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Terminator: La Revolución Tecnológica

julio 29, 2021/0 Comentarios/en Cine, Cultura /por Edison Guapaz Zambrano

En este mes de julio se cumplieron 30 años desde que “Terminator 2: El Juicio Final” tuvo su debut en las salas de cine. Ha sido una película influyente dentro de una de las sagas legendarias de Hollywood elevada a la categoría de clásico.

El argumento de la saga en sí es mayormente conocido por el amante de las producciones hollywoodenses promedio: una resistencia humana armada en un futuro no tan lejano que lucha contra la desbocada inteligencia artificial que tiene en sus manos prácticamente el fin de la civilización. La paranoia clásica del Siglo XX ante el temor de un holocausto nuclear frente a las inquietudes desarrolladas a partir de la tecnología a finales de ese mismo siglo. El combo perfecto de la angustia, el miedo al futuro y el apocalipsis.

La saga Terminator tiene como ejes temáticos el fin de los tiempos y la tecnología. Ya que se habla de esto último, se busca dar la más impacto narrativo al film a través del desarrollo tecnológico de los efectos especiales. El efecto icónico de la película es el que da las características de la temible unidad T-1000, el “Terminator malo” genialmente interpretado por Robert Patrick. Su estructura de “metal líquido” que lo hace capaz literalmente de transformarse en cualquier cosa se logró gracias a la técnica del morphing de la cual “Terminator 2” podría enorgullecerse como su exponente clásico.

Este tipo de efecto en el cual una imagen se transforma en otra se perfeccionó a través del uso de animaciones generadas por computadoras (CGI) y ya se había visto en filmes como Tron (1982) o en Abyss (1989) dirigida por el mismo director de Terminator, James Cameron. El T-1000 fue el primer personaje creado al menos parcialmente por un ordenador por los estudios Industrial Light & Magic, hoy de propiedad de Lucasfilm. La otra mitad requirió modelos de fibra de vidrio para usar en estudio. Se podría decir que Terminator 2 dio el impulso definitivo hacia la digitalización de los efectos especiales.

Si Terminator 2 tuvo esa influencia decisiva en la creación de efectos especiales para el cine, hay otros aspectos en los que este film influye en la cultura popular. Una de ellas es tan sencilla y referente en construcciones como la jerga juvenil. La frase “Hasta la Vista, Baby” que el futuro líder de la resistencia, John Connor (Edward Furlong), hace aprender a su “entrañable” T-800 (Arnold Schwarzenegger) se popularizó durante buena parte de los años 90. Como también es claramente icónico “I’ll Be Back”, el cual es fuertemente relacionado con el apocalipsis (si te portas entre blasfemo y puntilloso, con la segunda venida de Cristo).

Además de las “frases cliché”, “Terminator 2” tuvo una importante influencia en la cultura popular. Desde cosas tan simples a la vista como la ropa, pues vinculó fuertemente la idea del hombre rudo con las gafas oscuras y la chaqueta de cuero negra (aunque bien puede esto ligarse desde la pre cuela de este film) o el clásico flequillo del joven John Connor como símbolo del niño rebelde. Sus escenas han sido parodiadas en series de comedia como: The Simpsons o How I Met Your Mother. Recordándonos las mutaciones del T-1000, las escenas de persecución o la espectacular llegada de los Terminator al pasado.

“Terminator 2” ciertamente aborda temas muy humanos como las familias disfuncionales (los Connor), la locura y roce con la criminalidad (Sarah Connor y su personaje cuasi anti héroe) y cuestionamientos que aparecieron a finales del siglo anterior sobre la tecnología y su rol en la humanidad y con el desarrollo de ideas paranoicas que derivan en la idea de aniquilación de la raza humana en sí. La idea que la máquina aprenda por si misma puede ser terrorífica, aunque la misma se puede ablandar cuando vemos al T-800 convertirse a su manera en un “tío protector” de John Connor desarrollando lo que sería un equivalente a afecto, algo que se luce esperanzador. Como la misma idea que ese modelo y personaje pase de ser el villano al héroe de la saga.

Entre los premios que obtuvo este film se encuentran 4 Oscar a: mejores efectos visuales, mejor sonido, mejor edición de efectos de sonido y mejor maquillaje. Mejor film de ciencia ficción de los Saturn Award, mejores efectos visuales y de sonido para la Academia Británica de cine y múltiples premios en la gala cinéfila de MTV que incluyó: mejor película, mejor rol masculino para Schwarzenegger, mejor rol femenino para Linda Hamilton e incluso mujer más deseada desde su papel de Sarah Connor. Todo esto entre 1991 y 1992.

“Terminator 2, Juicio Final” es tal vez una de las películas definitivas de los 90 y su ambiente de angustia sobre el vértigo tecnológico sería un anticipo a lo que se va viviendo en el Siglo XXI.

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Achtung Baby! … Renovarse o Morir

noviembre 18, 2016/1 Comentario/en Clásicos, Música /por Edison Guapaz Zambrano

El inicio de la última década del Siglo XX trajo consigo profundos cambios políticos y culturales. Mientras en Berlín, la caída del muro simbolizaba una nueva era social e ideológica, una de las bandas más exitosas de aquellos tiempos se instalaba en dicha ciudad: los irlandeses U2.

Bono y compañía tuvieron un fantástico cierre de década de los 80. Desde la publicación de “The Joshua Tree” todo les iba saliendo espectacularmente bien, con millones de discos vendidos, estadios a reventar en sus presentaciones, premios varios, el reconocimiento de la crítica que les era esquivo a inicios de su carrera y la sensación de ser tal vez la banda más influyente de aquellos días. Sin embargo, lejos de estancarse en una fórmula ganadora, U2 replanteó radicalmente su sonido. Tal vez olían el profundo cambio que vendría y la historia les daría la razón, puesto que a prácticamente todas las bandas exitosas de los 80 les costó muchísimo el cambio de década y de gustos en las preferencias de los jóvenes y el mundo.

A partir de octubre de 1990, cuando se reunificó Alemania, U2 se “acuarteló” en los estudios Hansa en busca de aquel nuevo sonido que golpee la década emergente. La idea era navegar a través de los sonidos de la nueva Europa y dejar atrás el romance con América que les dio tanta fama y fortuna, sin embargo, el experimento estuvo cargado de tensión, los 4 integrantes no parecían caminar en un mismo sendero, las ideas eran dispersas y disímiles, parecía cercano el final del grupo, mas los ensayos arrojaron la canción que los salvó: “One”.

La hoy por hoy famosísima balada partió a través de un jam extendido de lo que sería otro de sus grandes éxitos: “Mysterious Ways”. Dejó a la banda conforme y lista para los pasos finales en el habitual “Windmill Lane” de Dublín. “One” habla de amor, pero no precisamente de una forma idílica y acaramelada. Habla que al mismo hay que cultivarlo día a día, cuidarlo como a una delicada planta y que al menor descuido, puede marchitarse, es más bien sobrevivir al amor, dentro de una melodía que es más bien desgarradora y cargada de cierta crudeza.

Hubo fans que a su tiempo dijeron que Achtung Baby tenía “demasiadas canciones de amor”. En este combo podemos incluir a temas como “So Cruel” en el que los desencuentros de pareja se exponen (the man who loves you, you hate the most). “Ultraviolet (Light My Way)” habla de celos e infidelidad (sometimes I fell like I don’t know, sometimes I feel like checking out, I wanna get it wrong, can’t always be strong, and love it won’t be long). “Love Is Blindness” tiene un motivo de intrigas que tal vez no sean tan buena idea aclararlas en una relación de pareja. “Tryin’ To Throw Your Arms Around The World” es más bien la calma para tanta turbulencia. Es un disco más bien de decepción y resignación, más que de su aparente colorido.

“Achtung Baby” tuvo estéticamente un giro radical para U2. De pasar a ser la banda circunspecta que solo se sacaba fotos a blanco y negro, pasaron a ser todo sonrisa y variedad de tonalidades de la mano de su habitual fotógrafo, el holandés Anton Corbijn. Un collage multicolor como portada del álbum alarmó a más de un fan y cuya angustia pudo haber crecido al poner play. “Zoo Station”. Arranca con una guitarra saturada de efectos y no faltó quien piense que el disco venía defectuoso, pero era la alerta con la que U2 talaba a su pasado, al Joshua Tree tal vez. I’m ready for what’s next…

U2 en los años 90 era una banda que disponía del dinero y los recursos para hacer de su sonido una revolución sonora de la cual el guitarrista “The Edge” es el cabecilla con la sobredosis de efectos en temas como “Zoo Station”, “Acrobat” o el primer sencillo del disco: “The Fly”. Aquel tema que hace una cínica burla de lo que es el mega estrellato. “The Fly” sería la carta de presentación del nuevo U2 al mundo y a la vez, uno de los tantos alter-egos que Bono utilizaría en la gira promocional del disco.

El siguiente corte promocional fue “Mysterious Ways”, uno de los emblemáticos temas de la banda, de orden místico, respaldado por los miles de efectos de la guitarra de Edge, el ultra funk bajo de Adam Clayton y la oportuna percusión de Larry Mullen forman una sensacional combinación en el que la sensualidad y espiritualidad van de la mano. El videoclip dirigido por Stephane Sednaoui no pudo ser más acertado al darle ese movimiento propio del uso de espejos convexos. Totalmente atrapante.

“Even Better Than The Real Thing” inicia al oyente a la experiencia mediática por venir a partir de los años 90 y que creció y se consolidó en el Siglo XXI, aquella sobredosis de imagen e información que lo utilizarían como parte de su concepto artístico más adelante, que en aquellos momentos era motivo de fascinación y que ahora es diario vivir, objeto de debate y a la vez, de preocupación.

También fueron tomados en cuenta como sencillos los temas “Until The End Of The World”, que también conjuga espiritualidad y sensualidad y “Who’s Gonna Ride Your Wild Horses”, una compleja balada difícil de ser interpretada en vivo. En ambos temas, es evidente el sesudo trabajo de producción de Flood, Brian Eno y Daniel Lanois. ¿Por qué este disco se llamó así? Se podría decir que es una fusión entre su experiencia alemana (Achtung) y el hecho que en las letras del disco se encuentra la palabra “baby” varias veces, algo que los U2 en los inicios de su carrera habían jurado que jamás incluirían. La vida da vueltas.

“Achtung Baby” fue un álbum muy exitoso en cuanto a números. Se estima que hasta la fecha ha vendido 18 millones de copias, fue número uno en la lista “Billboard 200” en la primera semana de diciembre, ganó un Grammy por mejor presentación de rock por un grupo o dúo y su gira promocional, el “Zoo TV Tour” tuvo ingresos millonarios. Los críticos lo ubican junto a “The Joshua Tree” como las obras maestras de la banda. El disco es un referente de los años 90, uno de los fundamentales de la década.

Achtung Baby – Island / Polygram – 1991

Zoo Station
Even Better Than The Real Thing
One
Until The End Of The World
Who’s Gonna Ride Your Wild Horses?
So Cruel
The Fly
Mysterious Ways
Tryin’ To Throw Your Arms Around The World
Ultraviolet (Light My Way)
Acrobat
Love Is Blindness

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Discos Imprescindibles: 25 años Nirvana – Nevermind

septiembre 23, 2016/2 Comentarios/en Clásicos, Música /por Jorge Aguirre

A lo largo de la historia del rock, se han producido varias etapas que algunos expertos lo han clasificado como las 7 edades del rock (documental de la BBC muy recomendado) el final de cada etapa o edad se da con un punto de quiebre en el estilo predominante y el inicio de una nueva corriente de hacer música. Una de estas últimas edades es el aparecimiento del Rock Alternativo.

Smells Like Teen Spirit

Allá por los inicios de los 90´s todavía reinada el rock de estadio y el glam rock dominando durante casi una década las emisoras, cadenas de tv. Sin embargo la fórmula de estas bandas estaba cada vez más desgastada en la parte musical, estética y muy pocas pudieron mantenerse luego de lo que estaba por venir. A la par de esto una nueva generación de adolescentes ( la famosa Generación X) no se sentían identificados con lo que escuchaban y se veían en la escena musical predominante, bandas emergentes comenzaban a presentar sus propuestas y salir de a poco del anonimato: los primeros Soundgarden y Alice In Chains, o bandas que ya estaba desde los ochentas como R.E.M., Pixies, Sonic Youth, RHCP o Jane’s Adiction por mencionar a algunos. Estos se hacían cada vez más populares en los circuitos universitarios de los Estados Unidos, sin embargo algo faltaba para que todo este puñado de música eclosione.

In Bloom

En 1989 una de estas bandas emergentes de nombre Nirvana había ya sorprendido con la publicación a través del sello SubPop de un tremendo Álbum: Bleach. A pesar de que la grabación del mismo fue una paradoja para la banda, sobre todo para su líder: Kurt Cobain. Esto llamó la atención de la Gigantesca David Geffen Company, quien los fichó para crear su siguiente disco: Nevermind. Quien Estuvo a cargo de la producción fue el genial Butch Vig (conocido por su trabajo en Garbage), dándole un giro completo en sus arreglos manteniendo la agresividad de la banda pero dándole un sonido más limpio y cierto toque pop que fue definitivo para su irrupción en el medio musical mainstream. La revolución que generó luego de su publicación no ha podido ser igualada por ninguna banda, se puede afirmar que salvo el britpop que reinaba en paralelo con Nirvana, no ha existido otro cambio tan radical en la escena musical. Como afirmarían en su momento varios críticos la emergente escena bautizada en ese momento como “grunge” terminó matando el reinado del glam metal y las bandas de estadio.

Come As You Are

A pesar de las pocas expectativas de Nevermind, como se comentó, terminó siendo un tremendo éxito comercial que empezó de a poco a minar los estados de ánimo de un ya problemático Kurt Cobain quien terminó repudiando con el tiempo aquello que él y la banda se habían convertido. La fama y éxito de Nirvana jamás pudo ser bien llevada por Cobain con su conocido trágico desenlace.

Publicado el 24 de septiembre de 1991, el disco contiene 12 temas de los cuales 4 fueron extraídos como singles:

Smells like teen spirit

Come As You Are

Lithium

In Bloom

La portada del disco una de las más emblemáticas de la historia de la música de estuvo a cargo del director artístico de Geffen, Robert Fisher. En el mismo se muestra a un niño buceando tras un billete de un dólar que tiene un anzuelo, con una tonalidad celeste y lila propio del efecto del agua. La idea de dicho arte partió por el interés de Cobain hacia los partos en agua.

Nevermind amalgama perfectamente y toma prestados sonidos de varias bandas como Pixies, Jesus Lizardo o Killing Joke, para darles su toque y juntar las letras de Kurt que abarcan varios tópicos. Las canciones por lo general alternan cambios de ritmos sobre todo en los coros, el bajo de Krist Novoselic y la enérgica batería de David Grohl (aunque Chad Channing, su predecesor, había grabado Polly), se complementan con la guitarra y la increíble voz de Cobain. La forma para cantar cada una de las canciones le da esa emoción necesaria a cada uno de los temas. Puede ser un paranoico en Territorial Pissings, sonar como una persona desolada en Something in The Way, como un tipo aparentemente tranquilo en la oscura Polly o transmitirte mucha energía en canciones como Loung Act, On a Plain o su incomprendido himno Smells Like Teen Spirit.

Aquella alternabilidad entre calma e intensidad que marcó a Nevermind y a la música de Nirvana, bien se puede atribuir a Pixies, banda de la que Cobian era fan declarado. Destacar el trabajo de Novoselic en temas como “Come As You Are”, donde el lúgubre riff de bajo conduce a la canción. Temas como “Stay Away” o “Territorial Pissings” tienen el sello inconfundible de Grohl. Peculiarmente, Polly fue grabada con una guitarra con 5 cuerdas y diríamos que la decisión fue acertada.

Nevermind paradójicamente se vendió como una revolución, la efervescencia de un público juvenil que ya no se identificaba con los valores pomposos de los 80 y la intención de la misma se ve reflejada en el video de “Smells Like Teen Spirit” (título inspirado accidentalmente en una marca de desodorante).

No podemos entrar a detalle para analizar el significado de cada una de sus temas ya que esto en su momento causó controversia con el mismo Cobain quien alguna vez pregunto ¿Por qué diablos los periodistas insisten en venir con una segunda evaluación freudiana de mis letras cuando no las entienden en el 90 por ciento de las ocasiones?

Nevermind alcanzó el número de la lista “Billboard 200” el 11 de enero de 1992, desplazando de dicho lugar al “Dangerous” de Michael Jackson y permaneció en la afamada lista durante 252 semanas. Certíficó “disco de diamante” en Estados Unidos y Canadá. Además se le registra más de 30 millones de copias vendidas alrededor del mundo. En la lista de 500 discos esenciales de la revista “Rolling Stone” ocupa el puesto 17, siendo el mejor ubicado de los años 90, década de la cual, prácticamente es el disco icónico.

Nevermind es el último eslabón del rock, lo que vino después si bien no es despreciable no llegó a lograr en el mercado y la cultura musical el efecto que Cobain y Compañía logró. Todavía me pregunto: ¿cuándo vendrá la siguiente edad del rock?

Nevermind – Geffen Records – 1991

Smells Like Teen Spirit
In Bloom
Come As You Are
Breed
Lithium
Polly
Territorial Pissings
Drain You
Lounge Act
Stay Away
On A Plain
Something In The Way

Jorge Aguirre

Quito
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Use Your Illusion: La Ópera Hard-Rock

septiembre 16, 2016/0 Comentarios/en Clásicos, Música /por Edison Guapaz Zambrano

Este 17 de septiembre se cumplen 25 años desde que salieron al público los discos “Use Your Illusion” de la banda norteamericana Guns N’ Roses. La apuesta por editar discos dobles fue arriesgada, sin embargo, tremendamente exitosa en lo artístico y comercial. Los Guns seguían siendo esos furiosos sujetos de las calles de Los Ángeles, pero esta vez tenían mucho más que decir en la avalancha de sensaciones que transmiten estos álbumes.

Las famosas portadas de los Illusion fueron diseñadas por el artista Mark Kostabi, quien tomó una escena del famoso cuadro de Rafael, “La Escuela de Atenas” y les superpuso colores cálidos para el Volumen 1 (qué es más rockero) y colores fríos para el Volumen 2 (que de pronto tiene temas más lentos). El incluir ese toque clásico a la imagen de GNR era sin duda novedoso para un público acostumbrado a verlos con cruces, esqueletos y demás símbolos de aparente rudeza y calle. Hacía advertir que el producto musical también era bastante más sofisticado.

Los Illusion fueron la tercera publicación en estudio de Guns N’ Roses. Durante aquellos días, la alineación de la banda había sufrido algunas modificaciones con la salida de Steven Adler y la incorporación de Matt Sorum a la batería, también sumándose Dizzy Reed para teclados, percusión y demás requerimientos en vivo. Así mismo, el guitarrista rítimico Izzy Stradlin formó parte de la composición de las placas, pero se retiró de la banda poco después que estas se publicaron. En la gira de promoción, su reemplazante sería Gilby Clarke.

La banda encontró en Sorum un baterista con mayores variantes a la hora de llevar el ritmo de la banda que estaba buscando nuevos horizontes componiendo en piano y extendiendo algunos temas que llegaron a durar 8, 9 y 10 minutos como November Rain, Estranged y Coma. Algo poco común y difícil de trabajar comercialmente dado los saturados espacios de radio y más aún de televisión si lo que se buscaba era difusión, la cual de todas formas fue pomposa, pues a esas alturas lo que menos le faltaba a los Guns era dinero.

Guns N’ Roses buscó adentrarse a las raíces del Rock and Roll con varios temas con un notable toque country y blues como: “Dust N’ Bones”, “You Ain’t The First”, “Bad Obsession”, “Dead Horse” o “Breakdown”. También incursionó en ritmos de otras latitudes con ese solo en estilo flamenco de “Double Talkin’ Jive” o las cítaras asiáticas del inicio de “Pretty Tied Up”. Incluyó covers de leyendas como “Live and Let Die” (Paul Mc Cartney & Wings) o “Knockin’ On Heaven’s Door” (Bob Dylan). También tuvieron invitados de lujo como Alice Cooper, quien canto algunas estrofas en “The Garden”.

Como se dijo anteriormente, la promoción de estos discos fue multimillonaria y espectacular. Inició algunos meses antes del lanzamiento del álbum con la inclusión de “You Could Be Mine” en la banda sonora de la película “Terminator 2: Judgment Day”. Su videoclip incluye insertos de la mencionada película que fue un gran suceso de taquilla de los años 90 y a la vez, el tema se convertiría en uno de los clásicos de la banda, con la habitual agresividad de las guitarras de Slash y Stradlin, más el punzante bajo de Duff.

Los Illusion contienen varias de las “Power Ballads” más importantes de la banda y tal vez, de la historia del rock and roll. La trilogía “Don’t Cry”, “November Rain” y “Estranged”, son obras maestras en la que los violentos cambios de sensaciones y emociones, marcados por los tiempos, el volumen e inclusión de los instrumentos pueden llegar a desbordar a quien las escucha. November Rain y Estranged son temas ensamblados de varios segmentos, muy al estilo de las composiciones clásicas – académicas. La oportuna intervención de los solos de Slash en cada uno de los mismos aporta más con la sensación desgarradora de estas canciones que hablan de amor, desamor y sobretodo desengaño. Recordemos que Don’t Cry está basado en los tormentosos últimos días de la relación de Axl Rose con Erin Everly a quien había dedicado Sweet Child Of Mine años atrás.

Dicha trilogía fue promocionada con tres espectaculares videoclips inspirados narrativamente en el cuento “Without You” de Del James. Inicia la misma con “Don’t Cry”. Una conflictiva historia de amor y la insinuación de misticismo y tiempo circular, con vida, muerte, renacimiento y escenas de lo que puede sugerirse como “vidas pasadas”. También disimuladamente buscan a Izzy, quien tenía poco tiempo de haber abandonado la banda tras la publicación de este clip. Una “power ballad” por excelencia.

Sigue “November Rain”, con la trágica historia de una boda que termina en funeral. La producción fue escandalosamente costosa con más de un millón de dólares que incluyeron entre otras cosas fastuosas: la construcción de la capilla del matrimonio o el vestido de bodas de diseñador que usó Stephanie Seymour, quien para ese entonces (1992) era novia de Axl Rose y a su vez, afamada modelo. Todo eso matizado con una impresionante presentación en vivo que incluye músicos académicos. Himno indiscutible de los Guns.

Finalmente con “Estranged” se cierra este ciclo explicando aquella sensación que incluso en el videoclip se describe con definición de diccionario: cuando hay mutua enemistad o indiferencia donde alguna vez hubo amor, afecto o amistad… con la consecuencia obvia de la separación. Un poderoso tema de más de 9 minutos que brindan intensas emociones y a pesar de su duración, es imposible pensar que pueda aburrir.

Como se había dicho anteriormente, los Illusion parecieran tener una diferencia entre un álbum más agresivo y otro más lento, aunque los miembros de la banda aseveran que esa no era la intención. El “Illusion I” inicia con un lúgubre riff de bajo tal como Duff McKagan y su técnica con púa pueden lograrlo en “Right Next Door’s To Hell”, tema dedicado a una conflictiva vecina. Temas muy rockeros como “Back Off Bitch”, “Double Talkin’ Jive” o “Garden Of Eden” hacen sacudir la cabeza, mientras que el final del disco con “Coma” tiene una magnífica conducción hacia la angustia nuevamente dirigida por el bajo de McKagan y apoyado incluso con un desfibrilador.

En el “Illusion II”, un inicio brillante nos adentra a una experiencia “opera rock” con la espectacular “Civil War”, que con un inicio lento y acelerando progresivamente, inyecta más de 7 minutos de adrenalina progresiva. Temas como “Yesterdays” exponen las mejores épocas de la voz de Axl Rose quien con poderosas exclamaciones señala que el ayer no tiene nada para él. Otro buen y sentido tema lento es “So Fine”, mientras que Locomotive son otros 7 minutos lentos pero intensos. El disco finaliza con la desconcertante “My World”, un pesudo rap que con gemidos y sampleos cierra los discos dejando muchas incógnitas en menos de 2 minutos.

En cuanto a logros artísticos y comerciales, ambos discos certificaron 7 discos de platino, habiéndose vendido más de medio millón tras solo 2 horas de haber salido al mercado. Claro, hay que decir que la “campaña expectativa” del disco fue enorme. “Illusion II” fue número uno, acompañado de “Illusion I” de la lista de “Billboard 200” de los Estados Unidos en las 2 primeras semanas de octubre, ambos discos llegaron a estar en el número uno de las listas de países como: Gran Bretaña, Australia, Nueva Zelandia y Canadá. Su tumultuosa gira promocional, “Use Your Illusion Tour”, tomó 2 años en dar la vuelta a Norte, Sudamérica, Europa, Asia y Oceanía entre 1991 y 1993, donde remataría en Argentina. Ahí ocurrió el último show con mayoría de miembros originales de Guns N’ Roses hasta su reciente reunión en 2016.

Los Guns N’ Roses con los discos “Use Your Illusion” llegaron a ser uno de los más importantes, sino el más importante acto de rock and roll de inicios de los noventa y estaban llamados a ser leyenda. Tal vez sí lo sean, pero los conflictos alrededor del grupo acabaron pronto una formación que tendría muchos híbridos en los años posteriores y que no trascendió en la música como tal vez se esperaba con los miembros originales. La madurez en composición y ejecución que alcanzaron con estas placas regalaron piezas clásicas e inolvidables a la historia del género.

Use Your Illusion I – Geffen Records – 1991

Right Next Door To Hell	2:58
Dust N’ Bones	4:55
Live And Let Die	2:59
Don’t Cry (Original)	4:42
Perfect Crime	2:22
You Ain’t The First	2:32
Bad Obsession	5:26
Back Off Bitch	5:01
Double Talkin’ Jive	3:19
November Rain	8:53
The Garden	5:17
Garden Of Eden	2:36
Don’t Damn Me	5:15
Bad Apples	4:25
Dead Horse	4:17
Coma	10:08

Use Your Illusion II – Geffen Records – 1991

Civil War	7:36
14 Years	4:17
Yesterdays	3:13
Knockin’ On Heaven’s Door	5:36
Get In The Ring	5:29
Shotgun Blues	3:23
Breakdown	6:58
Pretty Tied Up	4:46
Locomotive (Complicity)	8:42
So Fine	4:09
Estranged	9:20
You Could Be Mine	5:48
Don’t Cry (Alt. Lyrics)	4:42
My World	1:22

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Discos Imprescindibles: 25 años Pearl Jam – Ten

agosto 27, 2016/2 Comentarios/en Clásicos, Música /por Jorge Aguirre

Definitivamente durante la década de los 90 vieron la luz un gran número de bandas que fueron etiquetadas en lo que la prensa musical de ese momento decidió bautizarlo como “Grunge”. Sin embargo, muy pocas pudieron hacer diferencia y destacarse por su calidad musical y sobre todo no verse eclipsadas por el fenómeno Nirvana. Una de estos grupos que trazo su propio camino y trascendió en las décadas posteriores haciendo historia sin duda alguna fue Pearl Jam.

Su primer trabajo de estudio, “Ten”, es uno de esos discos que expresan la desesperanza, la pérdida del amor y la rabia adolescente de la famosa generación X, así como los problemas de la sociedad norteamericana que marcaban los inicios de los 90. Compuesta en su versión original para el mercado norteamericano por 11 temas, se lanzaron 4 sencillos:

Alive
Even Flow
Jeremy
Oceans

Stone Gossard y Jeff Ament guitarrista y bajista respectivamente, habían sufrido la pérdida de su amigo y vocalista de su banda Mother Love Bone: Andrew Wood. Lo que desencadenó en la finalización de este proyecto que estuvo activo entre 1988 y 1990 y vio a luz su único disco póstumo: Apple. Con este antecedente, Gossard invita para su nuevo proyecto a su amigo y guitarrista Mike McCready, quien se encontraba tocando en una banda llamada Love Chile. Estos tres personajes acompañados por el baterista de Soundgarden, Matt Cameron, grabaron una serie de demos conocidos como “the Stone Gossard Demos” que fueron distribuidos a varias personas con la premisa de encontrar un baterista y un vocalista. Uno de estos demos llega a las manos de Jack Irons (baterista de Red Hot Chili Peppers) quien se lo da su amigo Eddie Vedder, por ese entonces vocalista de la banda San Diego Bad Radio.

Vedder con este demo construye las letras de las canciones: Once, Alive y Footsteps (esta última apareció como lado B del sencillo Jeremy), creando la famosa Trilogía Mamasan: una mini ópera que cuenta la historia de un personaje que cuenta su infancia y su relación enfermiza con su madre (Alive), su conversión a un asesino en serie (Once) y sus últimos momentos antes de ser ejecutado (Footsteps). El demo es devuelto a Gossard con la introducción de su voz, quien queda impactado con la capacidad vocal y lírica de Vedder, invitándolo a formar parte de los Mookie Blaylock (nombre inicial de la banda antes de rebautizarla como Pearl Jam). Vedder se une al resto de los músicos con la última incorporación de Dave Krusen a la batería.

Las grabaciones fueron entre marzo y mayo de 1991 en los estudios London Bridge de Seattle, producidos por un desconocido Rick Parashar (quien posterior a este disco trabajaría con grupos como Alice in Chains, Blind Melon, Melissa Etheridge y otros hasta su muerte en 2014). Finalmente el disco sale a la venta el 27 de agosto de 1991.

El diseño de la portada estuvo a cargo de Lance Mercer en la fotografía, mientras que Lisa Sparagano y Risa Zaitschek fueron acreditadas por el diseño, uno de los más recordados conjuntamente con el Smells Like Teen Spirit de Nirvana.

El sonido marcado por el estilo rítmico muy cargado de la guitarra de Gossard, los solos de McGready que por momentos recuerdan a sonidos de bandas como Bad Company, el buen acompañamiento de las líneas de bajo de Ament y la batería de Krusen. Pero definitivamente uno de los puntos más altos en todo el disco es la sobresaliente e incomparable voz de uno de los mejores cantantes que ha dado el rock: Eddie Vedder, quien adicionalmente se encargó de todas las letras del álbum mostrándonos su gran capacidad como compositor.

El disco da inicio con Once que como se comentó fue parte de las tres primeras canciones que escribió Vedder para la banda. La historia de una persona que se convierte en un asesino serial (I got a sixteen gauge buried under my clothes…I pray, Once upon the time). Destaca el sonido de las dos guitarras con cambios de ritmo constantes a lo largo de la canción que con la voz llena de rabia de Vedder le dan cierto toque de angustia y logran transmitir la historia perfectamente.

Le sigue una de sus canciones más conocidas: Even Flow. Un tema en los que destaca el trabajo del bajo y batería llevando el ritmo de la canción y que trata de las personas marginales y sin techo (congelada, descansa su cabeza en una almohada hecha de concreto) y todos sus padecimientos hasta que encuentran una mano amiga que lo llevan hacia otro lugar (queda a interpretación si es o no el momento en que alguien los ayuda o simplemente van muriendo). Como anécdota al inicio del video promocional de la canción se puede mirar a un enfadado Eddie Vedder reclamando a realizador del mismo, Josh Taft en estos terminos: “This is not a TV Studio, Josh. Turn those lights out, it’s a fucking rock concert”.

El tercer corte es otro de sus temas emblemáticos: Alive, en este tema deja su marca más visible Mike McCready con un intro de guitarra al inicio y un solo de guitarra al final mostrándonos todo su potencial como guitarra líder. La letra trata de los traumas infantiles y la dura relación de un hijo con su incestuosa madre(hay algún problema dijo ella, por supuesto que lo hay, sigues vivo dijo ella, ¡oh!, ¿merezco estarlo? ) Definitivamente la mejor canción del disco, una verdadera obra maestra: Son, she said, have I got a little history for you…what you thought was your daddy, was nothing but a…., while you were sitting home alone at age thirteen, your real daddy was diying, sorry you didn’t see him but I’m glad we talked…

Why Go nos entrega nuevamente con una tremenda base rítmica de bajo – batería nos habla del uso de drogas y los problemas familiares que acarrean: Why go home?; le sigue una de sus canciones más emotivas y personales. La hermosa, desoladora y conmovedora balada Black nos habla de la pérdida y resignación por la que pasamos cuando la persona que amamos nos ha dejado por alguien más (por momentos me trae recuerdos de “A tears go by” de los Rolling Stones), impacta el sentimiento de tristeza y desesperación que imprime Vedder al cantarla: All five horizons revolved around her soul, as the earth to the sun, now the air I tasted and breathed has taken a turn, ooh and all I taught her was everything, Ooh, I know she gave me all that she wore, and now my bitter hands chafe beneath the clouds, ¿of what was a everything?

En este momento del disco nos encontramos con otro de sus puntos más altos a nivel compositivo y musical. Me refiero a la canción Jeremy, que narra la historia real de Jeremy Wade Walde, quien luego de soportar tanto acoso escolar y falta de atención de sus padres decidió pegarse un tiro frente a sus compañeros de clase. A pesar de que inicialmente no iba a ser considerada como un sencillo, se hizo el video que retrata esta triste historia. El video que si bien ganó varios premios, fue editado por la censura (el momento en que Jeremy dispara la pistola en su boca y una referencia nazi) siendo este el punto de quiebre donde la banda decidió no realizar más videos. Destaca el gran trabajo en el bajo nuevamente a cargo de Jeff Ament que sobresale en la mayor parte de la canción que si bien es lenta poco a poco va adquiriendo más dramatismo a medida que se va contando la historia.

Le sigue Oceans, una canción tributo de Eddie Vedder a las olas y al surf. Acá se puede apreciar la sensibilidad y armonía de la interpretación vocal de Vedder que contrasta en cierta manera con sus aporte en las canciones anteriores. Nuevamente las líneas y armonías del bajo de Ament se hace presente acompañados de unos acordes sencillos de guitarra y una interesante ejecución de la batería de Krusen

Una acelerada Porch nuevamente nos vuelve a hablar de la pérdida del amor aunque musicalmente difiere de Black siendo la temática similar. Garden con arpegios de guitarra nos llevan hacia las dudas existenciales que acompañan al ser humano y como este ha transformado su modo de vida (I don’t question our existence, I just question our modern needs, I will walk with my hands bound, I will walk with my face blood). Nuevamente un solo de guitarra impresionante hacia un poco más de la mitad ejecutado por McCready con la voz desgarradora de Vedder le van dando ese toque distintivo de fuerza y rabia característico de la mayoría de las canciones del disco.

Deep es uno de los temas más hard rockeros del álbum, nos transporta nuevamente hacia el mundo de las drogas, la muerte y el suicidio. Se conjuga perfectamente la guitarra de McCready y el bajo con muchos efectos de Ament. Cierra el disco Release, la cual inicia con unos arpegios y una voz en tono de mantra de Vedder, para posteriormente ir incorporándose el resto de instrumentos. Su interpretación y lírica relativamente sosegada nos habla de la relación y perdida de un padre y de qué camino tomar en la vida (I see the world, feel the chill, which way to go?).

Un disco con una tremenda composición lírica lleno de mucho drama y de algunos momentos de misticismos en sus letras, con una sólida interpretación musical y con un frontman que de aquí en adelante haría historia. Ten es una obra maestra que nos da un repaso a todo lo que fue los 90’s, con un acercamiento más hacia el hard rock que al “grunge”. Es un clásico del rock que debe estar en nuestras estanterías musicales.

Jorge Aguirre

Quito
Since 1980
Hablamos de fútbol, finanzas, música y cine.
La Loma Grande
Rock N´Roll, Futbol, Café y Chocolate

Discos Imprescindibles: 25 años – Metallica (The Black Album)

agosto 11, 2016/1 Comentario/en Clásicos, Música /por Jorge Aguirre

El disco que marcó un punto de inflexión en los siguientes trabajos del cuarteto de San Francisco, un disco más trabajado y más lento que el sonido thrashero de sus antecesores. Publicado el 12 de agosto de 1991, fue sin dudas el siguiente paso evolutivo a un sonido definitivamente más comercial que los consolidó en las listas “mainstream” con sus 5 sencillos:

Enter Sandman

The Unforgiven

Nothing Else Matters

Wherever I May Roam

Sad But True

La grabación del disco no fue fácil debido a la constante tensión entre el nuevo productor, Bob Rock, y los miembros del grupo. Sin embargo, como James Hetfield declararía en varias ocasiones, querían un cambio en el sonido, cuando escuchó el “Dr. Feelgood” de Motlëy Crüe (producido por Rock), exclamó que ese es el tipo de sonido que estaban buscando.

¿Qué es lo que caracteriza a este disco? Como se mencionó anteriormente, la composición de las canciones son más lentas, con menos duración y con otra afinación en las guitarras pero manteniendo su estilo pesado a excepción de las dos baladas (las primeras en su discografía) que vienen en el disco. Por primera vez incluyen un arreglo orquestal en la canción Nothing Else Matters, pero sobre todo el sonido del bajo de Jason Newsted aparece y se aprecia por primera vez desde su ingreso a la banda ya que en “And Justice for All” fue prácticamente silenciado por obra y gracia de Lars Ulrich.

La portada completamente negra con el logo de la banda y una serpiente enrollada en la parte baja que fue tomada de la bandera Gadsden (bandera revolucionaria histórica de los Estados Unidos, recibe su nombre del general americano Christopher Gadsden, que luchó contra el imperio británico durante la Guerra de la Independencia).

Los temas a destacar del disco son varios, pero hablaremos de los más importantes: abre con la ya clásica Enter Sandman (primer single de la banda) cuya letra hablaba acerca de las peticiones, rezos, miedos, dudas y sueños en los que nos solemos sumergir, aquí la segunda guitarra de Hetfield suena atronadora, se puede aprecia que la banda no pierde su esencia thrash a pesar de que la canción sea mucho más lenta. Fue acompañada de un increíble video que te traslada a la pesadilla de la que Hetfield te está hablando y te sumerge en la misma (Now I lay me down to sleep, pray the lord my soul to keep, If I die before I wake, pray the lord my soul to take).

En el mismo estilo le sigue Sad but true y Holier than thou. El primer quiebre en el sonido y temática del disco se produce con The Unforgiven. Muy diferente a las pocas canciones sosegadas que habíamos escuchado como por ejemplo Fade to Black, pero siempre contando con el respectivo solo de Kirk Hammet.

Wherever I may roam, con un arreglo de sitar eléctrico, nos vuelve al sonido pesado de este disco, una gran canción y otro de los clásicos de la banda, al igual que Don´t Tread on Me. Le sigue Trough the Never, de las canciones más rápidas del disco, nos traslada por un momento a los anteriores trabajos de Metallica.

Nuevo punto de quiebre o pausa para escuchar una de las canciones que marcan la transición musical y lírica de Metallica: Nothing else matters. Balada con tintes de nostalgia y amor que fue escrita y parcialmente compuesta por James Hetfield y dedicada a su novia, buenos arpegios, tremenda orquestación introducida acertadamente por Bob Rock que le da más dramatismo y un toque de nostalgia.

Nuevamente suenan atronadoramente Of wolf and Man y The God that Failed. Esta ultima con un tremendo intro de bajo a cargo de Newsted que nos demuestra su calidad como músico y que se ratifica al ser parte de la composición de My friend of misery, la cual en su inicio fue concebida como una pieza instrumental al estilo de Orion o The Call of Ktulu, pero sobre el cierre de la grabación del disco decidieron que tenga letra. Finalmente Cierra el disco The Struggle Within.

A pesar de las críticas generalmente positivas de la prensa especializada, muchos de sus “fans “thrahsers” comenzaron a alejarse y a criticar el nuevo sonido de Metallica, incluso a tildarlos de “vendidos”. Aquí es cuando me pregunto: ¿Si las bandas hacen negocio con la música, lo cual está bien ya que ese es su trabajo y a pesar de que suenan diferente su calidad sigue siendo innegable, por qué se les acusa de venderse? Por ejemplo con Metallica: And Justice for All… vendió nada más y nada menos que 1.000.000 de copias, así que eso de venderse sigue siendo relativo desde el punto de vista del corazón y gusto de cada fan.

Tal vez no llegue a tener el nivel, incluso no sea comparable con su obra maestra Master of Puppets, pero sin duda su calidad musical es innegable, The Black Album es uno de los discos definitivos de la historia del rock que debe estar en tu biblioteca musical.

Jorge Aguirre

Quito
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Discos Imprescindibles: Alice In Chains – Unplugged

julio 30, 2016/2 Comentarios/en Clásicos, Música /por Jorge Aguirre

Revisión Especial de 20 años

El tiempo es inexorable y la buena música no se vuelve vieja sino que se convierte en clásica. La mayoría conoce la historia de los famosos “Unplugged” de MTV, que básicamente han sido un formato de conciertos acústicos que se desarrollaron con gran suceso en los 90s y nos permitieron apreciar bajo otra perspectiva musical a nuestros artistas favoritos. Estos conciertos “desenchufados” con el tiempo se volvieron clásicos y en muchos casos generaron historias alrededor de su conceptualización y puesta en escena. Un Unplugged que trascendió en el tiempo y se convirtió de acuerdo a muchos críticos musicales en uno de los mejores fue el de Alice In Chains.

Grabado el 10 de abril de 1996 en el Brooklyn Academy os Music’s Majestic Theatre de la ciudad de Nueva York, fue oficialmente publicado el 30 de julio de 1996. Alice In Chains regresaba a los escenarios luego de tres años de ausencia, a pesar de que a finales del año 1995 había visto a la luz su último disco homónimo Alice in Chains y a que tampoco pudieron realizar la gira programada para el año 1994 luego de que viera a la luz uno de sus trabajos más exitosos: el ep. “Jar of Flies”, debido al camino hacia la autodestrucción que había seguido su vocalista Layne Staley (del cual ya no saldría poniendo fin a su existencia el 5 de abril de 2002).

“I would have to say this is the best show we‘ve done in three years” Layne Staley.

Layne It´s the only one…… Jerry Cantrell

Abstraerse y tratar de hablar solo de su versión editada en disco es un poco complicado porque el show que fue televisado y posteriormente editado sin cortes (tienen que intentar ver esta versión) permite apreciar aún más la complicidad y dimensión musical a la que llegaron en este performance.

El mismo no podía iniciar mejor que con “Nutshell”. Los primeros acordes suenan y uno a uno los miembros de AIC van entrando al escenario, el último en ingresar es Layne o lo que empezaba a quedar de él (con un aspecto enfermizo casi de un cadáver). Se escucha y se ve la ovación con la que es recibido, su voz desgarradora se hace presente y te sumerge en su dolor, te advierte que está peleando pero que no sabe si lo va a lograr, es muy difícil no emocionarse con esta versión, más aun con el pasar de los años. (“We chase mi sprinted lies, we face the path of time, and yet I fight, we chase mi sprinted lies, we face the path of time, and yet I fight and yet I fight, this battle all alone”…)

Enseguida te vuelven a golpear con “Brother”, otra vez ese rasgado triste de Cantrell acompañado magistralmente por Mike Inez en el bajo, Sean Kiney en batería y Sean Olson en la segunda guitarra (este último como invitado especial). Acá se puede apreciar a parte de su calidad musical, otro de lo que fue su sello inconfundible: el uso de las armonías vocales, esa manera en que las voces de Staley y Cantrell se complementaban y apoyaban te hace erizar la piel.

Suena luego “No Excuses”, extraída del increíble Jar of Flies, nuevamente el dúo vocal Staley y Cantrell al 100% haciendo una versión perfecta de la canción.

Uno de los momentos especiales llega con Sludge Factory. Previo al primer intento de tocarla Layne hace una referencia a los miembros de Metallica que se encontraban presentes en el show y Mike Inez toca brevemente en su bajo el intro de Enter Sandman. En su bajo tenía un mensaje para la nueva imagen de Hetfield y los suyos (que habían lanzado el controversial Load) que más o menos decía esto:

Los amigos no dejan a los amigos que se corten el pelo como los amigos

Si bien en el disco se encuentra editado, Staley cometió un error al olvidar partes de la letra de la canción, frustrado por estos, emite un sentido “Fuck”… pero ahí estaba Jerry Cantrell, que en uno de los momentos más tensos y surrealistas de la noche, lo tranquiliza diciéndole palabras más, palabras menos: “te equivocaste, tranquilo todo está bien vamos a hacerlo de nuevo”.

A continuación vienen tres canciones de su aclamado disco Dirt: Una emotiva Down in a Hole. Otra vez la voz de Staley te cala en los huesos. Al respecto sobre este performance, Mike Inez comentó: “Lo de Layne esa noche fue tan inolvidable. Su voz, sobre todo en “Down in a Hole”, todavía trae lágrimas a mis ojos. Hubo un par de ocasiones en las que tuve que apartar mis ojos de Layne y recordar ¡Hey, estás trabajando!, no soy un fan y debo concentrarme en tocar mi bajo”.

Sigue “Angry Chair” con ese tándem vocal perfecto de Staley – Cantrell para dar paso a la sublime Rooster, canción que trata de una manera desgarradora lo que vivió el padre de Jerry Cantrell cuando estuvo en la guerra de Vietnam y cuyo apodo en la U.S. Army era precisamente Rooster (Ain’t found a way to kill me yet, eyes burn with stinging sweat, seems every path leads me to nowhere, wife and kids, household pet, army green was no safe bet, The bullets scream to me from somewhere) y que Alice in Chains te lo hace sentir como si tú fueras quien vivió esa historia… “Oh God please won’t you help me make it through”.

Viene “Got me Wrong” para posteriormente interpretar una canción que pedía a gritos en su momento una versión menos eléctrica y que tiene su recompensa acá, me refiero a “Heaven Beside You” que en mi opinión, esta versión acústica es la definitiva. Se aprecia mejor ese toque de guitarra country al inicio y en los intermedios. Pienso que la del disco en estudio deberíamos considerarle como una versión alternativa. En esta canción se roba el show la performance vocal y musical de Cantrell. Al final de su interpretación la emoción de Staley se evidencia al mencionar que es el mejor concierto que han dado en tres años, a lo que Jerry le corrige: “Layne es el único”.

Suena “Would” que nos traslada a la película de culto de Cameron Crowe: “Singles”, seguida de una versión más oscura de “Frogs”, canción extraída de en el que ese momento era su último disco en estudio: el homónimo Alice in Chains.

Finalmente tratan de cerrar su concierto con “Over Now”, se podría decir que con broche de oro. Una canción perfecta, ni tan lenta ni tan triste para que la gente salga tranquila a sus casas. Al final de la misma y luego de dar las gracias respectivas, alguien por ahí alguien se manda un: “Hey fuck you man”. Lejos de tomárselo a mal como suelen hacerlo otros “rockstars”, Layne responde con un “One More” y Jerry explica que lo que va a sonar a continuación es algo que estuvieron tocando en las pruebas de sonido y que le darán una oportunidad. Luego de una intro vocal en tono country de Staley suena la canción inédita escrita por Cantrell “The Killer Is Me”. Cabe mencionar que es la única versión que se ha escuchado hasta la fecha, no se ha grabado para ningún disco o EP de estudio, lo que la hace aún más especial.

en algunos intermedios de las canciones, la improvisación y toma final de una canción inédita con la que cierran el concierto y el que este sea considerada la última presentación oficial de Staley e incluso sea referenciada por muchos fans como su despedida de la banda, hace de este Unplugged uno de los más especiales, por lo que no puedes dejar de escucharlo y mirarlo en algún momento de la vida. Parte esencial de la historia del rock de los 90s este Alice In Chains – Unplugged.

Layne Staley, lead singer of Alice In Chains performing on MTV Unplugged in 1996 Photo by Frank Micelotta/Getty Images

Jorge Aguirre

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