90s – Página 6 – Fútbol y Asociados

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MVP – Campeonato Ecuatoriano de Fútbol

octubre 13, 2017/0 Comentarios/en Ecuador - Serie A, Fútbol/por FyA

Siguiendo un criterio que intenta emular a lo que se hace especialmente en el desarrollo de las ligas de deportes norteamericanas, se ha hecho el ejercicio que busca recordar al jugador más importante para la obtención de los títulos de cada equipo en las respectivas temporadas. El equipo que elaboró este listado puede dar fe desde el torneo de 1990. Si quien lo lea pueda sugerir nombres de torneos más antiguos, será bienvenido, del mismo modo, también se aceptará sugerencias sobre los campeonatos desplegados.

En este año 2017, el “MVP” se lo estaría llevando por el momento Roberto Ordóñez y a continuación el listado.

1990 – Carlos E. Berrueta

1991 – Rubén D. Insúa

1992 – Kléber Chalá

1993 – Marcelo Morales

1994 – Iván Hurtado

1995 – Carlos A. Alfaro Moreno

1996 – Agustín Delgado

1997 – Marco A. Etcheverry

1998 – Álex Escobar

1999 – Álex Escobar

2000 – Cristian Gómez

2001 – Carlos A. Juárez

2002 – Otilino Tenorio

2003 – Franklin Salas

2004 – Carlos G. Quiñónez

2005 A – Roberto Palacios

2005 C – David Quiroz

2006 – Christian Benítez

2007 – Enrique Vera

2008 – Luis Saritama

2009 – Michael Arroyo

2010 – Hernán Barcos

2011 – Matías Alustiza

2012 – Damián Díaz

2013 – Enner Valencia

2014 – Miller Bolaños

2015 – Ángel Mena

2016 – Jonatan Alvez

* Observamos la sugerencia y corrección de algunos seguidores de Twitter y en 2013 va Enner Valencia

Foto principal tomada de Diario El Tiempo / API

FyA

Historia: Ecuador vs Argentina por Eliminatorias

octubre 8, 2017/1 Comentario/en Fútbol, Selección Ecuatoriana/por Edison Guapaz Zambrano

Para la última revisión, clic aquí

Va finalizando el camino a Rusia 2018 con la selección ecuatoriana eliminada de cualquier posibilidad de disputar el torneo mundialista. Termina con el mismo rival con el que inició la eliminatoria y en el caso de la tricolor, dicho comienzo había tenido mucha ilusión. Ahora, para Argentina ronda la urgencia y obligación de ganar para evitar quedar por fuera de la Copa del Mundo, en tanto que los ecuatorianos se juegan nada más que su honor.

La historia por eliminatorias entre ecuatorianos y argentinos tiene varias alegrías y traspiés para el combinado tricolor y los vamos a repasar.

Ecuador de hecho jugó su primer partido en una fase de eliminatorias mundialistas en la historia precisamente frente a Argentina. El 4 de diciembre de 1960 en el Estadio Modelo de Guayaquil con marcador 6-3 favorable a los rioplatenses, quienes lucieron a sus astros: Orestes Corbatta (x2), José Sanfilippo, Martín Pando, Rubén Héctor Sosa y José Ramaciotti anotando sus goles. Mientras que Alberto Spencer y Carlos Alberto Raffo (x2) hicieron menos dramático el resultado para los ecuatorianos, anotando en los 10 minutos finales y evitando un humillante 6-0 con el que se perfilaba este cotejo. Juan López Fontana dispuso de los siguientes futbolistas para enfrentar a la albiceleste:

Cipriano Yu Lee; Vicente Lecaro, Luciano Macías, Jorge Izaguirre, Rómulo Gómez; Jaime Galarza, José V. Balseca; Clímaco Cañarte, Jorge Bolaños, Carlos A. Raffo, Alberto Spencer

Orestes Corbatta

El duelo de vuelta se jugó el 17 de diciembre de 1960 en el Estadio de Boca Juniors en Buenos Aires. El resultado fue 5-0 en favor del local. De nuevo marcaron Corbatta, Sanfilippo, Pando y Sosa, más un autogol de Rómulo Gómez. Recordemos que la modalidad fue de enfrentamiento uno contra uno, por lo que ambas derrotas significaron la eliminación de la tricolor de Chile 1962. Los siguientes nombres fueron nuestros representantes:

Cipriano Yu Lee; Vicente Lecaro, Luciano Macías, Leonardo Palacios, Rómulo Gómez; Jaime Galarza, José V. Balseca; Clímaco Cañarte, Jorge Bolaños, Carlos A. Raffo, Raúl Argüello

Ecuador y Argentina no se volvieron a enfrentar en juegos de clasificación a la fase final del Mundial de fútbol hasta 1996, año en que se inauguró la modalidad con la que se juega en CONMEBOL hasta la presente: el “todos contra todos”. Esto rumbo a Francia 1998.

El 2 de junio de 1996, Ecuador venció 2-0 a Argentina con goles de goles de Alberto Montaño “el atleta de Cristo” y Eduardo “el tanque” Hurtado. Este juego debe ser uno de los de “mayor mitología” en la historia del fútbol ecuatoriano, partiendo del hecho de haberse jugado en el Estadio Atahualpa de Quito, preocupando a la delegación argentina por el tema de la “altura”, que en los noventa comenzó a ser controversial hasta nuestros días. El DT albiceleste en ese entonces, Daniel Passarella, argumentó que en la altura “la pelota no doblaba”, entre otros peros que puso a jugar a 2800 metros sobre el nivel del mar.

Argentina llegó a Quito con sus mega estrellas: Gabriel Batistuta, Claudio Caniggia, Ariel Ortega, Diego Simeone, etc. Pero el exceso de preocupaciones por la condición geográficas los hizo perderse y en el segundo tiempo, Ecuador se impuso notablemente. Para el final del juego, más anécdotas como el llanto del “tanque” Hurtado celebrando su anotación; los habanos “de la suerte” del Arq. Durán Ballén, en ese entonces, Presidente de la nación que cuando los encendía, la tricolor anotaba; las declaraciones post partido del Vicepresidente Eduardo Peña argumentando la “fuerza testicular” del jugador ecuatoriano; las cargadas a Maradona que había llegado a Quito a comentar el juego; etc. Un día de fiesta y romance de la afición ecuatoriana con el DT colombiano Francisco Maturana que dispuso de sus seleccionados de la siguiente forma:

Carlos Morales; Wagner Rivera, Alberto Montaño, Máximo Tenorio, Luis Capurro; Iván Hurtado, Héctor Carabalí, Alex Aguinaga, José Gavica (Ángel Fernández), Gilson de Souza; Eduardo Hurtado

La revancha de aquel juego fue el 30 de abril de 1997 en la cancha de River Plate en Buenos Aires. El triunfo fue argentino por 2-1 con goles de Ariel Ortega y Hernán Crespo en el primer tiempo para el local, lo que hacía parecer que Argentina se paseaba, pero el descuento de cabeza de Alex Aguinaga en el complemento puso más interesante el juego. Argentina había atravesado por un recambio generacional en ese proceso mundialista, ganándose la titularidad gente como: Juan S. Verón, Hernán Crespo, Claudio López, Roberto Ayala y el “lechuga” Roa en el arco. Esa sería la base albiceleste en el mundial de Francia 1998. “Pacho” Maturana había alineado así a Ecuador:

Geovanni Ibarra; Wagner Rivera (Juan C Burbano), Raúl Noriega, Alberto Montaño, Edmundo Méndez; Jimmy Blandón, Héctor Carabalí, Alex Aguinaga, Cléber Chalá (Oswaldo De La Cruz), Gilson de Souza y Eduardo Hurtado

Para la clasificación a Japón y Corea 2002, se estableció el calendario que estaría vigente hasta la eliminatoria al reciente mundial de Brasil. El 19 de julio de 2000, argentino derrotó 2-0 a Ecuador en el Monumental de Buenos Aires, siendo una muy opaca actuación de la tricolor, que se vio notablemente superada por el local. Goles de Hernán Crespo y Claudio López. El DT de Ecuador era Hernán Darío Gómez, que alineó de la siguiente manera:

José F. Cevallos; Ulises De La Cruz, Augusto Porozo, Iván Hurtado, Marlon Ayoví; Edwin Tenorio, Jimmy Blandón, Alfonso Obregón, Alex Aguinaga (Ariel Graziani); Agustín Delgado, Eduardo Hurtado

Seguimos en la eliminatoria para el mundial asiático y el 15 de agosto de 2001 se enfrentaron otra vez ecuatorianos y argentinos, pero esta vez, no hubo pretextos por la altura y la albiceleste venció nítidamente por 2-0. El onceno dirigido por Marcelo Bielsa presentó un enorme despliegue físico y no tuvo problemas con un Ecuador que tuvo varias sensibles bajas para este encuentro. Eso sí, la locura por la selección ecuatoriana era total, fruto de los 5 triunfos consecutivos que había tenido antes de este encuentro, lo que causó que literalmente, las entradas se hagan humo.

Los goles argentinos fueron obra de Juan Sebastián Verón con un impresionante disparo de 30 metros (que yo juro que desde la general sur en la que estaba, se vio como una “S” digna de capítulo de “súper campeones”) y un penal de Hernán Crespo fruto de una mano de Chalá buscando impedir una inminente anotación. Hernán Darío Gómez dispuso de los siguientes elementos:

Geovanny Ibarra; Ulises De La Cruz, Iván Hurtado, Giovanny Espinoza, Raúl Guerron; Jorge Guagua (Angel Fernández), Juan C Burbano (Alex Aguinaga), Wéllington Sánchez (Juan F Aguinaga), Cléber Chalá; Iván Kaviedes, Agustín Delgado

El 30 de marzo de 2004 y ya jugándose el clasificatorio a Alemania 2006, Argentina venció 1-0 a Ecuador con solitario tanto de Hernán Crespo en Buenos Aires, como siempre, en el Antonio V. Liberti. La tricolor jugó “a no perder” con un esquema ordenado y defensivo, aunque de todas formas se fue con las manos vacías. Seguía siendo el entrenador “Bolillo” Gómez, quien dispuso de estos jugadores:

José F. Cevallos; Ulises De La Cruz, Giovanny Espinoza, Iván Hurtado, Néicer Reasco; Edwin Tenorio (Iván Kaviedes), Marlon Ayoví, Alfonso Obregón, Edison Méndez, Cléber Chalá (Agustín Delgado); Carlos Tenorio (Franklin Salas)

Se jugó la revancha el 4 de junio de 2005 y esa vez hubo triunfo ecuatoriano 2-0 sobre los rioplatenses. Goles de Cristian Lara, quien había entrado al segundo tiempo y Agustín Delgado tras un centro de Lara. El DT ya era Luis Fernando Suárez, quien había conseguido sonadas victorias en el Atahualpa de Quito y esta no sería la excepción, imponiéndose a la albiceleste ya dirigida por José Pékerman en aquellos tiempos. Suárez entonces alineó así:

Edwin Villafuerte; Ulises De La Cruz, Iván Hurtado, Giovanny Espinoza, Néicer Reasco (David Quiroz); Edwin Tenorio, Marlon Ayoví, Antonio Valencia, Paúl Ambrosi; Cristian Gómez (Cristian Lara), Agustín Delgado

Rumbo a Sudáfrica 2010 el panorama era un poco distinto. Ecuador había tenido un arranque horrible y lo que era un interinazgo, terminó siendo la era de Sixto Vizuete, de quien no se esperaba mayor cosa, pero planteó un muy interesante juego en el que estuvo cerca de llevarse el triunfo. Tal vez, la impresión generada en este cotejo, lo ratificó en su puesto.

Finalmente el resultado entre argentinos y ecuatorianos aquel 15 de junio de 2008 fue 1-1. Patricio Urrutia abrió el marcador para Ecuador que tenía varios elementos de Liga de Quito, que estaba por coronarse campeón de América. El susto se le pasó al “coco” Basile con un agónico tanto de Rodrigo Palacio. Los “Vizuete Boys” fueron los siguientes:

José F. Cevallos; Omar De Jesús, Giovanny Espinoza, Iván Hurtado, Isaac Mina; Segundo Castillo, Patricio Urrutia, Antonio Valencia, Walter Ayoví (Luis Bolaños); Joffre Guerrón (Cristian Benítez) y Carlos Tenorio (Ulises De La Cruz)

Ecuador se desquitó el 10 de junio de 2009 en Quito triunfando otra vez por 2-0. Día lluvioso y un mal primer tiempo en que veíamos a una desconectada tricolor, a la vez que nos distraíamos esperando a ver qué jugada inventaba Messi y regresando a ver al banco ocupado por Diego Maradona. Ecuador creció anímicamente tras el penal que Elizaga atajó a Tévez, para que en el segundo tiempo lleguen los goles de Walter Ayoví y Pablo Palacios. Vizuete alineó así:

Marcelo Elizaga; Néicer Reasco, Giovanny Espinoza, Iván Hurtado, Walter Ayoví; Segundo Castillo, Cristian Noboa (Pablo Palacios), Edison Méndez, Antonio Valencia; Carlos Tenorio (Jéfferson Montero) y Felipe Caicedo (Joffre Guerrón)

Camino a Brasil 2014, Ecuador tuvo su más duro traspié en dicha eliminatoria frente a Argentina cayendo 4-0 el 4 de junio de 2012. Terrible primer tiempo, desconcentraciones y demás horrores que permitieron a Gonzalo Higuaín, Ángel Di María, Sergio Agüero y Lionel Messi pasearse y despachar un gol cada uno. Aquel ya era el proceso de Reinaldo Rueda, retomando la línea colombiana y alineando en esa fatal noche bonaerense de la siguiente manera:

Alexander Domínguez; Gabriel Achilier, Jairo Campos, Jorge Guagua, Walter Ayoví; Pedro Quiñónez, Cristian Noboa, Luis Saritama (Jaime Ayoví) , Antonio Valencia, Cristian Suárez (Jéfferson Montero); Cristian Benítez (Renato Ibarra)

El juego de revancha se disputó el 11 de junio de 2013 en Quito con resultado 1-1. Argentina dirigida por Sabella hizo un buen partido y le cerró los caminos ofensivos a la tricolor que se tuvo que contentar con un empate. De todas formas, ambas selecciones clasificaron al mundial de Brasil. Había abierto el marcador Sergio Agüero de penal e igualó Segundo Castillo de cabeza. Esta fue la alineación ecuatoriana dispuesta por el DT Rueda:

Alexander Domínguez; Juan C Paredes (Renato Ibarra), Jorge Guagua, Fricson Erazo, Walter Ayoví; Segundo Castillo, Cristian Noboa (Luis Saritama), Antonio Valencia, Jéfferson Montero; Joao Rojas (Juan L. Anangonó), Felipe Caicedo

En el arranque de las eliminatorias a Rusia 2018 Ecuador venció 2-0 a Argentina el 8 de octubre de 2015 en el Monumental de Buenos Aires. Una concentrada y contundente tricolor daba la sorpresa y auguraba un notable torneo que no fue tal. Goles de Fricson Erazo y Felipe Caicedo cerca del final del juego y que sembró la preocupación que arrastra la albiceleste hasta este último juego a disputarse el 9 de octubre en Quito. Gustavo Quinteros alineó a los siguientes futbolistas:

Alexander Domínguez; Juan C. Paredes, Gabriel Achilier, Fricson Erazo, Walter Ayoví; Cristian Noboa (TA 69’), Pedro Quiñónez (Segundo Castillo); Antonio Valencia, Miller Bolaños, Jéfferson Montero (Fidel Martínez); Felipe Caicedo (Ángel Mena)

Buenos Aires, Los jugadores de Ecuador festejan el primer gol, convertido por Frickson Erazo, durante el partido válido por las elimitarias para el mundial de Rusia 2018, en el que la selección nacional cae por 2 a 0. Foto: Claudio Fanchi/Télam/amb 08/10/2015

Entre Argentina y Ecuador se han jugado 13 encuentros con 7 triunfos gauchos, 2 empates y 4 victorias tricolores. Como local Ecuador triunfó en 3 ocasiones, igualó 1 y perdió 2 veces. Solo en Quito el balance para Ecuador es 3 partidos ganados, 1 empatado y 1 perdido.

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Retro y Terror: Combinación Ganadora

septiembre 30, 2017/1 Comentario/en Cine, Cultura/por Edison Guapaz Zambrano

En este septiembre de 2017 se estrenó en salas de cine alrededor del mundo el remake de “It”, la terrorífica obra cinematográfica adaptada del libro de Stephen King con notable éxito y generalmente buenos comentarios.

Con expectativa, mucha gente que durante su infancia o juventud se mortificó con las macabras apariciones de “Pennywise” ha ido acudiendo en busca del placer de la nostalgia a pesar de estar plenamente advertidos del miedo que alguna vez les generó. Es precisamente de lo que trata “It”, acerca del miedo mismo en su esencia.

Quienes vieron la película “original” en los años 90 o mejor aún, han leído el libro están conscientes que el fenómeno “It” es cíclico y se presenta en un pueblo de aquellos que en Estados Unidos hay por montones con la diferencia que el índice de acontecimientos mórbidos en “Derry” es inusualmente alto. El halo paranormal de la historia supera lo que en un principio podría ser policial. Ese ciclo cuidadosamente se respetó al estrenar el remake 27 años después del original.

Concebido para un público ávido de la onda “retro”, los elementos de finales de Siglo XX abundan: referencias musicales, videojuegos, tecnología de la época como cintas de audio, video, proyectores, teléfonos. La idea de la historia traslada a los años 90, también dirigido a producir la secuela prevista para el 2019 en la que seguramente los protagonistas vivirán en la actualidad y serán adultos. El guiño retro incluso se lo encuentra sutilmente en la inclusión de Finn Wolfhard en el elenco, joven actor conocido por encarnar a “Mike” en “Stranger Things”, serie de Netflix ambientada en los 80.

Sin embargo, el toque de modernidad, a pesar de ser ambientada en el siglo pasado, abarca duros temas como el bullying o el abuso a menores de una manera bastante más descarnada que en la película original, lógicamente muy lejos de los pasajes fuertes que tiene la obra escrita. En cuanto a producción y efectos, indudablemente tienen una mayor calidad sobretodo para ilustrar los eventos paranormales recurrentes a lo largo del largometraje.

Lo genial de la concepción de “It” está en concentrarse en las raíces del miedo mismo, algo que vas más allá de cualquier producción de terror, muchas de las cuales son más bien producciones de suspenso con escenas colocadas en ciertos puntos para aumentar el drama. En el caso de “It” el tema en sí es el miedo, puesto que el payaso Pennywise se alimenta y fortalece a través del miedo de sus atacados y justamente infringe daño manifestándose en los temores más profundos de los mismos. Quien no manifestó miedo hacia su maléfica presencia evitó un desenlace más desagradable.

Esta remozada “It” tiene un guión y trama bastante buenos, la película es bastante más dinámica que la original aunque tal vez da menos miedo. Claro está, el “It” original explotó el miedo hacia criaturas y experiencias más allá del mundo terrenal, algo que agobia más a los niños. Ahora estos niños ya crecidos seguramente tienen más bien miedo a las cosas terrenales, dejando a un lado a lo paranormal y en ese sentido tiene menos impacto, menos miedo, pero no menos entretenimiento. Se podría decir que incluso el vestuario de Pennywise es un poco más estilizado, muy de nuestros tiempos. Sin duda la secuela se hará esperar.

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Cuando Radiohead le Apostó al Futuro

junio 23, 2017/1 Comentario/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

Tras el éxito de su trabajo predecesor, el melancólico “The Bends”, Radiohead se aprestaba a realizar un trabajo más sofisticado donde difícilmente iban a dejar su sello introspectivo, pero el ensamblaje de los temas tendría una riqueza de elementos e influencias que lograrían la aclamación de la crítica y la conquista de voluntades a ambos lados del charco. Concebido entre 1996 y 1997 en las zonas rurales de Oxfordshire, venía a dar la alerta sobre el nuevo mundo tecnológico post moderno, advirtiendo más sus trampas que beneficios.

OK Computer tuvo varios lanzamientos, el japonés el 21 de mayo, el británico el 16 de junio y el norteamericano el 1 de julio de 1997. Se dio a conocer al mundo a través de su fenomenal primer sencillo “Paranoid Android”, tema que se podría considerar la obra cumbre del rock de los noventas, dispuesta en secciones cual pieza de música académica. La introducción con guitarra y la programación llevan a un mundo taciturno que se va volviendo más agreste a medida que el tema avanza llevando a unos picos violentos con la guitarra distorsionada. La alternancia entre el sosiego y la locura, tan asociada a Pixies o Nirvana, enfrenta al oyente a una serie de sensaciones y emociones que pueden haberlo agobiado a la primera vez y al mismo tiempo, dejarlo con la sensación que ese turbulento viaje valió la pena.

Paranoid Android se publicitó a través de los medios con su confuso videoclip hecho en animación tan descarnada como precaria, tal como se puso en boga en la última década del siglo pasado, relatando una historia atrapante y disparatada.

El siguiente sencillo fue “Karma Police” con su solemne y omnipresente piano. Sería difícil concebir que se trata de la broma interna de la banda con la cual se manejaba el stress de las giras y ser cada vez más reconocidos, ese entonces cuando la broma toma ribetes de seriedad ante la incomodidad e insatisfacción que puede producir el aparentemente gratificante reconocimiento. También consta de momentos claramente definidos que en este caso son dos cuando hacia el final se pone más dinámica. This is what you’ll get when you mess with us…

“Lucky” tal vez no carga la sofisticación de buena parte de este álbum, aunque si se advierte también aquella dinámica de calma versus tensión casi al cerrar el álbum y fue presentada como el tercer sencillo del LP. “No Surprises” fue el último tema promocional con su muy característico piano cercano a un dulce arrullo acompañado por la guitarra acústica que no le deja perder protagonismo. En dichos temas, Thom Yorke conduce magníficamente con su voz el ambiente aletargado y le da un descanso a los grandes esfuerzos que implicaron “Paranoid Android” o “Karma Police”. Aquella ruptura también la llevan temas como “Exit Music (For A Film)”, “Let Down”, o “Climbing up The Walls”. Estas últimas con una manera más armónica y progresiva de pisar el acelerador.

Por supuesto, OK Computer no es solo sus canciones más famosas. El viaje arranca con “Airbag” y una áurea cargada por las guitarras y programaciones, sin embargo, el bajo de Colin Greenwood con suma precisión marca los tiempos cual artilugio digital, similar trabajo en “Subterranean Homesick Alien”, solo que con mayor presencia de la batería y siempre destacando la carga de efectos en las guitarras para la atmósfera etérea. Con “Electioneering” tenemos el tema digamos, más “normal” de este disco, donde no se privilegia tanto al despliegue tecnológico o a las posibilidades de estudio. “The Tourist” marca un abatido regreso de un viaje que puede ser conceptualmente interior, así como de una búsqueda de posibilidades dentro de un abrumador mundo post moderno. Un retorno a casa repleto de agotamiento.

OK Computer se adelanta a las desazones del mundo tecnológico, se ve tan comprometido con el mismo que “Filter Happier” se canta con el Software de voz de una hoy por hoy arcaica Macintosh, de la cual viene el mismo concepto del álbum cuyo título actúa como comando del mismo. Cuenta entre sus galardones con haber sido el disco número uno del chart británico entre el 28 de junio y el 12 de julio de 1997, certificó triple platino en Europa y doble platino en los Estados Unidos, habiendo sobrepasado las 5 millones de copias vendidas antes del primer año de su publicación.

A OK Computer se le puede considerar como la obra maestra de Radiohead, es un álbum en el que no hay mayores individualidades, sino un trabajo en conjunto genial, en el que ninguna canción podría ser concebida como tal sin todos sus elementos. Jonny Greenwood, mago de los artilugios tecnológicos configura esa atmósfera enrarecida, pero nada sería igual sin la imaginación de todos, sin su hermano Colin, sin la batería de Phil Selway, sin Ed O’Brien, sin el liderazgo de Yorke. Al fin y al cabo, siempre firman todos en la composición y eso es evidente en el conjunto de elementos que hacen a esta banda británica tan especial.

OK Computer – EMI – 1997

Airbag
Paranoid Android
Subterranean Homesick Alien
Exit Music (For a Film)
Let Down
Karma Police
Filter Happier
Electioneering
Climbing up The Walls
No Suprises
Lucky
The Tourist

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Blow The Upside World – Chris Cornell 1964 – 4eva

mayo 18, 2017/1 Comentario/en Clásicos, Música/por Jorge Aguirre

Nothing seems to kill me no matter how hard I try
nothing is closing my eyes
nothing can beat me down for your pain or delight
and nothing seems to break me
no matter how hard I fall nothing can break me at all
not one for giving up though not invincible I know

Hay artistas en todos los ámbitos y géneros que engloba la música que van marcando a fuego generaciones, uno de ellos sin duda alguna fue Christopher John Boyle, más conocido como Chris Cornell, que ha dejado de existir el 18 de mayo de 2017 y nos deja una cantidad de impresionante de buena música siendo una de las voces más reconocidas del rock con ese tono tan particular en su timbre y manera de cantar: la de un barítono capaz de llegar a notas casi imposibles para la mayoría (con un tremendo registro vocal que en sus mejores tiempos pudo tener un rango de tres octavas y media), y ese sentimiento con el que interpretaba cada canción en estudio o en vivo. Su nombre y figura estará siempre ligada a la banda que lo dio a conocer, los míticos Soundgarden, pero su legado artístico sin duda es enorme y de lo más prolijo de su generación.

Podríamos clasificar para fines de esta revisión a Cornell en tres etapas creativas

Primera Etapa: Seattle Superunkown

Atormentado desde temprana edad por constantes depresiones se refugió de sus demonios aprendiendo a tocar varios instrumentos como la batería y la guitarra, en 1982 conoció Kim Tayil con quién fundarían en 1984 Soundgarden banda que, a pesar de ser etiquetada como grunge por emerger de la escena rockera de Seattle, siempre se caracterizó un sonido y temática diferente que lo hicieron sobresalir del resto como pasaría ya con otras bandas como Alice in Chains. En 1987 grabarían su primer trabajo: “Screaming Life”, pero solo empezarían a hacerse un hueco en la escena musical hasta 1989 con su disco Louder tha Love, de donde se desprende dos singles en los que la voz de Cornell comienzan a dejar su marca registrada. Soundgarden llegó mucho antes que Nirvana explotara con el cambio de la famosa Generación X.

En 1990 muere uno de sus mejores amigos Andrew Wood, líder de la banda Mother Love Bone, la cual estaba conformada por miembros que más tarde formarían Pearl Jam tras la muerte de Wood: Stone Gossard y Jeff Ament. Como homenaje juntos crean el grupo Temple of the Dog del cual sobresale Hunger Strike que fue lanzada como sencillo en 1991. Está canción es cantada a dueto entre Cornell y Eddie Vedder, al respecto Cornelle diría: “Cuando nosotros iniciamos a ensayar la canción, había escrito «Hunger Strike» y tuve la sensación de que le hacía falta algo, y no la sentía como una canción real. Eddie estaba esperando para una audición para Mookie Blaylock y yo empecé cantando algunas partes, y él se acercó al micrófono y comenzó a cantar las partes bajas para mí, porque vio que era un poco difícil. Seguimos haciéndolo a través de un par de coros entre nosotros y de repente pensé, la voz de este chico es increíble. La historia se escribió sola después de eso, y la canción se convirtió en sencillo”.

La canción es una de las mejores colaboraciones que dejo el movimiento grunge en los 90’s:

En 1991 sale a la venta uno de sus mejores trabajos “Badmotorfinger” un poco opacada por los discos Nevermind y Ten, donde se consolida su particular sonido (hay que prestar atención a la afinación de sus guitarras) que le daban un toque extraño y diferente, muncho más cercano al hard rock que a cualquier sonido vigente en esos momentos. A destacar varios temas como Jesucrist Pose o una de sus temas más conocidos Rusty Cage, el mismo que fue versionado posteriormente por el mismo Jhonny Cash en su disco Unchained.

En 1994 vio a la luz su disco más exitoso “Superunknown”, el cual fue abanderado por el” Movimiento Grunge” que se encontraba en su momento de mayor florecimiento convirtiéndose en un disco lleno de éxitos destacando a nivel mundial su tema más conocido Black Hole Sun. Produjeron 5 singles y llego a ser número uno en la lista Billboard, nominado al Grammy y actualmente cuenta con una certificación de 5 discos de platino por parte de la Recording Industry Association of America.

Cabe mencionar la canción “The day I tried to Live” la cual tiene una atmósfera musical disonante y un sobrecogedor video que mostraba el lado atormentado de Cornell del cual quería alejarse (sobre esta canción explicó alguna vez que no se trataba de una nota de suicidio, sino de tratar de entender todo lo que pasaba en su entorno en lugar de esconderse en una cueva, tema que sería recurrente en posteriores canciones como Blow the Upside World). Pese a eso la letra es muy reveladora y parecería indicar lo contrario a la excusa de Cornell:

I woke the same as any other day

Except a voice was in my head

It said, «Seize the day, pull the trigger

Drop the blade and watch the rolling heads»

The day I tried to live

I stole a thousand beggar’s change

And gave it to the rich, yeah

Me desperté igual que cualquier otro día

Excepto por la voz que estaba en mi cabeza

que me dijo: «Aprovecha el día, jala el gatillo

Deja que caiga la guillotina y mira rodar las cabezas

El día en que traté de vivir

Robé las limosnas de mil mendigos

Y se la di a los ricos

En 1994 y fruto de la gira, excesos (de los cuales declararía que se arrepentía) y esfuerzos, su prodigiosa voz empieza a tener problemas y tal como ocurriera en su momento con Robert Plant comienza a cambiar, en este lapsus de recuperación colabora con otra leyenda del rock Alice Cooper en su álbum Last Temptation. En 1996 sale al mercado el último disco de la primera etapa del grupo: Down On the Upside que vuelve a tener casi la misma repercusión y éxito que su anterior trabajo, a destacar de todos esos temas la canción: “Blow up the upside world” que en los medios tiempos nos recuerda a Day In the Life de los Beatles para retomar su marca registrada.

Segunda Etapa: Like a Stone

En el 2000 se marca lo que podríamos llamar su segunda etapa como artista, conforma el supergrupo Audioslave con los tres ex miembros de Rage Against the Machine, Tom Morello, Brad Wilk y Tim Commerford con quienes grabaría tres discos: Audioslave (2002), Out of Exile (2005) y Revelations (2006). Lograron juntar el sonido de dos estilos diferentes y obtener su propia identidad musical, entre sus logros más reconocidos fue el haber sido la primera banda en tocar en el 2005 en La Habana Cuba. En 2007 Cornell anunció que dejaba la banda por diferencias artísticas.

En 2007 presentó su segundo disco solista. “Carry On” destacando entre algunas canciones “You Know my Name” de la banda Sonora 007 Casino Royale y Billie Jean. En 2009 sale al mercado su disco más experimental: Scream producido por Timbaland. También colaboró en el disco homónimo del guitarrista Slash y en el disco “Guitar Heaven” de Santana donde interpreto Whole Lotta Love de Led Zepellin.

Tercera Etapa: Higher Truth

LOS ANGELES, CA – NOVEMBER 12:Musician Chris Cornell arrives at An Evening With Jimmy Page and Chris Cornell in Conversation at Ace Hotel on November 12, 2014 in Los Angeles, California. (Photo by Frazer Harrison/Getty Images)

El 1 de enero de 2010 se produce por así decirlo su tercera y última etapa creativa, Soundgarden se vuelven a juntar sacando al mercado dos nuevos discos: 2010 Telephantasm y en el año 2012 King Animal ya no con la repercusión que tuvieron en los 90´s pero que no deja por eso de ser un gran trabajo manteniendo su estilo. Muestra de esto es la canción Been Away Too Long.

Ya en su etapa final y sin dejar de lado a los reactivados Soundgarden, Chris Cornell inició a dar una serie de conciertos acústicos en varios teatros como el Roxy interpretando temas de toda su carrera y varios covers del cual se desprendió el disco “Songbook” en el cual no quedaron plasmadas todas las canciones que interpretó tales como Redemption Song.

En el 2015 finalmente sale su último trabajo “Higher Truth”, sin mucha repercusión pero con buenas críticas de la prensa especializada.

Este breve resumen a manera de homenaje por parte de FyA, queda corto para toda la historia y legado que deja su carrera. Su obra queda inconclusa quizá, talvez tenía algo más que contarnos ahora solo queda disfrutar su legado. Los motivos que lo llevaron a su muerte solo él los sabrá, como diría alguna vez respecto al significado de Like a Stone, canción compuesta en su etapa en Audioslave: «es una canción acerca de concentrarse en la otra vida que a uno le espera, en lugar del enfoque monoteísta normal: Uno trabaja muy duro toda su vida para ser un buen persona, una persona moral y justa y generosa, y luego te vas al infierno de todos modos». Tan acertado no puede estar.

Discografía

Con Soundgarden

1987 Screaming Life (Sub Pop)

1988 Fopp

1988 Ultramega OK

1989 Louder than Love

1990 Screaming Life/Fopp

1991 Badmotorfinger

1994 Superunknown

1995 Songs from the Superunknown

1996 Down On the Upside

1997 A-Sides

2010 Telephantasm

2012 King Animal

Con Temple of the Dog

1991 Temple of the Dog

Con Audioslave

2002 Audioslave

2005 Out of Exile

2006 Revelations

Carrera Solitario

1999 Euphoria Morning

2007 Carry On

2009 Scream

2011 Songbook

2015 Higher Truth

Jorge Aguirre

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Rock N´Roll, Futbol, Café y Chocolate

El Último Héroe del Rock

febrero 25, 2017/0 Comentarios/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

Un 20 de febrero de 1967 nació en el Estado de Washington Kurt Cobain. Estaría cumpliendo medio siglo en estos días, pero su vida se truncó tempranamente formando parte de aquel infame “club de los 27” integrado por varios de los más grandes exponentes del Rock.

¿Por qué se podría decir que Cobain es el último héroe del Rock? Pues porque junto a su banda, Nirvana, encabezó el último giro que dio la historia del género. El “Grunge” oriundo del Pacífico Noroeste Estadounidense sería el sonido que acompañaría a la juventud en la primera mitad de la década de los 90 y que tal vez, tras la muerte de Kurt haya perdido algo de fuerza comercial, pero se mantuvo en los corazones de sus seguidores y se transmitió a posteriores generaciones.

¿Qué hizo del Grunge el estandarte de la música popular juvenil de aquellos tiempos? Pues algo así como la vuelta a las raíces. Los 80 habían sido tiempos donde el comercialismo y las apariencias estuvieron a la orden del día y los músicos, cada vez más opulentos y distantes, se alejaban del sentir del público joven, a la vez que volvían a su actuación más sofisticada y glamorosa. En un momento similar a lo que fue el quiebre del Punk en los 70, el Grunge devolvía la voz a la juventud a través de un héroe atormentado como Kurt Cobain.

Nirvana tenía en su ADN mucho de la música alternativa de los 80 y le dio vitales dosis de furia. Cobain no exhibía pomposas filigranas en su guitarra, pero sí el grito que salía del alma, aquella inimitable sinceridad que puede fascinar a legiones de jóvenes que se han sentido desubicados social y espiritualmente, en aquellas edades cuando lo que más se requiere es alguien con quien compartir. Kurt lucía sincero, su ropa sencilla, su corte de cabello desprolijo, su barba descuidada indicaban cero poses. Una contundente respuesta a una sociedad de la imagen que sin embargo, le terminaría jugando en su contra.

“I was I was like you, easily amused”… Cobain no parecía disfrutar de su éxito y su espiral autodestructivo pudo algo ser mitigada por el amor de dos mujeres. Courtney Love, su esposa, y su hija Frances Bean. En el fondo Kurt era un hombre sencillo que como cualquiera, quería lo que no había tenido: una sencilla familia feliz. Mientras tanto, su sencillez se comercializó, su estilo desaliñado pasó a ser el último grito de la moda y no podía ser más incómodo.

Nirvana es de esas bandas especiales de la historia del Rock and Roll, con una vida muy corta de 7 años y realmente con algo más de 3 de éxito, su influencia fue inmensa. Sus discos como “Nevermind”, “In Utero” o el Unplugged en New York son esenciales para entender la música de los 90. Es un criterio unánime el considerar al tema “Smells Like Teen Spirit” como el himno de aquella década y de una generación. Nirvana comandó el movimiento que inundó radios y programas de televisión. Grupos como Pearl Jam, Alice In Chains o Soundgarden pudieron también mostrar sus trabajos con enorme éxito. Era la última revolución del rock.

Pero esa eterna búsqueda se vio truncada, el tormento de padecimientos físicos y espirituales, el abuso de la heroína y demás doblegaron al último héroe del rock. Su desaparición causó dolor y tal vez, el género nunca fue igual. Hacia el final del Siglo XX y el transcurso del Siglo XXI, el Rock ha sufrido mutaciones y casi ninguna con mayor trascendencia, tendiendo a ser desplazado en las preferencias por nuevos géneros y quedándose para la nostalgia.

¿Qué hubiera sido si Cobain se quedaba a vivir su madurez en el mundo de los vivos? Se especula que su legado y el de Nirvana no hubiera tenido el impacto que tuvo. Tal vez así debían ser las cosas, tal vez hizo un enorme sacrificio. Solo se puede entender que se quedó para siempre acompañando a almas atormentadas y dándoles su respectivo confort.

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

El Contraataque de Blur

febrero 18, 2017/0 Comentarios/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

A mediados de los noventa la batalla de la cima del Britpop parecía ganada por Oasis, quienes con su “Morning Glory” parecían haber conquistado el mundo, superando en influencia a “Parklife” y arrasado en ventas a “The Great Escape”, placas de sus declarados archirrivales, los londinenses Blur. Esta desventaja lo tenía pasando por malos tiempos a Damon Albarn y de ese via crusis emocional al que debe añadirse la relación de Albarn con su entonces novia Justine Frischmann (Elastica), surgiría el material que pondría a su banda de nuevo en pelea y según cierto sector de la crítica, les daría la victoria definitiva.

Blur buscaba una evolución a su sonido tan británico, comenzó en 1996 a grabar en Reikiavik, Islandia. Aquella urgencia tal vez se ve reflejada en esa agitada portada de álbum en la cual se ve borrosamente a una persona siendo trasladada en un hospital, probablemente a emergencias. Así es como el álbum homónimo «Blur» se presentó en sociedad.

El álbum arranca con “Beetlebum”, tema que también fue el primer sencillo de la banda. Un ritmo dulce y somnífero en el cual el riff de guitarra se une a la voz para dirigir el arrullo, mientras el bajo se une segundos después al concierto letárgico. El tema tiene varias interpretaciones entre las que se encuentran las experiencias de Albarn con las drogas duras o tal vez una analogía con el sexo, pero de seguro con polémica hasta en lo audiovisual, pues en el videoclip se censura al cigarrillo que fuma Alex James, probablemente de marihuana. El hecho que la guitarra sea tan protagonista dará una pauta para lo que venía más adelante.

Sigue “Song 2”, que bien podría ser el tema más exitoso comercialmente hablando de la banda en toda su trayectoria. El intento de Blur por llegar al público estadounidense fue un total éxito con estos enérgicos dos minutos en que fuertes guitarras y bajo distorsionados, una poderosa batería y el icónico “woo-hoo” de Albarn dieron forma a una de las canciones insignia de los años 90. Tal fue el suceso de este tema que fue parte de la banda sonora del muy difundido juego de video “Fifa’98 – Road To World Cup”, que constituyó un gran avance en cuanto a este tipo de entretenimiento y base para los juegos electrónicos de fútbol que conocemos hoy en día. Tranquilamente este tema es conocido mayormente por eso.

“Country Sad Ballad Man” nuevamente disminuye la trepidante marcha del disco y le vuelve a dar el protagonismo a Graham Coxon, además de varios arreglos exuberantes que abren la puerta al Blur del futuro y a lo que se iba a venir también con “Gorillaz”. “M.O.R.” es otro tema muy rockero y guitarrero en que la habilidad de Coxon se desata más la dinámica de James. Vale la pena mencionar que en esta canción metieron mano enormes figuras del rock como David Bowie y Brian Eno. Se devuelve el álbum a la fiesta y advertimos esa dinámica calma – desenfreno.

Llegamos a “On Your Own”, tema bastante experimental en el que los secuenciadores, samplers, loops y demás efectos juegan un papel fundamental para crear su lúdica atmósfera, bien pudiendo ser otro anticipo a lo que sería Gorillaz. Nuevamente la guitarra es relevante con riff juguetones y se intercala con la atmósfera de festividad controlada animada por los coros.

“Theme from Retro” es un tema sumamente experimental, de atmósfera etérea y sobrecarga de efectos de delay para recrear ese momento cuasi lisérgico. “You’re So Great” y su guitarra acústica es un momento totalmente diferente, tal vez de guitarreada de amigos junto a una fogata, tema con mucho sentimiento y una confusa interpretación si es inspirada por un amor o por el alcoholismo que en ese tiempo enfrentaba Graham Coxon (sad drunk and poorly sleep in really late).

“Death of a Party” se une al club experimental del disco, donde misteriosos teclados se dejan acompañar por el bajo de James y un tratamiento más escondido y en palm muting de la guitarra. Como el álbum está diseñado en ese esquema letargia – fiesta, llega “Chinese Bombs” para apalear la batería de Dave Rowntree y poner en máximo el volumen y las distorsiones de bajo y guitarra dentro de un minuto y medio de furiosa descarga.

“I’m Just a Killer for Your Love” debe ser el tema más parecido a lo que más tarde sería Gorillaz con la sobrecarga de efectos, ese deje funk y casi coqueteando con el hip hop. Uno tranquilamente puede imaginar a los simpáticos muñequitos caminando. “Look Inside America” tiene un ritmo muy britpop, con el bajo más bien imitando a los álbumes predecesores de la banda, algo paradójico o más bien de búsqueda de encajar en el otro lado del charco desde su muy europea visión.

“Strange News from Another Star” tiene una notable participación con los redoblantes de Rowntree y el perfomance místico de los efectos y opciones de estudio. “Movin’ On” de nuevo es la guitarra la que toma el mando e incluso por ahí suena un poco a lo que hacía “Elastica” y demás bandas del movimiento Britpop a principios de la década, y un buen cierre con “Essex Dogs”, susurros, sobrecarga de efectos y el bajo frenando la marcha a esa sobredosis tecnológica.

En cuanto a reconocimientos, fue número uno indiscutible en las listas británica e irlandesa, si bien en ese rubro no le fue tan bien en Estados Unidos, de todas formas les valió para certificar disco de oro y sobretodo, darse a conocer a dicha audiencia con la legendaria “Song 2”.

Blur con su álbum homónimo demostró una increíble versatilidad, pues a la hora de rockear lo hicieron, a la hora de lanzarse a las aventuras experimentales que la tecnología disponible les generaba también lo hicieron y todo con absoluta brillantez. Damon Albarn demostró ser un magnífico compositor más allá que un notable frontman y Graham Coxon se consagró como un brillante guitarrista. La alternancia del ritmo de James y Rowntree entre lo británico tradicional y las nuevas opciones del álbum fueron un aporte valioso. Siempre será elogiable que Albarn y compañía jamás se han quedado estáticos en una fórmula ganadora.

Blur – EMI – 1997

Beetlebum
Song 2
Country Sad Ballad Man
O.R.
On Your Own
Theme from Retro
You’re So Great
Death of a Party
Chinese Bombs
I’m Just a Killer for Your Love
Look Inside America
Strange News from Another Star
Movin’ On
Essex Dogs

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Achtung Baby! … Renovarse o Morir

noviembre 18, 2016/1 Comentario/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

El inicio de la última década del Siglo XX trajo consigo profundos cambios políticos y culturales. Mientras en Berlín, la caída del muro simbolizaba una nueva era social e ideológica, una de las bandas más exitosas de aquellos tiempos se instalaba en dicha ciudad: los irlandeses U2.

Bono y compañía tuvieron un fantástico cierre de década de los 80. Desde la publicación de “The Joshua Tree” todo les iba saliendo espectacularmente bien, con millones de discos vendidos, estadios a reventar en sus presentaciones, premios varios, el reconocimiento de la crítica que les era esquivo a inicios de su carrera y la sensación de ser tal vez la banda más influyente de aquellos días. Sin embargo, lejos de estancarse en una fórmula ganadora, U2 replanteó radicalmente su sonido. Tal vez olían el profundo cambio que vendría y la historia les daría la razón, puesto que a prácticamente todas las bandas exitosas de los 80 les costó muchísimo el cambio de década y de gustos en las preferencias de los jóvenes y el mundo.

A partir de octubre de 1990, cuando se reunificó Alemania, U2 se “acuarteló” en los estudios Hansa en busca de aquel nuevo sonido que golpee la década emergente. La idea era navegar a través de los sonidos de la nueva Europa y dejar atrás el romance con América que les dio tanta fama y fortuna, sin embargo, el experimento estuvo cargado de tensión, los 4 integrantes no parecían caminar en un mismo sendero, las ideas eran dispersas y disímiles, parecía cercano el final del grupo, mas los ensayos arrojaron la canción que los salvó: “One”.

La hoy por hoy famosísima balada partió a través de un jam extendido de lo que sería otro de sus grandes éxitos: “Mysterious Ways”. Dejó a la banda conforme y lista para los pasos finales en el habitual “Windmill Lane” de Dublín. “One” habla de amor, pero no precisamente de una forma idílica y acaramelada. Habla que al mismo hay que cultivarlo día a día, cuidarlo como a una delicada planta y que al menor descuido, puede marchitarse, es más bien sobrevivir al amor, dentro de una melodía que es más bien desgarradora y cargada de cierta crudeza.

Hubo fans que a su tiempo dijeron que Achtung Baby tenía “demasiadas canciones de amor”. En este combo podemos incluir a temas como “So Cruel” en el que los desencuentros de pareja se exponen (the man who loves you, you hate the most). “Ultraviolet (Light My Way)” habla de celos e infidelidad (sometimes I fell like I don’t know, sometimes I feel like checking out, I wanna get it wrong, can’t always be strong, and love it won’t be long). “Love Is Blindness” tiene un motivo de intrigas que tal vez no sean tan buena idea aclararlas en una relación de pareja. “Tryin’ To Throw Your Arms Around The World” es más bien la calma para tanta turbulencia. Es un disco más bien de decepción y resignación, más que de su aparente colorido.

“Achtung Baby” tuvo estéticamente un giro radical para U2. De pasar a ser la banda circunspecta que solo se sacaba fotos a blanco y negro, pasaron a ser todo sonrisa y variedad de tonalidades de la mano de su habitual fotógrafo, el holandés Anton Corbijn. Un collage multicolor como portada del álbum alarmó a más de un fan y cuya angustia pudo haber crecido al poner play. “Zoo Station”. Arranca con una guitarra saturada de efectos y no faltó quien piense que el disco venía defectuoso, pero era la alerta con la que U2 talaba a su pasado, al Joshua Tree tal vez. I’m ready for what’s next…

U2 en los años 90 era una banda que disponía del dinero y los recursos para hacer de su sonido una revolución sonora de la cual el guitarrista “The Edge” es el cabecilla con la sobredosis de efectos en temas como “Zoo Station”, “Acrobat” o el primer sencillo del disco: “The Fly”. Aquel tema que hace una cínica burla de lo que es el mega estrellato. “The Fly” sería la carta de presentación del nuevo U2 al mundo y a la vez, uno de los tantos alter-egos que Bono utilizaría en la gira promocional del disco.

El siguiente corte promocional fue “Mysterious Ways”, uno de los emblemáticos temas de la banda, de orden místico, respaldado por los miles de efectos de la guitarra de Edge, el ultra funk bajo de Adam Clayton y la oportuna percusión de Larry Mullen forman una sensacional combinación en el que la sensualidad y espiritualidad van de la mano. El videoclip dirigido por Stephane Sednaoui no pudo ser más acertado al darle ese movimiento propio del uso de espejos convexos. Totalmente atrapante.

“Even Better Than The Real Thing” inicia al oyente a la experiencia mediática por venir a partir de los años 90 y que creció y se consolidó en el Siglo XXI, aquella sobredosis de imagen e información que lo utilizarían como parte de su concepto artístico más adelante, que en aquellos momentos era motivo de fascinación y que ahora es diario vivir, objeto de debate y a la vez, de preocupación.

También fueron tomados en cuenta como sencillos los temas “Until The End Of The World”, que también conjuga espiritualidad y sensualidad y “Who’s Gonna Ride Your Wild Horses”, una compleja balada difícil de ser interpretada en vivo. En ambos temas, es evidente el sesudo trabajo de producción de Flood, Brian Eno y Daniel Lanois. ¿Por qué este disco se llamó así? Se podría decir que es una fusión entre su experiencia alemana (Achtung) y el hecho que en las letras del disco se encuentra la palabra “baby” varias veces, algo que los U2 en los inicios de su carrera habían jurado que jamás incluirían. La vida da vueltas.

“Achtung Baby” fue un álbum muy exitoso en cuanto a números. Se estima que hasta la fecha ha vendido 18 millones de copias, fue número uno en la lista “Billboard 200” en la primera semana de diciembre, ganó un Grammy por mejor presentación de rock por un grupo o dúo y su gira promocional, el “Zoo TV Tour” tuvo ingresos millonarios. Los críticos lo ubican junto a “The Joshua Tree” como las obras maestras de la banda. El disco es un referente de los años 90, uno de los fundamentales de la década.

Achtung Baby – Island / Polygram – 1991

Zoo Station
Even Better Than The Real Thing
One
Until The End Of The World
Who’s Gonna Ride Your Wild Horses?
So Cruel
The Fly
Mysterious Ways
Tryin’ To Throw Your Arms Around The World
Ultraviolet (Light My Way)
Acrobat
Love Is Blindness

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Equipos Memorables: A C Milan 1989 – 1990

octubre 22, 2016/0 Comentarios/en Fútbol, Fútbol Internacional/por Edison Guapaz Zambrano

Eran los tiempos en el que los la Liga Italiana era la cumbre del fútbol mundial: el Napoli de Maradona y Carnevale, la Sampdoria de Vialli y Mancini, la Roma de Völler y Giannini, la Juventus con un sorprendente Schillaci, el “Inter de los alemanes” y el “Milan de los holandeses”, entre otros.

En 1989, “i rossoneri” completó el afamado tridente naranja con la incorporación del volante Frank Rijkaard a sus filas. Previamente, desde 1987, había llevado a Ruud Gullit y Marco Van Basten a una pléyade de estrellas italianas que marcarían una época en el fútbol europeo y mundial, a pesar que en la liga local no precisamente culminaron con el mayor de los éxitos.

El A. C. Milan atravesó por tiempos difíciles durante los años 80 que incluyeron un descenso, pero en 1986, el magnate de las comunicaciones, Silvio Berlusconi, se hizo cargo de las golpeadas finanzas del club y le cambió notablemente la cara. Con la llegada en 1987 de Roberto Donadoni, Daniele Massaro, el portero Giovanni Galli, entre otros, sumado a la experiencia en la defensa de Franco Baresi y la juventud de Paolo Maldini, irían formando un equipo altamente competitivo al que el toque de fantasía le darían los holandeses.

El Milan fue campeón de la liga italiana en 1988 ya contando con un poderoso plantel base de las selecciones italiana y holandesa, pero ese sería solo el comienzo de una saga exitosa. La Copa de Campeones de Europa (lo que hoy conocemos como Champions League) para el equipo milanés tuvo algunos sustos y varios puntos altos en la temporada 1988 – 1989. En primera ronda eliminó al Vitosha (hoy Levski Sofía) con relativa facilidad, para en segunda fase tener una difícil llave ante el en ese entonces poderoso Estrella Roja de Belgrado. Un empate en Milán y otro en la ex Yugoslavia cuando previamente se suspendió el juego por neblina. Los penales darían el triunfo a los pupilos de Arrigo Sacchi, quien también arribó al club lombardo desde el 87.

1989 era frustrante por un lado, pues la poderosa escuadra rossonera no podía revalidar su título de liga, relegado al tercer lugar, mientras se alzaban con el scudetto sus rivales de patio: el Internazionale de Matthäus, Brehme y Klinsmann. Por otra parte, en la Copa de Campeones enfrentó en cuartos de final al Werder Bremen al que superó en una apretada llave 1-0 de local y 0-0 de visita en la que un penal de Van Basten hizo la diferencia.

Las semifinales prometían fuego cruzado. Al Milan le precedía la fama de sus astros neerlandeses que habían sido campeones continentales con su selección, pero del otro lado estaba el Real Madrid de la “quinta del buitre”. Butragueño, Míchel, Hugo Sánchez, Bernd Schuster y otros, constituían un rival intimidante, al que la escuadra lombarda le arrancó un empate 1-1 en el Santiago Bernabeu, mientras que en San Siro los chicos de Sacchi darían un brutal espectáculo, goleando 5-0 a los merengues con goles de Ancelotti, Rijkaard, Gullit, Van Basten y Donadoni.

En la final celebrada en el Camp Nou de Barcelona, el Milan se midió al Steaua de Bucarest. Para las jóvenes generaciones resultará extraño ver a un equipo rumano en dichas instancias, pero este formidable cuadro contaba con lo mejor de su país y hay que recordar que ya había sido campeón europeo en 1986. Nombres como Gheorghe Hagi, Marius Lacatus, Gavril Balint, Victor Piturca, Dan Petrescu y más, seguirían dando que hablar en años posteriores con su selección, sin embargo fueron arrollados por la avasalladora presión y precisión milanista. 4-0 el triunfo para el título de la escuadra italiana con 2 goles de Gullit y otros 2 de Van Basten.

La clásica alineación del Milan en estos tiempos era en portería con Giovanni Galli, una firme, inexpugnable y a la vez elegante muralla defensiva compuesta por Mauro Tassotti, Franco Baresi, Alessandro Costacurta y Paolo Maldini. Un dinámico y preciso mediocampo con Angelo Colombo, Frank Rijkaard, Carlo Ancelotti y Roberto Donadoni, para dejar en el ataque a la potencia de Ruud Gullit y a la magia de Marco Van Basten. Así se alzaron con el título europeo de 1989. También ganaría la Copa Intercontinental de dicho año en un cerradísimo duelo ante el Nacional de Medellín que se decidió en el minuto 119 con un gol de tiro libre de Alberigo Evani. También venció en la SuperCopa al FC Barcelona.

En 1990 la suerte volvió a ser esquiva en el torneo local. Mientras i rossoneri veían como el título se iba para Nápoles, armaban una nueva campaña para defender el título europeo. En las primeras fases superó fácilmente al HJK Helsinki y nuevamente dio cuenta del Real Madrid. En cuartos de final tuvo más de un problema para imponerse al Mechelen belga, en ambos juegos no hubo goles hasta el fin del tiempo reglamentario. En los suplementarios, la escuadra milanesa se impuso con tantos de Van Basten y Marco Simone.

Una dura semifinal se le presento a los de rojo y negro teniendo como rival al Bayern München de Olaf Thon, Jürgen Kohler, Stefan Reuter y Klaus Augenthaler. En casa fue un apretado 1-0 con gol de penal de Van Basten, mientras que en tierras alemanas el marcador fue favorable al local al término de los 90 minutos por 1-0. Nuevamente se instaló el drama de los tiempos suplementarios, en los que llegó de la banca el gol salvador para la escuadra lombarda, obra de Stefano Borgonovo, el cual haría inútil al tanto de McInally para los bávaros. Los milanistas volvían a la final europea.

El último juego de la temporada europea fue disputado en Viena ante el Benfica de los brasileños Ricardo Gomes, Aldair y Valdo. Con solitario tanto de Rijkaard previa combinación de Costacurta y Van Basten lograron una nueva corona europea, era la cuarta de su palmarés. Más tarde, en ese mismo año, lograrían la Supercopa europea al superar a la Sampdoria, mientras que en la Copa Intercontinental se impuso fácilmente 3-0 al Olimpia de Paraguay.

Durante esta prodigiosa etapa, el Milan consiguió 6 títulos internacionales. En la temporada 1990 – 1991 se cortó esta brillante racha al caer eliminado en segunda ronda ante el Olympique marsellés de Papin, Cantona y Stojkovic. De todas maneras, el aliento de esta brillante generación le alcanzó para otro título europeo en 1994, a esas alturas destacaban Christian Panucci, Demetrio Albertini, Daniele Massaro, Zvonimir Boban, Dejan Savicevic, entre otros.

La generación que vivió el último gran giro político y estético de la historia humana a finales de los 80 e inicios de los 90, sin duda se crió en el gusto por el fútbol tomando a esta fabulosa escuadra como uno de sus máximos referentes, tal vez el mayor. Quizás uno de los mejores equipos de todos los tiempos.

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol

Use Your Illusion: La Ópera Hard-Rock

septiembre 16, 2016/0 Comentarios/en Clásicos, Música/por Edison Guapaz Zambrano

Este 17 de septiembre se cumplen 25 años desde que salieron al público los discos “Use Your Illusion” de la banda norteamericana Guns N’ Roses. La apuesta por editar discos dobles fue arriesgada, sin embargo, tremendamente exitosa en lo artístico y comercial. Los Guns seguían siendo esos furiosos sujetos de las calles de Los Ángeles, pero esta vez tenían mucho más que decir en la avalancha de sensaciones que transmiten estos álbumes.

Las famosas portadas de los Illusion fueron diseñadas por el artista Mark Kostabi, quien tomó una escena del famoso cuadro de Rafael, “La Escuela de Atenas” y les superpuso colores cálidos para el Volumen 1 (qué es más rockero) y colores fríos para el Volumen 2 (que de pronto tiene temas más lentos). El incluir ese toque clásico a la imagen de GNR era sin duda novedoso para un público acostumbrado a verlos con cruces, esqueletos y demás símbolos de aparente rudeza y calle. Hacía advertir que el producto musical también era bastante más sofisticado.

Los Illusion fueron la tercera publicación en estudio de Guns N’ Roses. Durante aquellos días, la alineación de la banda había sufrido algunas modificaciones con la salida de Steven Adler y la incorporación de Matt Sorum a la batería, también sumándose Dizzy Reed para teclados, percusión y demás requerimientos en vivo. Así mismo, el guitarrista rítimico Izzy Stradlin formó parte de la composición de las placas, pero se retiró de la banda poco después que estas se publicaron. En la gira de promoción, su reemplazante sería Gilby Clarke.

La banda encontró en Sorum un baterista con mayores variantes a la hora de llevar el ritmo de la banda que estaba buscando nuevos horizontes componiendo en piano y extendiendo algunos temas que llegaron a durar 8, 9 y 10 minutos como November Rain, Estranged y Coma. Algo poco común y difícil de trabajar comercialmente dado los saturados espacios de radio y más aún de televisión si lo que se buscaba era difusión, la cual de todas formas fue pomposa, pues a esas alturas lo que menos le faltaba a los Guns era dinero.

Guns N’ Roses buscó adentrarse a las raíces del Rock and Roll con varios temas con un notable toque country y blues como: “Dust N’ Bones”, “You Ain’t The First”, “Bad Obsession”, “Dead Horse” o “Breakdown”. También incursionó en ritmos de otras latitudes con ese solo en estilo flamenco de “Double Talkin’ Jive” o las cítaras asiáticas del inicio de “Pretty Tied Up”. Incluyó covers de leyendas como “Live and Let Die” (Paul Mc Cartney & Wings) o «Knockin’ On Heaven’s Door” (Bob Dylan). También tuvieron invitados de lujo como Alice Cooper, quien canto algunas estrofas en “The Garden”.

Como se dijo anteriormente, la promoción de estos discos fue multimillonaria y espectacular. Inició algunos meses antes del lanzamiento del álbum con la inclusión de “You Could Be Mine” en la banda sonora de la película “Terminator 2: Judgment Day”. Su videoclip incluye insertos de la mencionada película que fue un gran suceso de taquilla de los años 90 y a la vez, el tema se convertiría en uno de los clásicos de la banda, con la habitual agresividad de las guitarras de Slash y Stradlin, más el punzante bajo de Duff.

Los Illusion contienen varias de las “Power Ballads” más importantes de la banda y tal vez, de la historia del rock and roll. La trilogía “Don’t Cry”, “November Rain” y “Estranged”, son obras maestras en la que los violentos cambios de sensaciones y emociones, marcados por los tiempos, el volumen e inclusión de los instrumentos pueden llegar a desbordar a quien las escucha. November Rain y Estranged son temas ensamblados de varios segmentos, muy al estilo de las composiciones clásicas – académicas. La oportuna intervención de los solos de Slash en cada uno de los mismos aporta más con la sensación desgarradora de estas canciones que hablan de amor, desamor y sobretodo desengaño. Recordemos que Don’t Cry está basado en los tormentosos últimos días de la relación de Axl Rose con Erin Everly a quien había dedicado Sweet Child Of Mine años atrás.

Dicha trilogía fue promocionada con tres espectaculares videoclips inspirados narrativamente en el cuento “Without You” de Del James. Inicia la misma con “Don’t Cry”. Una conflictiva historia de amor y la insinuación de misticismo y tiempo circular, con vida, muerte, renacimiento y escenas de lo que puede sugerirse como “vidas pasadas”. También disimuladamente buscan a Izzy, quien tenía poco tiempo de haber abandonado la banda tras la publicación de este clip. Una “power ballad” por excelencia.

Sigue “November Rain”, con la trágica historia de una boda que termina en funeral. La producción fue escandalosamente costosa con más de un millón de dólares que incluyeron entre otras cosas fastuosas: la construcción de la capilla del matrimonio o el vestido de bodas de diseñador que usó Stephanie Seymour, quien para ese entonces (1992) era novia de Axl Rose y a su vez, afamada modelo. Todo eso matizado con una impresionante presentación en vivo que incluye músicos académicos. Himno indiscutible de los Guns.

Finalmente con “Estranged” se cierra este ciclo explicando aquella sensación que incluso en el videoclip se describe con definición de diccionario: cuando hay mutua enemistad o indiferencia donde alguna vez hubo amor, afecto o amistad… con la consecuencia obvia de la separación. Un poderoso tema de más de 9 minutos que brindan intensas emociones y a pesar de su duración, es imposible pensar que pueda aburrir.

Como se había dicho anteriormente, los Illusion parecieran tener una diferencia entre un álbum más agresivo y otro más lento, aunque los miembros de la banda aseveran que esa no era la intención. El “Illusion I” inicia con un lúgubre riff de bajo tal como Duff McKagan y su técnica con púa pueden lograrlo en “Right Next Door’s To Hell”, tema dedicado a una conflictiva vecina. Temas muy rockeros como “Back Off Bitch”, “Double Talkin’ Jive” o “Garden Of Eden” hacen sacudir la cabeza, mientras que el final del disco con “Coma” tiene una magnífica conducción hacia la angustia nuevamente dirigida por el bajo de McKagan y apoyado incluso con un desfibrilador.

En el “Illusion II”, un inicio brillante nos adentra a una experiencia “opera rock” con la espectacular “Civil War”, que con un inicio lento y acelerando progresivamente, inyecta más de 7 minutos de adrenalina progresiva. Temas como “Yesterdays” exponen las mejores épocas de la voz de Axl Rose quien con poderosas exclamaciones señala que el ayer no tiene nada para él. Otro buen y sentido tema lento es “So Fine”, mientras que Locomotive son otros 7 minutos lentos pero intensos. El disco finaliza con la desconcertante “My World”, un pesudo rap que con gemidos y sampleos cierra los discos dejando muchas incógnitas en menos de 2 minutos.

En cuanto a logros artísticos y comerciales, ambos discos certificaron 7 discos de platino, habiéndose vendido más de medio millón tras solo 2 horas de haber salido al mercado. Claro, hay que decir que la “campaña expectativa” del disco fue enorme. “Illusion II” fue número uno, acompañado de “Illusion I” de la lista de “Billboard 200” de los Estados Unidos en las 2 primeras semanas de octubre, ambos discos llegaron a estar en el número uno de las listas de países como: Gran Bretaña, Australia, Nueva Zelandia y Canadá. Su tumultuosa gira promocional, “Use Your Illusion Tour”, tomó 2 años en dar la vuelta a Norte, Sudamérica, Europa, Asia y Oceanía entre 1991 y 1993, donde remataría en Argentina. Ahí ocurrió el último show con mayoría de miembros originales de Guns N’ Roses hasta su reciente reunión en 2016.

Los Guns N’ Roses con los discos “Use Your Illusion” llegaron a ser uno de los más importantes, sino el más importante acto de rock and roll de inicios de los noventa y estaban llamados a ser leyenda. Tal vez sí lo sean, pero los conflictos alrededor del grupo acabaron pronto una formación que tendría muchos híbridos en los años posteriores y que no trascendió en la música como tal vez se esperaba con los miembros originales. La madurez en composición y ejecución que alcanzaron con estas placas regalaron piezas clásicas e inolvidables a la historia del género.

Use Your Illusion I – Geffen Records – 1991

Right Next Door To Hell	2:58
Dust N’ Bones	4:55
Live And Let Die	2:59
Don’t Cry (Original)	4:42
Perfect Crime	2:22
You Ain’t The First	2:32
Bad Obsession	5:26
Back Off Bitch	5:01
Double Talkin’ Jive	3:19
November Rain	8:53
The Garden	5:17
Garden Of Eden	2:36
Don’t Damn Me	5:15
Bad Apples	4:25
Dead Horse	4:17
Coma	10:08

Use Your Illusion II – Geffen Records – 1991

Civil War	7:36
14 Years	4:17
Yesterdays	3:13
Knockin’ On Heaven’s Door	5:36
Get In The Ring	5:29
Shotgun Blues	3:23
Breakdown	6:58
Pretty Tied Up	4:46
Locomotive (Complicity)	8:42
So Fine	4:09
Estranged	9:20
You Could Be Mine	5:48
Don’t Cry (Alt. Lyrics)	4:42
My World	1:22

Edison Guapaz Zambrano

Guitarras y gol