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La Llegada del Rey

diciembre 4, 2017/0 Comentarios/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

El pasado 30 de noviembre se celebró el 35 aniversario de la llegada de “Thriller” a la historia de la música. Un álbum que no solo es célebre por los récords que batió, sino por el legado que dejó principalmente al pop.

Michael Jackson iniciaba la década de los 80 asentándose plenamente como un solista maduro pese a su aún corta edad. El predecesor de Thriller, “Off The Wall”, había tenido una gran repercusión entre crítica y fanaticada, entonces había que asegurar a uno de los responsables: el productor Quincy Jones. Sin embargo, el nuevo disco daría un paso más adelante, pues se pasó de los alegres y bailables funk y soul a un estilo más agresivo con altas dosis de rock, tal como lo exigiría el oído ochentero.

Con sesiones que se extendieron de abril a noviembre de 1982, Thriller fue un extenuante trabajo en alrededor de 30 canciones vieron la luz, pero que finalmente terminó publicando 9 temas, todos ellos tan fuertes que tenían el potencial de convertirse en sencillos, por lo que el disco se mantuvo vigente con mucho poder entre los años 1982 y 1984.

Previamente el disco tuvo su pequeño adelanto con la dulce balada “The Girl Is Mine” grabada en colaboración con Paul McCartney, la cual alcanzó el puesto 2 en la lista “Billboard Hot 100”. Para enero de 1983 se publicó como sencillo a “Billie Jean”, uno de los temas más emblemáticos temas con una de las líneas de bajo más famosas de la historia del pop y el rock. Totalmente funk y soul, pero más robusta que por ejemplo sus temas de “Off the Wall”. Billie Jean fue el sencillo mejor vendido de la discografía de Michael y permaneció 7 semanas como el número 1 de la lista de Billboard. Su ingenioso videoclip fue no sólo la puerta de entrada para los artistas negros hacia MTV, sino que dio a dicha cadena televisiva la repercusión masiva de la que gozó en los siguientes años.

El siguiente hit que sacudió a la audiencia fue “Beat It”. Tema con muchas guitarras y Rock and Roll que tuvo como invitado especial a Eddie Van Halen tocando el monumental solo de guitarra de esta canción. Con una temática anti violencia reflejada incluso en el videoclip, “Beat It” fue reconocida con los premios Grammy a “grabación del año” y como “mejor presentación vocal masculina de rock” en 1984. Por supuesto, también llegó al número 1 de la lista Billboard.

El álbum Thriller arranca con “Wanna Be Startin’ Somethin’”. Un tema cargado con toda la energía funk y de baile que tal vez nos puede trasladar a los años dorados del mítico “Soul Train”. Por supuesto, también fue editada como sencillo en mayo de 1983, ocupando el puesto 5 en Billboard como tope. Saliendo un poco de la energía vital y colorida de anteriores temas, el siguiente sencillo fue “Human Nature”, una balada compuesta por John Bettis y Steve Porcaro, tecladista de la banda Toto. Ya en otoño de 1983 se lanza otro sencillo que fue “Pretty Young Thing”, con otra celebración bailable y funk que seguía manteniendo al álbum en la cima de ventas y un totalmente disfrutable bajo sintetizado.

Del álbum original, los únicos temas que no fueron tomados en cuenta para ser sencillos fueron “Baby Be Mine” y “The Lady In My Life”, ambas con mucho que influenciar al posterior R&B. Sin embargo, el sencillo final, el homónimo “Thriller”, fue más allá en lo musical al mezclar lo más profundo del funk con el pop ochentero y aquellos acordes lúgubres que introducían una obra de terror complementada por el videoclip que es considerado como uno de los más importantes de dicha expresión artística al haber sido concebido como un cortometraje y con espectaculares coreografías y maquillaje fueron la sensación de inicios de 1984.

“Thriller” constituyó una máquina de récords. Estuvo 37 semanas como número 1 en la lista “Billboard 200” y es considerado el disco más vendido de la historia con 66 millones de copias certificadas y contando. En cuanto a premios, su producción obtuvo 8 premios Grammy, todos ellos recibidos en 1984. Su influencia hasta hoy se reproduce en artistas y producciones en géneros Pop y R&B en tal forma que se puede decir que “Thriller” confirmó a Michael Jackson como el indiscutible rey del género.

Thriller – Epic – 1984

Wanna Be Startin’ Somethin’
Baby Be Mine
The Girl Is Mine
Thriller
Beat It
Billie Jean
Human Nature
P.Y.T. (Pretty Young Thing)
The Lady In My Life

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Aussies Pateando el Tablero en los 80

octubre 21, 2017/0 Comentarios/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

Durante los 80 el sonido New Wave no sólo que predominó, sino que mutó y adoptó diversos matices y ritmos para ir creando el abanico de opciones con las que se contó desde la segunda mitad de dicha década. Dichas opciones también tenían que ver con las diversas latitudes. Ya todo no provenía de Estados Unidos o la Gran Bretaña.

La fama de INXS tuvo constantes impulsos primero internos en su Australia natal para después proyectarse a un reconocimiento mundial que se reflejó en giras por Europa, Japón y Argentina. En enero de 1987 inició la grabación de “Kick” con Chris Thomas a cargo de la producción, famoso por sus trabajos en “Abbey Road” de The Beatles, “Dark Side of The Moon” de Pink Floyd y “Never Mind The Bollocks” de los Sex Pistols, además de haber tenido suceso con el predecesor álbum “Listen Like Thieves”.

Con una producción más orientada hacia el rock, “Kick” arranca con un tema muy robusto y guitarrero con “Guns In The Sky”, ideal para iniciar recitales y conquistar el público norteamericano, normal objetivo de cualquier artista. Sin embargo, el gancho comercial alrededor del mundo fue el sencillo que lanzaron poco antes de la publicación del álbum. “Need You Tonight” probablemente es el tema más famoso del catálogo de la banda, que bien pudo haber quedado en el olvido, es lo que cuenta la famosa anécdota de Andrew Farriss, quien previo viaje a Hong Kong para juntarse en labores creativas con sus compañeros, “se iluminó” y creo el hoy por hoy ultra conocido riff del tema, lo que retrasó su ida al aeropuerto con la consiguiente ira del taxista quien lo llevaba.

Al genio creativo de Michael Hutchence le costó un par de minutos elaborar las letras de uno de los temas más sensuales de la historia del pop y rock. Lo que parece un sencillo riff de guitarra en verdad son 2, aunque uno permanece por detrás dando la particular cadencia a la canción, manteniendo el ritmo con una batería distendida, además complementada con algunos sampleos y loops que le dan toques de dance, mientras que oportunas intervenciones de guitarras distorsionadas ponen el ingrediente rock. Tema completísimo a pesar de sus 3 minutos de duración. El disco finalmente salió al público el 19 de octubre de 1987

La apuesta de INXS sin duda era más rock y eso se plasmó en el siguiente sencillo de “Kick” que fue “Devil Inside”. Otra canción con un riff de guitarra muy famoso y cargado de distorsión. El duelo de guitarras entre el ritmo de Tim Farriss y la melodía de Kirk Pengiilly hicieron particularmente atractivo el tema para el público rockero, mientras los infaltables teclados de Andrew Farriss devolvían un poco del pop primigenio de la banda y todo se torna en una mezcla lista para una fiesta en la que se celebra la condición humana: el bien y el mal, la tentación y pasiones ocultas de las que hablan las letras “every single one of us the devil inside…”

Exaltación por la vida, la intensidad y persecución de emociones es lo que describe “New Sensation”. La energética batería de Jon Farriss transmite la energía hacia una guitarra imparable y los eternos trucos de su hermano Andrew, el mago detrás de aquellos sonidos que han hecho tan particular al sonido de INXS. “Live baby live, now that day is over / sleep baby sleep, now that the night is over”, parecen ser versos con un mandato de vida para su cosmovisión y su fanaticada: en la noche están las vivencias, las experiencias, la vida misma.

¿Qué sería de un álbum ochentero sin su balada? En el verano boreal de 1988 se publica el sencillo del tema “Never Tear Us Apart”, que fue compuesto originalmente en piano, sin embargo, los acordes fueron finalmente grabados con cuerdas. Así como se popularizó y se convirtió en uno de los temas más famosos de la banda. Cabe destacar el impecable solo de saxofón de Kirk Pengilly que da el punto de quiebre a la solemnidad de la canción y la vuelve en una pieza más sexy a la vez que clásica. Fue ideal la escoger a la ciudad de Praga como locación para grabar el videoclip del tema que es uno de los más sentidos a la hora de evaluar el talento interpretativo de Michael Hutchence, quien alcanza unas notas increíbles cantándolo.

Todos los temas fueron compuestos por el genio creativo de la banda: Andrew Farriss. También compuso en piano el cadencioso “Mystify”, que fue el quinto sencillo del exitoso álbum ya por el año de 1989 y junto al bajo funky de Garry Beers llevan un impresionante ritmo que apenas es complementado por las guitarras más la mágica voz de Michael Hutchence que en este caso es más bien un arrullo versus el poder desplegado en los otros sencillos.

Aparte de 5 sencillos exitosos y claramente reconocidos, “Kick” apuntó efectivamente a rockear con su tema homónimo, así como con “Guns In The Sky”, aunque no se olvidó de sus bases de pop australiano con temas que tenían un sonido similar al de sus obras predecesoras, tales como “Calling All Nations”, “Wild Life” o “Tiny Daggers”. En el caso de “The Loved One”, es un tema antiguo de la banda de R&B “The Loved Ones”, frecuentemente covereado por INXS y grabado en 2 ocasiones en su carrera.

“Kick” tuvo un espectacular suceso y con ello, premios y reconocimientos. Es por lejos el disco más vendido de la banda con aproximadamente 20 millones de copias reportadas. Certificó 6 platinos en Estados Unidos marcando la definitiva conquista del público norteamericano y en el Billboard Hot 200 llegó a la posición 4. El videoclip de “Need You Tonight” que se pasaba en conjunto con el tema “Mediate” (un cuasi rap) ganó el premio a video del año en los MTV Video Music Awards de 1988.

Sin duda el punto más alto en la carrera de los australianos quienes disfrutarían de lo mejor de su carrera por los siguientes 5 años. Un álbum icónico del pop y rock de finales de siglo XX y sin duda, legendario para la música australiana.

Kick – Atlantic – 1987

Guns In The Sky
New Sensation
Devil Inside
Need You Tonight
Mediate
The Loved One
Wild Life
Never Tear Us Apart
Mystify
Kick
Calling All Nations
Tiny Daggers

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Historia: Chile vs Ecuador por Eliminatorias

octubre 3, 2017/1 Comentario/en Fútbol, Selección Ecuatoriana/por Edison Guapaz Zambrano

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Chile fue uno de los rivales recurrentes de la tricolor en los procesos mundialistas antes de que se estableciera el sistema “todos contra todos”. Para los ecuatorianos, estos juegos constituyeron varias experiencias amargas y se hablaba de una “bestia negra” durante el Siglo XX. Con los éxitos de las selecciones ecuatorianas en el Siglo XXI, dicho pensamiento cambió y estos enfrentamientos pasaron a ser más parejos.

Esta historia comenzó el 15 de agosto de 1965 en el Estadio Modelo de Guayaquil peleando un lugar para el Mundial de Inglaterra 1966. El resultado fue 2-2 en un juego accidentado recordado por el choque entre el portero Pablo Ansaldo y el delantero chileno Carlos Campos que resultó en la fractura de costillas para el guardameta ecuatoriano, quien en esas condiciones atajó durante el resto del cotejo. Alberto Spencer dio la ventaja para tricolor, después la “roja” dio vuelta al marcador con goles de Campos e Ignacio Prieto y la igualdad fue obra de Enrique Raymondi. José María Rodríguez alineó así a los ecuatorianos:

Pablo Ansaldo; Alfonso Quijano, Vicente Lecaro, Luciano Macías, Miguel Bustamante; Rómulo Gómez, Clímaco Cañarte; Jorge Bolaños, Washington Muñoz, Enrique Raymondi, Alberto Spencer

El cotejo de vuelta se realizó el 22 de agosto de 1965 en Santiago. Chile derrotó 3-1 a la tricolor con goles de Leonel Sánchez de penal, Rubén Marcos y Alberto Fouilloux. Alberto Spencer puso la momentánea igualdad ecuatoriana y un gol legítimo a Tito Larrea no fue validado. Dicho resultado obligó a un partido de desempate entre ecuatorianos y chilenos. La tricolor jugó así:

Alfredo Bonnard; Alfonso Quijano, Vicente Lecaro, Luciano Macías, Felipe Mina; Mario Zambrano, Clímaco Cañarte; Tito Larrea, Jorge Bolaños, Washington Muñoz, Alberto Spencer

El juego definitivo que determinaría el clasificado al mundial inglés se disputó en Lima. El 12 de octubre de 1965 se disputó dicho encuentro con marcador 2-1 favorable a los araucanos, lo que los clasificó a Inglaterra ’66. Goles de Leonel Sánchez y Rubén Marcos para los chilenos, descontó Rómulo Gómez para la tricolor. Así formaron los ecuatorianos:

Helinho; Alfonso Quijano, Vicente Lecaro, Luciano Macías, Felipe Mina; Rómulo Gómez, Bolívar Merizalde, Carlos Pineda; Jorge Bolaños, Washington Muñoz, Alberto Spencer

Para el siguiente mundial, México 1970, la suerte volvió a juntar a araucanos y tricolores. El 27 de julio de 1969 se enfrentaron por dichas eliminatorias en Santiago y el resultado fue favorable 4-1 a los chilenos que movieron el marcador con 2 goles de Francisco Valdés, uno de Adolfo Olivares y un autogol de Ramiro Tobar. El del “honor” ecuatoriano lo convirtió Félix Lasso. Jose Gomes Nogueira alineó así a los tricolores:

Fernando Maldonado; Abdón Echanique, Eulogio Quinteros, Luciano Macías, Ramiro Tobar; Juan R Noriega, Enrique Portilla, Jorge Tapia (Walter Cárdenas), Jorge Bolaños; Washington Muñoz, Félix Lasso

El cotejo de vuelta se celebró el 3 de agosto de 1969 en Guayaquil y terminó igualado 1-1. Tom Rodríguez adelantó a los ecuatorianos, pero el empate de la visita lo anotó Adolfo Olivares. Ninguna de estas selecciones pudo alcanzar el mundial mexicano. Ecuador dispuso de los siguientes futbolistas:

Fernando Maldonado; Alfonso Quijano, Vicente Lecaro, Luciano Macías, Ramiro Tobar; Juan R Noriega, Jorge Tapia (Félix Lasso), Mario Espinosa; Jorge Bolaños, Washington Muñoz, Tom Rodríguez (Servelio Malagón)

Ecuatorianos y chilenos se volvieron a enfrentar en las eliminatorias para Argentina 1978. El 27 de febrero de 1977 Chile derrotó 1-0 a Ecuador en el Modelo de Guayaquil. El único gol del partido lo hizo Miguel Ángel Gamboa. Ernesto Guerra dispuso de los siguientes jugadores:

Carlos Delgado; Washington Méndez, Carlos Campoverde, Fausto Carrera, Fausto Klínger; Juan C. Gómez, José Tenorio (Luis Granda), José Villafuerte; Vinicio Ron, Wilson Nieves, Ángel Liciardi (Fabián Paz y Miño)

En el cotejo de vuelta, disputado el 20 de marzo de 1977 en Santiago, Chile se impuso 3-0. 2 goles de Elías Figueroa y uno de Osvaldo Castro para una nueva eliminación tricolor, aunque “la roja” tampoco estuvo presente en el mundial argentino. Ecuador alineó de la siguiente forma:

Walter Pinillos; Donald Caicedo, Carlos Campoverde, Fausto Carrera, Fausto Klínger; Juan C Gómez, Luis Granda (Ecuador Figueroa), José Villafuerte; Cristobal Mantilla, Fabián Paz y Miño (Wilson Nieves), Vinicio Ron

En las eliminatorias para España 1982 nuevamente resultaron emparejados Ecuador y Chile. El 24 de mayo de 1981 se midieron en Guayaquil con resultado 0-0. En medio del encuentro, el país se enteró del fallecimiento del Presidente Jaime Roldós en un accidente de aviación. A pesar de la trágica noticia y con ambiente obvio de pesadumbre, el partido se desarrolló. Juan Eduardo Hohberg dispuso de los siguientes jugadores:

Carlos Delgado; Flavio Perlaza, José Páez, Orly Klínger, Digner Valencia; Belford Párraga, José Villafuerte, Polo Carrera (Gorky Revelo); Wilson Nieves (Fabián Paz y Miño), Mario Tenorio, Lupo Quiñónez

El cotejo de revancha, jugado en Santiago, fue un nuevo triunfo chileno por 2-0. Goles de Carlos Caszely y Carlos Humberto Rivas aquel 14 de junio de 1981 que decretó la clasificación de la selección de la estrella solitaria al mundial español. Ecuador alineó así:

Carlos Delgado; Flavio Perlaza, José Páez, Orly Klínger, Digner Valencia; Belford Párraga, Ecuador Figueroa, José Villafuerte; Mario Tenorio, Wilson Nieves, Lupo Quiñónez

Como era costumbre, nuevamente fueron sorteados ecuatorianos y chilenos juntos para verse las caras rumbo a México 1986. Ecuador cambió su sede a Quito sin que los resultados cambien. El juego acabó igualado 1-1 con tanto de penal de Hans Maldonado, mientras que Juan Carlos Letelier había señalado la ventaja chilena. Antoninho Ferreira dispuso de los siguientes jugadores:

Israel Rodríguez; Flavio Perlaza, Wilson Armas, Hólger Quiñónez, Hans Maldonado; Elías De Negri, Marcelo Hurtado, José Villafuerte (Hamilton Cuvi); José V. Moreno (Lupo Quiñónez), Fernando Baldeón, Ermen Benítez

En el cotejo de vuelta, nuevamente en el Nacional de Santiago fue una nueva victoria chilena por un apabullante 6-2 que de todas formas no le sirvió a “la roja” para ir al mundial mexicano al que mucho menos fue Ecuador. 2 goles de Jorge Orlando Aravena, 2 de Carlos Caszely, uno de Héctor Puebla y uno de Alejandro Hisis para el local, mientras que los tantos ecuatorianos fueron de Fernando Baldeón. Esta fue la formación ecuatoriana:

Israel Rodríguez; Flavio Perlaza, Wilson Armas, Orly Klínger, Hans Maldonado (José Valencia); Elías De Negri, Marcelo Hurtado, Hamilton Cuvi, José Villafuerte; Fernando Baldeón, Lupo Quiñónez

Tiempo después, cuando se inicio la “tradición” del todos contra todos, Ecuador y Chile volvieron a cruzarse por eliminatorias y fue rumbo a Francia 1998. El 6 de julio de 1996 en el Nacional de Santiago, Chile se impuso 4-1 con 2 goles de Iván Zamorano, uno de Marcelo Salas y uno de Fabián Estay, todos de cabeza. El empate transitorio había llegado con una extraordinaria tijera de Álex Aguinaga. Dirigía Francisco Maturana que dispuso de los siguientes futbolistas:

Carlos Morales; Wagner Rivera, Alberto Montaño (Byron Tenorio), Máximo Tenorio (Luis González), Luis Capurro; Iván Hurtado, Héctor Carabalí, Alfonso Obregón (Angel Férnandez); Alex Aguinaga, Gilson De Souza; Eduardo Hurtado

La revancha fue el 8 de junio de 1997 en el Atahualpa de Quito con resultado 1-1. Ecuador seguía sin poder ganarle oficialmente a Chile y aquel resultado comprometió seriamente las opciones ecuatorianas de llegar al mundial francés, algo que finalmente no lo consiguió, mientras los chilenos volvieron a disputar una Copa del Mundo. Ariel Graziani abrió el marcador para la tricolor, pero Marcelo Salas con certero cabezazo decretó la igualdad. Esta fue la alineación ecuatoriana:

Geovanny Ibarra; Ulises De La Cruz, Alberto Montaño, Iván Hurtado, Edmundo Méndez; Jimmy Blandón, Marco Constante, Alex Aguinaga, Oswaldo De La Cruz (Gilson De Souza); Agustín Delgado, Ariel Graziani (Angel Fernández)

El Siglo XXI deparó mejores tiempos para las selecciones ecuatorianas. Para las eliminatorias a Japón y Corea 2002, Ecuador y Chile rivalizaron un 8 de octubre de 2000 con triunfo ecuatoriano por 1-0, gol de Agustín Delgado. La primera victoria ecuatoriana sobre los araucanos por eliminatorias fue protagonizada por los siguientes elementos que dirigió Hernán Darío Gómez:

José F. Cevallos; Ulises De La Cruz, Giovanny Espinoza, Iván Hurtado, Raúl Guerrón; Edwin Tenorio (Ángel Fernández), Alfonso Obregón, Alex Aguinaga, Kléber Chalá (Wellington Sánchez); Iván Kaviedes (Evelio Ordóñez), Agustín Delgado

El partido de revanchas se disputó el 14 de noviembre de 2001 en Santiago y el resultado fue 0-0. La selección ecuatoriana ya se encontraba clasificada al mundial asiático y dispuso de algunas variantes para afrontar este juego. Entonces esta fue su alineación:

José F Cevallos; Ulises De La Cruz, Giovanny Espinoza, Iván Hurtado, Marlon Ayoví; Juan C. Burbano, Alfonso Obregón, Edison Méndez, Luis Gómez; Angel Fernández, Iván Kaviedes (Carlos Tenorio)

En las eliminatorias para Alemania 2006, Ecuador nuevamente salió triunfante en el Atahualpa de Quito. 2-0 con golazos de Iván Kaviedes y Edison Méndez aquel 10 de octubre de 2004. Este partido es recordado por la granizada que obligó a postergar una hora el juego. Luis Fernando Suárez alineó con los siguientes jugadores:

Edwin Villafuerte; Ulises De La Cruz, Giovanny Espinoza, Iván Hurtado, Raúl Guerrón; Edwin Tenorio, Marlon Ayoví, Edison Méndez, Walter Ayoví (Franklin Salas); Ivan Kaviedes (Angel Fernández), Evelio Ordóñez (Paul Ambrosi)

La revancha se dio el 12 de octubre de 2005 en Santiago. Para ese entonces, Ecuador ya tenía en mano su clasificación al mundial alemán y tal como en la eliminatoria pasada, dispuso de algunas variantes para enfrentar este partido que también finalizó con empate sin goles. Entonces alineó así:

Edwin Villafuerte; José L Cortez (Ulises De La Cruz), Jorge Guagua, Giovanny Espinoza, Néicer Reasco; Edwin Tenorio, Segundo Castillo, Luis Caicedo, Luis Saritama, Cristian Lara (Paul Ambrosi); Félix Borja (Roberto Mina)

El nuevo encuentro entre ecuatorianos y chilenos se dio rumbo a las eliminatorias a Sudáfrica 2010 un 12 de octubre de 2008. Ecuador venció 1-0 con gol de Christian Benítez en Quito. La gran batalla entre Sixto Vizuete y Marcelo Bielsa fue así dispuesta por el guaytacameño:

Marcelo Elizaga; Omar De Jesús, Giovanny Espinoza, Iván Hurtado, Paúl Ambrosi (Luis Bolaños); Segundo Castillo (Patricio Urrutia), Walter Ayoví, Antonio Valencia, Joffre Guerrón; Christian Benítez, Felipe Caicedo (Fernando Hidalgo)

Mientras que el cotejo de vuelta se dio el 14 de octubre de 2009 en el Monumental de Colo Colo. Triunfo chileno por 1-0 con gol de Humberto Suazo que acabó definitivamente con la esperanza de un nuevo mundial para la tricolor. En dicho juego los ecuatorianos formaron así:

Marcelo Elizaga; Néicer Reasco, Jorge Guagua, Iván Hurtado, Walter Ayoví; Segundo Castillo, Fernando Hidalgo, Edison Méndez (Edmundo Zura), Cristian Lara (Joao Rojas); Jéfferson Montero, Christian Benítez

Rumbo al Mundial de Brasil 2014, Ecuador y Chile midieron fuerzas el 12 de octubre de 2012 en Quito. El marcador fue favorable a la tricolor por 3-1. Los araucanos se adelantaron con autogol de Juan Carlos Paredes, pero 2 goles de Felipe Caicedo y uno de Segundo Castillo sellaron la victoria ecuatoriana. Reinaldo Rueda formó así a los tricolores:

Alexander Domínguez; Juan C Paredes, Gabriel Achilier, Fricson Erazo, Walter Ayoví; Segundo Castillo, Luis Saritama, Renato Ibarra (Jéfferson Montero), Joao Rojas (Cristhian Noboa); Christian Benítez, Felipe Caicedo (Jaime Ayoví)

El cotejo de vuelta se disputó el 15 de octubre de 2013 en el Nacional de Santiago, el resultado fue favorable al local por 2-1, pero con ese marcador, ambas selecciones accedieron al mundial brasileño. Goles de Alexis Sánchez y Gary Medel para los chilenos, mientras que Felipe Caicedo descontó para los ecuatorianos que formaron así:

Alexander Domínguez; Juan C Paredes, Jorge Guagua; Fricson Erazo, Walter Ayoví; Segundo Castillo, Cristian Noboa; Antonio Valencia, Enner Valencia (Jaime Ayoví), Jéfferson Montero (Fidel Martínez); Felipe Caicedo (Renato Ibarra)

Para las eliminatorias a Rusia 2018, Ecuador y Chile se enfrentaron en Quito el 6 de octubre de 2016 con resultado 3-0 favorable a la tricolor. Los goles fueron de Antonio Valencia, Cristian Ramírez y Felipe Caicedo. El en ese entonces DT de los ecuatorianos, Gustavo Quinteros, dispuso de los siguientes jugadores:

Esteban Dreer; Juan Paredes, Luis Caicedo, Arturo Mina, Cristian Ramírez; Christian Noboa, Jefferson Orejuela, Antonio Valencia, Fidel Martínez (Juan Cazares); Felipe Caicedo (Renato Ibarra), Enner Valencia (Jaime Ayoví)

El total de enfrentamientos entre las selecciones de Chile y Ecuador da un total de 10 triunfos chilenos, 7 empates y 5 victorias ecuatorianas. Como visitante Ecuador no ha podido nunca vencer a la roja acumulando 8 derrotas y 2 empates.

Todas las fotos tomadas de https://partidosdelaroja.blogspot.cl/

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

El Thriller del Rock

agosto 4, 2017/1 Comentario/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

A finales de 1984 una banda oriunda del industrial Sheffield, Inglaterra, vivía un tremendo suceso. Def Leppard había vuelto más comercial su sonido “New Wave Of British Heavy Metal” con lo que llegó a mucho público de ambos lados del charco. Sin embargo, el infortunio golpearía a esta banda que de hecho, se ha caracterizado por la tragedia en su trayectoria. El baterista Rick Allen sufrió un accidente automovilístico que le arrancó un brazo. El futuro de la banda y la grabación de su siguiente álbum estaba en vilo, mas sus compañeros optaron por respaldar a Allen.

La recuperación de la salud de Rick tomó su tiempo, pues comprometió severamente su salud. Posteriormente la banda dispuso que se adapte a Allen una batería con varios componentes electrónicos que le permitió tocarla preferentemente con los pies hasta que pudo reaparecer en vivo en el festival “Monsters of Rock” en Donington siendo ya 1986 y exhibiendo una serie de cadencias y ritmos inusitados. Entre tanto las grabaciones fueron de lo más accidentadas, pues el vocalista, Joe Elliot, tuvo un cuadro de paperas, mientras que el productor, Robert “Mutt” Lange, tuvo su propio accidente, todo esto llevó a que el final de las mismas se extienda a inicios de 1987 y el álbum vio la luz un 3 de agosto de aquel año.

“Mutt” Lange es conocido por estar detrás de discos tremendamente exitosos como “Back In Black” de AC/DC, “Heartbeat City” de The Cars o “Come On Over” de Shania Twain. Había transmitido a la banda su intención de lograr el “Thriller” del rock, en referencia a la cantidad de sencillos que lanzó el aire aquel legendario disco de Michael Jackson. Hysteria se realizó con la intención de que cada tema sea un potencial single radiable y dicha premisa se consiguió al poder emitir 7 sencillos, algo prácticamente inconcebible para una banda de Heavy Metal.

“Hysteria” se dio a conocer en la Inglaterra natal de los “Leps” con el tema “Animal”. En el cual destacan los tradicionales “coro y respuesta” marca registrada de Def Leppard con perfecta sincronía entre las guitarras de Phil Collen y Steve Clark que no precisamente llevaban un sonido atronador y gozaron de muchas ventajas tecnológicas de estudio. Mientras tanto, en Estados Unidos debutaron con el tema “Women”, algo más solemne que el festivo “Animal” y con un videoclip sofisticado en el que incluía animaciones y una historia tipo cómic.

Después vendría la aclamación mundial. En el otoño británico la balada homónima del álbum, “Hysteria” se presentó como sencillo con su ritmo lento, sus guitarras dulces, casi de baile de salón, además de varios recursos de estudio que permitieron sincronizar las secciones cambiantes del tema. Sin embargo, la locura se desató cuando se presentó como sencillo a “Pour Some Sugar On Me” en los Estados Unidos en la primavera de 1988. Casi en simultáneo al lanzamiento del álbum, Def Leppard había emprendido una gira mundial para su promoción y en muchos de los recitales usaron un innovador escenario de 360 grados en el medio de la locación. Dicha experiencia fue registrada en los espectáculos de Denver y se utilizó principalmente para el diseño del videoclip de esta, tal vez la canción más famosa de la banda.

En el espíritu rock – glam de “Pour Some Sugar On Me”, se edita el sencillo de “Armaggedon It” con mucha guitarra, con Rick Savage empujando desde atrás con los coros y el bajo, mucha energía y matices en la voz de Joe Elliot y un videoclip prácticamente continuación de “Pour Some…” A esas alturas el éxito en los Estados Unidos era total con una gira que agotaba localidades donde vaya y un disco que había certificado diamante (más de 10 millones de copias vendidas). Tal era el impulso mediático y comercial que la banda se anima a sacar al mercado un sexto sencillo que fue la balada “Love Bites”, dramática y repleta de efectos en las guitarras de Collen y Clark. Para 1989 y una vez que había finalizado la gira mundial, se editó un último sencillo con el poderoso tema “Rocket” que hace un repaso u homenaje a la cultura pop británica tanto en sus letras como en la producción de un videoclip en el que se observa la influencia total de las telecomunicaciones.

Más allá de los sencillos, Hysteria ofrece un cúmulo brutal de sensaciones con temas frenéticos como “Run Riot” o “Excitable”, energéticos como “Don´t Shoot The Shotgun”, solemnes como “Gods of War” o nostálgicos como la dulce “Love And Affection”. Todos aquellos con la cinemática que aporta el bajo de Savage que jamás es opacado por las bien producidas guitarras que de todas formas dominan.

“Hysteria” es un fenómeno ochentero por excelencia. Alcanzó el número uno en las listas tanto británicas (UK Top 40) y norteamericanas (Billboard 200). Se le conocen más de 20 millones de copias vendidas alrededor del mundo, se considera “la obra maestra” de la banda y sin duda, el pico de su popularidad, para pasar a unos 90 más modestos que incluyeron el dolor del fallecimiento de Steve Clark. Disco imprescindible para entender el “glam rock”.

Hysteria – Mercury – 1987

Women
Rocket
Animal
Love Bites
Pour Some Sugar On Me
Armaggedon It
Gods Of War
Don’t Shoot The Shotgun
Run Riot
Hysteria
Excitbale
Love And Affection

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

El Furioso Grito de las Calles

julio 27, 2017/1 Comentario/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

Pocos sonidos pueden evocar con tanta crudeza la sordidez de una metrópoli convulsa como Los Ángeles como el inicio de “Welcome To The Jungle”. Los Guns N’ Roses llegaban a darle un baño de realidad a la escena “Glam Rock” del Sunset Strip y con su música descarnada conquistaron la voluntad de millones.

Este 21 de julio se cumplieron 30 años desde que la exitosa banda norteamericana lanzó al público su álbum debut “Appetite For Destruction”. A través de aquellos díscolos jóvenes, David Geffen tendría por pocos años un negocio millonario, pero “domarlos” no fue fácil. Estos talentos vivían una vida totalmente caótica y trastornada por el alcohol, las drogas y la sórdida bohemia de las calles angelinas. Ahí estaban 2 revoltosos amigos del alma (Slash y Steven Adler), 2 cuasi campesinos del Estado de Indiana (Axl Rose e Izzy Stradlin) y un chico inteligente aunque adicto de Seattle (Duff Mc Kagan) persiguiendo sus sueños en el ambiente más malsano posible.

En la primavera de 1987 y tras agotadoras sesiones, concibieron a un álbum que demoraría en causar conmoción, pero ¡vaya sí lo haría! Lo que sí, para dar su golpe de gracia, estos “rebeldes” tuvieron que aparecer en el Mainstream. Tras todo el lobby que Geffen ejerció en la cadena MTV, sus ejecutivos accedieron a pasar en el peor horario posible (domingo 4 A.M.) el videoclip de “Welcome To The Jungle”, mas el resultado fue fabuloso.

Mucha gente pidió su continua rotación, muchos otros se lanzaron a comprar un disco que no tenía hasta ese entonces las ventas deseadas. El tema llega inspirado en el arribo de Rose a Los Ángeles a buscar a su amigo Izzy quien había migrado con anterioridad. Pasó la noche en el patio de un colegio y ahí fue cuando un sujeto afro descendiente le profirió el célebre verso: “D’You know where you are? You’re In The Jungle, You’re Gonna Die” (¿sabes dónde estás?, estás en la jungle, vas a morir). Aquel aterrador recibimiento marcaría a Rose y reflejaría en el hit que dio a conocer a Guns N’ Roses al mundo. Hablando de la dura realidad de Los Ángeles con guitarras estridentes, un bajo poderoso y batería enérgica.

Sin embargo, el éxito total llegaría como a muchas bandas de la escena ochentera, a través de su “balada”. Lo que era un “torpe ejercicio” de guitarra de Slash enseguida fue secundado por Stradlin y tres acordes, a lo que se sumaría la batería de Adler y algo en secreto, las letras de Rose en homenaje a Erin Everly, su novia de aquellos tiempos “She’s Got Eyes Of The Bluest Sky…”. El resultado atrajo a una multitudinaria fanaticada femenina y el éxito de “Sweet Child O’ Mine” fue rotundo. Un clásico imprescindible.

Un grandioso sencillo del álbum es “Paradise City”, otro tema acerca de Los Ángeles y su decadencia. Acá la transición entre un ritmo sosegado y uno más violento es la delicia del oyente, pues especialmente al ser tocada en vivo lo lleva a estadios de calma y euforia a la vez siendo hipnotizado por esa atrapante sucesión de notas de guitarra y bajo muy de hard rock. Acá la marcial batería de Adler en el comienzo engancha rápidamente, mientras los aullidos de Axl y sus “take me home” hacen delirar a miles. Acá Rose haría gala de los increíbles rangos vocales y quiebres que lo harían famoso e idolatrado.

Además de aquellos sencillos sumamente exitosos, “Appetite For Destruction” está lleno de temas poderosos. El primer y no tan exitoso sencillo “It’s So Easy” imaginado en la cabeza del bajista Duff Mc Kagan, lo que se refleja en la atrapante línea de este instrumento. Hablando de insatisfacción y rabia. Esta también un gran clásico que es tocado con regularidad en los recitales de los Guns o de cualquiera de sus miembros en otros proyectos en solitario que es «Mr. Brownstone». Se trata de una oda a la adicción a la heroína por la que pasaba el guitarrista Izzy Stradlin quien se luce con su clásica técnica de acordes entrecortados y soberbios palm mutings que son tan enigmáticos y a la vez tienen tanta personalidad.

Habíamos hablado de la influencia femenina en “Sweet Child O’Mine”, pero la misma es recurrente en todo el álbum. Por ejemplo, “My Michelle” es dedicada a una amiga de la banda con dicho nombre, “Think About You” es sobre una chica con la que a su tiempo salieron varios miembros de la banda e incluso Rose la tiene tatuada en el brazo, “You’re Crazy” es inspirada en una dama que atacó a Rose con una botella, mientras que la historia de “Rocket Queen” es algo más polémica, pues los conocidos gemidos que se escuchan en la pista son reales y producidos por la novia de Steven Adler mientras tenía relaciones con Axl. El baterista no se lo tomó bien cuando supo el origen de los mismos y de hecho, sería el punto de partida de las fricciones de la banda.

Temas vertiginosos como “Anything Goes”, a la insanidad mental como “Out Ta Get Me”, al alcohol como “Nightrain” no pierden los elementos que caracterizan este disco: la impresionante capacidad vocal de Axl Rose con sus gritos y aullidos, el innegable virtuosismo de Slash, el talento creativo y el alma en la guitarra de Izzy Stradlin, el punzante ritmo del bajo con púa de Duff Mc Kagan y la precisión y energía de la batería de Steven Adler.

Originalmente “Appetite For Destruction” había concebido un portada que resultaba algo controversial por lo violento de su imagen, donde entre otras cosas se insinúa una violación, por lo que finalmente acabaron con la conocida portada negra con una cruz en el medio y los integrantes caracterizados como calaveras. Originalmente el álbum iba a ser producido por Paul Stanley de Kiss, quien finalmente fue rechazado y el trabajo estuvo a cargo de Mike Clink.

“Appetite For Destruction” es el álbum debut mejor vendido en la historia de los Estados Unidos y se le presume alrededor de 30 millones de copias vendidas alrededor del mundo. Alcanzó el número uno en la lista “Billboard 200” en 1988 y en Estados Unidos certificó 18 veces disco de platino. El sencillo de “Sweet Child O’ Mine” así mismo llegó al primer lugar en la lista “Hot 100” de Billboard.

Guns N’ Roses con “Appetite For Destruction” inició el camino a un efímero pero legendario paso por la cima del rock and roll con sus polémicas, excesos, pero sobretodo, por sus canciones llenas de sentimientos descarnados mas sinceros.

Appetite For Destruction – Geffen – 1987

Welcome To The Jungle
It’s So Easy
Nightrain
Out Ta Get Me
Brownstone
Paradise City
My Michelle
Think About You
Sweet Child O’Mine
You’re Crazy
Anything Goes
Rocket Queen

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Rio: Glamour y Frenesí de la Nueva Ola

mayo 12, 2017/1 Comentario/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

En esta semana, más concretamente el 10 de mayo se ha celebrado el aniversario 35 del álbum “Rio” de la agrupación británica Duran Duran. Bien se podría considerar a este disco como su “capo lavoro”, consiguiendo tempranamente en su carrera la cima de su popularidad siendo este su segundo álbum en estudio cronológicamente hablando.

Grabado desde finales de 1981, “Rio” buscó pulir y consolidar ese estilo en el que se mezclaba el funk, el disco, el post punk y los ritmos de baile europeos. Es así como el primer sencillo del álbum y primera canción que sonó del mismo “My Own Way” bajó bastante en sus beats y pasó a tener en su versión definitiva un ritmo más cadencioso, manejado con mucho mayor estilo y sutileza por parte del bajista John Taylor.

Si hablamos de los “singles” indudablemente hay que referirse a “Hungry Like The Wolf”, tema con el que definitivamente conquistaron “el otro lado del charco” (o sea, América). Todo inicia con la maravillosa y apenas perceptible línea de secuenciador armada por el tecladista Nick Rhodes que es omnipresente y conduce a la canción por ese ritmo atrapante al que el mismo Rhodes acompaña con elegantes teclados y tiene la dosis necesaria de rock con el potente riff de guitarra de Andy Taylor, sumada a la ya reconocida precisión del bajo de John. Habla mayoritariamente del deseo “I howl and I whine I’m after you…”

Duran Duran siempre ha sido una banda preferentemente “pop” o “dance”, pero el componente rockero está presente a través de la energética aunque no precisamente protagonista guitarra de Andy Taylor en “Rio”. Así como en “Hungry Like The Wolf”, también destaca en otro emocionante tema como “Hold Back The Rain” en el que esa dualidad junto a los coros le dan esa energía, al igual que en “Last Chance On The Stairway”. Para temas como “New Religion” o la misma homónima “Rio”, hay un tratamiento más funk en la técnica.

Si hablamos del bajo de John Taylor, tenemos que nuevamente elogiar su poderoso y contagioso ritmo, además de la precisión y sincronía para conducir hacia a los temas como “Lonely In Your Nightmare”, “Last Chance On The Stairway” o “New Religion”. Pero sin duda el punto culminante es la canción homónima de apertura. “Rio”, la canción, presenta un despliegue técnico impresionante en las cuatro cuerdas que hace una dualidad mágica con los secuenciadores de Rhodes, exigiendo al máximo a su compañero en la batería, el introvertido Roger Taylor. Todo esto conduce a aquellos lugares mágicos que evocan las fastuosas producciones de sus videoclips.

Pero “Rio” no es solo fiesta, chicas y pasarla bien. También presenta sus momentos de recogimiento como la poderosa balada “Save A Prayer” donde las melodías a cargo del canto de Simon LeBon marcan un momento de recogimiento ya que la armonía permanece por sobre las exigencias a las que somete a su garganta en la mayoría de temas del disco, además que nuevamente Nick Rhodes nuevamente se luce produciendo tal vez la línea de secuenciador más famosa de la historia del pop. Finaliza con “The Chauffeur” y un místico trabajo de teclados y programación añadido a sonidos exóticos como el de la ocarina (tocada por el propio Simon LeBon) emulando sonidos de Europa del Este o Los Andes.

Hablando de lo exótico. Duran Duran para promocionar este disco no escatimó esfuerzos. Al ser los “abanderados” del movimiento “New Romantic” a la que se le podría tildar como la fase “fashionista” y decadente del New Wave, tenían mucho que trabajar a partir de su imagen: maquillaje, ropa de diseñador y libre expresión fueron desde siempre su carta de presentación. Además, se podría decir que Duran Duran es la primera banda que explota a fondo las bondades de MTV y su en ese entonces novedosísimo concepto de pasar videos musicales todo el día. Es así como la pinta y el glamour se combina con producciones fastuosas en locaciones fuera de lo común como Antigua (donde se filma el videoclip de Rio) o Sri Lanka (donde se filman los de Hungry Like The Wolf y Save a Prayer). Además de agotadoras presentaciones en Norteamérica donde iniciaron acompañados por Blondie para poco a poco recoger el testigo de la New Wave y liderar el movimiento que vendría acompañado con la siguiente “invasión británica” musical.

Rio es uno de los álbumes más influyentes de los años ochenta, logró la sexta posición en la lista Billboard 200 en 1983. Su legado dentro de lo que se puede considerar “música de baile” permanece.

Rio – EMI – 1982

1. Rio
2. My Oen Way
3. Lonely In Your Nightmare
4. Hungry Like The Wolf
5. Hold Back The Rain
6. New Religion
7. Last Chance On The Stairway
8. Save A Prayer
9. The Chauffeur

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

The Joshua Tree: La Conquista del Mundo

marzo 9, 2017/0 Comentarios/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

En marzo de 1987 se publicó uno de los discos más importantes de la música popular de los años 80, el cual consagró comercial y mediáticamente a unos irlandeses que escalaban con pasos cortos pero seguros en el “peligroso” mundo del Rock and Roll.

La inspiración para la composición de “The Joshua Tree” llegó por algunos caminos. La gira “Conspiracy of Hope” que reunió a varios artistas famosos en 1986 para respaldar la labor de Amnistía Internacional consolidó la fascinación de la banda por América (Estados Unidos), la cual desde muy jóvenes venían visitando presentándose en audiencias que fueron creciendo con el paso del tiempo. El viaje de Bono y su esposa Ali a Etiopía durante su tristemente recordad hambruna le dio muchos temas para contar, al igual que su visita a Centroamérica en los difíciles años de las guerras civiles. El amor, la guerra, tópicos que han abordado siempre a lo largo de su carrera.

Esos pueblos remotos, donde las calles no tienen nombre, inspiraron el tema inicial del disco. “Where The Streets Have No Name” tiene la dificultad de ser una canción que necesita cambiar de compás al andar marcado por la punzante guitarra de The Edge, quien domina con maestría el uso del delay y actúa cual acelerador para llevar al oyente hacia un viaje musical inolvidable. Lo acompaña el persistente bajo y una estentórea batería difícil de descifrar. “Streets” emociona con su vertiginoso ritmo, “música cinemática” que la banda llamó. Siempre hablando de las dificultades del amor y el transitar del mismo por parajes desolados e intentar superar la sensación de oxidación. Still building then burning down love…

Se viene el góspel y otra de las inspiraciones americanas para U2 con “I Still Haven’t Found What I’m Looking For”, descrita por el baterista Larry Mullen como “un himno de duda más que de fe”. Siempre se habló de la cierta intención religiosa en la música de U2 y este tema aparentemente sencillo, con una guitarra muy fácil de seguir con la siempre presente gama de notas agudas de Edge y un nuevo despliegue fantástico de la batería, Bono llegando con su voz a garganta abierta hacia notas inhumanas y un alma propia de las misas celebradas por afro descendientes en los Estados Unidos. Habla de esa eterna búsqueda del ser humano, un deseo permanente de reinvención y cierta fe en que podrá el mañana ser mejor. I believe in the Kingdom Come…

La siguiente parada de este viaje musical es la balada clásica, tal vez el tema más conocido de U2: “With Or Without You”. Acá la magia la hace Adam Clayton y el bajo con 4 solemnes notas que impulsa a la voz de Bono a dar lo mejor de sí, mientras Edge le da ambiente al usar un E-Bow con su guitarra. Un tema también dedicado a los problemas del amor y las dificultades que se presentan en la convivencia en pareja. Ese “I can’t live … With Or Without You” un poco característico de las relaciones que ya han durado su tiempo puede ser identificado y reivindicado por cualquiera. Un tema más de pesadumbre y reflexión más que de romance.

“Bullet The Blue Sky” recrea un ambiente de campo de batalla al ritmo de una batería marcial, un bajo lacerante entre notas profundas y slaps y una guitarra algo “zeppelinesca”. Inspirada en las vivencias de los bombardeos y las guerras civiles en Nicaragua y El Salvador, la angustia presa en la canción es permanente y la esperanza de llegar a un lugar mejor

Across the field you see the sky ripped open
See the rain through a gaping wound
Pounding on the women and children
Who run
Into the arms
Of America

“Running to Stand Still” es una amarga balada que narra los pesares y peligros de la adicción a las drogas entre rasgados lastimeros de guitarras acústicas, en tanto que “Red Hill Mining Town” da vueltas como una sinfonía desgarradora inconclusa forzando a Bono a las mayores exigencias de su voz tal vez en toda su carrera. Lo cual ha hecho que este tema sea difícil de interpretarlo en vivo.

La fascinación por América y la evocación de un paisaje. La inmensidad del desierto del oeste estadounidense es la imagen que U2 reproduce en el arte visual del disco. Ahí justamente está localizado el Parque Nacional “Joshua Tree”, bautizado así por los únicos cactus característicos de la zona y que llevan aquel nombre, además de tener alguna alusión bíblica (el profeta Josué). Bajo el cielo del desierto se dibuja con música el paisaje de “In God’s Country”, un frenético y cinemático tema que traslada con su trepidante guitarra hacia esas tierras inmensas, hermosas y desoladas. Habla justamente del sueño americano. Every day the dreamers die, To see what on the other side…

El tema Americano prevalece en “Trip Through Your Wires”, en el que una armónica y el evidente ritmo de blues homenajean al gran país del norte y anticipan lo que vendría más adelante con “Rattle and Hum”. A continuación, sigue “One Tree Hill”, un homenaje a uno de sus “roadies”, Greg Carroll, quien murió en un accidente en 1986. Al haber sido él de origen neozelandés, los instrumentos musicales típicos del Pacífico Sur por momentos se toman esta sentida canción. I’ll see you again when the stars fall from the sky…

“Exit” es un tema cargado de angustia en el que se siente la devastación de la guerra a través de un “in crescendo” y una atmósfera creada llena de pesadumbre. Los últimos temas del “Joshua Tree” muestran más bien un lado pesimista y acongojado. Finaliza el álbum con “Mothers Of The Disappeared”, cuyo título habla por sí solo y trata sobre madres que perdieron a sus hijos de diversas formas violentas, suele ser entonado por ejemplo, cuando la banda da su vuelta por Chile o Argentina, países que sufrieron aquella tragedia en las dictaduras de los 70.

“The Joshua Tree” significó para U2 la llegada al Olimpo del Rock And Roll y los convirtió en súper estrellas. Tocaron para audiencias mucho más grandes a las acostumbradas y en cada sitio al que llegaron los boletos para su espectáculo se agotaban rápidamente. El álbum tuvo mucho reconocimiento de la crítica especializada, siendo muchas veces reconocido como el “álbum del año”, honor ratificado con el Premio Grammy a dicha categoría. “The Joshua Tree” llegó a ser número uno en el chart de Billboard durante cerca de 2 meses en 1987, los sencillos “With Or Without You”, “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” y “Where The Streets Have No Name” alcanzaron el número uno en las listas de varios países. Las ventas hasta la actualidad de “The Joshua Tree” superan las 20 millones de copias.

Actualmente U2 ha planeado una gira entre Estados Unidos y Europa para celebrar el trigésimo aniversario de este, el disco que los puso en la cima del mundo.

The Joshua Tree – Island – 1987

Where The Streets Have No Name
I Still Haven’t Found What I’m Looking For
With Or Without You
Bullet The Blue Sky
Running To Stand Still
Red Hill Mining Town
In God’s Country
Trip Through Your Wires
One Tree Hill
Exit
Mothers Of The Disappeared

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

El Fenómeno Stranger Things

enero 20, 2017/0 Comentarios/en Cultura, T.V./por Edison Guapaz Zambrano

Stranger Things fue tal vez uno de los más importantes fenómenos en cuanto a producción mediática, no sería tan preciso decirlo de “T.V.”, pues fue transmitida por la plataforma “Netflix” a la que se puede acceder a través de Internet. Se pueden atribuir varios factores a su éxito e intentaremos descubrirlos.

Uno de los principales elementos en esta serie es el contexto retro en el que se desenvuelve, pues la trama está toda dentro de los años 80, lo que paradójicamente va muy de la mano con las tendencias actuales en las que la fascinación por los elementos de la cultura popular del siglo XX está a la orden del día. La nostalgia de ver teléfonos de disco, cintas de audio, antiguos modelos de autos, bicicletas o vestimentas pudo haber hecho suspirar a más de uno. Aquel ambiente en el que la tecnología tenía su presencia más no el protagonismo del presente pudo también darle mayor hilo a una trama que con los dispositivos actuales pudieron haberse resuelto más rápidamente. La música ochentera (The Clash, Foreigner, Modern English, The Bangles) también contribuye a dicho ambiente nostálgico. En sí, en Stranger Things se encuentra una especie de tributo a serie como “Twilight Zone” o películas como E.T.

Stranger Things ofreció una mezcla de intriga y misterio muy especial en la que las conspiraciones y lo paranormal se mezclan para mantener la atención del espectador ya que ambas son motivo de fascinación. Hablar de secretos del gobierno norteamericano y planes de acceso restringido es la motivación de varias producciones en el país del norte, a veces bien documentadas y en otras con rienda suelta a la fantasía en la que más se desenvuelve el segundo punto, pues los fenómenos paranormales suelen ser muy exitosos en las producciones mediáticas de cualquier latitud. Ambas características se juntan para crear el villlano de la serie, el monstruo responsable de las desapariciones en aquel pueblo pequeño del estado de Indiana. Así mismo las conspiraciones y lo paranormal se juntan para crear a la enigmática Eleven, aquella niña con poderes telekinéticos que con pocos diálogos y mucha actitud conquistó los corazones de los espectadores.

La serie también trató temas que tímidamente se abordaban desde los 80 y fueron tomando mayor fuerza con los años. Uno es las familias disfuncionales, protagonistas a partir de los 90 en las series de televisión y producciones afines. En Stranger Things podríamos decir que la “familia protagonista”, la del niño Will Byers, por cuya desaparición se desarrolla la serie, tenía a una madre divorciada como cabeza de familia, aunque también se ve familias típicas como los Wheeler. También se trata el tema del “bullying”, pues lo sufren los chicos que protagonizan la serie, quienes tienen características estereotipadas de “chicos raros”, quienes normalmente son vulnerables a este tipo de prácticas de las que juntos salen relativamente bien librados hasta que quedan en defensa de Eleven, quien con sus poderes se vuelve la heroína y pone en su lugar a los bullies. Problemas varios por los que pasan los niños y adolescentes y su complicado mundo de relaciones sociales fueron también una buena salida dentro del universo de misterio y conspiración.

Destacar que en Stranger Things fueron los niños quienes protagonizaron brillantemente la serie llevándose Millie Bobby Brown la mayor cantidad de aplausos en su papel como Eleven. También fue importante contar con una actriz reconocida como Wynona Rider, en su papel de la atormentada madre del desaparecido Will Byers. La serie pareciera cerrada, pero su éxito dio paso a una segunda temporada de la que se espera con ansiedad su estreno a mediados de este año.

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Grandes Rivalidades: Larry Bird vs Magic Johnson

enero 10, 2017/1 Comentario/en Deportes, Internacional/por Edison Guapaz Zambrano

Un choque de estilos que enfrentaba a ambas orillas de la unión americana y que gracias al despegue de las telecomunicaciones, era el estelar de una afición que empezaba a despertar alrededor del mundo.

En 1979 un par de jóvenes prometedores llegaban del baloncesto universitario estadounidense a la NBA. Las 2 franquicias más ganadoras de la liga: los Celtics de Boston y los Lakers de Los Ángeles enrolaron respectivamente a unos tales Earvin Johnson y Larry Bird, quienes serían los referentes del torneo y el deporte del baloncesto en general en la década venidera, renovando así mismo una histórica rivalidad que ciertamente ya no ha podido tener los picos de efervescencia de aquellos años. Bird y Johnson ya habían consolidado una contienda en la final del NCAA 1979 en la que los Spartans de Michigan, donde jugaba “Magic”, superaron a los Sycamores de Indiana en los que jugaba Larry.

Si hablamos de la rivalidad Celtics – Lakers, la misma tiene incluso contextos sociales y políticos. A los de Boston se les catalogó usualmente como “el baloncesto de los blancos”, siendo varias de sus figuras históricas de origen caucásico. Mientras que los Lakers representaban simbólicamente a la comunidad afro descendiente que de hecho ha tenido enorme influencia en el baloncesto de los Estados Unidos. Este contra Oeste, tradición contra espectáculo. La mesa estaba servida y haría falta poner a los protagonistas ideales.

Larry Bird en su carrera universitaria había promediado 30 puntos por juego, Magic había sido campeón universitario y número uno en el draft. Johnson se juntó en los Lakers con su ídolo, el legendario Kareem Abdul-Jabbar, así alcanzan el título de 1980 ante los Sixers de Filadelfia quienes en la final de conferencia se habían impuesto a Boston. El cuadro de casaca verde en ese año eligió en el draft a Kevin McHale y Robert Parish, quienes junto a Bird conformarían la fabulosa columna vertebral de los Celtics en los 80 y dando resultado inmediato, pues en 1981 fueron los campeones imponiéndose en la final a los Houston Rockets.

En 1982 los Lakers contrataron al afamado entrenador Pat Riley y llegó la era del “showtime” con un Earvin Johnson veloz e impredecible, verdaderamente mágico, apoyado en el no menos espectacular Kareem Abdul-Jabbar, además de Michael Cooper, entre otros. Nuevamente derrotaron en las finales a los Sixers, quienes aún contaban con el fabuloso “Dr. J”, Julius Erving. De nuevo, los de Filadelfia habían derrotado en la final de conferencia a Bird y compañía, quienes habían tenido la mejor campaña de temporada regular con 63 victorias y 19 derrotas.

1983 no fue el mejor año para los chicos de Boston, pues una regular campaña los dejó en el camino en la primera ronda de los playoffs, en tanto que los Lakers, quienes se llevaron del draft a James Worthy, no pudieron contra unos inspirados Sixers que habían sumado a Moses Malone y más la experiencia de “Dr. J” y arrasaron 4-0 en las finales a los de Los Ángeles. 1984 sería otra historia con los Lakers y los Celtics ganando en sus respectivas conferencias en la temporada regular.

Los Ángeles y Boston fueron superando fases para encontrarse en la gran final conocida como “Showdown ‘84”. Habían pasado 5 años para que se enfrenten por el campeonato Magic Johnson y Larry Bird. En el primer juego disputado en Boston triunfaron los Lakers con gran jornada de Abdul-Jabbar (32 puntos y 8 rebotes), mientras que en el 2, los Celtics reaccionaron y ganaron en la prórroga. La final se trasladó a Los Ángeles y en el juego 3 fue paliza para los Lakers ganando con más de 30 puntos, pero en el 4 los Celtics se impusieron en otro dramático tiempo extra. Boston pasaba por una ola de calor e influiría en los juegos a celebrarse en el legendario “Boston Garden”. Juego 5 y gran triunfo 121 – 103 de los Celtics con una maravillosa actuación de Bird: 34 puntos y 17 rebotes. El sexto fue triunfo de los Lakers en su mítico “Forum” de Inglewood, mas el juego final, con una destacada actuación de Cedric Maxwell sería de Boston. Esta fue la revancha de Bird sobre Johnson de la recordada final universitaria y el mundo vería más.

En 1985 los Celtics y los Lakers se pasearon en la temporada regular y sus respectivas conferencias para volver a enfrentarse en la final. Un 148 – 114 de Boston como local hacía presagiar otro título, pero los Lakers dieron vuelta a esa historia ganando los 2 siguientes juegos como visitantes y locales teniendo como líderes de puntuación a Abdul-Jabbar y Worthy, mientras que Magic era el número uno en asistencias. En el cuarto juego en el Forum hubo una apretada victoria de Boston destacando a Kevin McHale, sin embargo, en los juegos 5 y 6 se encendieron todos los motores del “showtime” con Kareem Abdul Jabbar inmisericorde frente a la canasta y Magic Johnson de gran asistidor. Los Lakers celebraron su título en el mismísimo Boston Garden cobrándose la revancha.

La rivalidad persistiría y en 1986 de nuevo lideraron Celtics y Lakers las respectivas conferencias, mas cuando el mundo entero se esperaba una nueva final entre estos súper equipos, los Lakers en la final de conferencia cayeron ante los Rockets del “rey africano” Hakeem Olajuwon y fue Houston el cuadro que jugó ante los Celtics quienes con brillante actuación de su triada: Bird – McHale y Parish se proclamaron campeones y no volverían a serlo sino hasta 22 años después.

1987 sería el último año en que se enfrentarían estos colosos. Mientras lo Lakers se pasearon en los playoffs de su conferencia perdiendo solo un partido, Boston llegó a la final de la NBA tras una dramática final de conferencia ante Detroit. Los Lakers triunfaron en los primeros 2 juegos en el Forum con Magic liderando las asistencias, Boston recuperó terreno de local en el tercer juego con Larry Bird liderando puntaje y rebotes, pero en el juego 4, también en el Boston Garden, los Lakers triunfaron 107 – 106 con un agónico y espectacular gancho de Magic que pasó por en medio de McHale y Parish.

Los Celtics ganaron el quinto juego, pero el título fue para los Lakers que ganaron el séptimo con 32 puntos de Kareem Abdul-Jabbar. A partir de ahí, la rivalidad entraría en declive, pues emergieron los “bad boys” de Detroit comandados por Isaiah Thomas para tomar el puesto de los Celtics como rivales de los Lakers, perdiendo la final de 1988 y proclamándose campeones en 1989 y 1990. El ocaso de los Lakers se vería en 1991 al perder la final contra los Bulls y dar paso a la era de Jordan y compañía.

Celtics versus Lakers, Larry Bird versus Magic Johnson, espectaculares duelos que junto al mejoramiento en la calidad de las telecomunicaciones, hicieron de la NBA un espectáculo de interés universal.

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

El Inicio de la “Sodamanía”

noviembre 12, 2016/1 Comentario/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

El 10 de noviembre de 1986 vio la luz un trascendental álbum para la historia del pop – rock latinoamericano. “Signos” constituyó el pasaporte a la fama internacional de Soda Stereo, el comienzo de un camino de alta influencia en la América hispanoparlante.

Se trata de un disco más denso, oscuro e introspectivo que sus predecesores homónimo y “Nada Personal”. Se justifica en su génesis turbulento, con crisis y angustias provocadas por los excesos y el stress de ya proyectarse como un negocio rentable. De esa ansiedad se plasmaron sonidos de loco frenesí y de aprehensión: una obra maestra.

En los Estudios Moebio y bajó la conducción de Mariano López, “Signos” fue tomando cuerpo en el invierno austral de 1986, donde las ideas y el intenso trabajo estuvieron cerca de fundir las equipos. El disco arranca con el frenético “Sin Sobresaltos”, en el que los vientos y el bajo cinemático de Zeta Bosio conducen velozmente al nuevo rumbo que los Soda estaban buscando, esa trascendencia más allá del pop.

Sigue “El Rito”. Un místico tema que endulza el oído suavemente con el característico arpegio que le dio Cerati, moviéndose en una onda muy “New Wave” de aquel otro lado del charco. Una canción que tranquilamente pudo estar en la discografía de las más prestigiosas bandas del género en los 80. Pasamos a “Prófugos”, una turbulenta historia de pasión, apurada por la música que se siente apremiada en toda su orquestación, separada por momentos sosegados que dan aquellos sencillos solos con arpegio, para pasar de nuevo a la locura.

En “No Existes” se encuentra dolor, deseos de profunda revancha, de nuevo todos se unen para lograr un sonido trepidante, furioso, melodías desgarradoras que alivian aquella inmensa pena. “Persiana Americana” es uno de los inolvidables clásicos de Soda Stereo. Una divertida historia donde el culto a la imagen, la cultura pop y el voyeurismo se funden para alegrar los corazones latinoamericanos de generaciones. El riff inicial de guitarra de “Persiana Americana” debe ser una melodía tan clásica para el hispanohablante promedio como los créditos iniciales del Chavo del 8 o las fanfarreas de Sábado Gigante. Personalmente en ese tema me quedo con la batería de Charly Alberti, escucharla pone automáticamente a mover el esqueleto.

“En Camino” esconde una dulce melancolía en los teclados que completan una estructura aparentemente sencilla con guitarras más bien acústicas y una demoledora batería. “Signos” devuelve el camino de este disco hacia la senda del misterio explorada en “El Rito”. El tratamiento mágico de la guitarra de Cerati con aquel palm-muting enriquecido con delays, la sobriedad del bajo de Zeta para acompañar y la no menos solemne batería de Charly Alberti hacen de este otro indiscutible clásico de la discografía de los Soda. Dentro de los acertijos que planteó Cerati a lo largo de su carrera con sus letras, las de Signos bien pueden estar entre las más enigmáticas.

El cierre de nuevo es con dulce melancolía. “Final Caja Negra” es el término de un viaje sónico cargado de emociones intensas y tal vez estresantes. Tal vez tenga uno de los mejores solos de teclado de la historia, con el que va despidiendo al disco y con ello, acompaña a los eternos viajeros, no necesariamente de morada, sino de situaciones, sensaciones, grupos sociales o familiares. El dolor de saber que la vida es cambio constante y aferrarse es inútil.

“Signos” fue la entrada triunfal de Soda Stereo a los hogares latinoamericanos. Con su presentación en el afamado festival de Viña del Mar a inicios de 1987, todo un continente se dio cuenta que podía tener ídolos del rock más cercanos. El look “dark” y “New Wave” hacía un juego perfecto con la maratónica gira que por 1987 hizo mover masas y sería definitiva no solo para los Soda, sino para la industria discográfica latinoamericana. A partir de ese momento, hacer música en el continente sería un negocio millonario.

“Signos” es una placa sumamente sofisticada para su tiempo, incluso hoy no sonaría desfasada en el tiempo, salvo tal vez, su beat tan “New Wave”. Después, todo sería apoteósicos éxitos para la afamada banda argentina, aunque también tensiones y desencuentros de una carrera que duró lo justo y necesario.

Signos – Sony Music – 1986

Sin Sobresaltos
El Rito
Prófugos
No Existes
Persiana Americana
En Camino
Signos
Final Caja Negra

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol