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dark side of the moon

The Dark Side of the Moon (or The Human?)

Grabado entre 1972 y 1973 en los míticos estudios Abbey Road, fue producido por Pink Floyd acompañados por Alan Parsons en la ingeniería de sonido, vio la luz el 1 de marzo de 1973.

Un álbum que se caracteriza en primer lugar por no contar con temas extensos como sus anteriores trabajos de rock progresivo (refiriendo a aquellos que vieron la luz luego de la salida de Syd Barret), pero que no por eso deja de tener la complejidad musical y lírica que siempre ha caracterizado a Pink Floyd, una banda sin puntos medios: o los amas o los detestas por igual. Así mismo el disco no contiene pausas entre canciones, mantiene la continuidad tan perfecta que es casi imposible percibir el cambio entre un tema y otro. Este disco surge como una pieza conceptual que fueron trabajando y experimentado en años anteriores.

Dark side aborda varios temas existenciales que nos rodean a los humanos desde nuestro complejo mundo interior y exterior, temas que parecen tan simples como respirar, otros que son considerados “pecados” por sectores religiosos y otros que nos agobian muchas veces como el dinero, el paso del tiempo y la muerte o nuestra lucha diaria con nuestros demonios internos (esa pelea que a veces pierdes y los expertos lo consideran un daño cerebral).

Un latido, un reloj, una voz, máquinas, risas perturbadoras y gritos dan inicio a “Speak to me”. De repente asalta el acople del sonido melancólico y voces sosegadas que te aconsejan tomarte un respiro mientras suena Breathe (In the Air) y antes de que te vayas acomodando para dejarte llevar suena la futurística On the Run. Nuevamente los arreglos complejos y con un teclado empiezan a machacar.

Cuando piensas que es todo enseguida vuelves a perturbarte gracias a unos malditos despertadores. Suena Time donde cabe destacar el acompañamiento coral que le da cierto aire melancólico y el solo de la guitarra de David Gilmour tan distintivo que se volvió marca personal de la banda (Ticking away the moments that make up a dull day / You fritter and waste the hours in an offhand way), osea deja de desperdiciar la vida y toma el control de tu maldito tiempo y tu destino.

Un solo teclado triste que parece anunciar un momento de reflexión. Suena The Great Gig in the Sky, la cual no contiene una lírica en particular pero si una intensa interpretación vocal no léxica de Clare Torry, se puede percibir en la primera parte del disco la frase. “And I am not frightened of dying, any time will do I don’t mind. Why should I be frightened of dying, there’s no reason for it you’ve got to go sometime”.

Llega la única parte alegre (?) del disco, suenan las cajas registradoras, las monedas cayendo, pues se viene Money: Su título ya de por sí te explica de que va la canción, gran trabajo en la parte rítmica compuesta el bajo de Roger Waters y la batería de Nick Manson. Mientras va desapareciendo llega Us and Them y con ella vuelve la melancolía con el intro grandioso de los teclados de Richard Wright, “Us and them and after all were only ordinary men. Me, and you. God only knows its not what we would choose to do, forward he cried from the rear and the front rank died”. Esta canción por momentos parece que suena a Alan Parsons Project.

Any Colour you like, es la pieza instrumental del disco, donde Wright nuevamente presente con el teclado espacial acompañado a la perfección por Manson y Waters en la parte rítmica que dan paso incorporación posterior de la guitarra de Gilmour, una pieza con muchos arreglos de sintetizadores que se van sosegando al final para dejar solo un sonido de guitarra que da paso a Brain Damage, canción interpretada por Rogers Waters y dedicada a Syd Barrett. Suenan risas que te dan la impresión del viaje a la locura al que se embarcó Barrett y del que no pudo salir hasta el final de sus días. “The lunatic is in the hall,the lunatics are in my hall, the paper holds their folded faces to the floor and every day the paper boy brings more”, sin que lo puedas percibir Brain Damage ya se ha fusionado con Eclipse, último tema del disco, con un acompañamiento coral que constituye el tema perfecto para cerrar el disco. Es tan perfecto este cierre que su párrafo final reza: “There’s no dark side of the moon really. Matter of fact, it’s all dark”.

Maybe I would note that many times the world and the human being is dark. – Kross2380.

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The Dark Side of the Moon – Capitol – 1973

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  • Speak to me
  • Breathe
  • On the Run
  • Time
  • The Great Gig in the Sky
  • Money
  • Us and Them
  • Any Colour You Like
  • Brain Damage
  • Eclipse
Jorge Aguirre
Quito
Since 1980
Hablamos de fútbol, finanzas, música y cine.
La Loma Grande
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nmb1

La Revolución de Londres

Se han conmemorado 40 años desde que uno de los discos con la energía más cruda del rock se dio a conocer. “Never Mind the Bollocks, Here’s  the Sex Pistols” fue publicado un 28 de octubre de 1977, año que se podría considerar de plena ebullición del punk rock.

La búsqueda de un debut discográfico para esta banda británica fue por lo menos tortuoso, pues las polémicas presentaciones y comportamiento de la banda los habían hecho objeto de rechazo de diversos sellos discográficos hasta que finalmente Virgin “se animó” a trabajar con ellos, previamente despedidos por EMI y A&M Records, firmas bajo las cuales el disco había comenzado a ser elaborado y dentro de un plazo que tomó casi un año desde octubre de 1976 pudo ser terminado.

La grabación de “Never Mind the Bollocks…” pasó por “problemas de personal”, pues a inicios de 1977 el bajista fundador de la banda,  Glen Matlock, había sido reemplazado por John Beverley mejor conocido como “Sid Vicious”, de quien se dudaba ciertamente de sus habilidades como músico, mas su icónica imagen era fundamental para las presentaciones de los Pistols en vivo. Se buscó que Matlock termine con la grabación pero fue imposible por diferencias económicas, entre otras. En verdad Vicious solo grabó el tema “Bodies” y del resto se encargó el guitarrista Steve Jones.

sex pistols

 “Never Mind the Bollocks…” es un álbum esencial del género punk y del rock en general por su sonido tan clásico y que posteriormente sería tan icónico y referente.  Producido por Chris Thomas, contiene un sonido que es pilar para la forma como se entendería la música en años posteriores. La furiosa guitarra de Steve Jones en todos los temas con una poderosa distorsión y tocando casi siempre no más de tres acordes para evitar desviarse por el odiado camino de la sofisticación. Paul Cook con los contundentes y precisos golpes a la batería se suman a los gruñidos de John Lydon (en esos tiempos Johnny Rotten) para el completo coctel explosivo.

Un álbum con continuas polémicas, tal como fue la fugaz carrera de los Pistols. Arrancando con el mismo título del disco, pues “bollocks” en vocablo británico significa testículos. El primer sencillo publicado a fines de 1976 aún bajo el sello de EMI, la legendaria “Anarchy in the U.K.” abre con el manifiesto de la banda “I am an antichrist, I am an anarchist…” con el que se expresa con su inconformidad por el sistema. La mención en las letras de organizaciones paramilitares como el IRA o el UDA en su momento escandalizaron y dejaban el guiño provocador de su propuesta.

A inicios de 1977 se publica “God Save The Queen”, coincidiendo con el 25 aniversario de la llegada de Elizabeth II a la corona británica y con el solo hecho de tomar el título del Himno Nacional del Reino Unido ya cargaron de polémica al tema que insinuaba equivalencias entre la corona y el fascismo, pero en general abarca el desencanto de la clase obrera en tiempos de crisis como fueron el fin de los años 70 y finalizan con su apocalíptica sentencia: “no future”. El único tema de la banda que llegó a la cima de las listas británicas de popularidad.

Canciones cargadas de individualismo, nihilismo, críticas y polémicas. Cerca de 39 minutos de descarga de ira ante la insatisfacción de unos tiempos en los que la desesperanza parecía apoderarse de una generación que se estaba quedando sin respuestas y tuvo en el punk un momento por lo menos de expresión. Ya después vendrían tiempos mejores, aunque depende mucho de la perspectiva social con la que eso se mire.

Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols – Virgin – 1977

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  • Holidays in the Sun
  • Bodies
  • No Feelings
  • Liar
  • God Save the Queen
  • Problems
  • Seventeen
  • Anarchy in the U.K.
  • Submission
  • Pretty Vacant
  • New York
  • E.M.I.
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
porque te vas

Canciones de las Gradas (Parte 6)

Muchos habrán escuchado o cantado en el estadio, consuman o no el famoso cantito aquel de “marihuana no me faltará… tampoco fe…” que varias barras de equipo en el fútbol ecuatoriano adoptó o intentó adoptar para alentar a sus respectivos cuadros más o menos desde finales de los noventa o inicios de siglo XXI, todas adoptando a sus realidades e historia, pero la raíz se origina a partir de esta adaptación que entona la barra de la U de Chile:

25 años espere…
¡salir campeón!
por una copa yo no cambio mi pasión…
soy del león…soy del león…

Marihuana no me faltara…
¡tampoco fe!
con esta hinchada damos la vuelta otra ves…
como el ballet…como el ballet…

Un año en segunda se escucho…
¡DALE LEÓN!
con esta hinchada cambiaremos la canción…
dale campeón…dale campeón…

Esta hinchada no te dejara…
¡nunca jamas!
adonde quiera que tu vayas a jugar…
ahí estará…te alentará…

Sin embargo, la autoría no va por cuenta de ninguna barra organizada ni nada que se le parezca. Ya se sabe que comúnmente se toma alguna canción existente y se adapta con letras que demuestren pasión por el club y algunas que otras cosas que poco tengan que ver con fútbol. En el caso de este canto, la adaptación se toma del tema “Porque Te Vas” interpretado y popularizado por la cantante hispano – británica “Jeanette”.

Jeanette Anne Dimech, londinense de nacimiento, popularizó un buen número de baladas en los años 70 e inicios de los 80 en España y Latinoamérica. Principalmente por su origen anglosajón se podrán explicar lo peculiar de su acento. Con su dulce voz y su belleza cautivo al público de estas latitudes y “porque te vas” está entre sus temas recordados, entre otros tantos como “Frente a Frente”, “Soy Rebelde” o “Corazón de Poeta”, que han tenido varias versiones a lo largo de los años.

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En el caso de “Porque Te Vas”, el tema fue publicado en 1974 dentro de un EP homónimo teniendo al tema citado en el lado A, mientras que en el B estaba el tema “Seguiré Amando”. Porque Te Vas fue compuesta por el gran José Luis Perales y producida por Rafael Trabucchelli. Originalmente no tuvo mayor éxito y difusión, pero tuvo una segunda oportunidad al ser incluida la canción en la banda sonora de la película española “Cría Cuervos” que obtuvo el premio del jurado del afamado Festival de Cannes en 1976. Con lo que llegó la difusión y masivo éxito para este recordado tema.

“Porque Te Vas” ocupó el primer lugar en las listas de éxitos de países como España, Francia, Alemania, México y del “Hot Latin Tracks” de la lista Billboard de los Estados Unidos. Lejos de ser el eufórico canto de Estadio, el tema original es una dulce balada como acostumbraba Jeanette. Su popularidad fue perdiéndose a mediados de los 80 y desde entonces sus apariciones en el mundo del espectáculo han sido esporádicas. Nos quedamos entonces con esta clásica melodía.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
Led Zeppelin IV

Discos Imprescindibles: Revisión Led Zeppelin IV – 45 años

Cuarta entrega de la banda inglesa, punto cumbre donde queda demostrado todo su talento musical y lírico con una mezcla perfecta de rock, blues y su acostumbrada parte acústica. De este disco se desprendieron varios himnos inmortales y emblemáticos del rock que hasta el día hoy siguen trascendiendo en el tiempo, talvez sonando en menor medida que en décadas anteriores pero sin duda alguna  han resistido al convulsionado mercado musical.

 Varios datos curiosos se tejen alrededor de la composición del mismo, como el hecho de que si bien al disco se lo conoce como IV, no tiene título por decisión de la banda que se encontraba bastante contrariada con las críticas recibidas por su anterior trabajo (Led Zeppelin III), así que decidieron dejarlo así para ver la reacción del público, vale recalcar que en sus tres anteriores trabajos tampoco se esforzaron mucho por darles nombres, como si ocurriría en sus posteriores entregas.

 La portada sencilla que correspondía a una lámina que había comprado Plant en una chatarrería de Reading  y que de acuerdo a Page simbolizaba lo viejo que resalta adelante con el viejo leñador y la pared derruida en contraste con el florecimiento de lo nuevo que se aprecia en los árboles que surgen al fondo de la imagen. No hay a donde más darle la vuelta si se quiere interpretar o buscar otros significados.

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También es el último disco donde se puede apreciar aún la voz original de Robert Plant, quien a partir de 1973 (fecha de publicación del House of Holly), sufrió un cambio en su rango vocal sobre el cual se conoce muy poco por qué fue la razón.

 Así mismo en este tiempo aparecen los famosos símbolos que identificarían a los miembros de Led Zeppelin hasta el final de la banda y sobre los cuales se tejieron varias teorías respecto a su significado. Los símbolos fueron tomados del libro The Book of Signs de Rudolph Koch” en el cual consta un compilado de varios símbolos medievales y de iconografía rúnica.

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En el orden de la imagen de izquierda a derecha corresponden a:

Jimmy Page: Símbolo del misterio ya que nadie salvo el mismo Page conoce su significado y sobre el cual se han tejido todo tipo de especulaciones.

John Paul Jones: Su símbolo representa el cuerpo la mente y el alma, utilizado en las artes místicas para ahuyentar espíritus malignos.

John Bonham: El símbolo temprano de la trinidad.

Robert Plant: Utiliza la pluma que simboliza al Dios Egipcio Maat que representa la verdad la justicia y la armonía cósmica, aunque el propio Plant también ha explicado varias veces que la pluma simboliza en muchas tribus la valentía.

Dejemos la parte esotérica que siempre acompañó a esta banda para bien y para mal. Es mejor enfocarse en lo esencial: su música. La producción estuvo a  estuvo cargo de Jimmy Page y fue lanzado al mercado el 8 de noviembre de 1971 a través del Sello Atlantic Records, consta de 8 temas perfectamente amalgamados con una diversidad de recursos tanto en la parte de arreglos musicales como en la parte de sus letras que abarcan desde la psicodelia, el folclor inglés con muchas referencias a la obra de J.R.R. Tolkien y las letras de “amor” crudo que nos tenían acostumbrados en sus trabajos anteriores.

Canciones

Black Dog 4:56

Primer corte y uno de sus clásicos más reconocibles, inicia con un intro del  bajo del multi instrumentista y uno de los mejores bajistas del rock: John Paul Jones. Seguido de la voz de Plant para posteriormente incorporarse la gran y estruendosa batería del mítico y desaparecido “Bonzo” Boham  y los sonidos característicos de la guitarra de Page. Un tema cargado de mucha fuerza musical y una de sus típicas letras de amor y erotismo como lo habíamos mencionado anteriormente: “Hey, hey, mama said the way you move,  gonna make you sweat, gonna make you groove.  Oh, oh, child, way you shake that thing, gonna make you burn, gonna make you sting.  Hey, hey, baby, when you walk that way, watch your honey drip, can’t keep away”. El título de la canción es en honor al perro que vivía donde  compusieron la letra de la canción.

Rock and Roll 3:41

Otro de sus clásicos. Un tema más rockanrolero y menos estridente que Black Dog, con una letra que se podría aplicar a todos los mal casados (?) Tema con una letra básica de alguien que quiere ser libre para rockear pero que su relación le ha coartado esa libertad: “It’s been a long time since I rock and rolled,  It’s been a long time since I did the Stroll”… …” Seems so long since we walked in the moonlight, making vows that just can’t work right”.

The Battle of Evermore 5:52

La Batalla de la Eternidad nos muestra la otra faceta más sosegada y acústica de Led Zeppelin acompañado de una letra con mucha fantasía referencias a la obra de J.R. Tolkien y al folclor británico. Aquí Page deja de lado su guitarra y se hace cargo de una mandolina que le da ese sonido folklórico que se acopla perfectamente con la historia contada: The pain of war cannot exceed the woe of aftermath, The drums will shake the castle wall, The ring wraiths ride in black, ride on”.

Stairway to Heaven 8:02

Su obra maestra, uno de los himnos inmortales del rock. Hablar de todo lo que engloba esta criptica melodía nos tomaría un artículo aparte, con una letra tan compleja que puede tener muchos significados según quien la escuche: la vida la muerte; Dios o el Diablo, con una melodía inicial acústica que termina con una psicodelia eléctrica y vocal, simplemente una canción perfecta que a pesar de su duración está estructurada para no cansar. Sigue siendo objeto de polémicas así como del record de ser la canción más reproducida en la historia de la radio (más de tres millones de veces y sumando).

”And as we wind on down the road, our shadows taller than our soul. There walks alady we all know. Who shines white light and wants to show How everything still turns to gold. And if you listen very hard, the tune will come to you at last. When all are one and one is all To be a rock and not to roll”.

En un homenaje efectuado recientemente hay una versión que emociona hasta las lágrimas a Robert Plant y vale la pena chequearla porque estremece:

 

Misty Mountain Hop 4:39

Una canción con referencias nuevamente a Tolkien y al uso de estupefacientes. Aquí con un gran trabajo en la parte de teclados y segunda guitarra por parte de Jones. La canción con mucho rock y sigue la línea marcada por el disco a excepción de los quiebres musicales de las canciones  The Battle of Evermore  y Going to California que son más sosegadas.

Four Sticks 4:45

Denominada así porque para este tema el gran “Bonzo” Boham tocó la batería con cuatro palillos para darle la intensidad que buscaba, este tema solo fue interpretado una vez en vivo. Una canción con una letra que nos recuerda mucho a “The lemon Song” incuída en Led Zepellin II: “Oh baby it’s cryin’ time, Oh baby I got to fly, Got to try to find a way, Got to try to get away”.

Going to California 3:32

Tal vez su canción más sencilla del disco. Netamente acústico, lleva el compás de la guitarra de Plant acompañada de la mandolina de Jones. Un tema nostálgico que habla de las dudas existenciales de Plant con la locura de la carretera, los conciertos y las groupies de la época. Si se quiere saber cómo era eso, se recomienda ver la película Almost Famous (Casi Famosos) de Camero Crowe : “ Spent my days with a woman unkind, smoked my stuff and drank all my wine. Made up my mind to make a new start, going to California with an aching in my heart”

When the Levee Breaks 7:08

La canción final y para mi exceptuando la obra magistral que incluye el disco ( Stairway to Heaven ) la mejor canción del disco y como dato curioso, es una versión de una canción de blues de 1929, compuesta por Kansas Joe Mckoy y Memphis Minnie. Un blues que incluye una armónica de Plant y con el arreglo de las guitarras en otro tempo más lento, lo que hizo muy difícil de tocarla en vivo. Pese a esto, escuchar la versión de estudio te hace erizar la piel, en resumen un corte clásico de blues al estilo de Zepellin.

Este fue un breve repaso a uno de los discos esenciales en la historia del Rock para escucharlo de principio a fin sin pausas y volverlo a repetir hasta el cansancio.

Jorge Aguirre
Quito
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náufragos

Canciones de las Gradas (parte 5)

“Volveremos, volveremos… volveremos otra vez… volveremo’ a ser campeones … como…” y el coro termina arengando a su equipo favorito. La gente más joven está acostumbrada a esta canción de grada y la identifica plenamente con algo relacionado al fútbol. Sin embargo, la generación que ahora en buena parte ya disfruta de sus nietos, sabe que su origen no radica precisamente dentro de la práctica del deporte.

Esta melodía se extrae del tema “Zapatos Rotos” del grupo argentino “Los Náúfragos”. Una de las bandas que en el sur del continente se pusieron de moda al género “Beat” cantado en Español hacia fines de los sesenta e inicios de los años setenta, siendo uno de los grupos más destacados y recordados dentro del mismo.

“Zapatos Rotos” fue publicada en 1969 y se convirtió en uno de los temas más exitosos de Los Náufragos, quienes se caracterizaron por la publicación de discos sencillos, varios de ellos con gran suceso en su difusión y con el paso de los años, fueron siguiendo en actividad con varias alternativas en sus formaciones debido a miembros que salían y entraban, además que algunos fueron dejando este mundo como el vocalista Quique Villanueva.

Otros importantes grupos del “Beat Argentino” son: Los Gatos, Pintura Fresca, La Joven Guardia, Juan & Juan, Safari, etc. Bandas cuyas canciones también inspiraron a los cánticos que desde las gradas de los estadios argentinos se exportaron al resto de Latinoamérica. En Ecuador se escuchó entonar este tema generalmente a las barras de Liga Deportiva Universitaria y El Nacional.

Edison Guapaz Zambrano
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