentero y aquellos acordes lúgubres que introducían una obra de terror complementada por el videoclip que es considerado como uno de los más importantes de dicha expresión artística al haber sido concebido como un cortometraje y con espectaculares coreografías y maquillaje fueron la sensación de inicios de 1984.

“Thriller” constituyó una máquina de récords. Estuvo 37 semanas como número 1 en la lista “Billboard 200” y es considerado el disco más vendido de la historia con 66 millones de copias certificadas y contando. En cuanto a premios, su producción obtuvo 8 premios Grammy, todos ellos recibidos en 1984. Su influencia hasta hoy se reproduce en artistas y producciones en géneros Pop y R&B en tal forma que se puede decir que “Thriller” confirmó a Michael Jackson como el indiscutible rey del género.

Thriller – Epic – 1984

thriller

  • Wanna Be Startin’ Somethin’
  • Baby Be Mine
  • The Girl Is Mine
  • Thriller
  • Beat It
  • Billie Jean
  • Human Nature
  • P.Y.T. (Pretty Young Thing)
  • The Lady In My Life
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol