Jorge Aguirre

Discos Imprescindibles: Alice In Chains – Unplugged

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Revisión Especial de 20 años

El tiempo es inexorable y la buena música no se vuelve vieja sino que se convierte en clásica.  La mayoría conoce la historia de los famosos “Unplugged” de MTV, que básicamente han sido un formato de conciertos acústicos que se desarrollaron con gran suceso en los 90s y nos permitieron apreciar bajo otra perspectiva musical a nuestros artistas favoritos. Estos conciertos “desenchufados” con el tiempo se volvieron clásicos y en muchos casos generaron historias alrededor de su conceptualización y puesta en escena. Un Unplugged que trascendió en el tiempo y se convirtió de acuerdo a muchos críticos musicales en uno de los mejores fue el de Alice In Chains.

Alice In Chains - MTV Unplugged - Front

Grabado el 10 de abril de 1996 en el Brooklyn Academy os Music’s Majestic Theatre de la ciudad de Nueva York, fue oficialmente publicado el 30 de julio de 1996. Alice In Chains regresaba a los escenarios luego de tres años de ausencia, a pesar de que a finales del año 1995 había visto a la luz su último disco homónimo Alice in Chains y a que  tampoco pudieron realizar la gira programada para el año 1994 luego de que viera a la luz uno de sus trabajos más exitosos: el ep.  “Jar of Flies”, debido al camino hacia la autodestrucción que había seguido su vocalista Layne Staley (del cual ya no saldría poniendo fin a su existencia el 5 de abril de 2002).

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“I would have to say this is the best show we‘ve done in three years” Layne Staley.

Layne It´s the only one…… Jerry Cantrell

Abstraerse y tratar de hablar solo de su versión editada en disco es un poco complicado porque el show que fue televisado y posteriormente editado sin cortes (tienen que intentar ver esta versión) permite apreciar aún más la complicidad y dimensión musical a la que llegaron en este performance.

 El mismo no podía iniciar mejor que con “Nutshell”. Los primeros acordes suenan y uno a uno los miembros de AIC van entrando al escenario, el último en ingresar es Layne o lo que empezaba a quedar de él (con un aspecto enfermizo casi de un cadáver). Se escucha y se ve la ovación con la que es recibido, su voz desgarradora se hace presente y te sumerge en su dolor, te advierte que está peleando pero que no sabe si lo va a lograr, es muy difícil no emocionarse con esta versión, más aun con el pasar de los años. (“We chase mi sprinted lies, we face the path of time, and yet I fight, we chase mi sprinted lies, we face the path of time, and yet I fight and yet I fight, this battle all alone”…)

 

Enseguida te vuelven a golpear con “Brother”, otra vez ese rasgado triste de Cantrell acompañado magistralmente por Mike Inez en el bajo, Sean Kiney en batería y Sean Olson en la segunda guitarra (este último como invitado especial). Acá se puede apreciar a parte de su calidad musical,  otro de lo que fue su sello inconfundible: el uso de las armonías vocales, esa manera en que las voces de Staley y Cantrell se complementaban y apoyaban te hace erizar la piel.

 Suena luego “No Excuses”, extraída del increíble Jar of Flies, nuevamente el dúo vocal Staley y Cantrell al 100% haciendo una versión perfecta de la canción.

Uno de los momentos especiales llega con Sludge Factory. Previo al primer intento de tocarla Layne hace una referencia a los miembros de Metallica que se encontraban presentes en el show y Mike Inez toca brevemente en su bajo el intro de Enter Sandman. En su bajo tenía un mensaje para la nueva imagen de Hetfield y los suyos (que habían lanzado el controversial Load) que más o menos decía esto:

friends don't let friends

Los amigos no dejan a los amigos que se corten el pelo como los amigos

Si bien en el disco se encuentra editado, Staley cometió un error al olvidar partes de la letra de la canción, frustrado por estos, emite un sentido “Fuck”… pero ahí estaba Jerry Cantrell, que en uno de los momentos más tensos y surrealistas de la noche, lo tranquiliza diciéndole palabras más, palabras menos: “te equivocaste, tranquilo todo está bien vamos a hacerlo de nuevo”.

A continuación vienen tres canciones de su aclamado disco Dirt: Una emotiva Down in a Hole. Otra vez la voz de Staley te cala en los huesos. Al respecto sobre este performance, Mike Inez comentó: “Lo de Layne esa noche fue tan inolvidable. Su voz, sobre todo  en “Down in a Hole”, todavía trae lágrimas a mis ojos. Hubo un par de ocasiones en las que tuve que apartar mis ojos de Layne y recordar ¡Hey, estás trabajando!, no soy un fan y debo concentrarme en tocar mi bajo”.

Sigue “Angry Chair” con ese tándem vocal perfecto de Staley – Cantrell para dar paso a la sublime Rooster, canción que trata de una manera desgarradora lo que vivió el padre de Jerry Cantrell cuando estuvo en la guerra de Vietnam y cuyo apodo en la U.S. Army era precisamente Rooster (Ain’t found a way to kill me yet, eyes burn with stinging sweat, seems every path leads me to nowhere, wife and kids, household pet, army green was no safe bet, The bullets scream to me from somewhere)  y que Alice in Chains te lo hace sentir como si tú fueras quien vivió esa historia… “Oh God please won’t you help me make it through”.

 

Viene “Got me Wrong” para posteriormente interpretar una canción que pedía a gritos en su momento una versión menos eléctrica y que tiene su recompensa acá, me refiero a “Heaven Beside You” que en mi opinión, esta  versión acústica es la definitiva. Se aprecia mejor ese toque de guitarra country al inicio y en los intermedios. Pienso que la del disco en estudio deberíamos considerarle como una versión alternativa. En esta canción se roba el show la performance vocal y musical de Cantrell. Al final de su interpretación la emoción de Staley se evidencia al mencionar que es el mejor concierto que han dado en tres años, a lo que Jerry le corrige: “Layne es el único”.

Suena “Would” que nos traslada a la película de culto de Cameron Crowe: “Singles”, seguida de  una versión más oscura de “Frogs”, canción extraída de en el que ese momento era su último disco en estudio: el homónimo Alice in Chains.

Finalmente  tratan de cerrar su concierto con “Over Now”, se podría decir que con broche de oro. Una canción perfecta, ni tan lenta ni tan triste para que la gente salga tranquila a sus casas. Al final de la misma y  luego de dar las gracias respectivas, alguien por ahí alguien se manda un: “Hey fuck you man”. Lejos de tomárselo a mal como suelen hacerlo otros “rockstars”, Layne responde con un “One More” y Jerry explica que lo que va a sonar a continuación es algo que estuvieron tocando en las pruebas de sonido y que le darán una oportunidad. Luego de una intro vocal en tono country de Staley suena la canción inédita escrita por Cantrell “The Killer Is Me”. Cabe mencionar que es la única versión que se ha escuchado hasta la fecha, no se ha grabado para ningún disco o EP  de estudio, lo que la hace aún más especial.

 

 

en algunos intermedios de las canciones, la improvisación y toma final de una canción inédita con la que cierran el concierto y el que este sea considerada la última presentación oficial de Staley e incluso sea referenciada por muchos fans como su despedida de la banda, hace de este Unplugged uno de los más especiales,  por lo que no puedes dejar de escucharlo y mirarlo en algún momento de la vida. Parte esencial de la historia del rock  de los 90s este Alice In Chains – Unplugged.

Layne Staley, lead singer of Alice In Chains performing on MTV Unplugged in 1996 Photo by Frank Micelotta/Getty Images

Layne Staley, lead singer of Alice In Chains performing on MTV Unplugged in 1996 Photo by Frank Micelotta/Getty Images

Edison Guapaz Zambrano

Canciones de las Gradas (Europa)

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Tal vez la Eurocopa no venga ofreciendo los mejores partidos de la temporada de fútbol de selecciones, pero siempre ha sido motivo de atención el colorido en las gradas que se despliega alrededor de este torneo continental, ya sea por capacidad organizativa, económica o las distancias cortas.

En algunas de las iniciativas de los fanáticos europeos, están los cánticos que se adaptan a clásicos del pop y rock, quien tiene memoria musical bien habrá podido identificar canciones de The Beatles o Gloria Gaynor, entre otros. Pero esta vez vamos a hablar de 2 temas que de hecho se han vuelto populares en Europa y el Mundo para alentar no solo a equipos de fútbol, también corre para otros deportes.

Let’s Go (Pony) – The Routers

Let's Go Routers

The Routers es una banda fundamentalmente instrumental, aunque se apoyan algunos temas suyos en coros. Con mucho énfasis en la percusión y orientada bastante hacia el “surf rock” de inicios de los 60 y es un poco lógico esto, dado su origen californiano y su formación que data precisamente de esos tiempos en los que este grupo fue formado por Michael Z. Gordon.

El tema “Let’s Go (Pony)” se convirtió en un clásico de las aficiones deportivas en los Estados Unidos. Su estructura es muy simple: 9 aplausos y un grito de “Let’s Go!” En compás de 8/8. Forma parte del álbum “Let´s Go! With The Routers” publicado en 1962 y debido a lo contagioso de su percusión, se convirtió en un clásico para el público que asistía a competiciones deportivas en Estados Unidos en los años 60 y 70. Pronto se extendió a Europa y el resto del mundo. En Ecuador, este tema ha sido entonado por la hinchada de Liga Deportiva Universitaria por décadas.

Su máxima posición en la lista “Billboard Hot 100” fue la 19. A esta canción le han hecho varias versiones, tal vez la más conocida es la de la banda bostoniana “The Cars” en 1978.

Seven Nation Army – The White Stripes

elephant

Los White Stripes son una de las mejores bandas de rock del Siglo XXI y tal vez, don Jack White sea de los últimos “héroes” que le quedan al género. De origen estadounidense y siempre conformado como dúo (Meg y Jack White), aportaron a la música con un sonido muy sencillo pero atrapante. Desde el 2011 la banda no actúa como tal.

“Seven Nation Army” es el sencillo más exitoso publicado por los White Stripes, certificando disco de oro en Alemania por ejemplo, ganando el premio Grammy a mejor canción de rock en el 2004 y formando parte de la lista de 500 mejores canciones de rock de todos los tiempos de la Revista Rolling Stone. Está incluido en el disco “Elephant” publicado el 2003, el cual también es reconocido como el trabajo con mayor suceso de esta agrupación.

Este tema se volvió muy popular en los estadios europeos, pues su pegajoso riff de guitarra es coreado por las aficiones del Bayern Munich, Brujas, selección de Italia y varias otras, cuando su equipo anota. Tradición que se expandió hacia otras latitudes y deportes, como las ligas de baloncesto y fútbol americano de los Estados Unidos.

Su videoclip promocional fue armado con técnicas de edición sorprendentes. Veámoslo un rato.

FyA

Canciones de las Gradas (parte 4)

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El 16 de Abril de 1973, murió en un accidente automovilístico el conocido cantante español Nino Bravo, cuyos temas inmortales quedaron impregnados en muchos aspectos en la cultura iberoamericana y en un particular caso, fue una inspiración para algunas barras de fútbol. Es el caso de la canción ‘‘Un Beso y Una Flor».

Este famoso tema fue compuesto por José Luis Armenteros y Pablo Herrero y forma parte del álbum homónimo (o sea, el disco también se llama “Un Beso y Una Flor”) que se publicó en el año de 1972. Del 22 de abril al 13 de mayo de dicho año, fue el sencillo número uno de la prestigiosa lista “los 40 principales” de España. En este álbum también se incluyen temas como: “Cartas Amarillas” y “Noelia”. Fue uno de los más vendidos de la corta pero fructífera carrera de Nino Bravo.

Si bien, “Un Beso y Una Flor” tiene una característica más bien romántica, tanto el tema como la gran mayoría del disco, su melodía resultó tan contagiosa que algunas barras de fútbol en Latinoamérica llegaron a adaptarla para cantarlas durante los partidos. En Ecuador, el caso famoso es el de Barcelona SC (de dia viviré vistiendo la amarilla…), pero también aparece en Colombia con el Deportivo Cali  (dejaré el estudio por vos…)  y también una adaptación leve en el caso de la barra del Independiente Medellín.

Desde finales de los años 60 hasta 1973, año de su deceso, Nino Bravo pudo sacar al mercado 5 discos y grabó 62 canciones, mientras que álbumes recopilatorios y de homenaje son innumerables hasta la presente. Otros de sus temas conocidos son “América” o “Libre”. En el caso de “Un Beso y Una Flor”, no sólo se han hecho versiones futboleras, también varios artistas lanzaron su cover y tal vez, el más conocido es el de la banda también española “Seguridad Social”, que lanzó a mediados de los 90.

El videoclip de »Un Beso y una Flor»  fue grabado en color siendo el único de esas características que hizo el cantante.

Realizado por:

Andrea Utterman

Edison Guapaz Z.

Edison Guapaz Zambrano

40 años de Punk… ¡y más!

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1976 constituyó un año clave para la música como la continuamos concibiendo. Dos bandas de la escena neoyorkina por fin pudieron plasmar su entusiasmo en álbumes larga duración, con nombres homónimos y como cimientos de un magnífico legado: “The Ramones” y “Blondie”. Se dice que 1976 fue el año del punk, aunque se lo puede rastrear desde un poco antes.

Indiscutiblemente es New York la ciudad donde se gesta el punk como fenómeno musical y sobretodo cultural, a pesar de que se lo asocia más con el boom inglés de años posteriores, pero básicamente esa ha sido la dinámica del rock and roll: América lo concibe, la Britania lo perfecciona. El punk básicamente buscó volver a hacer el rock and roll una cuestión de juventud, pues a mediados de los setenta, la pompa y excesiva sofisticación del rock progresivo estaba haciendo perder justamente ese contacto joven, furioso y rebelde.

A inicios de los 70, el tema era difícil para los jóvenes tener escenarios donde tocar, pues varios exigían requisitos como ser bandas con contrato discográfico vigente y los pocos clubes que albergaban a nuevas e independientes bandas iban cerrando o como el caso del “Mercer Art Centre”, el edificio donde se ubicaba, se derrumbó. De los pocos lugares que quedaban para los que no estaban plenamente integrados al “show business” era el CBGB de propiedad de Hilly Kristal.

Este lugar, ubicado prácticamente en “Lower East Side”, barriada con mala reputación en Manhattan, podía ser la oportunidad perfecta, pues los requisitos de Kristal era que las bandas ofrezcan más material propio que covers. Claro, la idea de Kristal era otra a la que finalmente se convirtió y esta era que el local sea un polo de desarrollo de la música tradicional estadounidense, es decir, country, blues, etc.

En 1974 debutó la banda “Television” en el CBGB ante una decena de personas. Cuando estos chicos desaliñados solicitaron tocar en su bar a Kristal, obviamente tuvieron que mentir acerca de su estilo de música. Look desgarbado, anti glamour que un par de años más tarde sería fundamental. Entre esos años, llegarían más bandas al circuito de CBGB en esos tiempos prácticamente hermanadas: The Ramones, Talking Heads, The Stilettoes que después pasaría a llamarse Blondie y más.

Si hablamos de influencias, para la movida de New York fueron fundamentales bandas como: The Stooges, Velvet Underground, MC5 o los New York Dolls. Mientras los punks norteamericanos reconocían a la raíz primigenia del rock sesentero como parte de su influencia, los británicos se tratarían de desmarcar de la misma. La idea musical principal era que cualquier podía dar rienda suelta a su expresión y no necesitaba de años de entrenamiento y estudio con su instrumento, así mismo con la imagen, derivando posteriormente en el “do it yourself”. Hazlo tú mismo, que resultaría una filosofía emblemática.

Volvemos a los años 1975 y 76, para ese entonces, el “boca en boca” había hecho que más gente vaya a ver a estas aún precarias bandas al CBGB y otros pequeños bares de la escena. Comenzaron a interesarse las discográficas y la que finalmente pactó para las grabaciones de The Ramones fue “Sire Records”, cuyo fundador, Seymour Stein, acuñó el término “New Wave” (nueva ola) para referirse a este estilo emergente, pues el término “punk” (mocoso, mozalbete) no podía ser tan del agrado del público en el comienzo.

sex pistols

Los punks norteamericanos de todas formas no alcanzaban un mayor reconocimiento en sus tierras, emprendieron giras europeas donde tienen una mucho mejor acogida y sobretodo, influyen decisivamente para el movimiento inglés, del que surgen icónicos como los “Sex Pistols” o “The Clash”. Los primeros, maquinados por el empresario Malcolm McLaren, quien buscó causar conmoción con la imagen anti establishment y provocadora de sus muchachos, interesado más en el escándalo y la publicidad que en la música. Los Clash tendrían una propuesta más política. El “no futuro” se cernía en la juventud obrera británica, eran tiempos de crisis económica en el primer mundo hacia finales de los años 70.

El punk, así como tuvo su gran ebullición en los años 1976, 77 y tal vez 78, estaba condenado a renovarse o perder su frescura. Si hablamos de la discografía de “The Ramones”, más o menos tuvimos lo de siempre: sus 3 poderosos acordes, sin realmente llegar a resentirse su propuesta en una carrera algo prolongada y con variantes en su alineación. Blondie llegó a ser bastante “mainstream” al publicar su exitoso “Parallel Lines” cuyo hit “Heart Of Glass” pasó de ser una ironía a la música disco a virtualmente parte de dicha tendencia, hay que reconocer también que la imagen de su cantante, Deborah Harry, contribuyó decisivamente a este éxito.

Debbie <3 <3

Debbie <3 <3

El fenómeno punk mutó en sus múltiples variantes. Cuando John Lydon (Johnny Rotten) dejó los Pistols atrás, formó Public Image Limited, que prácticamente puso los cimientos del “post-punk” y la música ochentera como en su mayoría la conocemos, dando protagonismo al bajo, con un sonido punzante y hasta crujiente de la guitarra, la búsqueda de nuevos horizontes con los ritmos afro antillanos, incorporación de sintetizadores, etc.

De ese protagonismo en el bajo, surgiría el “darkwave” con bandas como Bauhaus, Siouxsie and the Banshees, Joy Division y los comercialmente más exitosos The Cure. De la mezcla con los ritmos antillanos, el ska y demás, surgirían bandas como The Specials, Madness, los mismos The Clash incorporarían a sus producciones este sonido, pero quienes tuvieron mayor suceso mediático iniciados en esta fusión, serían The Police.

La movida californiana con The Weirdos dio origen al movimiento hardcore con sus siempre fieles seguidores aunque no precisamente muy masivo. Los sintetizadores, de los cuales los alemanes Kraftwerk eran los precursores, serían ese sonido diferente con el que Devo se abriría paso en un lado del charco y con el que grupos como Depeche Mode labrarían su camino hacia el éxito, así como muchas otras bandas llenarían las estaciones de radio y las pistas de baile. Una magnífica evolución de esto se dio de Joy Division hacia New Order.

Devo y su onda post modernista

Devo y su onda post modernista

El punk siguió marcando su influencia. En los noventa de vio el auge y caída del grunge, en los 2000 el rock “revival” de The Strokes o Franz Ferdinand y bueno, la lista de bandas entre muy comerciales y no tanto es enorme y con el sinfín de influencias, resultaron más difíciles de catalogar, pero al menos, debemos siempre celebrar, que esos jovencitos de mediados de los setenta buscaron su propia expresión, pues aquella música otrora joven, corría el riesgo de estancarse y perderse. El punk abarcó algo más allá de la música, mas bien un estilo de vida.

Bibliografía para el artículo:

Corral, Juan Manuel, New Wave & Post Punk 1978 – 1984

Jorge Aguirre

Discos Imprescindibles: Master of Puppets

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Hace 30 años ya, el 3 de marzo de 1986 salió a la venta uno de los discos emblemáticos en la historia del Rock: Master of Puppets con la que sin duda fue el mejor line up de Metallica: Cliff Burton, Lars Ulrich, Kirk Hammet y James Hetfield. Disco que al igual que la temática trágica de sus letras, estaría marcado por la dolorosa e inexplicable muerte del bajista Burton durante la gira de presentación por tierras europeas.

 Producido por Metallica y Flemming Rasmussen, con una portada diseñada Don Brautigan, que al igual que el disco se ha vuelto una portada clásica, este tercer disco de estudio cuenta con un total 8 canciones, cuyas letras fueron compuestas por James Hetfield, aunque se asignan a la composición general de las mismas a varios de los miembros del grupo.

 El disco arranca con Battery, cuya letra trata habla sobre aquellos sentimientos que muchas veces nos transforman a las personas en seres intolerantes y con mucha rabia. Un intro suave para luego dar paso a todo el sonido atronador y veloz del “thrash metal”.

 El disco continúa con la que sin duda puede ser considerada la canción más importante del grupo y sobre todo para aquella vieja legión de seguidores: Master of Puppets. Desde su composición musical compleja, con inicio atronador, para dar paso a un medio tiempo, solo de guitarra y volver nuevamente con toda su energía para rematar el tema. Incluso su complejidad lírica que ha sido sujeta hasta hoy de diversas interpretaciones, nos habla sobre el poder que puede ejercer las drogas sobre las personas. Algo que por cierto vivieron sus propios integrantes.

 Le sigue una The Thing that should not be, que se puede considerar un cuento del genial H.P Lovercraft musicalizado por la banda.

El cuarto corte es sin duda otra de las mejores canciones creadas por la banda Welcome Home (Sanitarium). Con otra temática interesante que habla sobre la locura, está creada e interpretada para llevarte a ese mundo doloroso y depresivo, a través de la voz de Hetfield.

 Disposable Heroes, que como su título lo indica, hace referencia a toda esa carne de cañón que es utilizada en las guerras absurdas con las que nos hemos acostumbrado vivir. Leper Messiah nos enseña sobre el papel de las religiones y sectas y como estas juegan con nuestra fe.

 Orion, el tema instrumental que con el tiempo se convertiría en el himno conmemorativo para recordar a Cliff Burton, quien en esta canción nos demostró una vez más la capacidad interpretativa de su bajo distorsionado al inicio. Luego sobre la mitad, en la que el ritmo decae, introducirnos nuevamente con un sonido limpio e impecable de su instrumento acompañado del solo de guitarra para finalmente volver al ritmo que marca la canción.

 Damage Inc. cierra el disco, la canción más rápida del disco, donde nos vuelven a hablar sobre la violencia y la destrucción.

 Harto conocido fue lo que paso luego del cuarto disco de Metallica And Justice for All y que marco un punto de quiebre en el sonido característico de la banda, The Black Aalbum, pero de eso nos encargamos en otra ocasión.

Canciones recomendadas:

Master of Puppets

Welcome Home (Sanitarium)

Orion

Disposable Heroes

Battery

Damage Inc.

 

Saltate:

Ninguna canción tiene desperdicio o esta de relleno, aunque en algún momento se pueda considerar a este disco un poco lineal, escucharlo de principio a fin no te va a cansar.

Edison Guapaz Zambrano

Soda Stereo: la marca de Latinoamérica

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En el “mundial” de encuestas que organizamos a través de nuestra cuenta de Twitter sobre artistas de pop y rock en Español, el ganador fue Soda Stereo, siendo un resultado esperado y lógico. Siempre que la banda argentina estuvo “en competencia”, ganó con facilidad. ¿Qué motivo este triunfo contundente?

Se podía decir que el principal motivo de su triunfo es su “universalidad”. Soda Stereo fue una banda muy bien conocida en Latinoamérica, quizás la única con capacidad de convocar multitudes que llenen estadios a fechas seguidas en sus conciertos, tal como fue su gira “Me Verás Volver” y si no es así, fue al menos asombrosa su capacidad de convocar más de un millón de personas en América en algo más de 3 meses. Claro, se podría argumentar que era retorno esperado, cuando había pasado 10 años de su separación. Pero son referencias que hablan claramente de las dimensiones de la banda.

Al hablar de la “banda más famosa de Latinoamérica”, siempre hay que recordar como en los años 80 revolucionó el mercado del continente. Con las giras de la banda en diversos sitios de Latinoamérica aseguraron la presencia de su música en cada radio hispano parlante de este lado del charco. Sabían lo que hacían, no hay que olvidar también que al menos Cerati y Zeta Bosio tenían conocimientos de publicidad, carrera que estudiaban cuando se conocieron en la Universidad. Soda cuidó siempre la estética personal y de sus shows al detalle, punto clave para que su música pueda tener la difusión esperada. Los 80 eran la era del video y su imagen jugó mucho a su favor, un poco “importando” la estética de “The Cure” y produciendo desde videoclips sencillos, pero con un escenario místico como en “Cuando Pase el Temblor”, hasta historias algo más sofisticadas como “En La Ciudad de la Furia”.

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Está claro que el público no es tonto y si por propaganda compra un artículo que no resulta bueno, no lo vuelve a hacer. Soda Stereo supo hacerse buena propaganda, pero respaldad también en buena música. Con una historia en constante evolución, los argentinos pasaron del pop pegajoso de canciones sencillas y bailables, hasta un viaje sonoro sumamente producido y complejo que fueron sus álbumes noventeros. Con ello, abarcaron varios gustos musicales que trascendieron en lo generacional, estilos y concepciones. Es increíble la diferencia si se escucha «Vitaminas” y a continuación “Disco Eterno”, que vendrían a ser temas de ambos extremos temporales de su carrera. La discografía de Soda Stereo marcó una constante evolución hacia una mayor calidad musical y tal vez, se separaron en el momento ideal, antes que las ideas se agotaran y el grupo entre en decadencia. Les bastó 15 trepidantes años para generar una leyenda.

Soda Stereo también fue pionero utilizando la tecnología. En su disco “Confort y Música Para Volar” de 1996, incluyó material interactivo para ser corrido a través de una unidad CD ROM, toda una locura para la época, por citar un ejemplo. Así mismo, si hablamos de discos compactos, el primero en editarse en ese formato de algún grupo latinoamericano fue precisamente “Signos” en el año de 1986. Su apertura al Internet no se hizo esperar, como cuando transmitieron un recital brindado en un programa de radio, también en el año 1996.

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Soda Stereo constituyó un factor de unión para Latinoamérica en el que se pasó por alto el tema de la nacionalidad de la banda. A partir de los 90, cualquier banda de pop y rock hispano parlante se sintió en la capacidad de recorrer el continente y presentar su música con facilidad, las fronteras se abrieron con un estilo relativamente nuevo. El “rock” pasó a ser masivo y claro, también se aprovechó el cambió que constituyó el fin de las dictaduras y la globalización, con lo que la gente joven de la época pudo tener más opciones de entretenimiento y una ente más abierta. Lo que experimentó Soda Stereo en su relación con los fans, bien puede equipararse a lo que pasó con «The Beatles» en los años 60.

Más allá de buena música, Soda Stereo marcó un antes y después. Ninguna de las otras bandas con las que “compitieron” en la serie de encuestas que propusimos pudo haber llegado a tener la gran o corta difusión continental que tuvieron, de no ser por lo que a su momento constituyó el fenómeno generado por Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti. Eso sí, gracias a esa apertura generada, quienes nos criamos de los 90 en adelante pudimos escuchar mucha música maravillosa de distintos lados del continente y consolidar ese fenómeno denominado “rock en Español” o “rock Latino”.

Edison Guapaz Zambrano

Canciones de las gradas (parte 3)

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“Siempre te voy alentar voy a seguirte por donde vayas
Vamos pongan Huevos que ganamos
Y así todos festejamos yo la vuelta quiero dar”

Un estribillo que debe estar impregnado en quienes asisten regularmente a las canchas no sólo del Ecuador, sino del continente mismo. En nuestro país lo popularizó la hinchada organizada de Liga Deportiva Universitaria y lo viene cantando desde que inauguró su cancha en 1997 –cuando no tenía mucho sentido corearlo (?) – para que varias otras barras incluyan este tema en sus repertorios. Se insiste, no se puede atribuir como una exclusividad de ningún equipo, pues es importado desde el sur, tanto esta versión arreglada como el tema original del que sale.

Para muchos, no debe ser misterio que este canto de grada es extraído del tema “Mariposa Tecknicolor” del músico argentino Fito Páez, pero para quienes recién hayan nacido ayer, se les va informando. Con una melodía particularmente positiva y alegre, fácilmente se convirtió en un canto emblemático usado primeramente en los campos de fútbol argentino y dado todo ese espíritu familiar y optimista, es más que ideal para alentar a la divisa de tus amores.

Hablando estrictamente de la canción, “Mariposa Tecknicolor”. Esta forma parte del muy exitoso disco “Circo Beat” que el artista rosarino publicó en 1994 siendo este, su primer corte de difusión para la promoción de dicho álbum. Esta canción tiene una temática costumbrista que habla de la vida cotidiana promedio de un argentino y tal vez, un latinoamericano con una alborozo y alegría inspirados en la satisfacción de una vida normal y a la vez bien vivida, señalando los contrastes entre momentos pletóricos y decepcionantes.

Resulta particular y anecdótico que esta, que fácilmente es un himno del rock latinoamericano, tiene como instrumento dominante al piano. Páez debe ser uno de los máximos exponentes del continente si hablamos de la ejecución de este instrumento, tal vez superado por quien él mismo considera su maestro: Charly García. Aparte del magistral piano de Páez, existe un trabajo un poco más de soporte, pero sin duda brillante: el de Guillermo Vadalá en el bajo, músico que siempre ha sostenido los mejores y más clásicos temas de Fito. Paéz además se luce cantando a voz abierta con una energía conmovedora. Es imposible que no te guste esta canción habiendo nacido en Sudamérica.

“Mariposa Tecknicolor”, así como varios temas del “Circo Beat”, sumado a lo que fue su trabajo anterior: “El Amor Después del Amor”, constituyen parte básica y fundamental del “soundtrack noventero sudamericano”, siendo este, el pico de la popularidad de Fito. Su difusión en el continente fue notable y acá en el Ecuador cuenta con una respetable fanaticada.

Fito Central

Fito Páez tiene una entrañable relación con el fútbol, siendo plenamente identificado con su fanatismo hacia el club Rosario Central de su ciudad natal, no era difícil que Mariposa Tecknicolor, uno de sus indiscutibles clásicos, sea adaptada al repertorio de la comunidad futbolera y forme parte de esa cultura continental. En Argentina, suele ser común que las transimisiones radiales de partidos de fútbol tengan canciones de Fito como cortina musical. Finalizamos este post con el video original de esta maravillosa canción y también, agradecemos a @PablinhoSports por sugerirnos este tema. Está bueno que nos ayuden cuando se nos secan las ideas 😀

Edison Guapaz Zambrano

¿Vuelven los Guns N’ Roses “pepa”?

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De las noticias que más ha sacudido al mundo del rock, que, seamos buenos, ya es un mundo de viejitos. El anuncio de Axl Rose y Slash a través de redes sociales de volver a conformar lo que conocíamos como “Guns N’ Roses” con una presentación en el festival de Coachella en la cual, se supone, veríamos a los melenudos avejentados pero originales, en lugar de lo que ha venido siendo los tours de una mal llamado “GN’R” que básicamente era Axl y panas. Pero, estrictamente, reunión de “Guns originales”, no es.

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El cartel de Coachella 2016. Quiénes tan’ serán la mayoría de esos llamingos

Ante este anuncio, lo más grato y sorprendente sin duda viene siendo que Axl y Slash se hayan vuelto a comunicar. Lo que se conocía como una irreconciliable ruptura, hacía pensar que nunca se los volvería a ver juntos en el escenario, cosa que al parecer, se volverá a dar este abril y luego de 23 largos años. Sin duda, el principal motivo de este “milagro”, debe ser de tipo económico, no ha de faltar la firma comercial que haya estado persuadiendo para que esta dupla del rock de fin de Siglo XX, vuelva a juntarse. Habría que estar pendientes de ensayos y finalmente, su presentación en Coachella.

Aparte de Axl y Slash, se ha confirmado la presencia de Duff Mc Kagan, el bajista, como otro de los gunners originales que formarán parte del escenario. Duff ha permanecido tocando con Slash en los últimos años y se conoce que su relación con Rose nunca fue del todo áspera, también apareciendo juntos aunque sea esporádicamente en el escenario. Con 3 de los 5 originales confirmados, ya podemos empezar a emocionarnos, pero todavía distaría de ser una reunión Guns en todo su esplendor.

Habrá que ver a quien ponen en la batería. Steven Adler, el fundador de la banda en dicho instrumento, ha sido de los más entusiastas a la hora de mencionar lo que siempre fue una remota posibilidad de reunión de la banda ante la opinión pública. Para la incorporación de Adler habría que superar 2 obstáculos. El primero es saber cómo estaría su relación con Axl Rose, recordando que la salida de Adler de la banda, hace más de 25 años no fue en las mejores condiciones. Es sabido incluso el lío de faldas que los involucra a ambos, aunque oficialmente la razón fue el abuso de drogas del baterista. Por ahí va el segundo punto, pues, la salud de Steven Adler está bastante deteriorada y habría que evaluar condiciones para el regreso. Podría actuar Frank Ferrer, no se ha pensado en Matt Sorum, quien está ocupado con la súper banda “King Of Chaos” y pues, no sería precisamente parte del elenco original de Guns N’ Roses. Otra pregunta sería si Adler estaría en la capacidad de tocar los temas de los Illusion.

El punto más difícil del reencuentro es el guitarrista Izzy Stradlin. Recordando que su salida de este popular grupo de hard rock fue precipitada y casi impulsiva, fruto de su cada vez peor estado de salud producto de la “vida de artista” generada por las tumultuosas giras y apariciones en público de la banda a la que también se sumó el temperamento de su amigo Axl. Las drogas y el stress lo estaban literalmente matando y desde ahí, ha preferido estar lo más lejos posible de la vida pública. Siendo amigos desde siempre con Axl Rose, no habría problema en ese aspecto, sin embargo, es muy reacio al glamour de los grandes espectáculos, tomemos en cuenta que al igual que Rose, no asistió a la inducción al salón de la fama de la legendaria banda. Tomaría su lugar, el actual miembro de de “Axl y amigos”, Richard Fortus. Con Dizzy Reed para percusiones, teclados y todo lo que ha venido haciendo desde los noventa, se completaría el cuadro. Personalmente, creo que Izzy es el alma del sonido de esta banda y la remota posibilidad de su presencia me hace dudar bastante sobre sí vender un riñón para ir a verlos allá, a  Indio – California.

Así es, el elenco original que destrozó tímpanos y hoteles en los 80 con los fuertes acordes del “Appetite for Destruction” es muy difícil que lo veamos, pero en todo caso, ver a Axl, Slash y Duff en escena, será grato para fans que también vamos envejeciendo y la prueba de ello, más que las barrigas, alopecia y preocupaciones financieras, está en el hecho de ver ese cartel de “Coachella” y decir en el 95% de las veces: ¿Quiénes son estos manes? El último punto que quisiera topar es el errático carácter de Axl y que de él podemos esperar cualquier cosa, ojalá prime su faceta más común que es la del estricto profesionalismo y la presentación sea una realidad. ¡Larga vida a los Guns N’ F*ck*n’ Roses!

Edison Guapaz Zambrano

Collective Soul: nostalgia de los 90 en Quito

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El pasado 8 de diciembre estuvo presentándose con su show, la banda norteamericana Collective Soul en las instalaciones del Teleférico de Quito ante unos 2000 espectadores, siendo generoso. Al menos eso hizo que el espectáculo cuente con mucha calidez y cercanía por parte de la banda que está visiblemente veterana en lo físico, pero en espíritu son más muchachitos noventeros que nunca.

Como show previo, se presentó la banda que suele ser comodín para los espectáculos de habla anglosajona: Anima Inside. Sus presentaciones suelen ser perfectas, demasiado pulcras diría yo, dentro de una banda que tiene unos excelentes músicos pero tal vez, tanta perfección termina dando poca sorpresa a su presentación que incluyó un pequeño homenaje al recientemente fallecido Scott Weiland.

Arrancó Collective con “December” y enseguida los recuerdos de los más sencillos años noventa llegaban a la mente con una disolución retro de televisión. La impresión es un poco impactante con un Ed Roland de cabello cano y una banda que obviamente luce de aspecto muy maduro, pero con las inconfundibles y sencillas ropas de adolescente de los 90. Una pequeña visión de lo que nos espera a la gran mayoría de los asistentes a dicho concierto, ojalá (al menos a mí) ese futuro también incluya el de trasladarse por todo el mundo.

collective 2

Roland sorprendió con su calidad escénica, cautivando de inmediato al público con una peculiar actuación cargada de energía, al igual que los miembros antiguos de la banda como su hermano Dean y el bajista Will Turpin. Así mismo, importante recalcar que buena parte del set list fue armado en base a su más reciente disco. Afortunadamente las canciones nuevas tuvieron buena acogida en un público que lógicamente tenía poca idea de dichas creaciones, pero como tenían las misma onda que la de sus clásicos, terminaron entusiasmando a la gente.

Varios temas clásicos: “Gel”, “Precious Declaration”, “Where The River Flows”, “Why Pt. 2” causaron furor en la gente y era evidente que tuvieron que bajarle algunos tonos para que la entonación sea bien llevada, de todas formas, los años no han pasado en vano para la garganta de don Ed. Estremecedora como no podía ser de otra manera “The World I Know”, obligada sobretodo para un público morelio como el nuestro. Especial la interpretación the “Shine” con introducción de piano y las emocionales pausas para que el público se dé gusto coreando y alabando a los artistas.

El final fue con “Run”, no hubo encore, pero el final del tema, acústico y con la gente cantando fue increíble, con la guitarra aún entonándose aún cuando los músicos habían dejado el escenario. Una nostálgica jornada para un grupo de gente que debe haber promediado los 30 años y que recordó sus buenos años, los de la moneda nacional, el MTV gratis, los puñetes “sanos”, las primeras mentiras, la ropa más cómoda y la vida más sencilla. Ojalá que los promotores de conciertos también se acuerden de quienes ya no estamos tan jovencitos, pero todavía disfrutamos de conciertos saltando y cantando a todo pulmón.

collective quito

 

El set list fue más o menos este:

December
Precious Declaration
Heavy
Hurricane
This
Goodnight Good Guy
Why, Pt. 2
Exposed
Better Now
Contagious
Needs
The World I Know
Confession
Gel
Where the River Flows
Shine
Run

Edison Guapaz Zambrano

El cielo rocker tiene un nuevo vecino

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Tarde en la noche del 3 de diciembre, al menos de este lado del charco, nos íbamos enterando de la lamentable noticia del fallecimiento de Scott Weiland, uno de los cantantes símbolo de lo que fue el sonido de los 90, aquello que se llamaba “rock alternativo” que de todas formas, en esos años terminó siendo el “mainstream”. Un talento inconfundible pero a la vez, un desenlace que se podía esperar para esta estrella.

Scott Richard Kline, su nombre original, nacido en California, saltó a la fama como vocalista de Stone Temple Pilots, quienes debutaron en la escena con el sensacional álbum “Core” de 1992. Weiland se caracterizó por una poderosa voz que imprimía su particular sello en temas como “Plush”, “Sex Type Thing” o “Crackerman”. Eran los tiempos del rock de los gruñidos que marcaban el dramático cambio en las preferencias de los jóvenes que hizo dar a la historia del género un dramático giro a inicios de los noventa. Aunque los STP supieron distinguirse y evolucionar en cuanto a su música para transitar una senda distinta de lo que se denominó “grunge”.

Weiland no solo era un magnífico cantante, sino un “frontman” incomparable. Como alguna vez dijo el periodista chileno, Alfredo Lewin, Scott era “el mejor bailarín del rock alternativo”. Con un ritmo sorprendentemente hipnótico, era un foco indudable de atención y un adicional a las presentaciones de las bandas que conformó. En el modesto video de “Big Bang Baby” del año 1996, su incesante baile opaca la escasa producción del mismo, tal vez la intención era esa.

 

Un “rock star” por excelencia y con una vida tumultuosa. Conocido por su abuso de drogas, aunque el mismo en una entrevista pocos meses antes de su muerte supo decir que no las consumía desde hace 13 años. Arrestos por posesión de drogas y por violencia doméstica hicieron de Weiland un cliente fijo de la justicia y el escándalo. Algo de sus problemas sin duda quedan expresados en el video de “Fall To Pieces”, la power ballad del primer disco de Velvet Revolver: Contraband

 

El trabajo de Scott ha sido principalmente reconocido con Stone Temple Pilots. Su banda primigenia con la que siempre tuvo idas y retornos, romances y conflictos. También la “super banda” Velvet Revolver, que lo juntó con estrellas como los ex Guns N’ Roses Slash, Duff McKagan y Matt Sorum, aunque dicho por el mismo, las razones fueron más comerciales que artísticas. Además hizo trabajos en solitario y se vinculó con actos como “The Magnificent Bastards”, “Art of Anarchy” y los “Wildabaouts” con los que se encontraba de gira hasta el momento de su deceso.

Escandaloso e imán de atención. Nos dejó un perfecto estereotipo del rock and roll, de esos a los que se les celebra cada metida de pata y se paga por ver sus shows en vivo. Quienes disfrutamos de la música de los noventa y de inicios de Siglo XXI nos quedamos con una colección de sensacionales temas para sentirlos, revivirlos, pasar buenos momentos y soportar los amargos.

 

Well I’m Half The Man I Used To Be …