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Del Génesis al Evangelio del Rock Latino

Al más puro estilo de “Las 7 Edades del Rock” o cualquiera de los especiales cronológicos de las grandes cadenas como MTV o Much Music, se realizó una producción que relate al historia del Rock hispanoparlante. “Rompan Todo”, transmitido por la plataforma Netflix, buscó explicar en 6 capítulos la historia de un género que ha tenido un sinnúmero de matices, influencias y puntos de partida en una región que a veces pareciera que lo único que tiene en común es el idioma, pero al final es mucho más que eso.

Hubo un eje estrictamente histórico en el que se repasa cómo la música juvenil pasó de una simple imitación a la escena que sucedía en las naciones angloparlantes a incorporar elementos originarios de cada país, sin necesidad de ser tradicionalista. Si la identidad del latinoamericano está en el mestizaje, el rock latino justamente se podría definir como un mestizaje de sonidos, siendo el rock propiamente, como sonido americano, un sonido de por sí mestizo. Es así como la imitación y traslado de éxitos pop en inglés al español como en México sucedía con Enrique Guzmán y sus Teen Tops inició la ruta para después lograr un sonido similar a los monstruos del rock de los 1960s., como Los Shakers de Uruguay.

shakers

Muchas veces ese mestizaje dependió de las tendencias de los tiempos. Hubo momentos de mayor conexión con las raíces como en los años 1970s, donde destacaron Los Jaivas de Chile por ejemplo. También en los años 1990s, en los cuales la fusión es el encantamiento hacia las nuevas generaciones. Desde México Café Tacuba, en Colombia Aterciopelados o en Argentina con Los Fabulosos Cadillacs definen una identidad que definitivamente se consolida.

cafe_tacuba

La evolución comercial del movimiento también es abordado en esta serie documental. Si bien en las décadas de 1960s y 70s, el público joven caía en histeria colectiva en presentaciones como las de Sandro, sería Soda Stereo la banda que introduciría el súper estrellato en la escena latina. El éxito comercial es principalmente enarbolado por Maná, probablemente la banda que más discos y boletos de concierto haya vendido y que cante en Castellano en la historia. Su participación en el documental fue muy del disgusto de “puristas”. La aparición de una señal latinoamericana para la cadena MTV significó una excelente vitrina para una escena que se expandió aceleradamente en la última década del Siglo XXI.

soda 80s

El eje político es un factor transversal y absolutamente fundamental en la historia del rock latinoamericano. La historia de la región se ha caracterizado por episodios turbulentos y una eterna sensación de insatisfacción de la gente hacia el accionar de sus gobernantes. Si el rock nació como una propuesta contracultural, en Latinoamérica pudo en muchos casos canalizar esa insatisfacción generalizada, lo que también muchas veces trajo problemas a los artistas. Prácticamente en todos los capítulos de la serie se abordó del tema político con artistas que se han caracterizado por ese contenido como: León Gieco, Los Prisioneros, Molotov, Bersuit.

los prisioneros

Así fue como rompan todo buscó mencionar la mayoría de personajes que han recorrido un movimiento con varias generaciones de protagonistas y que han derivado en lo que se escucha actualmente que es la música con más adaptación tecnológica y el hoy por hoy todopoderoso reggaetón. Sin duda a través de redes sociales se manifestó insatisfacción por omisión de algunos favoritos de quienes comentaron o exceso de protagonismo de otros, sobretodo los que han tenido relación creativa con Gustavo Santaolalla, quien de hecho forma parte de la producción ejecutiva de la serie. Se acusó tal vez de falta de no dar el suficiente espacio que ha sido generado por mujeres a lo largo de la historia del movimiento y que su espacio más bien llegó al final cuando tomaron la palabra Julieta Venegas o Mon Laferte.

julieta venegas

Podríamos decir que el esfuerzo por abarcar la mayoría de países con sus detalles precisos fue titánico y el producto final es de bastante buena calidad y especialmente entretenido para el melómano y fanático de la historia. Siempre es reconfortante escuchar voces autorizadas como Álex Loras, Charly García, Fito Páez o Andrés Calamaro hablar de lo que sucedía en sus mayores momentos de fama y gloria. Tal vez hubiera sido bueno juntarlo más con la escena española, que ha venido siempre muy de la mano para la audiencia americana. Con sus omisiones, se trató de una producción absolutamente mirable y recomendable.

El Ajedrez se puso de Moda

El último gran éxito de Netflix es la serie “Gambito de Dama” (The Queen’s Gambit) y bien podría ser la producción de las que más se habla en el remate del infausto año de pandemia.

La serie es adaptación de una novela del mismo nombre, escrita por Walter Tevis en 1983, mas ambientada en los años 1950s y 1960s. Cuenta la historia de Elizabeth “Beth” Harmon, una heroína que encaja perfectamente en los estándares de los héroes pop y deportivos contemporáneos, pues tuvo una infancia difícil y disfuncional entre la orfandad y una familia adoptiva que distaba mucho de ser modelo. Pasiones, demonios, drogas y sobretodo, un talento sobrenatural, en este caso para el juego del ajedrez.

Beth Harmon es encarnada por la joven actriz Anya Taylor – Joy (a quien la hemos visto también en Peaky Blinders). Su actuación logra enseguida meterse al bolsillo al espectador, pues logra con su expresión una aura genuina de locura y genialidad. Sería más bien una “anti expresión”, pues es precisamente la escasa gesticulación, la rigidez de su postura y la mirada prácticamente imperturbable lo que componen a su personaje. Como que toda la fiesta ocurre en su cabeza y todos sus esfuerzos se deben al tablero del “deporte ciencia”.

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La historia de Beth se vuelve entrañable porque es casi siempre un nadar contracorriente. Contra las autoridades del orfanato, de su familia adoptiva, del mundo de las competencias del ajedrez dominado abrumadoramente por hombres, contra su propia salud mental y finalmente, como si esto fuera la historia de un boxeador o héroe de juegos de video (?), Beth debe superar uno a uno en el ajedrez a rivales cada vez más complicados hasta medirse con un adversario pintado como invencible. El camino que transita la lleva de la sencillez al glamour.

 Hablando de su “combate final”, el también ficticio Vasily Borgov, es la construcción prefecta inspirada en los años de la guerra fría, es decir, un robótico producto de la Unión Soviética, una mezcla de grandes campeones como Tigrán Petrosián, Anatoli Karpov o Garri Kasparov. Es así como, al más puro estilo de “Rocky IV”, se enfrentan “”la máquina del sistema”, o sea el campeón soviético ante el talento, alma e inspiración de la en este caso campeona americana. Una temática clásica y que nunca falla mayormente. Además que así como en Rocky, el encuentro decisivo es en territorio ruso.

 

THE QUEEN’S GAMBIT (L to R) ANYA TAYLOR-JOY as BETH HARMON in episode 105 of THE QUEEN’S GAMBIT Cr. PHIL BRAY/NETFLIX © 2020

THE QUEEN’S GAMBIT (L to R) ANYA TAYLOR-JOY as BETH HARMON in episode 105 of THE QUEEN’S GAMBIT Cr. PHIL BRAY/NETFLIX © 2020

 

Claro que, al contrario del casi santificado personaje de Stallone, Beth Harmon tiene entre sus características algunos vicios. El de la bebida, “heredado” de su madre adoptiva, y las drogas: las clínicas, hábito adquirido desde el orfanato y las recreativas a medida que incursiona en círculos sociales que en un inicio son complicados de entender, en un inicio por su edad y también por su propia personalidad. Ante esto hay escenas descomunales como el ajedrez mental de Beth antes de dormir en la noches de orfanato y el épico final del capítulo 6 con “Venus” de los Shocking Blue de fondo.

 Gambito de Dama es una historia de locura y pasión, conceptos que tal vez suenan contrarios al mundo metódico que de lejos parece ser el ajedrez. Continúa con la onda de heroínas femeninas de los actuales momentos y que está poniendo de moda uno de los pasatiempos más antiguos del mundo y que ciertamente a veces es relegado.

Discos Imprescindibles: Led Zeppelin II

Hace 50 años salió al mercado el segundo y definitivo disco de Led Zeppelin: “Led Zeppelin II”. Considerado como uno de los discos más influyentes en la historia del rock, siendo su sonido catalogado por los críticos musicales como una de las producciones que sentaría las bases del hard rock y el heavy metal a pesar que mantiene las bases del blues. Se pueden apreciar las progresiones de guitarra de Page hacia sonidos más duros y experimentales.

Las grabaciones iniciaron en abril de 1969 y terminaron en octubre del mismo año, fue producido por su guitarrista Jimmy Page e introducido al mercado por Atlantic Records. Las canciones fueron concebidas durante su gira por Europa y Norteamérica, en condiciones muy particulares según lo cuenta Robert Plant: “fue realmente una locura. Estábamos escribiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York».

La carátula del álbum está inspirada y toma una vieja fotografía de la Undécima División Jasta de la Fuerza Aérea Alemana durante la Primera Guerra Mundial, el “Circo Aéreo” conducido por Manfred von Richthofen, el Barón Rojo, introduciendo en la misma las caras de los integrantes de la banda.

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El repertorio del disco inicia con la apoteósica “Whole Lotta Love”, quizá la segunda canción más conocida de la banda luego de Starway to Heaven. Generó controversia por estar basada en la canción “you need love” de Muddy Waters. Uno de los riffs más repetitivos y más reconocibles de Page, conforme avanza la canción se viene una mezcla de batería, gritos de Plant y el uso del “theremín” que le dieron una mezcla única a la canción que remata con un ingreso ruidoso de la batería de Bonham la guitarra de Page para terminar con una interpretación digamos “orgásmica” de Plant sobre la final de esta dura canción de amor.

What is and what should never be” es el Segundo corte con un ambiente de psicodelia por la manera como fueron grabadas las voces de Plant y donde destaca el bajo del gran John Paul Jones acompañado de un solo de Page con gran uso del slide durante el mismo. La letra similar al primer corte trata de una historia de amor escrita por Plant y que habla de una supuesta relación que tuvo este con la hermana menor de su esposa.

En The Lemon Song el blues se hace presente, pero con la marca de la banda (musical y líricamente), con una interpretación descomunal del bajo de Jones quien en alguna entrevista dijo que no siguió ningún patrón o acordes previamente escrito, sino que fue improvisado.

Thank You talvez el tema más íntimo del disco (y uno de sus temas más versionados por artistas como Duran-Duran, Tori Amos o Chris Cornell), una balada escrita por Plant. Destaca su hermosa letra y el sonido del órgano tocado por Jones: “If the sun refused to shine, I would still be loving you, when mountains crumble to the sea, there will still be you and me”.

Heartbreaker: Otros de los temas mas reconocibles de la banda, el sonido del riff de la guitarra de Page acompañada de la base rítmica de Bonham y Jones se acoplan perfectamente mientras la voz de Plant se va uniendo de a poco, sobre la mitad de la canción, similar a lo que pase con Whole Lotta Love, se hace un quiebre para iniciar un solo de espectacular de Plant que culmina con la irrupción del bajo y la batería de la banda para arrancar un nuevo solo, nueva pausa y la voz de Plant para cerrar la que en mi opinión es la mejor canción de disco.

Living loving maid (She’s Just a Woman), nos cuenta la historia de una “groupie” que acechó a la banda. Tal vez el tema que menos se destaque de todo el disco (nunca fue tocada en vivo por que no fue del gusto de Page).

Ramble On Co escrita por Page y Plant nos sumerge en el mundo fantástico de J. R. R. Tolkien: “When magic filled the air, ‘T was in the darkest depths of Mordor, I met a girl so fair,but Gollu”m, and the evil one crept up and slipped away with her, her, her, yeah, Ain’t nothing I can do, no”. La canción muestra nuevamente el gran ensamble entre Bonham (quien toca durante varias partes de la canción un tacho de basura) con Bohamn quienes van llevando el ritmo de la canción.

Moby Dick: O el momento de John Bonham. Al inicio de la misma es acompañado de la guitarra de Page que lanza varios riffs hasta que desaparece sobre el minuto 1:03 para dejar que el mítico baterista haga el resto (con versiones en vivo más largas y complejas). Canción obligada para quienes se están iniciando o gustan de la batería.

El disco cierra con Bring It On Home, canción adaptada de Willie Dixon, la misma que inicia con la introducción más blusera del disco, el bajo de Jones se une a la armónica y versos de Plant durante los primeros minutos de misma (lo que fue una homenaje a Sonny Williamson quien la interpretó en 1966), para dar paso a la guitarra de Page, la batería de Boham y el acople final de la banda, sobre el final de la misma se cierra de la misma manera con un sonido básico de blues.

Te dejo la versión de Williamson.

Disco imprescindible en la historia de la música, que debe ser cabecera de cualquier melómano.

Led Zeppelin II – Atlantic – 1969

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Whole Lotta Love
What Is and What Shuld Never Be
The Lemon Song
Thank You
Heartbreaker
Living Loving Maid (She’s Just a Woman)
Ramble On
Moby Dick
Bring It On Home

1000 Carreras, 1000 Emociones

En el pasado Gran Premio celebrado en China se cumplió la edición 1000 de una competencia celebrada de la máxima categoría del automovilismo. Desde 1950 han pasado varios pilotos, constructores y locaciones legendarias. Vale la pena hacer un vistazo histórico por esta tan apasionante rama del deporte tuerca y deporte en general.

Fangio

El 13 de mayo de 1950 se disputó el primer Gran Premio de Fórmula 1 en el circuito de Silverstone en Inglaterra, la competencia la ganó el piloto italiano Giuseppe Farina, quien sería el campeón de la temporada superando por 3 puntos a su co equipero de Alfa Romeo, el argentino Juan Manuel Fangio. Los años 50 fueron los tiempos de las grandes y clásicas casas constructoras, citamos a Alfa Romeo, pero en los siguientes años, Fangio lograría su gran marca de 5 títulos de Fórmula 1 (1951, 1954, 1955, 1956, 1957), que recién pudo ser quebrada en el Siglo XXI, a bordo de coches Alfa Romeo, Mercedes, Maserati y Ferrari. Eran tiempos también en los que se podía actuar por más de una escudería en el año. El primer campeón a bordo de la marca más antigua vigente, Ferrari, fue Alberto Ascari en 1952 y 1953.

 hill clark

 

En los años 60 irrumpen las leyendas del automovilismo británico. Previamente hizo su aparición la gran estrella australiana Jack Brabham en el cambio de década (1959-1960) a bordo de lo que actualmente se consideraría una escudería plenamente conformada: Cooper – Climax. Serían los tiempos de estrellas como Jim Clark (1963 y 1965) o Graham Hill ( 1962 y 1968). Es también el tiempo de las marcas británicas como Lotus con la que tanto Hill como Clark alcanzarían la gloria. Brabham en 1966 logró su tricampeonato guiando a un vehículo de la marca con su propia firma (escudería Brabham).

Hasta estos años se corría entre 8 y 12 carreras preferentemente en los clásicos europeos: Monza en Italia, Nürburgring en Alemania, Silverstone en Gran Bretaña, el callejero de Mónaco e infaltables como Bélgica, Holanda y Francia. Su expansión hacia América incluía carreras en Estados Unidos, Argentina y México. Hubo un exótico Gran Premio de Marruecos y más habitualmente se corría en Sudáfrica.

 Hunt Lauda

 

Los años 70 fueron los de los héroes de culto. El bólido de Fórmula 1 fue tomando el modelo con el que estamos familiarizados y dejó el aspecto ovalado por los alerones que aprovechan de las leyes de la física para dar precisión y velocidad a sus movimientos. En 1969 fue campeón una de las divinidades: Jackie Stewart, quien en la primera mitad de los 70 rivalizó con uno de los referentes sudamericanos: Emerson Fittipaldi, quien dio el primer título a un fabricante emergente y que años más tarde se pondría muy de moda: McLaren. Mientras el escocés se proclamó campeón en 1969, 1971 y 1973, el brasileño lo hizo en 1972 y 1974. Para la segunda mitad de la década se escenificó una de las grandes rivalidades que incluso se llevó a la pantalla chica: Niki Lauda en Ferrari (1975 y 1977) contra James Hunt (1976).

 Mientras comenzaban las transmisiones por televisión y se estaba a las puertas de lo que se vería como un gran negocio. La temporada se expandió a 15, 16 y hasta 17 carreras con la presencia continua de los circuitos de España, Austria y Suecia mientras que en el resto del mundo el campeonato llegaría a Canadá, Brasil y Japón, país que empezaba a interesarse en ser parte de la fabricación de los monoplaza, sobretodo de motores.

 senna prost

 

Llegarían los 80 y el showtime. Con contratos millonarios en publicidad y televisión, la Fórmula Uno ya era un espectáculo global y la pasión se seguía desde los recónditos confines. Tras los triunfos de los “exóticos” Mario Andretti, Jody Scheckter y Alan Jones. Surgiría una nueva generación. El finlandés Keke Rosberg en 1982 se alzó con el título a bordo de una escudería joven que tendría gran repercusión en los siguientes años: Williams equipada con motor Ford. Un nuevo héroe latino surgió y fue el brasileño Nelson Piquet quien fue campeón en 1981, 1983 y 1987 rivalizando con gigantes veteranos como Niki Lauda, campeón de 1984 y emergentes como Alain Prost (1985, 1986) quienes triunfaron a bordo del McLaren TAG. A finales de los 80 se incorporó al espectáculo un carismático brasileño: Ayrton Senna, quien junto a Prost protagonizarían tal vez la rivalidad más célebre de la historia de la categoría. Ambos a bordo del McLaren con Motor Honda monopolizaron la competencia haciéndose Senna de los títulos de 1988, 1990 y 1991 y Prost del de 1989. En los 80 un piloto no llegó al título pero sí a los corazones de la afición: Gilles Villeneuve, cuyo nombre lleva el circuito canadiense.

La temporada por aquellos años se expandió a los circuitos de Imola, llamado Gran Premio de San Marino, Portugal, llegaría por primera vez a Europa del Este en el Gran Premio de Hungría y a Australia en el circuito de Adelaida. Se volvieron tradición circuitos como Spa Francorchamps en Bélgica, Hockenheim en Alemania y Paul Ricard en Francia.

 michael-shumacher-with-mika-hakkinen

 

Los 90 son la era del desarrollo tecnológico en el que tomaría la ventaja la escudería Williams con motor Renault, la cual permitiría su único campeonato al desventurado Nigel Mansell (1992) y un último sorbo de gloria a Alain Prost (1993). Cuando en 1994 incorporaron a Senna, la idea era perpetuar su dominio, pero la muerte sorprendió al brasileño corriendo, la misma que fue una lección para incorporar notablemente dispositivos de seguridad a favor de los pilotos. En dicho año surgiría una nueva estrella: el alemán Michael Schumacher, quien a bordo del más modesto Benetton – Renault ganaría las temporadas 1994 y 1995. Los últimos suspiros de grandeza los daría Williams con los títulos de Damon Hill (1996) y Jacques Villeneuve (1997) y McLaren con el bicampeonato de Mika Hakkinen (1998-1999).

Varios países organizaron 2 competiciones como España, Alemania o Japón poniendo a sus fechas nombres de países vecinos (Luxemburgo), continentes (Europa) u oceános (Pacífico) y se cambió la sede de Australia para Melbourne. A partir de 1991 se otorgaría 10 puntos por cada victoria al ganador de cada carrera.

Schumacher

En 1996 Ferrari había fichado a Schumacher para un proyecto que buscaba reverdecer laureles. Su trabajo comenzó a dar frutos en el 2000 cuando Schumi consiguió su tercer campeonato y hasta el 2004 lo del pilotó alemán y la escudería italiana sería un romance aplanador que ganó muchos adeptos y probablemente aburrió a otros tantos. Schumacher pulverizó el pentacampeonato de Fangio, el récord de carreras ganadas de Prost y de pole positions de Senna, convirtiéndose en el piloto más importante de la historia de la categoría. Luego de una serie de reformas orientadas a detener el dominio de Schumacher y Ferrari, llegó el bicampeonato de Fernando Alonso (2005 y 2006) a bordo de un auto Renault que se aventuraba a ser constructor solo. Para el final de la década, los títulos de Kimi Raikkonen (2207), Lewis Hamilton (2008) y Jenson Button (2009) dieron aire fresco a la competición.

En el inicio del Siglo XXI la expansión de la competición buscó a Asia y así se incorporaron circuitos del Medio Oriente (Bahréin y Abu Dabi) y Lejano Oriente (China, Malasia, Singapur), innovando con la incorporación de circuitos nocturnos y nuevos diseños concebidos por el ingeniero alemán Hermann Tilke.

 

YAS MARINA CIRCUIT, UNITED ARAB EMIRATES - NOVEMBER 24: Sebastian Vettel, Ferrari, and Lewis Hamilton, Mercedes AMG F1 during the Abu Dhabi GP at Yas Marina Circuit on November 24, 2018 in Yas Marina Circuit, United Arab Emirates. (Photo by Steven Tee / LAT Images)

YAS MARINA CIRCUIT, UNITED ARAB EMIRATES – NOVEMBER 24: Sebastian Vettel, Ferrari, and Lewis Hamilton, Mercedes AMG F1 during the Abu Dhabi GP at Yas Marina Circuit on November 24, 2018 in Yas Marina Circuit, United Arab Emirates. (Photo by Steven Tee / LAT Images)

La década de los 2010 ha estado marcada por los extensos dominios de 2 pilotos. La primera mitad fue del alemán Sebastian Vettel, quien a bordo de la en ese entonces nueva escudería Redbull – Renault conquistó los campeonatos de 2010, 2011, 2012 y 2013. El actual momento marca el dominio de Lewis Hamilton y la marca Mercedes. El piloto británico ha sido campeón de las temporadas 2014, 2015, 2017 y 2018, mientras que dejó espacio para que su compañero de aquel año, Nico Rosberg, gane el del 2016. Tal vez han sido años con pocas sorpresas, marcado por el notable cambio en los sistemas de puntuación que otorgan 25 puntos al ganador, 18 puntos al segundo, 15 al tercero, 12 al cuarto, 10 al quinto y así hasta que el décimo lleve puntuación. Actualmente hay 21 competiciones en la temporada con la inclusión de circuitos como Rusia o Azerbaiyán, el regreso de Estados Unidos y México y algunos intentos fallidos como fueron Corea, India o Turquía.

De momento la temporada 2019 parece vislumbrar otro “paseo” de los Mercedes. Valtteri Bottas ganó el Gran Premio de Australia y Lewis Hamilton en Bahréin y China. Ambos ya han tomado considerable distancia en la tabla de puntos con 62 y 68 puntos frente a sus competidores, Max Verstappen con 39, Sebastian Vettel con 37 y Charles Leclerc 36. Actualmente Vettel aún es el piloto más joven en consagrarse campeón y Hamilton tiene el récord de pole positions (83) y podios (134).

Este ha sido el resumen de mil episodios. ¿Cuántos más se podrá ver? Esperemos que al menos 1000 o 2000 más.

Un Caballero Octogenario

El pasado 30 de marzo se cumplió el octogésimo aniversario desde la primera aparición de “Batman”. Uno de los emblemáticos personajes del cómic y la ficción contemporáneas. Ha pasado mucho desde que Bob Kane dio vida con su pluma e ingenio al hombre murciélago y así mismo, hay mucho que hablar sobre su influencia y evolución a lo largo de la historia.

Los fanáticos de Batman principalmente lo valoran como un héroe sin poderes fantásticos atribuibles a condiciones que rebasan lo humano, aunque se ironiza con que su súper poder es su súper billetera (?) La lucha de Batman no sólo se configura contra el crimen, sino contra sí mismo, contra su propia humanidad que le puede llevar a concebir atrocidades canalizadas en el mismo instinto motivador que le llevo a su vida combativa: la venganza. La crisis de los años 30 degeneró en tiempos oscuros y violentos reflejados a productos artísticos y de ficción como Batman.

 waynes

 

Hizo falta algunas publicaciones de “Batman” para descubrir su origen. Es bien sabido que el hombre murciélago es la identidad que adoptó Bruce Wayne, un heredero multimillonario que en su infancia quedó huérfano de padre y madre ya que ambos murieron en un asalto que él mismo presenció, momento en el que juró combatir al crimen, sin embargo, siempre contrario a vencerlos mediante la muerte. Así es como no acepta ser el heredero de Ra’s Al Ghul. El enigmático y longevo personaje quien según la película “Batman Begins” es protagonista dentro del intenso entrenamiento y transformación de Bruce.

Se podría decir que “con todo ese dinero cualquiera”, pero tal vez el verdadero poder de Batman está en su determinación para adquirir las destrezas y la fuerza para el combate, así como el dominio de las ciencias con las cuales se puede configurar su sofisticado equipamiento desarrollado por sus empresas dirigidas por Lucius Fox y ayudado a operar por al gran Alfred Pennyworth su fiel custodio y mayordomo. Tal vez la voluntad y obsesión de Wayne al encarnar al justiciero nocturno se las podría catalogar como sobrehumanas.

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Algo tan o más fascinante que el mismo Batman son sus antagonistas. Villanos que encarnan toda variedad de maldad. El principal de todos ellos es “Joker” o Guasón en traducciones latinoamericanas. En el complejo universo de Ciudad Gótica escasea la cordura y Joker es un caso emblemático al tener una conducta sociópata que lo motiva a ser daño por el puro gusto de hacerlo. “Hay hombres que sólo quieren ver arder el mundo” es una icónica frase que Alfred le dice a Bruce en “The Dark Knight”, película que se centra en la dualidad Batman – Joker contando con la espectacular actuación del desaparecido Heath Ledger, quien encarna casi a la perfección la locura, el egoísmo y resumidas cuentas: la maldad.

Es usual que los villanos de Batman tengan relaciones familiares turbulentas que implican abandono o sensación de injusticia como Pingüino, Gatúbela o el Señor Frío. Otros rivalizan desde un punto de vista filosófico e intelectual, tales como Jonathan Crane, Bane, El Acertijo o el mismo Ra’s Al Ghul. Uno de los más fascinantes antagonistas de Batman es Two-Face quien pasó del lado de la impartición de la justicia al crimen cuando su cara se deformó luego de recibir ácido por parte de uno de los capos de la mafia de Gótica: Salvatore Maroni. Su polémico sentido de la justicia, basado en el azar, denota su obsesión por el destino. Asociado con trastornos como la esquizofrenia y la bipolaridad, es un extremo de la clásica temática del universo de Batman que se narra en esa lucha permanente de justicia vs injusticia.

 villanos

 

Mencionamos que Batman fue creado en momentos de crisis. A medida que la misma pasó y se llegó a los tiempos a los años 50, prósperos y conservadores de la unión americana, cuando la obra “La Seducción del Inocente” del psiquiatra Fredric Wertham influyó en la creación del “código del cómic”, llevó una transformación temática y estética que casi hiere de muerte a Batman. La suposición que los crímenes relatados en las historietas alientan a los jóvenes a cometerlos o más aún especular con una supuesta relación homosexual entre Batman y su protegido Robin, algo muy mal visto en aquellos tiempos, motivaron a la introducción de personajes femeninos como Batichica, al énfasis de la imagen Playboy de Bruce y en si a un universo más edulcorado que tuvo su clímax con la popular serie de los 60.

 

 

El desinterés por Batman se fue acrecentando hasta 1986, cuando Frank Miller (el creador de Sin City) publicó “The Dark Knight Returns”, en la cual, un Bruce Wayne avejentado vuelve a la escena para lidiar con la siempre problemática Ciudad Gótica y sus clásicos enemigos en un escenario ambientado con preocupaciones del momento como las mutaciones o la guerra fría. El nuevo interés por Batman motivó a la producción de películas basadas en su universo y Tim Burton fue el director ideal para retomar el ambiente sombrío y la idea original de Batman cuyo éxito también se sostuvo en la actuación de grandes de Hollywood como Michael Keaton en el papel de Wayne / Batman, Jack Nicholson como el Joker de la película homónima o Danny De Vito como el Pingüino de “Batman Returns”.

 Con la intención de atenuar la oscuridad de las producciones de Burton que causaban conflictos comerciales, Pasó Joel Schumacher a dirigir “Batman Forever” y “Batman & Robin” a mediados de los 90 con una recepción poco entusiasta por parte de la crítica aunque bastante buena por los espectadores. La época 80-90era de Batman incluso trajo a la cultura pop éxitos musicales clásicos como “Batdance” de Prince, “Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me” de U2, “Kiss From a Rose” de Seal o “The End is The Beginning is The End” de Smashing Pumpinks.

 

 

Finalmente la trilogía de Christopher Nolan: “Batman Begins”, “The Dark Knight” y “The Dark Knight Rises” supo devolver completamente el entusiasmo del consumidor de cultura popular con Batman en obras que envuelven con pesadez el drama psicológico de protagonistas y antagonistas sumado a un impresionante despliegue tecnológico con el que resalta la tecnología desarrollada por Empresas Wayne al servicio de Batman. Impresión definitiva del Siglo XXI. Grandes actuaciones de Christian Bale como Batman, Heath Ledger como Joker, Tom Hardy como Bane o Gary Oldman como el Comisionado Gordon.

 dark knight

 

El desfile de damas interesantes y hermosas es una característica propia de las películas modernas de Batman. Kim Basinger como la reportera Vicki Vale, Nicole Kidman como la doctora Chase Meridian o Elle McPherson como Julie Madison son el sello propio de los films. Así mismo para encarnar personajes clásicos del cómic estuvieron grandes nombres Michelle Pfeiffer y Anne Hathaway como Gatúbela o Uma Thurman como Poison Ivy.

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Sin duda la dualidad entre bien y mal que no solo enfrenta a los personajes de Batman, sino que enfrenta a sí mismos prácticamente a cada uno de ellos, es la característica principal y motivo por el cual ha podido este universo sobrevivir a lo largo de los años y adaptarse a las actualidades de los tiempos por los que ha atravesado. Sus historias incluso atraviesan la línea temporal como con ¨Batman Beyond” y las líneas estéticas con las producciones de Lego. Batman es esencial para entender la cultura pop y la cultura misma.

Historia de las Mascotas de los Mundiales

Una de las tradiciones que se consolidó en la historia de las Copas del Mundo ha sido el diseño de una mascota que represente la organización de cada mundial que generalmente su intención es ganarse el público más joven e intenta ayudar, en algunos casos con más éxito que otro, la marca del evento.

Inglaterra 1966

Willie England 1966

“World Cup Willie” es el nombre original de la mascota de Inglaterra 1966, creada por el ilustrador infantil, Reg Hoye y en su homenaje incluso se compuso el tema oficial del torneo. El diseño es muy inglés, pues los tres leones son el símbolo del escudo de armas y se lo encuentra también en la camiseta de la selección nacional. Del mismo modo, Willie viste una “Union Jack” con la inscripción “World Cup”.

México 1970

Charro Juanito México 1970

“Juanito” es el dibujo de un clásico niño mexicano, por no decir latinoamericano, con un nombre tan local como Juan. Para distinguirse mexicano usa el sombrero con el que se identifica comúnmente al país en el cual está la inscripción “México 70” y vestido con el uniforme histórico de la selección mexicana de casaca verde y shorts blancos. Creado por el diseñador Juan González Martínez.

Alemania 1974

Otto y Fritz Alemania 1974

“Tip y Tap” fueron las mascotas del primer mundial alemán en 1974, eligiéndose por primera vez a una pareja y de nuevo escogiendo la creación de niños para animar el torneo. El nombre deriva de la popular forma en que los niños alemanes eligen los equipos a la hora de jugar fútbol tocándose la punta de los zapatos y que se denomina “tip-tap” o “tip-top”. Siendo dos niños, uno alto y rubio y otro moreno y más bajo, pretendían dar un mensaje de unión a un país políticamente divido en aquel entonces.

Argentina 1978

Gauchito Argentina 1978

“Gauchito Mundialito” fue la mascota diseñada para el Mundial de Argentina 1978. Creado por el dibujante Néstor Córdoba, quien formaba parte del estudio García Ferré, pionero de la animación en Latinoamérica. Vestido con la indumentaria tradicional del Gaucho argentino, con sombrero, pañuelo y rebenque, además del tradicional uniforme de la selección argentina con camiseta celeste y blanco a rayas verticales y short negro. Sería una nueva apuesta hacia ilustrar un niño como mascota.

España 1982

naranjito españa 1982

Finalmente España 1982 rompería con el ciclo de figuras infantiles para pasar a las antropomorfas. “Naranjito” fue una muy popular y aceptada mascota que fue creada a partir de ser la naranja una de las frutas que más se producen en el Mediterráneo español, creado por María Dolores Salto y José María Martín Pacheco. Terminó teniendo una gran aceptación al popularizarse productos con su imagen regordeta y vestida con el uniforme oficial de la selección española. Incluso se creó una serie de televisión en la que había más personajes animados.

México 1986

Pique México 1986

En 1986 el Mundial nuevamente se organizó en México y había que buscar otro motivo alusivo a dicha nación para utilizarlo como mascota, resultando una combinación genial de estereotipos. “Pique” básicamente es un chile picante verde y gigante que usa un enorme sombrero mexicano y bigotes, además de uniforme para jugar fútbol y un balón de exagerado tamaño. También fue un éxito con los fanáticos del fútbol.

Italia 1990

Ciao Italia 1990

Tal vez la mascota más enigmática de la historia es la de Italia 1990. “Ciao”, su nombre, que es el típico saludo en italiano, es básicamente una figura antropomorfa inanimada, compuesta de cubos de colores verde, blanco y rojo de la bandera italiana más un balón como cabeza. Con menos aceptación entre los aficionados que sus antecesores.

Estados Unidos 1994

Striker USA 1994

Un perrito fue la mascota de Estados Unidos 1994, bien recordada por quienes fueron niños en esos momentos, pero algo criticada por sectores allegados al fútbol. “Striker” (algo así como goleador), creado por los estudios Warner Brothers, la idea era ser uno de los elementos con qué intentar seducir al público norteamericano que para ese tiempo estaba muy poco familiarizado con el fútbol. La indumentaria de la mascota era ropa deportiva en azul, rojo y blanco.

Francia 1998

Footix Francia 1998

En 1998, la organización de Francia eligió a “Footix”, diseñado por Fabrice Pialot. Muy apropiado el diseño de un gallo que es uno de los símbolos nacionales del país galo y su bautizo asocia al deporte con la terminación estereotípica de las tribus galas “ix”. Los colores rojo y azul identificaron a este personaje más la inscripción del mundial en su pecho y botines de fútbol incorporados y una fuerte identificación dentro de la nación anfitriona.

Japón y Corea 2002

Nik Ato Kaz Japón Corea 2002

El Mundial de Japón y Corea 2002 tenía sus peculiaridades como la sede compartida y que se organice una Copa del Mundo en Asia. Del mismo modo, sus mascotas fueron un tanto extrañas, pues se supone se trataba de seres alienígenas creados a partir de energía y solo por este mundial se ha contado con 3 mascotas en total. Los denominados “Spheriks” son: “Ato” que es el más alto y va en color amarillo, de nacionalidad japonesa y tiene un rol de entrenador, mientras que “Nik”, el celeste y “Kaz”, el violeta son los jugadores de “Atmoball”, un deporte del universo del que provienen. También contaron con su serie animada aunque en general, no fueron personajes con mucho éxito.

Alemania 2006

Goleo VI Alemania 2006

La mascota elegida para el Mundial de Alemania 2006 fue un león. “Goleo VI” lucía una camiseta blanca con bordes negros de clásico diseño de selecciones alemanas con el número 06, además venía con un compañero que era el balón parlante “Pille”. Tuvo críticas primero por haber sido escogido un animal que poco tenía que ver con la identidad alemana e incluso se lo podía asociar con Inglaterra, nación rival deportiva e incluso política en el pasado, además de al extrañeza de que “ande por ahí sin pantalones”. Diseñado por los estudios de Jim Henson.

Sudáfrica 2010

Zakumi 2010 sudáfrica

Sudáfrica 2010 llevó por primera vez al mundial al continente africano y se podía esperar como mascota a alguna especie de su amplia fauna. “Zakumi” es un leopardo de frondosa cabellera verde y cuerpo amarillo, colores que generalmente llevan las representaciones deportivas sudafricanas. Su nombre es la mezcla del prefijo ISO de Sudáfrica, ZA, y “kumi” que significa “diez” en algunas lenguas ancestrales africanas. Tuvo su propia serie animada de televisión llamada “Kung Fu Zakumi”.

Brasil 2014

Fuleco Brasil 2014

Nuevamente la mascota sería un animal en Brasil 2014. “Fuleco” fue el nombre ganador que combinaba las palabras fútbol y ecología, dando el guiño ambiental para este mundial que tendría algunos escenarios próximos a selvas y otros dominios naturales. Se trata de una armadillo de tres bandas, animal típico del extenso territorio brasileño, ideal para relacionarse con el balompié, pues tiene la capacidad de literalmente “hacerse bolita” y de hecho, en parte de su diseño hay ciertas formas que asemejan a un balón de fútbol. Al igual que “Zakumi” su indumentaria es de camiseta blanca con la inscripción de su mundial y un short verde.

Rusia 2018

zabivaka rusia 2018

Finalmente, Rusia 2018 continúa con la saga de animales endémicos del país organizador. “Zabivaka” fue la mascota elegida de una votación previa que incluía otras mascotas y su diseño fue obra de Ekaterina Bocharova. Se trata de un lobo que usa ropa deportiva con los colores de su país y un divertido detalle de anteojos deportivos de marco naranja cuyo nombre en ruso significa “pequeño goleador”. Su popularidad aún está por verse.

Historia de los Himnos de los Mundiales

Uno de los rituales que se ha instalado en la espera y desarrollo de los mundiales de fútbol tiene que ver con la música. Los himnos y canciones son el sello característico del recuerdo de una cita mágica como es la copa del mundo.

Esta tradición se instauró en 1962 en el Mundial de Chile. En pleno surgir del rock and roll, esta “novedosa” música inspiró la composición del primer himno de la copa. “El Rock del Mundial” interpretado por la banda local “Los Ramblers” fue la banda sonora de aquella cita en la que brilló el Brasil de Garrincha y otras tantas glorias del balompié mundial.

En 1966, el Mundial de Inglaterra inauguró otra tradición que fue la creación de la mascota oficial. Willie el León no sólo dio el toque lúdico, sino que inspiró el himno de esta edición de la Copa del Mundo llamado «World Cup Willie» interpretado por Lonnie Donegan y que tiene una fuerte influencia de la música tradicional de las islas británicas. Para imaginarse a Bobby Moore y su selección festejando a su ritmo.

México 1970 vería la consagración de tal vez la mejor selección de la historia: el Brasil de Pelé. Su tema, «Fútbol México 70» obviamente tendría muchos elementos de la tradición musical mexicana y su clásico estribillo de aliento “chiquitibum a la bim bom ba”, aunque el tema también introduce elementos más “modernos” hablando de la época, con un poco de ritmos latinos y otro tanto de soul. Su interpretación corrió a cargo de los Hermanos Zavala.

En el Mundial de Alemania 1974 se oyó “Fussball ist unser Leben” compuesto por Werner Drexler y Jack White (no es el pana de los White Stripes, ojo). Con un ritmo muy tradicional alemán, se la puede imaginar escuchándola mientras se disfruta de un enorme jarro de cerveza, deleitándose con los goles de Gerd Müller, el liderazgo de Beckenbauer y la magia de Johan Cryuff.

Argentina 1978 tuvo un himno mucho más sobrio, obra del famoso compositor de italiano de bandas sonoras de películas, Ennio Morricone e interpretada por la sinfónica de Buenos Aires. «El Mundial» con su ritmo épico nos hace imaginar a Mario Kempes driblando cuanta camiseta naranja se le ponía enfrente.

“Mundial 82” fue el himno de la cita ecuménica celebrada en dicho año en España. Hubo el notable cambio de la inclusión por primera vez de 24 selecciones en la competición, mientras que su canción fue interpretada por el tenor Plácido Domingo y acompañado no precisamente por ópera sino más bien por una especie de pasodoble y demás ritmos tradicionales españoles con los que se recuerda la magia de Zico, Sócrates, además de los goles de Paolo Rossi.

Por primera vez una voz femenina se escuchó en las citas mundialistas en México 1986. La británica Stephanie Lawrence cantó “A Special Kind Of Hero” en un ritmo muy de pop femenino ochentero. Desde este mundial aparecieron más canciones además del tema oficial. Es así como el intérprete Juan Carlos Abara cantó “El Mundo Unido por un Balón” que es mejor recordada por la afición latinoamericana y la inmediata asociación con los regates de Diego Maradona. Del mismo empezaron regulares canciones pop a animar los mundiales y en este caso “Hot, Hot, Hot” del caribeño Arrow fue parte del combo sonoro del mundial mexicano.

A Special Kind of Hero

El Mundo Unido por un Balón

Dicen que Italia 1990 fue “un mundial feo”, sin embargo, dio al fútbol y a la cultura popular en general, la que es considerada la mejor canción de la historia de los mundiales. «Un’estate italiana”, compuesta e interpretada por Edoardo Benato y Gianna Nannini es una conmovedora balada al más puro estilo del pop italiano, capaz de hacer enjugar una lágrima mientras vienen a la mente las atajadas de Goycoehea, los lamentos de Gascoigne y del mismo Maradona, los pasitos de baile de Roger Milla, los goles de Schillaci y a Lothar Matthaus levantando la copa.

Estados Unidos 1994 fue el mundial de los árbitros de colores, los arcos cambiables y las victorias de 3 puntos. Los goles de Romario, el glamour de Roberto Baggio, el brillo de Gheorghe Hagi y demás fueron animados por el tema oficial “Gloryland” interpretado por Daryl Hall y Sounds of Blackness en una onda un poco R&B típico de las tierras norteamericanas. Fue la primera vez en la que se editó un disco conmemorativo en el que se incluyeron emblemáticos temas remezclados para la ocasión como “Celebration” de Kool and The Gang o “Rock & Roll” de Gary Glitter.

A partir de 1998, en el Mundial de Francia, hubo que diferenciar lo que es el “Himno Oficial del Mundial” y la “Canción Oficial del Mundial”. El himno corresponde al tema “La Cour des Grands” interpretado por el senegalés Youssou N’Dour y la belga Axelle Red. En tanto que la canción es la muy conocida “La Copa de la Vida” interpretada por el puertorriqueño Ricky Martin y es de hecho uno de los temas más populares de la década. En el disco conmemorativo se incluyeron temas que durante el mundial fueron muy populares en diferentes latitudes como “Samba E Gol” de Bellini, “Top of the World” de Chumbawamba o “É Uma Partida de Futebol” de Skank para recordar a grandes cracks como Ronaldo, Zinedine Zidane o Davor Suker.

La Cour des Grands

La Copa de la Vida

Samba E Gol

El himno del Mundial de Japón y Corea 2002, que de hecho su nombre oficial es tal cual: “Anthem FIFA World Cup 2002”, fue compuesto por el grupo griego de música electrónica “Vangelis” con una propuesta de música repleta de máquinas acorde a la llegada del siglo XXI. Del mismo modo hay que diferenciar de la canción oficial que fue “Boom”, interpretada por la estadounidense Anastacia y a nivel local se popularizó el tema “Let’s Get Together Now” con un ritmo más bien funk. Se recuerda más a la laboriosa selección coreana, la fina puntería de Ronaldo y un poco de selecciones sorpresivas como Turquía o Senegal que a las canciones que no tuvieron el impacto que las del mundial pasado.

Anthem

Boom

“Celebrate the Day”, interpretada por Herbert Gronemeyer, Amadou y Mariam fue el himno oficial de Alemania 2006 y la canción oficial fue “The Time of Our Lives” interpretada por Il Divo y Toni Braxton. Sin embargo, estos temas des escasa sensibilidad pop no tuvieron la popularidad de “Love Generation” de Bob Sinclar o “Hips Don’t Lie” de Shakira y Wyclef Jean, con los que sí se puede fácilmente asociar las jugadas de Zinedine Zidane, Andrea Pirlo, Alessandro del Piero y los goles de Miroslav Klose.

Celebrate the Day

The Time of Our Lives

Love Generation

R. Kelly se encargó de la producción de “Sign of a Victory” quien con ritmos africanos y americanos estructuró el himno oficial de Sudáfrica 2010 acompañado de los Soweto Spiritual Singers. En cambio la canción oficial fue el muy popular “Waka Waka” de la colombiana Shakira. La gaseosa Coca – Cola es uno de los principales auspiciantes del Mundial de Fútbol y a partir de este mundial emitió su tema promocional que para aquella edición fue “Wavin’ Flag” del somalí K’naan y en español la cantó David Bisbal haciendo juego con la levantada de copa de Iker Casillas, la primera para España.

Sign Of a Victory

Waka Waka

Wavin’ Flag

Brasil 2014 tenía que imprescindiblemente contar con ritmos latinos para su banda sonora. Es así como el himno oficial “Dar um Jeito” reunió al gran Carlos Santana con Wyclef Jean, Avicii y Alexandre Pires para dar una poderosa y explosiva combinación. De todas maneras más popular fue la canción oficial, la recordada “We Are One” que juntó a Pitbull, Jennifer López y Claudia Leitte. Además fueron populares temas de “viejos conocidos” en temas mundialistas como “La La La” de Shakira o “Vida” de Ricky Martin. Muy latino todo pero el brillo en cuanto fútbol lo puso la Alemania de Toni Kroos, Thomas Müller, Manuel Neuer y toda esa generación maravillosa del campeón vigente.

Dar um Jeito

We Are One

La La La

Para este Mundial de Rusia 2018 la canción oficial es interpretada por Polina Gagarina, Egor Creed y DJ Smash, su nombre es “Comanda”. En tanto que sigue en vigencia la moda latina y afrodescendiente, por lo que canción promocional de Coca – Cola es “Colors” interpretada por Jason Derulo y el colombiano Maluma.

Comanda

Colors

¿Cuál creen que fue el mejor tema de los Mundiales? Son libres de comentar.

Las Puertas de la Percepción Musical 1967 – 1969

En la historia del rock tan ligada hasta nuestros días a movimientos llamados contraculturales existió un momento muy particular que se relaciona estrechamente al aparecimiento del flower power en Estados Unidos y el surgimiento de una corriente musical en el viejo continente, específicamente en Inglaterra. A pesar de su período corto, sin duda fue uno de los momentos más importantes por todo lo que acarreó cultural y musicalmente con el surgimiento de nuevas figuras en un momento álgido de la historia moderna: Vietnam en su máximo apogeo desde 1955, con la intervención de los Estados Unidos quienes a través de una operación de falsa bandera conocida como el incidente del Golfo de Tonkín que ocurrió el 31 de julio y 4 de agosto de 1967 y con la que “legitimaron” su intromisión bélica, la misma que como sabemos les costó demasiado caro. Estos contrastes de guerra por una parte de la sociedad y amor, paz y música en otra generaron una etapa muy surrealista.

A esta etapa se le liga mucho el aparecimiento y consumo en la sociedad del famoso dietilamida de ácido lisérgico más conocido como LSD que de cierta manera fue parte y sentó las bases de una revolución de expansión mental y musical. El químico suizo Albert Hofmann sintetizó por primera vez la sustancia en 1938 y en 1943 descubrió sus efectos por accidente al tomar un dosis demasiada alta antes de salir de los laboratorios Sandoz de Basilea hasta su domicilio en su famoso viaje en bicicleta.

Este uso recreacional de esta droga alucinógena (que usada en exceso puede ocasionar trastornos psiquiátricos adversos aunque actualmente nuevos experimentos han demostrado que también tiene efectos positivos en el tratamiento de enfermedades tan diversas como los trastornos de ansiedad crónica, tratamiento de adicciones como el alcohol o el tabaco o también la depresión), dio origen a varios trabajos musicales interesantes que, si bien tiene que ver mucho a la genialidad creatividad y capacidad artística, siempre han sido relacionados con el uso de esta sustancia durante su creación para abrir las puertas de la percepción y expandir la mente.

En esta ocasión y al cumplirse ya medio siglo de esta revolución, nos centramos en lo que creo que son los discos más icónicos de este período de la música sin un orden en particular:

Are You Experienced? – The Jimmy Hendrix Experience

are you experienced

Debut de la banda británico americana liderada por el ya mítico Jimmy Hendrix, sería ya un ejercicio innecesario hablar de la revolución que generó Hendrix que tuvo que viajar a Inglaterra para encontrar el apoyo necesario y poder brindarnos uno de los discos que revolucionaria la historia del rock. Publicado en 1967, una amalgama de blues, psicodelia, ciertas referencias de jazz que sin duda lo convirtió en un punto de partida de donde se generarían sonido como el Hard Rock. Canciones con unas raíces bluseras como Red House, los sonidos más elaborados de “Maniac Depression” (se puede apreciar su influencia posterior en artistas como Lenny Kravitz); más hard rockeros como “Foxy Lady”, o la versión de una canción popular estadunidense” Hey Joe”. La importancia de este disco en la cultura es tal que se encuentra catalogado en el National Recording Registry de los Estados Unidos

Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band – The Beatles

sargent peppers

Otro disco editado en Inglaterra en 1967, de la mano de los famosos pero cambiados Beatles. Una oda a la psicodelia que generó una transformación radical en la parte musical (sin dejar su sonido pop) y visual del cuarteto de Liverpool que estaban cansados de ser “The Beatles Mod Top”. Encontramos temas ya con un sonido más  rockero como “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, canciones con un toque pop como “Lovely Rita” o “Fixing a Hole”, con una fuerte influencia de sonidos hindús y psicodelia en “Within You Without You” o la magnífica “ A Day in a Life”.

Una propuesta muy interesante que marcó un antes y después con sus siguientes discos donde recrudecieron su sonido y continuaron con sus innovaciones y complicados arreglos hasta su último trabajo en estudio el magnífico Abbey Road (a pesar de que cronológicamente su último lanzamiento fue el “Let It Be”).

The Doors – The Doors

doors

Surgidos en Los Angeles – Calfornia, uno de los grupos que supo desmarcarse musicalmente del resto de bandas que florecieron y desaparecieron en un abrir y cerrar de ojos, pese a que su existencia podríamos decir que también fue corta, sin embargo nos dejó una serie de discos que son considerados claves en la historia del rock. “The Doors” lanzado en el año 1967. álbum homónimo con el que debutaron, muestra una banda compacta formada por diferentes corrientes musicales, una mezcla de poesía y música, liderados por el carismático vocalista Jim Morrison, cuyas increíbles letras influenciadas por Nietzche, Huxley, etc.; fueron amalgamadas  por los sonidos diversos del resto de la banda: blues, jazz, etc. Incluyeron grandes clásicos de la banda las poderosas «Break On Through”; “Light My Fire”; “Back Door Man”; la hermosa balada “The Crystal Ship” y su tema más controversial: la psicodélica y edípica “The End”. Varias de estas canciones en su momento fueron censuradas por su fuerte contenido lírico. Un punto a favor que con tiempo favoreció a la leyenda y permanencia del grupo en siguientes generaciones fue su legado visual, siendo de los primeros grupos en grabar videos de sus temas.

The Piper at the Gates of Dawn – Pink Floyd

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Si The Doors marcaba la cancha en Estados Unidos, algo similar pasaba en Inglaterra con una banda que se desmarcó de todo lo que se estaba gestando allá, sentando las bases del rock psicodélico británico posteriormente devenido a el rock progresivo, art rock y algo en el avant garden: Pink Floyd que en mayo de 1967 lanzan su primer trabajo “The Piper at the Gates of Dawn”. Letras surrealistas, sonidos y arreglos experimentales  con cierto oscurantismo, incluso dos de los temas fueron censurados en su momento: “Arnold Layne» y «See Emily Play” para ser posteriormente rescatados en otras ediciones. Un disco a cierto punto difícil de escuchar, cuesta engancharse pero como todo gusto adquirido hay que hacerlo de a poco por lo que no podríamos destacar un tema que sobresalga del resto, todo el disco es muy lineal y no tiene algún tema que sobresalga, como se dijo anteriormente, hay que tenerle un poco de paciencia, aunque “See Emily Play” es un tema que podría recomendarse escuchar antes de seguir con el disco en sí al igual que Astronomy Domine.

Gimme Shelter I´m gonna fade away

Los problemas en las bandas y una serie de eventos desafortunados comenzaron a enterrar este movimiento siendo cronológicamente los más importantes:

En 1968 los problemas mentales (asociados entre otras cosas a sus excesos con LSD) empezaron a mermar la mente de Syd Barrett, letrista del grupo finalizando su salida  de Pink Floyd. Esto lejos de mermar al grupo le permitió expandir su creatividad musical y embarcarse en proyectos más ambiciosos orientados hacia el más elaborado y experimental rock progresivo.

Lennon anunció su retirada de la formación el 20 de septiembre de 1969 y Paul McCartney presentó una demanda para la disolución de The Beatles el 31 de diciembre de 1970.

El fin de esta etapa tiene como fecha referencial el 6 de diciembre de 1969 en el desastroso y accidentado concierto de los Rolling Stones en el Speedway Free Festival de Altamont que saldó 4 muertes y terminó con esta utopía de la filosofía amor y paz, permitiendo  el aparecimiento de nuevas corrientes y grupos. La desaparición de gran parte de grupos y en algunos casos la evolución y experimentación musical de los mismos como mencionaba anteriormente ocurrió con Pink Floyd.

Muchos de los héroes musicales comienza a desaparecer, así los  más icónicos fueron:

3 de julio de 1969 muere Brian Jones – The Rolling Stones

18 de septiembre de muere Jimmy Hendrix

4 octubre de 1970 muere Janis Joplin

3 Julio de 1971 muere Jim Morrison