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Edison Guapaz Zambrano

Una Adaptación del Apocalipsis

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La serie del momento, al menos en América hispano hablante definitivamente es “El Eternauta”, protagonizada por el reconocido actor argentino Ricardo Darín en el papel de Juan Salvo, el protagonista.

Para quienes no son de Argentina o tienen poco conocimiento sobre sus producciones impresas, esta serie puede causar un primer golpe sorpresivo al relatar una historia apocalíptica más emparentada con la ciencia ficción que con el realismo común de las producciones latinoamericanas.

En verdad “El Eternauta” es una historieta publicada en 1957 en la cual el guionista argentino Héctor Germán Oesterheld y el dibujante Francisco Solano López imaginó una Buenos Aires asolada por aquella nevada tóxica asumiendo un rol en el que escucha el insólito relato de Juan Salvo quien relata los impensados sucesos.

En este caso, se prefirió llevar a la obra original a digamos, nuestros tiempos, con las precisiones tecnológicas que se requieren y que, mención aparte, serían absolutamente inútiles en caso que sucediera algo como lo expuesto en la obra y que por ahí hace reflexionar al respecto cosas como la necesidad de tener tecnología análoga operativa por cualquier novedad. Volviendo al tema, otra característica que refuerza el contexto temporal es que Juan Salvo en la serie había sido combatiente en la Guerra de Malvinas, lo que justifica su destreza con las armas.

El caso es que, más allá de adaptaciones temporales y de diálogos, resulta fascinante la puesta a punto de las escenas que narran las aterradoras escenas de una ciudad destruida en medio de la insólita nevada. Lugares fácilmente reconocibles y hasta icónicos echados a perder, trenes y aviones varados y cuerpos humanos inertes desperdigados en el silencio sepulcral, los desagradables invasores y sus conductas depredadoras… escenas acostumbradas a la parafernalia hollywoodense que ahora se logran brillantemente desde el sur de las Américas.

El relato puede llegar a ser más espeluznante si se toma en cuenta que un mundo donde el concepto de civilización se pierde y la sociedad vuelve a un estado primitivo donde la violencia y la astucia priman suelen ser más producto de preocupaciones propias de finales de Siglo XX en adelante. “El Eternauta”, la historieta resulta tener una temática muy adelantada a la época en la que fue concebida.

Se sabe que habrá una segunda temporada, quizás nos sorprendan con escenas más épicas con batallas masivas, quizás no. Pero esta serie bajo la dirección de Bruno Stagnaro se manejó de manera impecable audiovisualmente, lo que seguro puede ser un buen aliciente para que en el lado sur del continente se cuente con calidad una historia que requiera algo más que encuadres y actuaciones. Ya se vio algo así en la adaptación de Cien Años de Soledad en Colombia. Ahora que los puristas de la fidelidad de la obra original encuentren peros es otra cosa.

Edison Guapaz Zambrano

Adolescence: Una Serie Abrumadora

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Es la sensación de la temporada si hablamos de la plataforma “Netflix”. Una serie policial británica ha asombrado a los amantes de las producciones mediáticas por su propuesta en la construcción narrativa y al público general por todo lo que ha dejado para pensar debido a la temática que desarrolla.

Hay un tema infame que ha estado presente en el mundo juvenil y sobretodo escolar en cualquier punto de la vida moderna: el “bullying”. Este infame fenómeno se ha sabido adaptar las dinámicas de cada generación y en la actualidad se ha potenciado con el uso de la tecnología y así no da tregua a quienes la padecen. Se podría decir que hasta la llegada de los Smartphone había un alivio una vez que se dejaba el recinto educativo. Hoy el acoso puede ser tranquilamente 24/7, lo que plantea otros desafíos.

Creemos que quienes han visto y quienes no la serie sabemos a partir de qué se desarrolla: un chico de 13 años es acusado de asesinar a una compañera suya. Consta solo de 4 capítulos: el primero donde se detiene al protagonista, Jamie, y se lo lleva a la comisaría para los trámites pertinentes. El segundo que se desarrolla en la escuela donde Jamie cursaba y en la misma agentes policiales buscan pruebas e indicios del crimen. El tercero y quizás más impactante en el que una trabajadora social entrevista a un Jamie absolutamente impredecible y el cuarto cuando la familia de Jamie termina aceptando su destino sin entender porqué hizo lo que hizo.

 

Otro tema de la producción bien podría situarse en la misoginia, no muy difícil de intuir, pues se trata del crimen de una niña, la misma que ya habría sufrido previamente violencia, pues se logra saber que fue víctima de bullying masivo tras la difusión en su escuela de fotos íntimas de ella. Después de este humillante pasaje recibiría una invitación de Jamie burlonamente rechazada, lo que desató los demonios internos del protagonista, los cuales probablemente venían siendo alimentados en las horas que pasaba solo en línea sin supervisión adulta. Se sugiere que justamente se relacionó con comunidades que se reúnen en torno a la misoginia.

En esa avalancha de revelaciones es cuando el público más grande puede llegar a horrorizarse y cuestionarse muchas cosas, empezando por la víctima. Katie es retratada como una niña de futuro prometedor, por lo que su pérdida es muy lamentada. Pero el desarrollo de la serie sugiere que no es impecable, pues los desprecios hacia su posterior victimario, uno por testimonio de Jamie y otro público en redes y posteriormente descifrado, son descorazonadores. Obviamente nada de esto puede justificar en absoluto un crimen, pero sí llevar a entender la motivación de una mente perturbada.

Mientras se resuelve esto, las generaciones que llevan más tiempo en este mundo difícilmente pueden creer que una niña de 13 años tenga la necesidad de enviar fotos íntimas de su persona, como es increíble también que dentro de ese rango etario la acusación de “incel” o sea, célibe involuntario, sea motivo de burla (¿no es como obvio ser “incel” a los 13?) Es necesario para los adultos entender estas nuevas dinámicas para evitar desgracias. Hacia el final los padres de Jamie lamentan no haber “hecho más” por su hijo.

Cada generación ha tenido características de identidad y dentro de los actuales adolescentes la tecnología dicta las mismas y dentro de ello está la simbología de los emojis, los mismos que se hicieron vitales para la comunicación móvil y vía Internet, pero ante su constante evolución, se pierde el rastro sobre su significado dentro de círculos más adultos y es importante para padres y autoridades estar al día sobre los mismos. En la serie el inspector pudo atar muchos cabos gracias a la ayuda de su hijo, también víctima de bullying, sobre los significados de los emojis.

La serie puede ser especialmente fuerte para quienes son padres de familia de niños y adolescentes. Primero por el impacto que genera el crimen de una niña que en teoría no se metía en mayores problemas y que como todas, no merecía ese final. Pero quizás meterse en el mundo de Jamie es tan o más devastador. En el último capítulo sus padres se preguntaban qué hicieron mal, pues lo criaron igual que a su hija mayor, quien se presentaba como una chica normal mayormente adaptada a su entorno. No se ve ningún indicio de familia disfuncional, padres perturbados o situaciones traumáticas, sin embargo Jamie a todas luces tiene problemas. Su pobre autopercepción alimenta su conducta irascible que lo llevó a una atrocidad. La conclusión es que no se puede criar por igual a los niños. Quizás prestar más atención al mundo de Jamie hubiera librado a la familia del trance. Pero una cosa es decirlo y otra ponerlo en práctica.

Adolescence lleva al espectador a atravesar un sinnúmero de emociones. La propuesta de planos secuencia (sin cortes) para cada capítulo es muy ambiciosa, para que surta efecto se necesita de actuaciones sólidas y podemos destacar las siguientes: Owen Cooper como Jamie Miller. Un quinceañero que ha impactado en la interpretación de un chico que conmueve y desespera en el primer capítulo, mas también asusta en el tercero. Stephen Graham como Eddie Miller, quien conmueve en el primer y cuarto capítulo con un desgarrador cierre de serie. Erin Doherty como Briony Ariston, quien en el tercer capítulo batalla psicológicamente con Jamie indagando en lo profundo de su psiquis y termina abrumada y Ashley Walters como el inspector Luke Bascombe, quien necesita sumergirse en el mundo adolescente para reconstruir los hechos en el capítulo 2.

Estamos ante la serie de moda, digamos de la primera parte del año y nuevamente este lugar lo ocupa un desolador drama adolescente que busca dar visibilidad a sus problemas y quien sabe, servir un poco de ayuda a una realidad que es latente en buena parte del mundo.

Edison Guapaz Zambrano

Cobra Kai: Redención

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Finalmente en este inicio de 2025 una de las series más exitosas de Netflix llegó a su fin: Cobra Kai tras 6 temporadas dio prácticamente todo lo que sus fans quisieron y pidieron en uno de los cierres más emotivos de la historia de la televisión. Ojo, podríamos incurrir en spoilers.

Hablamos de redención como la temática principal de la serie, la cual se refuerza en muchos personajes y niveles en la temporada final. Empezando por la serie en sí, la cual empezó fungiendo como la alegría de un público complicado por la pandemia pues las temporadas solían estrenarse a finales de año y consolando esos aciagos días, pero en temporadas intermedias la trama empezó a enredarse y meterse en situaciones innecesarias que de hecho bajaron su calidad y expectativa. Aunque podríamos decir que todo valió la pena al llegar al cierre.

Habíamos hablado que el inicio constituía en una redención para Johnny Lawrence (William Zabka), pues enseñando karate había logrado dar un sentido a su vida. En estos episodios finales el bueno de Johnny se convertido en un adulto funcional dispuesto y capaz de conducir una familia encontrando esa relación filial en la familia de su discípulo Miguel. También logró una relación armoniosa con su hijo Robbie, la cual fue conflictiva a lo largo de la serie. Lógicamente el desenlace con victoria del “Sekai Taikai” frente al Sensei Wolf de los temibles Iron Dragons lo redime como competidor y lo asienta como maestro.

 

Pero en todo el camino de redención de Lawrence hay un momento muy especial que ocurre en el antepenúltimo episodio que es su último encuentro con el Sensei Kreese, aquel que fue su maestro y modelo a seguir en su adolescencia, relación que en la película se rompe tras el desprecio de este último luego de la derrota de Johnny ante Daniel Larusso. Kreese finalmente obtiene el perdón de Johnny y un emotivo abrazo sana heridas que en aquel universo habían influido sensiblemente en la errática vida de Lawrence antes de la reapertura de Cobra Kai. Kreese también obtiene la redención final sacrificándose tras frustrar los plantes de Terry Silver de sabotear a Cobra Kai. Silver, malo entre los malos, iba teniendo un agonizante final.

Existe una redención en Daniel Larusso (Ralph Macchio), pues ciertamente se convirtió en un personaje odioso que por sus traumas juveniles veía a Cobra Kai como la representación del mal para su comunidad, pero termina aceptando la esencia de su filosofía y es un soporte para Johnny. Punto aparte para las sesiones finales de entrenamiento que sin duda evocaron a la saga de Rocky, otro ícono de la cultura popular de los 1980s que combina las artes de combate con la superación personal y preservación de valores familiares y de amistad. Finalmente su esposa acepta al karate como parte de su vida, algo que le costó mucho a lo largo de la serie.

El desenlace trae redención a Tory Nichols (Peyton List). Uno de los personajes más complejos y carismáticos de la saga. Recordemos que se posiciona como antagonista de Sam Larusso entre intereses románticos y como símbolo de lo opuesto a la hija de Daniel, pues como hija de un hogar carente y disfuncional ha peleado duro por todo lo que tiene, lo que la proveyó de un carácter muy fuerte. Anteriormente había ganado el título de All Valley gracias a una maniobra fraudulenta del Sensei Silver, pero ahora su victoria ante la letal Zara Malik limpia cualquier atisbo de deshonra. Sam Larusso cede su puesto en semifinales ante Tory y junto a Daniel dejan la enseñanza de saber retirarse cuando es necesario.

Finalmente vamos con Miguel (Xolo Maridueña). Aquel chico timorato que se convirtió en la gran estrella del karate y cuyo personaje ciertamente se estancó en tramas propias de producciones infanto-juveniles. Sin duda él debía ser quien cierre el torneo y triunfe en conjunto con Johnny, su mentor. Las peleas de Cobra Kai vs los Iron Dragons también evocaron a Rocky, pues el invencible Axel Kovacevic tenía su deje a Iván Drago, además de lo misterioso y exótico del Dojo, tal cual dicho rival de Balboa. Miguel sana la rivalidad con Robbie y comienza el vínculo de hermandad, tal vez ver un Robbie roto y vencido fue lo menos justo del cierre.

La producción finalmente se redime con el nombre en sí de la serie. No era posible que si la producción se llama “Cobra Kai” la serie haya tomado rumbos donde su nombre se manche o desaparezca. Quizás eso tuvo un propósito para su victoria final como Dojo en el Sekai Taikai y los triunfos de Tory, Miguel y Johnny.

En Cobra Kai vimos como un villano y perdedor pasó a ser un héroe y ganador. Los mensajes de perseverancia y solidaridad la hacen bastante sana. La inspiración acerca del trabajo duro y enfocarse en el camino de lo que realmente se quiere bien pueden haber marcado nuevas generaciones. La serie concluyó, pero de verdad: ¡Cobra Kai nunca muere!

Edison Guapaz Zambrano

Senna: La Serie de Pasión y Nostalgia

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En los últimos días en la plataforma Netflix se estrenó la esperada serie biográfica que relata la vida de Ayrton Senna, el mítico piloto brasileño tricampeón de Fórmula 1 quien perdió trágicamente la vida mientras competía en 1994.

Se trató de una ambiciosa producción con presupuesto de 170 millones de dólares planeada mayormente en Brasil y en 6 capítulos conduce al espectador por la exitosa carrera del ídolo del automovilismo, la misma que no solo se remitió exclusivamente a las competencias, pues su vida en paralelo a su profesión tuvo conflictos con los que cualquiera en el orden común du sus vidas puede identificarse.

Fue un alivio que la serie dramatizada y que desde luego tuvo licencias de ficción, cumpla con los momentos históricos de la carrera de Ayrton: sus inicios en Fórmula Ford y el paso en los años correctos de Toleman a Lotus, McLaren y finalmente Williams, pero a su vez esto no tuvo el sabor de un aburrido documental, mas bien el drama estuvo respaldado por la rigurosidad histórica que es algo que los adeptos a la historia, del deporte en este caso, no suelen perdonar.

 

En cada capítulo vimos a Senna lidiando con un problema distinto. Su feroz competitividad lo puso entredicho en la Fórmula Ford y más tarde se gestaría su ya legendaria disputa con otro de los grandes campeones de esos tiempos: Alain Prost. Sus roces con el periodismo que se direccionaron hacia un personaje ficticio: la reportera Laura Harrison interpretada por Kaya Scodelario. Pero sobretodo, y lo que quizás le dio más picante a la serie, fueron sus diferencias con las autoridades de la competición y directores de equipos.

Justamente la exploración del lado humano de Senna lo crucial de la serie. Los enfrentamientos con las autoridades resaltaron una valentía que no solo se expresaba en las pistas. Sus diferencias se originaban en el reglamento y lo que él sentía como un perjuicio a sus actuaciones, pero luego los mismos tuvieron que ver con la seguridad para los competidores y se lo enfoca como su gran legado. Hubo tiempo para hablar de un Senna cercano a la gente más allá de haber nacido en un sector ciertamente privilegiado de Brasil. Atento a sus fans, dispuesto a la obra social y de preferentemente vida familiar por sobre el sórdido mundo de la farándula.

Entre los puntos altos de la producción fue el recrear lo más fielmente posible looks característicos como los de los pilotos Alain Prost o Niki Lauda. Más aún el del icónico periodista brasileño Galvão Bueno personificado por Gabriel Louchard o el de Xuxa, la amada presentadora de programas infantiles, a cargo de Pâmela Tomé y que decir del propio Ayrton con su peinado entre prolijo y desprolijo con la actuación de Gabriel Leone. La ambientación en cuanto a moda y música de los años 1980s y 1990s es impecable. Muy bien escogido el tema “Simply The Best” de Tina Turner

Para los estrictos apasionados del automovilismo, las secuencias de carreras son magníficamente logradas logrando el vértigo necesario para ver las maniobras de rebasamientos y disputas en general de lugares, así como accidentes. En este caso los primeros planos toman un rol crucial haciendo un exquisito juego de edición rotando entre tomas externas de las máquinas y las maniobras de pies y manos de los conductores. Absolutamente imperdible.

La serie es absolutamente recomendable para aficionados y nostálgicos. Ciertamente no deja de romper el corazón el inevitable momento en el que el ídolo pierde la vida, sin duda un trauma generacional. Es satisfactorio que una producción mayormente latinoamericana haya estado así de bien lograda.

Edison Guapaz Zambrano

Unas Lecciones de Humanidad

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Es una de las historias más increíbles del Siglo XX y como tal, cada cierto tiempo vuelve a ponerse de moda el caso del equipo uruguayo de rugby que sufrió un accidente aéreo en la Cordillera de Los Andes y como varios de ellos lograron sobrevivir a un escenario casi imposible con una narrativa capaz de superar a la ficción.

Es así como en Netflix se estrenó la película “La Sociedad de la Nieve”, la cual viene siendo el nuevo homenaje cinematográfico a la historia citada en este 2024, aunque el film pudo ser en 2023 estrenado en España, de donde es mayormente la producción y en Uruguay, obviamente porque la historia la protagonizaron ciudadanos de esa nación. Además del debut en distintos festivales.

 milagro andes

Tras cumplirse 30 años de estrenada la película “Alive” (¡Viven!), eran absolutamente esperables las comparaciones. Empezando porque el film actual pudo tener mayor veracidad al ser producido enteramente en español y con actores si no uruguayos, cuando menos rioplatenses, en tanto que la producción noventera es estadounidense con grandes nombres como Ethan Hawke en el papel de Nando Parrado y John Malkovich como Carlitos Páez, lógicamente toda en inglés.

Ahora podemos fijarnos en las diferencias narrativas. En la película norteamericanas se mantuvo los nombres de los sobrevivientes mas se cambiaron las identidades de quienes fallecieron en el accidente. En “La Sociedad de la Nieve” se mantienen los nombres de todos y de hecho, funciona mucho mejor como documental que su predecesora que tiene varios elementos de ficción. También la diferencia está en el punto de partida, pues la película española inicia desde la planificación del infausto viaje, en tanto que la película ya arrancaba con el avión en el aire.

Ese detalle las identidades sería fundamental, pues en “La Sociedad del la Nieve” quien hace de relator es Numa Turcatti, quien falleció luego de pasar demasiado tiempo sin comer. No se usó el nombre de Numa en “Alive” y quien narraba la acción era Carlitos Páez, quien tuvo un rol secundario en la nueva película.

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“La Sociedad de la Nieve” cuenta con 2 nominaciones a los Premios Oscar que se aproximan. El lógico como “Mejor Película Extranjera”, pero quizás el más destacable como “Mejor Maquillaje y Peluquería”, pues el trabajo es muy bueno a la hora de recrear las heridas del grupo siniestrado y en al caso de algunos, la evolución de las mismas. También es sobresaliente el retrato del deterioro de los sobrevivientes mientras pasan semanas sin herramientas básicas de supervivencia y escasez de comida.

El conocido como “milagro de Los Andes” es un tema que cada cierto tiempo se vuelve a tocar como uno de los acontecimientos del Siglo XX y como una de las lecciones de humanidad más impactantes. La lucha por la supervivencia, la capacidad de hacer actos impensados por la misma, la fraternidad y unión para salir adelante. Los nombres como Roberto Canessa, Nando Parrado o Carlitos Páez forman parte de la cultura popular occidental, tanto así que además de las charlas motivacionales que han dado alrededor del mundo, bien podrían haber servido de inspiración para producciones como la norteamericana “Yellowjackets” que habla de un equipo femenino de fútbol ficticio que sobrevive a un accidente. Siempre serán lecciones que valdrán la pena repasar.

Edison Guapaz Zambrano

Un Superhéroe Sereno

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Llamaba la atención dentro del catálogo de Netflix una producción cuyo protagonista es el célebre ex futbolista inglés. Un futbolero promedio se animaría a darle play y puede ser una importante impresión para muchos sus modales. Un tono de voz bastante sereno es utilizado por el rubio mediocampista para rememorar su vida. Tal vez impacta porque una figura mediática de ese calibre tal vez podría esperarse que sea más vertiginoso y agresivo para dirigirse así en un programa.

La miniserie que habla de la vida del ex astro del fútbol David Beckham consta de 4 capítulos que se extienden hacia más allá de la hora de duración. Uno de los sellos característicos de la misma son los primeros planos hacia él o algunos protagonistas mientras hay un silencio que pretende contextualizar un momento particular que se comenzará a relatar. La actitud serena de Becks es asombrosa, como la de un tipo que sabe que ya transitó todo en su vida, aunque aún es muy joven, pues no llega a los 50 años. Una actitud propia de un monje budista con la diferencia del rodeo de asuntos materiales. Puede ser la tranquilidad de una vida bien vivida con todo y el glamour encima.

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El glamour es un eje transversal en la vida de Beckham. Sin duda “la pinta” lo llevó a ese mundo y prontamente llamó la atención del mundo de la publicidad, el cual fue muy generoso con él. Pero la pantalla y las cámaras no solo harían su aparición por su juego o apariencia. Mucha influencia en ello tuvo su matrimonio con nada menos que una “Spice Girl”. Victoria Adams, su pareja, sería algo más allá que una relación de cuento de hadas y destinada a los medios. Siguen felizmente casados hasta la actualidad y es evidente el lugar importantísimo que tiene “Posh” en su vida.

 Victoria y David, esa pareja ideal que de todas maneras buscó una vida familiar lo más cercano posible a la normalidad, algo complicado dado la fama de ambos. Obviamente sus actividades como cantante y futbolista podían tensionar su relación, pues obligadamente debían distanciarse. El eterno peregrinar del futbolista fue una notable molestia para Victoria, quien no se queda corta al describirlo. La vida familiar así siempre será complicada y el relato por separado de David y Victoria explicaban como el tira y afloja entre la profesión y el hogar puede llevar a complicaciones y los momentos más oscuros de estas relaciones.

 

Before They Had Stylists! 726535 COM BEFORE THEY HAD STYLISTS Proving that good looks will only get you so far, many of today's biggest stars displayed a woeful lack of style before they hit the big time and an army of stylists got their hands on them. They may be the ultimate beautiful couple now but back in the day Brad Pitt and Angelina Jolie both had a decidedly hippy vibe. Long flowing hair competed with long flowing clothes. But, with the addition of a few years of wisdom, a good haircut, and a classic LBD, hey presto - you get the best looking couple in Hollywood. Back in 1998, considering the Beckham's love of matching (and often cringe worthy) outfits, no one could have guessed that in just a few short years he would be the world's most famous metrosexual (with a penchant for wearing his wife's underwear) and she would have morphed into the super skinny, queen of couture that we all know today. However, it would seem that not even Posh's army of stylists were able to get her to part with her favourite accessory - her pout. The Hollywood fairytale: Once upon a time there was a young 'butter wouldn't melt in her mouth' actress who starred in the popular teenage programme Dawson's Creek. There was also a fashion - not to mention height - challenged young man who eventually grew up to be her prince charming in stacked heels. Many ostentatious displays of affection - not to mention a bizarre sofa jumping episode - later, the pair were married. Fast forward through a pregnancy and some disturbing scientology rumours and out steps the king of Hollywood, Tom Cruise, and his super sleek and styled queen, Katie Holmes. Speaking of Tom Cruise; who would have ever thought that his at one point frizzy haired, frumpy ex wife, Nicole Kidman, would emerge as such a porcelain beauty. Just goes to show what a goo..., Image: 227007585, License: Rights-managed, Restrictions: , Model Release: no, Credit line: Profimedia, TEMP Rex Features

Before They Had Stylists!
726535 COM
BEFORE THEY HAD STYLISTS
Proving that good looks will only get you so far, many of today’s biggest stars displayed a woeful lack of style before they hit the big time and an army of stylists got their hands on them.
They may be the ultimate beautiful couple now but back in the day Brad Pitt and Angelina Jolie both had a decidedly hippy vibe. Long flowing hair competed with long flowing clothes. But, with the addition of a few years of wisdom, a good haircut, and a classic LBD, hey presto – you get the best looking couple in Hollywood.
Back in 1998, considering the Beckham’s love of matching (and often cringe worthy) outfits, no one could have guessed that in just a few short years he would be the world’s most famous metrosexual (with a penchant for wearing his wife’s underwear) and she would have morphed into the super skinny, queen of couture that we all know today. However, it would seem that not even Posh’s army of stylists were able to get her to part with her favourite accessory – her pout.
The Hollywood fairytale: Once upon a time there was a young ‘butter wouldn’t melt in her mouth’ actress who starred in the popular teenage programme Dawson’s Creek. There was also a fashion – not to mention height – challenged young man who eventually grew up to be her prince charming in stacked heels. Many ostentatious displays of affection – not to mention a bizarre sofa jumping episode – later, the pair were married. Fast forward through a pregnancy and some disturbing scientology rumours and out steps the king of Hollywood, Tom Cruise, and his super sleek and styled queen, Katie Holmes.
Speaking of Tom Cruise; who would have ever thought that his at one point frizzy haired, frumpy ex wife, Nicole Kidman, would emerge as such a porcelain beauty. Just goes to show what a goo…, Image: 227007585, License: Rights-managed, Restrictions: , Model Release: no, Credit line: Profimedia, TEMP Rex Features

 

Victoria gustaba de los lugares donde su vida familiar pueda ser más cómoda, es ahí donde entran los paparazzi como principales enemigos contra su tranquilidad, pues esta famosa pareja de radiante imagen era un caramelo. La relación con la prensa se retrata como difícil. Un segmento especial se dedica a los tiempos post duelo Inglaterra vs Argentina en Francia 1998 cuando se acusó a Becks de culpable directo de la eliminación del conjunto inglés cuando fue muy ingenuamente expulsado en ese juego. La lucha por revertir ese mala imagen por parte de Beckham. Acá también se resaltó su resilencia y cómo la adversidad sacó normalmente lo mejor de su rendimiento.

 No solo la prensa había sido el culpable de esos malos tiempos de David. Se relató del mismo modo que el DT de la selección de aquellos tiempos, Glenn Hoddle, “lo lanzó a los leones”. Lógicamente al futbolero lo que le importaba era ver la trayectoria del astro inglés: Manchester United, Real Madrid, Galaxy, Milan, PSG. Con un padre futbolístico como Sir Alex Ferguson, quien guió sus pasos tras recibir a un chico hijo de un fanático del United como el señor padre de Beckham, para quien era un sueño hecho realidad que su hijo juegue en los diablos rojos.

 becks united

El crecimiento y consolidación en Manchester, el glamour del Madrid y los galácticos, la extravagancia de Los Ángeles y el paso hacia la madurez cuando retornó a Europa. El relato puede ser emocionante mientras se e un desfile de estrellas y una parsimonia para hablar lo que ha sido una biografía bastante agitada. Para su suerte, Becks no solo interesa al hincha del fútbol, sino a cualquiera que esté pendiente de la farándula y jet set. Entre la vacuidad y lo relevante, es un documental que no tiene pierde.

Edison Guapaz Zambrano

La Primera Vez: Una Historia de Rupturas Generacionales

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¿Qué tendrán las series, novelas y demás producciones colombianas que tanto atraen? Podríamos decir que la relajante comicidad con la que tratan la complejidad de la idiosincrasia latinoamericana. Ya habían experimentado con el relato en presente. ¿Por qué no hacerlo con el pasado?

Ese fue el ejercicio propuesto en “La Primera Vez” producción que ha podido ser vista por la plataforma Netflix. Retratando las características bastante conservadoras de la sociedad colombiana de hace medio siglo atrás, las mismas que fácilmente pueden identificarse en cualquier otro país latinoamericano y que de hecho, no necesariamente son tan distantes en cuanto a tiempo.

Si usted fue estudiante de instituto secundario en América Latina, el concepto de colegio “solo chicos” o “solo chicas” no le va a ser nada ajeno, así como tampoco va a ser ajeno el soñar que una chica o chico, alguien de distinto género a la monotonía del alumnado cambie esa rutina. Pues esa monotonía se rompe en un colegio de Bogotá, Colombia, donde por primera vez asiste una chica a recibir clases de secundaria en un colegio, se supone, solo se matriculaban alumnos varones.

 La narración se centra en un grupo de amigos de ese colegio, que es un muy clásico grupo de amigos de colegio de hombres, donde cada uno es más ingenuo y atolondrado que otro. Donde tienes: al romántico, al nerd, al bravucón, al futbolista, al alma libre y un largo etcétera. Su obtuso conocimiento del mundo se pone de cabeza cuando Eva se cuela en sus vidas. Como era de esperarse, ella tendría más iniciativa ante un grupo que no salía de su asombro y la veía como a una especie exótica e inalcanzable con costumbres “extrañas” como llamar a sus compañeros por sus nombres.

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Como dijimos, esta serie se puede ver por Netflix, plataforma que se ha especializado en las series de temática adolescente producidas desde varias latitudes y en diferentes tiempos (ha adquirido los derechos de algunos “clásicos”). A pesar de ser recreada en un ambiente de Siglo XX, “La Primera Vez” de hecho aborda prácticamente todos los temas transversales de las series adolescentes modernas. Quizás quitándole la crudeza de aquellas que llegan desde entornos primermundistas.

Eva, la protagonista de esta historia, manifiesta su militancia con el feminismo, que en aquellos tiempos tenía matices distintos a la actualidad, pero no dejaba de hablar de igualdad de derechos y oportunidades, así como la capacidad de cualquier género de asumir cualquier rol que en la sociedad se necesite. Por ello, es quien motiva al cambio en aquellas actividades conocidas como “orientación vocacional”. El espíritu feminista también se manifiesta en la madre de Camilo, el narrador y coprotagonista, a quien le llegan muchas inquietudes a la cabeza mientras se gana unos pesos pasando textos a máquina (oficio muy Siglo XX) y tal vez en la Profesora Estela.

Un tópico que se trata en la serie como en cualquiera de temporalidad actual es las relaciones sentimentales del mismo género. No podríamos decir “colectivos LGBTI” porque hace 50 años era un concepto como mucho en formación. Se lo trata sí, por como se concebía a la homosexualidad en aquellos tiempos y latitudes: básicamente como la desgracia más grande y un atentado a valores fuertemente religiosos, pero que al final, al menos entre los jóvenes se terminaba entendiendo y aceptando, aunque el proceso es muy doloroso. También se habla de drogas con su cuestionamiento legal y moral, algo que en los 1970s se comenzaba a tratar y llegaría a sus momentos más intensos años después.

Uno de los detalles más simpáticos de esta producción es que cada capítulo es identificado con el título de algún clásico de la Literatura. Normalmente es Eva quien lo ubica dentro de la narrativa y al citar dicha obra, dar alguna lección respecto a lo acontecido en el capítulo. Sin duda son interesantes las recreaciones casi literales que se hacen de los pasajes de los libros citados. También decíamos que el humor es un punto importante dentro de la serie. Al más puro estilo de “Betty La Fea”, Camilo, imagina situaciones en las que se arma de valor y actúa como quisiera pero finalmente la realidad es otra. Los diálogos entre jóvenes generalmente ocurren entre la creatividad, ingenuidad y camaradería. Es muy difícil cansarse con el transcurrir de los capítulos.

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Finalmente se podría decir que el tema principal de la serie es el choque generacional. En este caso, los conocidos como “baby boomers” enfrentando cambios de orden social y mundial en sus juventudes, enfrentando a su generación precedente con principios mucho más añejos y conservadores. Este enfrentamiento se sigue repitiendo hasta la actualidad, ciertamente aderezado con situaciones muy latinoamericanas en las que las diferencias de clases socio económicas, marginalidad y violencia tienen su participación.

Siempre en las series colombianas destacan las actuaciones. Francisca Estévez, como “Eva Samper” encarna perfectamente a la chica rebeldecita y molesta, mas decidida de clases sociales dominantes. Emmanuel Restrepo como “Camilo Granados” divierte en su papel de “friendzoneado” que se esfuerza por salir de ese incómodo lugar. Sergio Palau canaliza la ira de “Salcedo”, el eterno buscapleitos, pero sin duda la delgada línea entre morirte de iras y risa la lleva Santiago Alarcón como el muy tradicionalista padre de Camilo. Al más puro estilo de papá de programa de televisión colombiano. Si hablamos de la calidad estética, es impecable con todos los detalles que implican los años 1970s y las cada vez mayores distancias tecnológicas con el presente.

 Se anuncia una segunda temporada. Quienes vieron el final de la primera se pueden imaginar un escenario algo distinto, deseando que los guionistas “no la embarren”.

Edison Guapaz Zambrano

De esa Nostalgia que es Doble Nostalgia

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Uno de los estrenos importantes de Netflix para inicios de año fue “That ‘90s Show”. A partir de enero se pudo ver una entrega de 10 capítulos fáciles de ver gracias a una trama dinámica, sin mayor concentración filosófica y evocando a lo que comentamos en el título: la nostalgia.

Es precisamente la nostalgia la temática principal, eje transversal de la serie y de hecho, es algo con lo que juega mucho esta plataforma, pero en esta ocasión hay una especie de nostalgia reverberada que provoca un enganchamiento inevitable en el rango etario de 30 y 40 años. Primero, por tratarse de una especie de Spin-Off de “That ‘70s Show”, programa muy popular hacia finales de la década de los 90 e inicios de Siglo XXI y del cual ciertamente su público cauto estaba muy ansioso de saber algo más, ver que pasó con la vida obviamente ficticia de sus queridos personajes, similar en cierto punto a lo que vimos con Fuller House. Con la diferencia de que las apariciones de “la pandilla” son esporádicas y más bien son los mayores, convertidos en adorables abuelitos, los que toman protagonismo.

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El segundo elemento es el escenario de la década de los 90, época en la que se crió la mayoría de la fanaticada de “That ‘70s…” y de hecho, época de verdadera infancia y adolescencia de sus protagonistas, los cuales tienen que actuar de adultos de una época en la que en verdad eran unos niños. Se van tejiendo conjeturas interesantes mientras aparecen los elementos característicos del final del siglo pasado como la tecnología: gigantes teléfonos inalámbricos, el módem chillón de una computadora “personal” de enormes monitores, los discos compactos y el legendario discman. Música de la época: Alanis para la chicas rebeldes, más todo el hip – hop y acid house para las fiestas. La ropa que en el caso de las chicas está volviendo de moda en los tiempos actuales, breves referencias políticas con Clinton y un ambiente de hecho, tecnológicamente menos dependiente comparado a nuestros días para los chicos. Las clásicas transiciones de escena pasaron a ser menos «groovy» y más «acid».

Adentrándose en la Serie, en “That ‘90s” el espectador buscará equivalencias entre la vieja y nueva pandilla. Existe una muy clara entre los Kelso. Jay ocupa el lugar de galán rompecorazones de su papá Michael y su aspecto también vendría a ser herencia de su madre, en ese caso, Jackie. Podríamos decir que Ozzie en su calidad de “migrante” y chico de acentos y hábitos extraños es el equivalente de Fez, pero hay un elemento muy diferenciador. De todas formas, los protagonistas no son ellos, sino Leia Forman, hija de Eric y Donna, e interpretada por Callie Haverda, quien podríamos decir que hereda lo “nerd” del padre, nombre incluido, y apenas algo de la fuerte personalidad de su madre. Una síntesis un tanto incompleta de ambos.

Sin embargo, el resto de personajes tienen una identidad propia. Tenemos a los medio hermanos Gwen y Nate. Ella, una chica rebelde y en onda con corrientes feministas y progresistas, él, básicamente un romántico que fundamenta mucho su personaje en su amistad con Jay y su relación con Nikki, una chica inteligente y con grandes planes a futuro. En general vemos chicas con personalidades imponentes y chicos un tanto desprolijos. Acá es cuando quizás vemos un modelo clásico de la plataforma que generalmente refuerza los roles femeninos y también puede hacer algo extraño a la audiencia que buscaba nostalgia pues no precisamente el feminismo y los colectivos gay tenían roles tan visibles a finales de Siglo XX. Tal vez esa sólo sea una percepción desde la tierra tercermundista de quien escribe.

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También el reparto tiene un sello de actualidad que es su diversidad étnica. En “That ‘70s…” la misma estaba a cargo de Fez, mas en su secuela vemos a chicos asiáticos y afro descendientes, algo que tampoco era lo suficientemente común en los años 90, pero que le vamos a hacer. De todos, quien se roba el show a pesar de tener un rol completamente pasivo mas certero y ácido es Ozzie, quien es totalmente aceptado mientras declara abiertamente que es gay (cosa muy normal hoy, no demasiado en los 90), mas lógicamente tiene recelo de mostrarlo a la gente grande.

 Las esperadas apariciones de los viejos personajes son muy esporádicas salvo Kitty y Red, padres de Eric y abuelos de Leia, quienes de hecho son protagónicos y en su esencia no han cambiado demasiado y siguen siendo adorables. La diferencia está en tener que lidiar y aceptar su vejez con lo que implica el retiro y el comienzo del vértigo de la tecnología. Laura Prepon es parte de la dirección del show y su personaje, Donna, tiene un par más de intervenciones, lo mismo Fez (Wilmer Valderrama) quien ha llegado a ser un prestigioso estilista. Solo no aparece Hyde, ya que Danny Masterson, quien daba vida a su personaje, enfrenta un juicio por agresión sexual.

El pueblo, Point Place, Wisconsin, parece ser el mismo. Obviamente el tema de entrada, no, debía tener voces femeninas y el sonido del rock alternativo de los 90. Ver “That ‘90s” puede provocar recordar lo que se vivía en los 90 con la secuela de un show de esos tiempos ambientado en otros tiempos y que generalmente hace esperar más referencias y sorpresas. Se ha anunciado otra temporada, pues ese verano de 1995 al parecer dejó muchas historias inconclusas. No es la gran obra de arte, pero sí es muy mirable. Por cierto, los círculos mientras están bajo influencia del porro permanece indeleble, tal vez un poco menos gracioso, pero funciona.

Edison Guapaz Zambrano

Merlina y las Claves de su Éxito

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Es la “nueva serie de moda” de la plataforma Netflix y como tal, posee algunas de las características de la misma como son: la nostalgia, pues reviven un clásico de la televisión y el cine como la Familia Addams; la construcción de una trama en la que se mezcla el suspenso sobrenatural y el policiaco; además de abordar temas sobre discriminación y diferentes comunidades con un sentido más extravagante.

 Sin embargo, este “remake”, como justamente dice su título, se enfoca en un personaje de la querida “familia muy normal”. Merlina o “Wednesday”, como es su nombre original en inglés, desde las caricaturas y serie de televisión originales de los años 1960s se caracterizó por ser una niña introvertida con un casi imperturbable gesto adusto que refleja poco interés en entablar relaciones humanas y de hecho, normalmente las ahuyenta. Merlina ha pasado por algunos rangos etarios a lo largo de sus históricas versiones y en esta ocasión, así como en alguna versión noventera, se hace énfasis en su adolescencia. Jenna Ortega, quien encarna esta actual versión de Merlina, logra muy acertadamente ese gesto serio e imperturbable del añejo personaje.

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El tema central es un poco difícil de decidir. Probablemente sea el misterio, y en una fórmula que por ejemplo es efectiva en “Stranger Things”, los fenómenos sobrenaturales son descifrados por adolescentes, ciertamente en un contexto donde los sobrenatural es más cotidiano como en el mundo de esta serie, donde no solo los Addams cuentan con poderes sobrehumanos, sino que hay un universo entero en el cual, aparentemente personas fuera de lo común, a los que pertenecen los Addams, conviven con los “normales”.

Este es otro aspecto a observar. “Wednesday” tiene una sutil crítica a la discriminación. Más allá de los roles que ocupan minorías en esta producción (empezando por la elección de actores de rasgos latinos para integrar la familia Addams), en el universo del relato existen claramente dos mundos: el de los normales (normies) y fenómenos (outcasts) y los segundos son generalmente recluidos en una escuela, además de que reiteradamente no son bienvenidos en el mundo de los normales. Al final, el odio a los “fenómenos” es el que motiva los hechos que suceden en la trama.

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Es una serie que fácilmente cautiva al espectador porque el suspenso y crímenes sin resolver normalmente suelen ser fórmula segura de éxito, además de ser de fuerte temática adolescente, la misma que acarrea un hit tras otro en Netflix (Sex Education, Élite, 13 Reasons…,etc.), cuya protagonista no es la chica popular, razón por la cual, mucha gente puede sentirse identificada. Claro, este no es el único rasgo interesante de Merlina, pues se trata de una jovencita con una increíble inteligencia, rebelde, independiente y además con poderes paranormales. El combo completo de lo que soñaste ser cuando adolescente. De todas maneras es vulnerable a los sentimientos que atañen a la humanidad, aunque luche en contra de ello. El principal cambio que quizás sufre el personaje es su concepción de la amistad. Es cautivadora su dualidad con su compañera de habitación quien representa su completo opuesto.

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Finalmente hay que mencionar el baile, no hay gran producción mediática que no tenga una gran escena de baile. La coreografía de Merlina en el baile escolar (¿qué serie adolescente norteamericana no mete el baile escolar?) llena de movimientos perfectos como tétricos bien podría llegar a convertirse en un clásico y de por sí ya ha generado algunos memes. Dicho sea de paso, el lograr ese ambiente que combina lo infantil con lo oscuro y sobrenatural solo lo podría lograr Tim Burton, director con esa impronta característica, quien justamente hizo de director en la serie y forma parte de la producción ejecutiva. Es casi para toda la familia, pero se necesitó recrear varias escenas sangrientas que le alejan de esa calificación. Eso sí, muy entretenida y digerible.

Edison Guapaz Zambrano

La NBA a la Pantalla

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Hace poco terminó oficialmente la temporada de NBA, pero en estos días hubo contenidos mediáticos que dieron que hablar por su calidad a la hora de centrar su historia en referencia a la liga de baloncesto más poderosa del mundo.

Por los canales y plataformas de HBO se transmitió “Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty”. Una serie de 10 capítulos que narró los orígenes del famoso “showtime”, aquella inolvidable formación del equipo de Los Ángeles de los años 1980s. La serie se basa en el libro: ”Showtime: Magic, Kareem, Riley, and the Los Angeles Lakers Dynasty of the 1980s” del relator deportivo Jeff Pearlman.

“Hustle” en cambio es una película y de hecho es una historia de ficción en la que un cazatalentos tiene la misión de viajar por el mundo y buscar la próxima súper estrella para los Philadelphia 76ers. El elegido es un muchacho español díscolo y de origen humilde con el que pasará varias peripecias para poder introducirlo a la mayor exigencia del baloncesto estadounidense. Difundida en cines y en la plataforma Netflix.

Tenemos similitudes en el planteo de un drama a partir de la construcción de una carrera en el deporte estadounidense. La una se basa en hechos reales y quizás se parece mucho al título del libro, pues cuenta la llegada y adaptación al baloncesto profesional de Earvin “Magic” Johnson, de hecho, cómo pasa de ser el muchacho común “Earvin” a la poderosa estrella “Magic”, o sea, todo lo que conllevó a que su nombre cambie. Por otro lado está Kareem Abdul-Jabbar y una personalidad en eterno conflicto entre sus convicciones políticas y religiosas versus el fastuoso mundo del estrellato que convertía a los jugadores de los Lakers en algo más que estrellas deportivas. Además de la historia de Pat Riley, el famoso entrenador que pasó de editor de videos a asistente y posterior guía de aquella escuadra maravillosa.

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La historia de “Hustle” es ficticia. El scout Stanley Sugerman, abatido por los años y las pocas posibilidades de hacer vida en familia, tiene una última misión en la que se encuentra con el talento de “Bo Cruz”, a quien lo pretende pasar de ser un común obrero en su país natal a uno de los grandes nombres de la NBA. Convencerlo de su plan a este joven de vida dura será complicado y encausarlo aún más difícil, pues no solo tiene que lidiar con el poco dócil carácter del prospecto, sino también con los obstáculos que presenta un mundo que tras el show esconde celos y fuertes disputas.

Podríamos entonces comparar las historias de “Bo” con la de “Magic”, pues a pesar de lo ficticio de la una y real de la otra, se basan en la experiencia de un joven en tratar de encajar en la afamada liga de baloncesto profesional americana. “Magic” sin embargo, tiene cierto camino labrado al ser la estrella universitaria del momento y su presión está en demostrar lo que tanto se espera de él. A pesar de un origen relativamente humilde, Johnson es de un entorno familiar estable. Todo lo contrario de “Cruz”, cuya historia incluye duras disfunciones familiares. Caras de una misma moneda en el deporte.

Las dificultades empiezan por las decisiones que se toman desde arriba. En “Winning Time”, las historias de los protagonistas se entrelazan con la de Jerry Buss, el mítico y polémico dueño de los Lakers, a quien se le atribuye la conceptualización del “showtime”, o sea que el equipo deportivo genere entretenimiento que vaya más allá del desarrollo del juego. Las peripecias financieras de Buss se manejan a la par de los dramas de Johnson, Riley o Abdul-Jabbar. En “Hustle”, los Sixers de Philadelphia están en la transición de la dirección de Rex Merrick a sus hijos Vince y Kat, el uno más intransigente que la segunda. Algo que hace acuerdo a “Club de Cuervos”. Las decisiones de Vince afectan decididamente a Stanley.

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Hablaremos algo del reparto. Al ser una historia real, en “Winning Time” tuvieron que esforzarse para dar en el clavo con los actores. El resultado en el caso de Quincy Isaiah, quien encarna a Magic Johnson, es increíble, pues es prácticamente idéntico tanto en aspecto físico, como en la característica sonrisa eterna de Magic. Adrien Brody también se luce como un joven Pat Riley y la elección de Solomon Hughes debido a su estatura cayó como un guante para personificar al circunspecto Abdul-Jabbar.

Por el lado de “Hustle”, hizo falta echar mano de un basquetbolista profesional como Juancho Hernangómez para dar vida al díscolo “Bo Cruz”. Dicha película hizo gala de contar con una pléyade de estrellas antiguas y actuales para su rodaje. En ella intervinieron: Charles Barkley, Shaquille O’Neal, Allen Iverson, Trae Young, Dirk Nowitzki, Luka Doncic y sobretodo, la aparición del máximo ídolo de la afición de Filadelfia: Julius Erving. Punto aparte para la actuación de Adam Sandler como el scout Stanley Sugerman. Viene siendo satisfactoria su intervención en roles más serios, alejados de sus característicos papeles hollywoodenses. Tal vez todavía no se hace costumbre en ese tipo de papeles, algo similar a lo que pasó con Jason Segel interpretando al entrenador Paul Westhead.

Vale la pena mencionar lo bien logradas que son las escenas del juego en acción en ambas producciones, tal vez resultaron algo mejores en “Hustle”, pues fue grabado prácticamente por basquetbolistas devenidos en actores, pero lo de “winning time” tampoco estuvo tan mal recreando jugadas y momentos clásicos en los Lakers y sus juegos contra Detroit o los Celtics.

Para los aficionados al baloncesto, ambas producciones pueden ser un deleite. La de Los Lakers es un enfoque incluso algo crudo del “tras bambalinas” de una marca legendaria. La otra es una bonita y emotiva ficción desarrollada a partir de la historia de los Sixers de Filadelfia.