Entradas

joshua treee front

The Joshua Tree: La Conquista del Mundo

En marzo de 1987 se publicó uno de los discos más importantes de la música popular de los años 80, el cual consagró comercial y mediáticamente a unos irlandeses que escalaban con pasos cortos pero seguros en el “peligroso” mundo del Rock and Roll.

La inspiración para la composición de “The Joshua Tree” llegó por algunos caminos. La gira “Conspiracy of Hope” que reunió a varios artistas famosos en 1986 para respaldar la labor de Amnistía Internacional consolidó la fascinación de la banda por América (Estados Unidos), la cual desde muy jóvenes venían visitando presentándose en audiencias que fueron creciendo con el paso del tiempo. El viaje de Bono y su esposa Ali a Etiopía durante su tristemente recordad hambruna le dio muchos temas para contar, al igual que su visita a Centroamérica en los difíciles años de las guerras civiles. El amor, la guerra, tópicos que han abordado siempre a lo largo de su carrera.

Esos pueblos remotos, donde las calles no tienen nombre, inspiraron el tema inicial del disco. “Where The Streets Have No Name” tiene la dificultad de ser una canción que necesita cambiar de compás al andar marcado por la punzante guitarra de The Edge, quien domina con maestría el uso del delay y actúa cual acelerador para llevar al oyente hacia un viaje musical inolvidable. Lo acompaña el persistente bajo y una estentórea batería difícil de descifrar.  “Streets” emociona con su vertiginoso ritmo, “música cinemática” que la banda llamó. Siempre hablando de las dificultades del amor y el transitar del mismo por parajes desolados e intentar superar la sensación de oxidación. Still building then burning down love…

Se viene el góspel y otra de las inspiraciones americanas para U2 con “I Still Haven’t Found What I’m Looking For”, descrita por el baterista Larry Mullen como “un himno de duda más que de fe”. Siempre se habló de la cierta intención religiosa en la música de U2 y este tema aparentemente sencillo, con una guitarra muy fácil de seguir con la siempre presente gama de notas agudas de Edge y un nuevo despliegue fantástico de la batería, Bono llegando con su voz a garganta abierta hacia notas inhumanas y un alma propia de las misas celebradas por afro descendientes en los Estados Unidos. Habla de esa eterna búsqueda del ser humano, un deseo permanente de reinvención y cierta fe en que podrá el mañana ser mejor. I believe in the Kingdom Come…

La siguiente parada de este viaje musical es la balada clásica, tal vez el tema más conocido de U2: “With Or Without You”. Acá la magia la hace Adam Clayton y el bajo con 4 solemnes notas que impulsa a la voz de Bono a dar lo mejor de sí, mientras Edge le da ambiente al usar un E-Bow con su guitarra. Un tema también dedicado a los problemas del amor y las dificultades que se presentan en la convivencia en pareja. Ese “I can’t live … With Or Without You” un poco característico de las relaciones que ya han durado su tiempo puede ser identificado y reivindicado por cualquiera. Un tema más de pesadumbre y reflexión más que de romance.

“Bullet The Blue Sky” recrea un ambiente de campo de batalla al ritmo de una batería marcial, un bajo lacerante entre notas profundas y slaps y una guitarra algo “zeppelinesca”. Inspirada en las vivencias de los bombardeos y las guerras civiles en Nicaragua y El Salvador, la angustia presa en la canción es permanente y la esperanza de llegar a un lugar mejor

Across the field you see the sky ripped open
See the rain through a gaping wound
Pounding on the women and children
Who run
Into the arms
Of America

“Running to Stand Still” es una amarga balada que narra los pesares y peligros de la adicción a las drogas entre rasgados lastimeros de guitarras acústicas, en tanto que “Red Hill Mining Town” da vueltas como una sinfonía desgarradora inconclusa forzando a Bono a las mayores exigencias de su voz tal vez en toda su carrera. Lo cual ha hecho que este tema sea difícil de interpretarlo en vivo.

La fascinación por América y la evocación de un paisaje. La inmensidad del desierto del oeste estadounidense es la imagen que U2 reproduce en el arte visual del disco. Ahí justamente está localizado el Parque Nacional “Joshua Tree”, bautizado así por los únicos cactus característicos de la zona y que llevan aquel nombre, además de tener alguna alusión bíblica (el profeta Josué). Bajo el cielo del desierto se dibuja con música el paisaje de “In God’s Country”, un frenético y cinemático tema que traslada con su trepidante guitarra hacia esas tierras inmensas, hermosas y desoladas. Habla justamente del sueño americano. Every day the dreamers die, To see what on the other side…

tjt

El tema Americano prevalece en “Trip Through Your Wires”, en el que una armónica y el evidente ritmo de blues homenajean al gran país del norte y anticipan lo que vendría más adelante con “Rattle and Hum”. A continuación, sigue “One Tree Hill”, un homenaje a uno de sus “roadies”, Greg Carroll, quien murió en un accidente en 1986. Al haber sido él de origen neozelandés, los instrumentos musicales típicos del Pacífico Sur por momentos se toman esta sentida canción. I’ll see you again when the stars fall from the sky…

“Exit” es un tema cargado de angustia en el que se siente la devastación de la guerra a través de un “in crescendo” y una atmósfera creada llena de pesadumbre. Los últimos temas del “Joshua Tree” muestran más bien un lado pesimista y acongojado. Finaliza el álbum con “Mothers Of The Disappeared”, cuyo título habla por sí solo y trata sobre madres que perdieron a sus hijos de diversas formas violentas, suele ser entonado por ejemplo, cuando la banda da su vuelta por Chile o Argentina, países que sufrieron aquella tragedia en las dictaduras de los 70.

“The Joshua Tree” significó para U2 la llegada al Olimpo del Rock And Roll y los convirtió en súper estrellas. Tocaron para audiencias mucho más grandes a las acostumbradas y en cada sitio al que llegaron los boletos para su espectáculo se agotaban rápidamente. El álbum tuvo mucho reconocimiento de la crítica especializada, siendo muchas veces reconocido como el “álbum del año”, honor ratificado con el Premio Grammy a dicha categoría. “The Joshua Tree” llegó a ser número uno en el chart de Billboard durante cerca de 2 meses en 1987, los sencillos “With Or Without You”, “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” y “Where The Streets Have No Name” alcanzaron el número uno en las listas de varios países. Las ventas hasta la actualidad de “The Joshua Tree” superan las 20 millones de copias.

Actualmente U2 ha planeado una gira entre Estados Unidos y Europa para celebrar el trigésimo aniversario de este, el disco que los puso en la cima del mundo.

The Joshua Tree – Island – 1987

d273014312394218a701d4071534089a

  • Where The Streets Have No Name
  • I Still Haven’t Found What I’m Looking For
  • With Or Without You
  • Bullet The Blue Sky
  • Running To Stand Still
  • Red Hill Mining Town
  • In God’s Country
  • Trip Through Your Wires
  • One Tree Hill
  • Exit
  • Mothers Of The Disappeared
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
stranger things

El Fenómeno Stranger Things

Stranger Things fue tal vez uno de los más importantes fenómenos en cuanto a producción mediática, no sería tan preciso decirlo de “T.V.”, pues fue transmitida por la plataforma “Netflix” a la que se puede acceder a través de Internet. Se pueden atribuir varios factores a su éxito e intentaremos descubrirlos.

Uno de los principales elementos en esta serie es el contexto retro en el que se desenvuelve, pues la trama está toda dentro de los años 80, lo que paradójicamente va muy de la mano con las tendencias actuales en las que la fascinación por los elementos de la cultura popular del siglo XX está a la orden del día. La nostalgia de ver teléfonos de disco, cintas de audio, antiguos modelos de autos, bicicletas o vestimentas pudo haber hecho suspirar a más de uno. Aquel ambiente en el que la tecnología tenía su presencia más no el protagonismo del presente pudo también darle mayor hilo a una trama que con los dispositivos actuales pudieron haberse resuelto más rápidamente. La música ochentera (The Clash, Foreigner, Modern English, The Bangles) también contribuye a dicho ambiente nostálgico. En sí, en Stranger Things se encuentra una especie de tributo a serie como “Twilight Zone” o películas como E.T.

Stranger Things ofreció una mezcla de intriga y misterio muy especial en la que las conspiraciones y lo paranormal se mezclan para mantener la atención del espectador ya que ambas son motivo de fascinación. Hablar de secretos del gobierno norteamericano y planes de acceso restringido es la motivación de varias producciones en el país del norte, a veces bien documentadas y en otras con rienda suelta a la fantasía en la que más se desenvuelve el segundo punto, pues los fenómenos paranormales suelen ser muy exitosos en las producciones mediáticas de cualquier latitud. Ambas características se juntan para crear el villlano de la serie, el monstruo responsable de las desapariciones en aquel pueblo pequeño del estado de Indiana. Así mismo las conspiraciones y lo paranormal se juntan para crear a la enigmática Eleven, aquella niña con poderes telekinéticos que con pocos diálogos y mucha actitud conquistó los corazones de los espectadores.

La serie también trató temas que tímidamente se abordaban desde los 80 y fueron tomando mayor fuerza con los años. Uno es las familias disfuncionales, protagonistas a partir de los 90 en las series de televisión y producciones afines. En Stranger Things podríamos decir que la “familia protagonista”, la del niño Will Byers, por cuya desaparición se desarrolla la serie, tenía a una madre divorciada como cabeza de familia, aunque también se ve familias típicas como los Wheeler. También se trata el tema del “bullying”, pues lo sufren los chicos que protagonizan la serie, quienes tienen características estereotipadas de “chicos raros”, quienes normalmente son vulnerables a este tipo de prácticas de las que juntos salen relativamente bien librados hasta que quedan en defensa de Eleven, quien con sus poderes se vuelve la heroína y pone en su lugar a los bullies. Problemas varios por los que pasan los niños y adolescentes y su complicado mundo de relaciones sociales fueron también una buena salida dentro del universo de misterio y conspiración.

Destacar que en Stranger Things fueron los niños quienes protagonizaron brillantemente la serie llevándose Millie Bobby Brown la mayor cantidad de aplausos en su papel como Eleven. También fue importante contar con una actriz reconocida como Wynona Rider, en su papel de la atormentada madre del desaparecido Will Byers. La serie pareciera cerrada, pero su éxito dio paso a una segunda temporada de la que se espera con ansiedad su estreno a mediados de este año.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
larry vs magic

Grandes Rivalidades: Larry Bird vs Magic Johnson

Un choque de estilos que enfrentaba a ambas orillas de la unión americana y que gracias al despegue de las telecomunicaciones, era el estelar de una afición que empezaba a despertar alrededor del mundo.

En 1979 un par de jóvenes prometedores llegaban del baloncesto universitario estadounidense  a la NBA. Las 2 franquicias más ganadoras de la liga: los Celtics de Boston y los Lakers de Los Ángeles enrolaron respectivamente a unos tales Earvin Johnson y Larry Bird, quienes serían los referentes del torneo y el deporte del baloncesto en general en la década venidera, renovando así mismo una histórica rivalidad que ciertamente ya no ha podido tener los picos de efervescencia de aquellos años. Bird y Johnson ya habían consolidado una contienda en la final del NCAA 1979 en la que los Spartans de Michigan, donde jugaba “Magic”, superaron a los Sycamores de Indiana en los que jugaba Larry.

Si hablamos de la rivalidad Celtics – Lakers, la misma tiene incluso contextos sociales y políticos. A los de Boston se les catalogó usualmente como “el baloncesto de los blancos”, siendo varias de sus figuras históricas de origen caucásico. Mientras que los Lakers representaban simbólicamente a la comunidad afro descendiente que de hecho ha tenido enorme influencia en el baloncesto de los Estados Unidos. Este contra Oeste, tradición contra espectáculo. La mesa estaba servida y haría falta poner a los protagonistas ideales.

celtics

Larry Bird en su carrera universitaria había promediado 30 puntos por juego, Magic había sido campeón universitario y número uno en el draft. Johnson se juntó en los Lakers con su ídolo, el legendario Kareem Abdul-Jabbar, así alcanzan el título de 1980 ante los Sixers de Filadelfia quienes en la final de conferencia se habían impuesto a Boston. El cuadro de casaca verde en ese año eligió en el draft a Kevin McHale y Robert Parish, quienes junto a Bird conformarían la fabulosa columna vertebral de los Celtics en los 80 y dando resultado inmediato, pues en 1981 fueron los campeones imponiéndose en la final a los Houston Rockets.

En 1982 los Lakers contrataron al afamado entrenador Pat Riley y llegó la era del “showtime” con un Earvin Johnson veloz e impredecible, verdaderamente mágico, apoyado en el no menos espectacular Kareem Abdul-Jabbar, además de Michael Cooper, entre otros. Nuevamente derrotaron en las finales a los Sixers, quienes aún contaban con el fabuloso “Dr. J”, Julius Erving. De nuevo, los de Filadelfia habían derrotado en la final de conferencia a Bird y compañía, quienes habían tenido la mejor campaña de temporada regular con 63 victorias y 19 derrotas.

1983 no fue el mejor año para los chicos de Boston, pues una regular campaña los dejó en el camino en la primera ronda de los playoffs, en tanto que los Lakers, quienes se llevaron del draft a James Worthy, no pudieron contra unos inspirados Sixers que habían sumado a Moses Malone y más la experiencia de “Dr. J” y arrasaron 4-0 en las finales a los de Los Ángeles. 1984 sería otra historia con los Lakers y los Celtics ganando en sus respectivas conferencias en la temporada regular.

lakers

Los Ángeles y Boston fueron superando fases para encontrarse en la gran final conocida como “Showdown ‘84”. Habían pasado 5 años para que se enfrenten por el campeonato Magic Johnson y Larry Bird. En el primer juego disputado en Boston triunfaron los Lakers con gran jornada de Abdul-Jabbar (32 puntos y 8 rebotes), mientras que en el 2, los Celtics reaccionaron y ganaron en la prórroga. La final se trasladó a Los Ángeles y en el juego 3 fue paliza para los Lakers ganando con más de 30 puntos, pero en el 4 los Celtics se impusieron en otro dramático tiempo extra. Boston pasaba por una ola de calor e influiría en los juegos a celebrarse en el legendario “Boston Garden”. Juego 5 y gran triunfo 121 – 103 de los Celtics con una maravillosa actuación de Bird: 34 puntos y 17 rebotes. El sexto fue triunfo de los Lakers en su mítico “Forum” de Inglewood, mas el juego final, con una destacada actuación de Cedric Maxwell sería de Boston. Esta fue la revancha de Bird sobre Johnson de la recordada final universitaria y el mundo vería más.

En 1985 los Celtics y los Lakers se pasearon en la temporada regular y sus respectivas conferencias para volver a enfrentarse en la final. Un 148 – 114 de Boston como local hacía presagiar otro título, pero los Lakers dieron vuelta a esa historia ganando los 2 siguientes juegos como visitantes y locales teniendo como líderes de puntuación a Abdul-Jabbar y Worthy, mientras que Magic era el número uno en asistencias. En el cuarto juego en el Forum hubo una apretada victoria de Boston destacando a Kevin McHale, sin embargo, en los juegos 5 y 6 se encendieron todos los motores del “showtime” con Kareem Abdul Jabbar inmisericorde frente a la canasta y Magic Johnson de gran asistidor. Los Lakers celebraron su título en el mismísimo Boston Garden cobrándose la revancha.

La rivalidad persistiría y en 1986 de nuevo lideraron Celtics y Lakers las respectivas conferencias, mas cuando el mundo entero se esperaba una nueva final entre estos súper equipos, los Lakers en la final de conferencia cayeron ante los Rockets del “rey africano” Hakeem Olajuwon y fue Houston el cuadro que jugó ante los Celtics quienes con brillante actuación de su triada: Bird – McHale y Parish se proclamaron campeones y no volverían a serlo sino hasta 22 años después.

1987 sería el último año en que se enfrentarían estos colosos. Mientras lo Lakers se pasearon en los playoffs de su conferencia perdiendo solo un partido, Boston llegó a la final de la NBA tras una dramática final de conferencia ante Detroit. Los Lakers triunfaron en los primeros 2 juegos en el Forum con Magic liderando las asistencias, Boston recuperó terreno de local en el tercer juego con Larry Bird liderando puntaje y rebotes, pero en el juego 4, también en el Boston Garden, los Lakers triunfaron 107 – 106 con un agónico y espectacular gancho de Magic que pasó por en medio de McHale y Parish.

Los Celtics ganaron el quinto juego, pero el título fue para los Lakers que ganaron el séptimo con 32 puntos de Kareem Abdul-Jabbar. A partir de ahí, la rivalidad entraría en declive, pues emergieron los “bad boys” de Detroit comandados por Isaiah Thomas para tomar el puesto de los Celtics como rivales de los Lakers, perdiendo la final de 1988 y proclamándose campeones en 1989 y 1990. El ocaso de los Lakers se vería en 1991 al perder la final contra los Bulls y dar paso a la era de Jordan y compañía.

Celtics versus Lakers, Larry Bird versus Magic Johnson, espectaculares duelos que junto al mejoramiento en la calidad de las telecomunicaciones, hicieron de la NBA un espectáculo de interés universal.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
signos banner

El Inicio de la “Sodamanía”

El 10 de noviembre de 1986 vio la luz un trascendental álbum para la historia del pop – rock latinoamericano. “Signos” constituyó el pasaporte a la fama internacional de Soda Stereo, el comienzo de un camino de alta influencia en la América hispanoparlante.

Se trata de un disco más denso, oscuro e introspectivo que sus predecesores homónimo y “Nada Personal”. Se justifica en su génesis turbulento, con crisis y angustias provocadas por los excesos y el stress de ya proyectarse como un negocio rentable. De esa ansiedad se plasmaron sonidos de loco frenesí y de aprehensión: una obra maestra.

En los Estudios Moebio y bajó la conducción de Mariano López, “Signos” fue tomando cuerpo en el invierno austral de 1986, donde las ideas y el intenso trabajo estuvieron cerca de fundir las equipos. El disco arranca con el frenético “Sin Sobresaltos”, en el que los vientos y el bajo cinemático de Zeta Bosio conducen velozmente al nuevo rumbo que los Soda estaban buscando, esa trascendencia más allá del pop.

Sigue “El Rito”. Un místico tema que endulza el oído suavemente con el característico arpegio que le dio Cerati, moviéndose en una onda muy “New Wave” de aquel otro lado del charco. Una canción que tranquilamente pudo estar en la discografía de las más prestigiosas bandas del género en los 80. Pasamos a “Prófugos”, una turbulenta historia de pasión, apurada por la música que se siente apremiada en toda su orquestación, separada por momentos sosegados  que dan aquellos sencillos solos con arpegio, para pasar de nuevo a la locura.

En “No Existes” se encuentra dolor, deseos de profunda revancha, de nuevo todos se unen para lograr un sonido trepidante, furioso, melodías desgarradoras que alivian aquella inmensa pena. “Persiana Americana” es uno de los inolvidables clásicos de Soda Stereo. Una divertida historia donde el culto a la imagen, la cultura pop y el voyeurismo se funden para alegrar los corazones latinoamericanos de generaciones. El riff inicial de guitarra de “Persiana Americana” debe ser una melodía tan clásica para el hispanohablante promedio como los créditos iniciales del Chavo del 8 o las fanfarreas de Sábado Gigante. Personalmente en ese tema me quedo con la batería de Charly Alberti, escucharla pone automáticamente a mover el esqueleto.

“En Camino” esconde una dulce melancolía en los teclados que completan una estructura aparentemente sencilla con guitarras más bien acústicas y una demoledora batería. “Signos” devuelve el camino de este disco hacia la senda del misterio explorada en “El Rito”. El tratamiento mágico de la guitarra de Cerati con aquel palm-muting enriquecido con delays, la sobriedad del bajo de Zeta para acompañar y la no menos solemne batería de Charly Alberti hacen de este otro indiscutible clásico de la discografía de los Soda. Dentro de los acertijos que planteó Cerati a lo largo de su carrera con sus letras, las de Signos bien pueden estar entre las más enigmáticas.

El cierre de nuevo es con dulce melancolía. “Final Caja Negra” es el término de un viaje sónico cargado de emociones intensas y tal vez estresantes. Tal vez tenga uno de los mejores solos de teclado de la historia, con el que va despidiendo al disco y con ello, acompaña a los eternos viajeros, no necesariamente de morada, sino de situaciones, sensaciones, grupos sociales o familiares. El dolor de saber que la vida es cambio constante y aferrarse es inútil.

Cnwh1NjWAAAQ6MW

“Signos” fue la entrada triunfal de Soda Stereo a los hogares latinoamericanos. Con su presentación en el afamado festival de Viña del Mar a inicios de 1987, todo un continente se dio cuenta que podía tener ídolos del rock más cercanos. El look “dark” y “New Wave” hacía un juego perfecto con la maratónica gira que por 1987 hizo mover masas y sería definitiva no solo para los Soda, sino para la industria discográfica latinoamericana. A partir de ese momento, hacer música en el continente sería un negocio millonario.

“Signos” es una placa sumamente sofisticada para su tiempo, incluso hoy no sonaría desfasada en el tiempo, salvo tal vez, su beat tan “New Wave”. Después, todo sería apoteósicos éxitos para la afamada banda argentina, aunque también tensiones y desencuentros de una carrera que duró lo justo y necesario.

Signos – Sony Music – 1986

signos-4fce53f297782

  • Sin Sobresaltos
  • El Rito
  • Prófugos
  • No Existes
  • Persiana Americana
  • En Camino
  • Signos
  • Final Caja Negra
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
soda main

Soda Stereo: la marca de Latinoamérica

En el “mundial” de encuestas que organizamos a través de nuestra cuenta de Twitter sobre artistas de pop y rock en Español, el ganador fue Soda Stereo, siendo un resultado esperado y lógico. Siempre que la banda argentina estuvo “en competencia”, ganó con facilidad. ¿Qué motivo este triunfo contundente?

Se podía decir que el principal motivo de su triunfo es su “universalidad”. Soda Stereo fue una banda muy bien conocida en Latinoamérica, quizás la única con capacidad de convocar multitudes que llenen estadios a fechas seguidas en sus conciertos, tal como fue su gira “Me Verás Volver” y si no es así, fue al menos asombrosa su capacidad de convocar más de un millón de personas en América en algo más de 3 meses. Claro, se podría argumentar que era retorno esperado, cuando había pasado 10 años de su separación. Pero son referencias que hablan claramente de las dimensiones de la banda.

Al hablar de la “banda más famosa de Latinoamérica”, siempre hay que recordar como en los años 80 revolucionó el mercado del continente. Con las giras de la banda en diversos sitios de Latinoamérica aseguraron la presencia de su música en cada radio hispano parlante de este lado del charco. Sabían lo que hacían, no hay que olvidar también que al menos Cerati y Zeta Bosio tenían conocimientos de publicidad, carrera que estudiaban cuando se conocieron en la Universidad. Soda cuidó siempre la estética personal y de sus shows al detalle, punto clave para que su música pueda tener la difusión esperada. Los 80 eran la era del video y su imagen jugó mucho a su favor, un poco “importando” la estética de “The Cure” y produciendo desde videoclips sencillos, pero con un escenario místico como en “Cuando Pase el Temblor”, hasta historias algo más sofisticadas como “En La Ciudad de la Furia”.

sodastereo1190216471_f

Está claro que el público no es tonto y si por propaganda compra un artículo que no resulta bueno, no lo vuelve a hacer. Soda Stereo supo hacerse buena propaganda, pero respaldad también en buena música. Con una historia en constante evolución, los argentinos pasaron del pop pegajoso de canciones sencillas y bailables, hasta un viaje sonoro sumamente producido y complejo que fueron sus álbumes noventeros. Con ello, abarcaron varios gustos musicales que trascendieron en lo generacional, estilos y concepciones. Es increíble la diferencia si se escucha “Vitaminas” y a continuación “Disco Eterno”, que vendrían a ser temas de ambos extremos temporales de su carrera. La discografía de Soda Stereo marcó una constante evolución hacia una mayor calidad musical y tal vez, se separaron en el momento ideal, antes que las ideas se agotaran y el grupo entre en decadencia. Les bastó 15 trepidantes años para generar una leyenda.

Soda Stereo también fue pionero utilizando la tecnología. En su disco “Confort y Música Para Volar” de 1996, incluyó material interactivo para ser corrido a través de una unidad CD ROM, toda una locura para la época, por citar un ejemplo. Así mismo, si hablamos de discos compactos, el primero en editarse en ese formato de algún grupo latinoamericano fue precisamente “Signos” en el año de 1986. Su apertura al Internet no se hizo esperar, como cuando transmitieron un recital brindado en un programa de radio, también en el año 1996.

442753

Soda Stereo constituyó un factor de unión para Latinoamérica en el que se pasó por alto el tema de la nacionalidad de la banda. A partir de los 90, cualquier banda de pop y rock hispano parlante se sintió en la capacidad de recorrer el continente y presentar su música con facilidad, las fronteras se abrieron con un estilo relativamente nuevo. El “rock” pasó a ser masivo y claro, también se aprovechó el cambió que constituyó el fin de las dictaduras y la globalización, con lo que la gente joven de la época pudo tener más opciones de entretenimiento y una ente más abierta. Lo que experimentó Soda Stereo en su relación con los fans, bien puede equipararse a lo que pasó con “The Beatles” en los años 60.

Más allá de buena música, Soda Stereo marcó un antes y después. Ninguna de las otras bandas con las que “compitieron” en la serie de encuestas que propusimos pudo haber llegado a tener la gran o corta difusión continental que tuvieron, de no ser por lo que a su momento constituyó el fenómeno generado por Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti. Eso sí, gracias a esa apertura generada, quienes nos criamos de los 90 en adelante pudimos escuchar mucha música maravillosa de distintos lados del continente y consolidar ese fenómeno denominado “rock en Español” o “rock Latino”.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
senna prost main

Grandes Rivalidades: Prost vs Senna

La Fórmula 1, máxima categoría del automovilismo, llegó a su apogeo comercial en los años 80, cuando varios de los pilotos hoy considerados leyendas, se disputaban con furia cada centímetro, los circuitos programados para aquellas temporadas. En primera línea Mansell, Piquet, otros algo menos protagonistas como Patrese, Berger, Nannini, Boutsen, pero poco a poco se iba erigiendo un duelo de titanes que marcaría el fin de dicha década y comienzos de los 90. La lucha por la supremacía entre Alain Prost y Ayrton Senna.

Era el año de 1984. Prost ya tenía algunos años en la categoría y era la flamante contratación de la poderosa McLaren, como estrella emergente. Mientras tanto, Senna debutaba en Fórmula uno a bordo de la en ese entonces modesta Toleman. El año fue muy distinto para ambos, mientras Alain el francés perdió por medio punto el título ante el veterano Niki Lauda del que era coequipero, la temporada de Ayrton el brasileño tuvo poco para recordar, salvo la carrera de Mónaco. Bajo una fuerte lluvia pasó por un lado lo esperado: el profesor Prost conservó la pole position y se llevó el triunfo, pero el joven Senna desde el décimo tercer puesto y con las condiciones desfavorables descritas, llegó al segundo puesto. Se podría decir que ahí inició todo.

Los años 85 y 86 fueron de Prost, consiguiendo un bicampeonato para su palmarés y para el prestigio de McLaren, mientras que Senna en 1985 había sido contratado por Lotus y sus siguientes temporadas con la escudería inglesa fueron muy interesantes, siendo el único piloto que “hacía calor” a las dominantes McLaren y Williams. A continuación llegan los cambios: en 1987, Williams se apodera de la competición con Nelson Piquet ganando la temporada, seguido de su compañero de equipo Nigel Mansell. Senna finalizó tercero con su “modesto” Lotus, mientras los McLaren no tienen una temporada brillante, con Prost y el sueco Johansson por debajo de las expectativas. Para el siguiente año habría aún mayor renovación.

Los-cuatro-fantásticos

Senna, Prost, Mansell y Piquet. Qué foto hermosa, ¿diga?

En 1988, McLaren hace fuertes apuestas para monopolizar la categoría proveyéndose de los motores Honda que tuvieron tan buenos resultados en la temporada pasada en Williams y Lotus, pero sobretodo, contratando a la estrella emergente del automovilismo: Ayrton Senna. Junto con el bicampeón Prost, arrasaron con la temporada ganando 15 de los 16 Grandes Premios disputados, para hacerse con el título de constructores, prácticamente triplicando a quien quedó segundo (Ferrari) con 199 a 65.

La temporada de 1988 finalizó con el primer título de campeón mundial de Ayrton, quien lo consiguió por el sistema de “11 mejores resultados” y por sus ocho victorias (récord en ese momento), superaba a su compañero Prost, aunque este realmente cosechó más puntos. Hacia fin de año, Prost, quien había sido de la idea de llevar a Senna a McLaren, comenzó a sospechar que la casa Honda daba trato preferencial al brasileño, lo cual fue confirmado. Para el siguiente año, la relación se enfriaría dramáticamente.

FILE - In this Oct. 22, 1989 file photo, French McLaren-Honda driver Alain Prost is chased by Brazilian teammate Ayrton Senna during the Japanese Formula One Grand Prix at Suzuka Circuit in Suzuka, central Japan. Japanese car manufacturer Honda is returning to Formula One in 2015 as an engine supplier to the automaker's former partner McLaren of Britain, Honda President Takanobu Ito announced the decision at a press conference in Tokyo on Thursday, May 16, 2013. (AP Photo/Tsugufumi Matsumoto, File)

FILE – In this Oct. 22, 1989 file photo, French McLaren-Honda driver Alain Prost is chased by Brazilian teammate Ayrton Senna during the Japanese Formula One Grand Prix at Suzuka Circuit in Suzuka, central Japan. Japanese car manufacturer Honda is returning to Formula One in 2015 as an engine supplier to the automaker’s former partner McLaren of Britain, Honda President Takanobu Ito announced the decision at a press conference in Tokyo on Thursday, May 16, 2013. (AP Photo/Tsugufumi Matsumoto, File)

En 1989 hubo algo que no varió: el monopolio de McLaren con triunfos en la mayoría de carreras. En 3 en las que vencieron los Ferrari de Mansell y Berger y también tuvieron su oportunidad Boutsen y Nannini. En cambio, había una relación rota, los compañeros de equipo, Alain Prost y Ayrton Senna se habían vuelto agrios rivales y sus comunicaciones en dicha temporada fueron gélidas.

 Entre 1988 y 1989 se marcó una tendencia con Ayrton y fue la de arrasar con las pole position, lo que años más tarde le permitió ostentar el récord de las mismas. Sin embargo, en la temporada 1989 Senna tuvo varios extremos: ganó varias carreras, pero también tuvo muchos abandonos. Prost lo acusó reiteradamente de “conducir peligrosamente”, mientras cosechaba puntos meticulosamente, fiel a su estilo. En la penúltima carrera, en Suzuka – Japón, la batalla por el título fue ardua: Senna con la pole, Prost sobrepasándolo y ambos en inclemente lucha por el primer lugar. Faltando 7 vueltas, esta lucha determinó que los autos de ambos se enganchen, produciendo el abandono de Prost. Senna volvió a competencia y ganó la carrera, pero fue descalificado al haber evadido la chicane luego del incidente con Prost. Con dicha descalificación, quedó vía libre para que el francés obtenga su tercer título en la categoría, mientras Senna hablaba de conspiración de FIA. Este fue el último año en que ambos colosos del volante corrieron para la misma escudería.

01-Ayrton-Senna-McLaren-27-y-Alain-Prost-Ferrari-1

En 1990 Ferrari fichó a Prost quien junto con Nigel Mansell prometían formar un gran equipo, mientras que McLaren llevó al austríaco Gerhard Berger siendo un gran escudero y además, el McLaren Honda seguía siendo superior al Ferrari. A esa lucha de marcas se unió Williams que comenzó a usar motores Renault, dando protagonismo a sus pilotos, Patrese y Boutsen. La lucha por el título volvió a centrarse en Senna y Prost. Ayrton había logrado 6 victorias, mientras que Alain 5, antes de llegar a la competencia del Gran Premio de Japón que para ese entonces, se había vuelto escenario de la polémica. Debido a la orientación del circuito, Senna se quejaba del sitio de salida, pues la pole position en realidad tenía desventaja. El arranque fue furioso y solo un par de metros después, los autos de Senna (que estaba en la pole) y Prost (arrancaba segundo) se engancharon, quedando ambos fuera de competencia. Con ello, el título se decidió a favor del brasileño, siendo por segunda vez, campeón del mundo.

1991 coronó de nuevo a Senna como campeón del mundo, igualando a Prost en aquel momento en títulos y sumándose a otras leyendas del automovilismo en proclamarse “tricampeón”, como Jack Brabham, Jackie Stewart, Niki Lauda y Nelson Piquet. En esta temporada, el gran rival de Senna ya no fue Prost, sino Mansell, quien a bordo de un Williams muy adelantado tecnológicamente, le dio buena pelea al piloto paulista hasta que una vez más, el título se decidió en Suzuka en el cual, con gran trabajo de equipo junto a su compañero Berger, Senna pudo asegurar lo que a la postre sería el último título de su carrera.

Prost había sido despedido de Ferrari y el avance tecnológico de Williams había sido monstruoso, con lo que en 1992, Mansell ganó paseándose, estableciendo un nuevo récord de victorias (nueve) mientras Senna tuvo una temporada relativamente opaca. Mansell se retiró de la categoría, mientras que en 1993, Williams auspició el retorno de Prost quien también se coronó campeón con autoridad faltando dos Grandes Premios por correr. Ayrton Senna en su McLaren con motor Ford se ubicó segundo tras ganar los últimos circuitos de Japón y Australia, que serían los últimos triunfos de su vida. Prost anunció su retiro definitivo en esta temporada y vale la pena decir que su relación personal con Senna volvió a ser buena. El francés alcanzó los 4 títulos mundiales, cosa que pudo ser igualada y superada en el siglo XXI.

Williams apuntaba a seguir arrasando con los títulos y tras el retiro de Prost, contrató a Ayrton, aunque para 1994 la FIA había prohibido varias ayudas tecnológicas que hacían que el auto Williams sea “más terrícola”. Lastimosamente, Senna perdió la vida ese año en el circuito de San Marino, mientras que en ese año comenzó a erigirse otra leyenda: Michael Schumacher. La rivalidad entre Prost y Senna acabó de forma trágica, pero llena de honores. En uno de los gestos más inigualables del mundo del deporte, Alain Prost, el gran rival de Ayrton Senna fue uno de los encargados de llevar su féretro hasta su destino final, acaso una de las formas más sublimes de irse de este mundo: llevado por tu gran adversario de forma respetuosa.

120928052745-prost10-horizontal-large-gallery

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
valderramamaradona

El 10 ochentero / noventero sudamericano

En estos tiempos están muy de moda referirse a estas maravillosas décadas del ya lejano siglo XX. Se refleja en los estilos de la ropa, en que los bares de moda sean de temática retro, que abunden las bandas de covers, que haya canales de televisión (pagada) dedicados exclusivamente a transmitir programas de hace más de veinte años y la lista sigue. Entonces: ¿por qué no acordarse de los héroes deportivos de aquellos tiempos?

Si algo no se ha portado muy cíclico que digamos en la cultura popular, es el fútbol. El tema es básico, hoy el “10 clásico” está en peligro de extinción, con módulos tácticos como el 4-2-3-1 o el 4-3-3, se exige de muchísima movilidad y de por lo menos, otras características que atañen principalmente a las condiciones atléticas de quienes alinean en esas líneas intermedias. En Sudamérica, a finales del siglo pasado, tuvimos algunos simbólicos representantes del dorsal 10 para recordar. Empezando por:

Diego Maradona

Maradona

Por el más grande entre los grandes. Aunque la polémica por ese título se puede desatar como fábricas de pirotécnicos clandestina. Diego Maradona sigue siendo el referente y anhelo del futbolista sudamericano. El organizador visionario capaz de sacar de la galera pases increíbles como el dirigido a Burruchaga en la final de México ’86 o el que fue a Caniggia contra Brasil en Italia ’90 y en “chulla pie” (para quienes nos lean del extranjero, “chulla” es un concepto largo de explicar, pero en este caso, quiere decir que andaba rengo).

Maradona era el conductor de balón por excelencia, al que había que caerle a piedrazos para quitarle el balón, pero también, tenía esa característica que se repitió en otros “10” del continente: el ser el referente anímico de su selección, ser el alma, símbolo, ser aquel jugador al que te remites, apenas suena su país. Que Diego no se le vaya a la gente de la mente por más maravillas que haga Messi por ejemplo, va más allá de la calidad como futbolista (donde “la pulga” capaz y lo superó), sino por ese factor espiritual y de liderazgo. El incuestionable capitán que llevó a su país a la gloria.

Zico

zico

Arthur Antunes Coimbra es tal vez, el fundador de esta zaga. Llevaba la “número 10″ en un mediocampo extremadamente maravilloso como el de Brasil en el mundial 1982 y en donde ya había conductores superdotados técnicamente como Sócrates, Falcao o Toninho Cerezo. Zico fue la encarnación del “jogo bonito” el cual, prácticamente se extinguió pasado el Mundial 1986 para nunca más volver en la escuadra verde amarela, por más que volvió a ser campeona del mundo y no dejó de mostrar a grandes figuras del fútbol en otras posiciones y de forma más dispersa.

A Zico le quedó pendiente ganar títulos con su selección. En sentido estricto de justicia, al menos se consagró como el mejor del mundo a nivel de clubes con el fantástico Flamengo de 1981. Notable que a pesar de no haber sido campeón con la canarinha, su juego haya sido tan exquisito que sea venerado hasta la presente.

Enzo Francescoli

Nicolas Leoz(I),presidente de la Confederacion Sudamericana de Futbol observa al capitan de Uruguay Enzo Francescoli quien besa la Copa America el 23 de julio  de 1995 en el estadio Centenario de Montevideo. Uruguay se consagro campeon de la Copa America al vencer en definicion por penales 6-4 a Brasil.         AFP PHOTO/ALEJANDRO PAGNI

Nicolas Leoz(I),presidente de la Confederacion Sudamericana de Futbol observa al capitan de Uruguay Enzo Francescoli quien besa la Copa America el 23 de julio de 1995 en el estadio Centenario de Montevideo. Uruguay se consagro campeon de la Copa America al vencer en definicion por penales 6-4 a Brasil. AFP PHOTO/ALEJANDRO PAGNI

¿Qué tan buen futbolista habrás sido para que Zidane te idolatre y le ponga tu nombre a su hijo? Ese nomás es “el Enzo”. Un jugador sofisticado, con la precisión y elegancia necesarias para ser encumbrado en los altares de una de las hinchadas más jodidas exigentes del mundo como es la de River Plate. Fue el líder de unos momentos algo críticos para la selección uruguaya, que hacia finales del Siglo XX perdió el brillo que en algún momento le llevó a ser potencia futbolística mundial, sin embargo, encabezó esa última generación notable junto a los Sosa, Paz, De León, Ostolaza, Alzamendi, Aguilera, etc. que dieron a la celeste por lo menos títulos a nivel continental en 1987 y 1995.

Carlos Valderrama

Valderrama

“Mi juego está aquí”, mientras se señalaba a la sienes el actor que encarnó al “Pibe” en la teleserie colombiana “La Selección”. A Valderrama jamás se lo vio meter más allá de tercera velocidad mientras jugaba, pero sus pases eran demoledores y como ecuatorianos, los sufrimos múltiples ocasiones. Claro, estuvo siempre acompañado por extraordinarios atacantes capaces de estar a la altura física y técnicamente de la velocidad mental del Pibe: Asprilla, “Tren” Valencia, Aristizábal, “Pipa” De Ávila, Rincón, Iguarán en los ochenta, fueron parte de una notable generación colombiana que se paseó por el continente, a la que sólo se compara con la extraordinaria camada actual de la selección cafetera, que superó a la del Siglo XX en cuanto a resultados.

Icónico incluso con su “look”. Sin embargo, se puso advertir de la decadencia de su estilo de juego cuando en Estados Unidos ’94, los veloces rumanos y los voluntariosos gringos anularon a Valderrama y a una selección Colombia que quedó sorprendida y desactivada. Se venían cambios en la dinámica del fútbol.

Marco Antonio Etcheverry

Etcheverry

Se podría decir que el mejor futbolista boliviano de la historia. Encabezó a una maravillosa generación altiplánica con: Melgar, Sánchez, Borja, Sandy, y demás enormes jugadores que lograron la clasificación al mundial del 94. El “diablo”, como los anteriores “10” tenía un magnífico don para la conducción del balón y además, una temible pegada de media distancia, la cual se pudo sufrir o admirar acá en Ecuador cuando vistió la camiseta de Barcelona SC. Leyenda también en la MLS, tras su retiro y el de sus contemporáneos, la selección de Bolivia ha decaído notablemente y hoy por hoy es poco opcionada para una clasificación al mundial.

Álex Aguinaga

Aguinaga

A pesar de haber jugado de “8” en sus inicios en el Deportivo Quito y ser más un “7” en su época dorada del Necaxa mexicano, “El Alex” tuvo la responsabilidad de enfundarse la “10” de la tricolor ecuatoriana en los noventa especialmente, al ser ese jugador diferente y de exquisito dominio de balón, además de mucho gol. Jugador esencial y distintivo del Ecuador a finales del siglo pasado, muchas veces tuvo a sus espaldas demasiada responsabilidad y se era poco grato con esta gran figura cuando en aquellos tiempos, la costumbre de la tricolor era el fracaso.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
Pop Goes The World

Canciones de las gradas (parte 1)

Vamos a inaugurar esta sección con un tema que seguramente todos lo cantaron aunque sea en torneos intercolegiales. Tal vez su melodía es muy famosa a nivel mundial, pero no muchos deben acordarse de donde proviene. A menos que sea un enfermo melómano ochentero.

Si usted por ejemplo, es hincha del Deportivo Quito y frecuenta la preferencia del Atahualpa, debe haber cantado: “¡oh!, Quito corazón… corazón, corazón, Quito corazón…” y debe haber escuchado una entonación similar en barras de rivales o en el fútbol internacional. Entonces, va a reconocer al paso la canción de la que vamos a hablar en esta ocasión.

“Pop Goes The World” es un tema de la agrupación canadiense de pop de sintetizadores “Men Without Hats”, que formó parte del disco homónimo de la canción (o sea, también se llama “Pop Goes The World”) y se publicó en 1987, siendo éste, el primer corte con el que se promocionó dicho disco. Terminaría siendo el tema más popular de aquel álbum.

Efectivamente, la melodía de este tema es utilizado a nivel mundial por barras como la de River Plate de Argentina (oh, vamos River Plate…) Lo usan también Inter de Porto Alegre, Yokohama Marinos, media Europa, etc. Seguramente usted lo cantó, pero la idea de la canción original es remota, así que ahí le va el inserto de You Tube

El cantante tiene una onda muy “Rubén Insúa”, ¿no? 😀

La onda, tanto del disco como de la canción, es bastante infantil y lúdica, con mucho uso de samplers y sintetizadores que en los años 80 estaban tan de moda. La temática de las letras es la historia ficticia de “Jenny” y “Johnny” y su ascenso a la fama con una banda musical de pop. Tal vez sería el último hit mundial de este grupo (alcanzó el número 1 en las listas de Austria), mientras que la popularidad de los “Men Without Hats” se fue cayendo a finales de los 80. Su tema más famoso es el bastante difundido “Safety Dance”.

Tal vez los “hombres sin sombrero” como diría el chiste de Los Simpson ahora sean “hombres sin empleo”, pero casi sin querer, contribuyeron a la cultura futbolera y al menos, debe ser recordado este tema en su versión original por un mínimo acto de gratitud.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol