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¿Vuelven los Guns N’ Roses “pepa”?

De las noticias que más ha sacudido al mundo del rock, que, seamos buenos, ya es un mundo de viejitos. El anuncio de Axl Rose y Slash a través de redes sociales de volver a conformar lo que conocíamos como “Guns N’ Roses” con una presentación en el festival de Coachella en la cual, se supone, veríamos a los melenudos avejentados pero originales, en lugar de lo que ha venido siendo los tours de una mal llamado “GN’R” que básicamente era Axl y panas. Pero, estrictamente, reunión de “Guns originales”, no es.

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El cartel de Coachella 2016. Quiénes tan’ serán la mayoría de esos llamingos

Ante este anuncio, lo más grato y sorprendente sin duda viene siendo que Axl y Slash se hayan vuelto a comunicar. Lo que se conocía como una irreconciliable ruptura, hacía pensar que nunca se los volvería a ver juntos en el escenario, cosa que al parecer, se volverá a dar este abril y luego de 23 largos años. Sin duda, el principal motivo de este “milagro”, debe ser de tipo económico, no ha de faltar la firma comercial que haya estado persuadiendo para que esta dupla del rock de fin de Siglo XX, vuelva a juntarse. Habría que estar pendientes de ensayos y finalmente, su presentación en Coachella.

Aparte de Axl y Slash, se ha confirmado la presencia de Duff Mc Kagan, el bajista, como otro de los gunners originales que formarán parte del escenario. Duff ha permanecido tocando con Slash en los últimos años y se conoce que su relación con Rose nunca fue del todo áspera, también apareciendo juntos aunque sea esporádicamente en el escenario. Con 3 de los 5 originales confirmados, ya podemos empezar a emocionarnos, pero todavía distaría de ser una reunión Guns en todo su esplendor.

Habrá que ver a quien ponen en la batería. Steven Adler, el fundador de la banda en dicho instrumento, ha sido de los más entusiastas a la hora de mencionar lo que siempre fue una remota posibilidad de reunión de la banda ante la opinión pública. Para la incorporación de Adler habría que superar 2 obstáculos. El primero es saber cómo estaría su relación con Axl Rose, recordando que la salida de Adler de la banda, hace más de 25 años no fue en las mejores condiciones. Es sabido incluso el lío de faldas que los involucra a ambos, aunque oficialmente la razón fue el abuso de drogas del baterista. Por ahí va el segundo punto, pues, la salud de Steven Adler está bastante deteriorada y habría que evaluar condiciones para el regreso. Podría actuar Frank Ferrer, no se ha pensado en Matt Sorum, quien está ocupado con la súper banda “King Of Chaos” y pues, no sería precisamente parte del elenco original de Guns N’ Roses. Otra pregunta sería si Adler estaría en la capacidad de tocar los temas de los Illusion.

El punto más difícil del reencuentro es el guitarrista Izzy Stradlin. Recordando que su salida de este popular grupo de hard rock fue precipitada y casi impulsiva, fruto de su cada vez peor estado de salud producto de la “vida de artista” generada por las tumultuosas giras y apariciones en público de la banda a la que también se sumó el temperamento de su amigo Axl. Las drogas y el stress lo estaban literalmente matando y desde ahí, ha preferido estar lo más lejos posible de la vida pública. Siendo amigos desde siempre con Axl Rose, no habría problema en ese aspecto, sin embargo, es muy reacio al glamour de los grandes espectáculos, tomemos en cuenta que al igual que Rose, no asistió a la inducción al salón de la fama de la legendaria banda. Tomaría su lugar, el actual miembro de de “Axl y amigos”, Richard Fortus. Con Dizzy Reed para percusiones, teclados y todo lo que ha venido haciendo desde los noventa, se completaría el cuadro. Personalmente, creo que Izzy es el alma del sonido de esta banda y la remota posibilidad de su presencia me hace dudar bastante sobre sí vender un riñón para ir a verlos allá, a  Indio – California.

Así es, el elenco original que destrozó tímpanos y hoteles en los 80 con los fuertes acordes del “Appetite for Destruction” es muy difícil que lo veamos, pero en todo caso, ver a Axl, Slash y Duff en escena, será grato para fans que también vamos envejeciendo y la prueba de ello, más que las barrigas, alopecia y preocupaciones financieras, está en el hecho de ver ese cartel de “Coachella” y decir en el 95% de las veces: ¿Quiénes son estos manes? El último punto que quisiera topar es el errático carácter de Axl y que de él podemos esperar cualquier cosa, ojalá prime su faceta más común que es la del estricto profesionalismo y la presentación sea una realidad. ¡Larga vida a los Guns N’ F*ck*n’ Roses!

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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El cielo rocker tiene un nuevo vecino

Tarde en la noche del 3 de diciembre, al menos de este lado del charco, nos íbamos enterando de la lamentable noticia del fallecimiento de Scott Weiland, uno de los cantantes símbolo de lo que fue el sonido de los 90, aquello que se llamaba “rock alternativo” que de todas formas, en esos años terminó siendo el “mainstream”. Un talento inconfundible pero a la vez, un desenlace que se podía esperar para esta estrella.

Scott Richard Kline, su nombre original, nacido en California, saltó a la fama como vocalista de Stone Temple Pilots, quienes debutaron en la escena con el sensacional álbum “Core” de 1992. Weiland se caracterizó por una poderosa voz que imprimía su particular sello en temas como “Plush”, “Sex Type Thing” o “Crackerman”. Eran los tiempos del rock de los gruñidos que marcaban el dramático cambio en las preferencias de los jóvenes que hizo dar a la historia del género un dramático giro a inicios de los noventa. Aunque los STP supieron distinguirse y evolucionar en cuanto a su música para transitar una senda distinta de lo que se denominó “grunge”.

Weiland no solo era un magnífico cantante, sino un “frontman” incomparable. Como alguna vez dijo el periodista chileno, Alfredo Lewin, Scott era “el mejor bailarín del rock alternativo”. Con un ritmo sorprendentemente hipnótico, era un foco indudable de atención y un adicional a las presentaciones de las bandas que conformó. En el modesto video de “Big Bang Baby” del año 1996, su incesante baile opaca la escasa producción del mismo, tal vez la intención era esa.

 

Un “rock star” por excelencia y con una vida tumultuosa. Conocido por su abuso de drogas, aunque el mismo en una entrevista pocos meses antes de su muerte supo decir que no las consumía desde hace 13 años. Arrestos por posesión de drogas y por violencia doméstica hicieron de Weiland un cliente fijo de la justicia y el escándalo. Algo de sus problemas sin duda quedan expresados en el video de “Fall To Pieces”, la power ballad del primer disco de Velvet Revolver: Contraband

 

El trabajo de Scott ha sido principalmente reconocido con Stone Temple Pilots. Su banda primigenia con la que siempre tuvo idas y retornos, romances y conflictos. También la “super banda” Velvet Revolver, que lo juntó con estrellas como los ex Guns N’ Roses Slash, Duff McKagan y Matt Sorum, aunque dicho por el mismo, las razones fueron más comerciales que artísticas. Además hizo trabajos en solitario y se vinculó con actos como “The Magnificent Bastards”, “Art of Anarchy” y los “Wildabaouts” con los que se encontraba de gira hasta el momento de su deceso.

Escandaloso e imán de atención. Nos dejó un perfecto estereotipo del rock and roll, de esos a los que se les celebra cada metida de pata y se paga por ver sus shows en vivo. Quienes disfrutamos de la música de los noventa y de inicios de Siglo XXI nos quedamos con una colección de sensacionales temas para sentirlos, revivirlos, pasar buenos momentos y soportar los amargos.

 

Well I’m Half The Man I Used To Be …

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Discos Imprescindibles: Black Sabbath – Live Evil

Primer disco oficial en vivo de Black Sabbath, que sale al mercado en el año 1982 y que desde mi punto de vista, no ha podido ser igualado por la misma banda en discos posteriores.

Luego de la publicación del disco “Never Say Die” en 1978, Ozzy Osbourne sale de Black Sabbath, por lo que Tony Iommi y el resto de la banda sale en busca de un nuevo vocalista contratando a quien sería con el tiempo una de las voces más emblemáticas del heavy metal y en general del rock n roll: Ronnie James Dio, con quien grabaría dos discos de estudio: “Heaven and Hell” y “The Mob Rules”. Durante la gira de presentación de este último disco, denominada “Mob Rules World Tour 81 -82”, se graba Live Evil

“Live Evil” amalgama e intercala perfectamente estas dos primeras etapas de Black Sabbath: Ozzy/Dio, el disco inicia con el tema instrumental E5150 (del disco Mob Rules) cuyo sonido oscuro da la bienvenida a una de las mejores canciones del disco: Neon Knights (del disco Heaven and Hell) donde ya podemos apreciar el poder de la voz de Dio y la solidez en general de la banda.

 

(video referencial no corresponde al live evil)

 

Sigue a continuación una versión más acelerada de N.I.B. donde destaca la gran performance del bajo de Gezzer Buttler, seguida de “Children of the Sea” y “Voodoo”, canciones ya de la etapa Dio y que muestran a un Black Sabbath con un sonido un tanto diferente a lo que venían haciendo, acercándose más al hard rock. De ahí un tridente de canciones Ozzy-Sabbath: “Black Sabbath”, “War Pigs” y “Iron Man”, para regresar a las canciones Dio-Sabbath: “Heaven and Hell” (donde podemos apreciar los dotes de frontman de Dio con el público, que fue a posterior una de sus características más destacables).

 

En la parte final un midley: “The Sign of the Southern Cross/Heaven and Hell” para cerrar conParanoid” y “Children of the Grave”. Se incluyeFluff” pero son 59 segundos de silencio (o eso fue lo que quedó registrado en mi disco). Las canciones registradas en el disco corresponden a sus presentaciones en Seattle, San Antonio y Dallas.

 

 

Sin duda no se puede negar el legado de Ozzy en los Black Sabbath, pero el performance de Ronnie James Dio en este disco en vivo y en los dos de estudio, supera y por mucho a cualquiera de los discos anteriores con Osbourne (o podría decirse que son dos estilos diferentes que no pueden ser comparados, pero no sé cómo le iría al “Príncipe de las Tinieblas” tratando de interpretar alguna de las canciones del “Elfo del Rock”, Dio). Paradójicamente, la mejor performance de Ronnie James Dio con los Sabbath significó el fin de su etapa en el grupo, actuando por última vez en la gira Mob Rules, el 31 de agosto de 1982 en Illinois.

Mención aparte para la portada del disco, una de las mejores de la historia, con un arte creado por Greg Hildebrandt donde se grafica cada una de las canciones sobre un fondo oscuro y lúgubre que da mucho sentido al título del disco y a los caminos por donde recorren las letras y sonidos de la banda.

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 Temas a destacar del disco:

Todo el disco increíble de principio a fin

 Saltate:

Fluff

Jorge Aguirre
Quito
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La Loma Grande
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immaculate collection

Immaculate Collection: evolución a lo prohibido

El pasado 9 de noviembre se cumplió las bodas de plata de la primera colección de grandes éxitos de la Reina del Pop: Madonna. Nos tardamos un poco, pero vale la pena recordar este gran disco que recoge lo mejor de los años ochenteros de la súper famosa diva norteamericana.

“Immaculate Collection” recorre la evolución de la señorita Louise Veronica Ciccone desde que inicia su carrera hasta el año 1990 que es en el que se publica. Básicamente recoge los sencillos exitosos de sus 4 primeras placas de larga duración: “Madonna”, “Like A Virgin”, “True Blue” y “Like A Prayer”, además de sencillos producto de bandas sonoras de películas donde colaboró Miss “Blonde Ambition” y los temas nuevos que fueron “Justify My Love” y “Rescue Me”.

De su álbum homónimo, se extrajo los sencillos: “Holiday”, “Lucky Star” y “Borderline”, siendo estos, de una línea pop bastante dulzona aunque relativamente pionera para la época (1983), encontraremos un parecido a este tipo de temas más adelante en la década con estrellas adolescente como Debbie Gibson o Tifanny o su “competencia” australiana: Kylie Minogue. Tanto en letras como imagen, Madonna todavía era relativamente inofensiva y aunque su disco debut recibió buenas críticas, digamos que es el menos logrado de todos.

Madonna photographed in New York City, 1984.  ** HIGHER RATES APPLY **  © Michael Putland / Retna Ltd.

Madonna photographed in New York City, 1984. ** HIGHER RATES APPLY ** © Michael Putland / Retna Ltd.

Para 1984, Madonna comienza a decididamente apuntar al lado de la polémica con su álbum “Like A Virgin”, de dónde se extraen los sencillos: “Like A Virgin”, “Material Girl” y “Into The Groove”. Este es el momento en que Madonna se presenta como una mujer ambiciosa, “armas tomar” y que no se pone colorada al abordar el tema del sexo. Su escandalosa presentación en los MTV Video Music Awards la catapultó definitivamente al mega estrellato internacional. Una decisión arriesgada y exitosa como tantas que tomaría la “Reina del Pop”.

En 1986 se publicó “True Blue”, marcando una gran evolución en la calidad de las composiciones y en la potencia de la voz de Madonna. “Papa Don’t Preach” habló con frontalidad sobre el embarazo adolescente, “Open Your Heart” sobre el amor libre y así. A demás de la temática, está el uso de secciones de cuerdas en “Papa Don’t Preach” y la incursión en ritmos latinos de “La Isla Bonita”, aparte de los clásicos sintetizadores y bateráis programadas de un típico álbum de dance pop. Los temas anteriormente citados más “Live To Tell” fueron el aporte del tercer disco larga duración de la norteamericana al “Immaculate Collection”. En cuanto a su look, plegó al onda “andrógina ochentera”, con un cabello más corto y un cuerpo más atlético.

Madonna 1987

 “Like A Prayer” es publicado en 1989 y junto al sencillo homónimo llega otra polémica pues, el tema con el que Madonna le hacía falta meterse era la religión. Gracias al auge del videoclip en la década de los ochenta, vemos a la señorita Ciccone seduciendo santos, caída y limpia. Ella a esas alturas sabía perfectamente que mientras más daba que hablar, más la iban a ver, comprar sus discos y asistir a sus recitales. “Express Yourself” hablaba de poder femenino y junto a “Cherish”, son la cuota de su último ochentero para este disco de grandes éxitos. Es uno de los discos mejor valorados por la crítica, tal vez junto al noventero “Ray Of Light”. Acá ya vemos a una artista completa, segura de sí misma, con impecables producciones, vestuarios y coreografías, así como mucha madurez en su voz.

Madonna 1989

El disco se completa con temas de bandas sonoras como “Crazy For You” y “Vogue”. El sencillo promocional del “Immaculate Collection” que fue “Justify My Love”, trajo consigo un videoclip de alto contenido erótico, que tuvo serias restricciones para ser radiado. Cerró entonces, Madonna los ochenta con broche de oro, dispuesta a pavonearse con su bien merecido título de “La Reina del Pop”. De ahí hasta nuestros días, tendría al público siempre a la expectativa con polémicas, reinvenciones y toda su avasallante personalidad.

Madonna – Immaculate Collection – Sire – 1990

1. Holiday 4:06
2. Lucky Star 3:37
3. Borderline 4:00
4. Like a Virgin 3:12
5. Material Girl 3:53
6. Crazy for You 3:45
7. Into the Groove 4:10
8. Live to Tell 5:19
9. Papa Don’t Preach 4:11
10. Open Your Heart 3:51
11. La Isla Bonita 3:48
12. Like a Prayer 5:52
13. Express Yourself 4:04
14. Cherish 3:52
15. Vogue 5:19
16. Justify My Love 5:01
17. Rescue Me
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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U2 llamando al número de Dios

“Llámame y te responderé, y te anunciaré cosas grandes y ocultas que tu ignoras”. Así dice Jeremías 33-3 en la Biblia y es un detalle que pocos advierten en el lado izquierdo de la portada de “All That You Can’t Leave Behind”, disco que este 30 de octubre cumple 15 años de haber sido publicado y con el cual, U2 entró al Siglo XXI.

Desde dicha portada, se advierte la intención artística del disco cuando se ve a la banda con maletas en un aeropuerto. La idea es un viaje, la idea es tratar de dejarlo todo y emprender ua nueva aventura, un nuevo viaje, pero como dice “Walk On”: “el amor es lo único que no puedes dejar atrás”. Es así como se gesta el famoso símbolo de la maleta con el corazón adentro, característico de este disco y de la gira de promoción que lo siguió.

El disco fue trabajado entre el sur de Francia y Dublín y da un giro completo a la propuesta experimental y alternativa de U2 en los años 90. Con la vuelta a los estudios de sus productores “conocidos”: Brian Eno y Daniel Lanois, se aseguraron del éxito comercial que les fue algo esquivo en la etapa de “Pop”. En los tiempos en los que el archivo mp3 y las descargas gratuitas de música digital comenzaban a tomar una inesperada fuerza, “Leve Behind” fue el último gran éxito comercial de U2 con casi 12 millones de copias vendidas.

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U2 trató de alejarse de la pista de baile, de retomar ciertos sonidos, por ejemplo, el guitarrista The Edge volvió a utilizar una Gibson Explorer, sin embargo, era ya imposible dejar ciertos arreglos con sintetizadores y máquinas y que la influencia de Eno se note, pero siempre el protagonismo fue de sus 4 integrantes clásicos, en los que se vio un notable crecimiento de Larry Mullen como baterista, fruto de sus estudios iniciados en los 90. La portada y fotografía del booklet como ya era costumbre, estuvo a cargo del fotógrafo holandés Anton Corbijn, todo desarrollado en el aeropuerto de París

La presentación de “All That You Can’t Leave Behind” arrancó con el exitoso sencillo “Beautiful Day”, con el cual, U2 anunció su ruptura con su estridente y tumultuoso sonido de los 90. Se trataba de un disco trabajado por personas en sus 40 años, con una vida realizada, familias y millones de admiradores y de dólares. ¿A qué más le van a cantar? Pues a esa misma crisis de media edad, a los amigos, a las causas justas, etc.

“Beautiful Day” habla sobre la esperanza, sobre la dicha y expectativa de comenzar algo, como siempre, la dinámica de los irlandeses es arrancar con calma. El tema empieza con suaves teclados como despertando de un profundo sueño, rumbo a un nuevo desafío que arranca con un viaje, para terminar con mucha euforia y guitarras a todo volumen. “Beautiful Day” está repleta de optimismo con frases como “the sky fall and you feel like’s a beautiful day” o “what you don’t have you don’t need it now”. El videoclip, dirigido por el sueco Jonas Akerlund, es un referente de inicios de siglo XXI. Rodado en el Aeropuerto Charles de Gaulle de París, ilustra esa inmensa emoción que a cualquiera le da el estar por abordar hacia un nuevo destino.

El siguiente sencillo de “Leave Behind” fue: “Stuck In A Moment You Can’t Get Out”. El tema que llegó demasiado tarde quizás. Es sabido que Bono se lo dedica a Michael Hutchence, de quien era amigo y había cometido suicidio 3 años antes. En el mismo, busca imaginariamente hacerlo reflexionar y evitar que cometa la fatal decisión el desaparecido líder de INXS. Una balada dulzona que en verdad, tiene bastante de dolor e impotencia, pues finalmente no salvó a quien debía. Aunque pueda que haya salvado a muchos otros anónimos.

“Walk On” revela la intención artística del disco con su frase “love is all that you can’t leave behind”. A nivel de estructura del tema, es lo más parecido de este disco al U2 de los 80 con las típicas armonías agudas de “The Edge” en la guitarra. El tema es dedicado a Aung San Suu Kyi, activista política y opositora a la dictadura de Birmania, quien se mantenía con arresto domiciliar cuando se publicó el disco. Elevation fue al tema pegajoso o gancho del disco, con guitarras distorsionadas y banda de la película basada en el video juego “Tomb Raider”. Ideal para hacer saltar en los recitales en los que es casi infaltable desde aquellos tiempos.

U2 desde los años 80 se involucró en temas de defensa de causas justas y preocupación por los problemas mundiales y ciertamente, este sería el último tema en el que hablen explícitamente al respecto con temas como “Peace On Earth” o “When I Look At The World”, que obraron fuerza luego de los atentados del 11 de septiembre de 2001. Para ese entonces, Bono promovía la campaña de “Jubileo 2000” que, asumiendo los significados de la celebración de la Iglesia Católica, conminaba al perdón de las deudas de los países más empobrecidos. De nuevo, en el disco aparecían direcciones e indicaciones para unirse a organizaciones como “Greepeace” o “Amnistía Internacional”.

Temas melosos y cursis, pero efectivos como “In a Little While” o “Wild Honey”, también mucho más sentidos e introspectivos como “Kite” o “Grace”. Leave Behind mostró a un U2 agotado de experimentar y con más ganas de disfrutar de lo cosechado, pero también, de asegurar las ganancias. A partir de los 2000, siempre escuchamos discos sólidos, mas sin aventura por parte de los irlandeses.

No solo las ventas los favorecieron, en este período, U2 consiguió más premios Grammy que nunca. Siete con los que pudieron duplicar la cosecha que les había costado conseguir en más de 20 años de carrera. Posteriormente, el “Elevation Tour” reportó ganancias multimillonarias, para compensar la decepción comercial que fue “Popmart”. Fueron un notable suceso, batallando a brazo partido por la preferencia del público, en tiempos en que gobernaban las “boy bands” y el pop adolescente.

A partir de los 40 años cumplidos por sus integrantes, U2 jugó a asegurar el balón con buenas canciones orientadas al éxito en taquillas, siempre, buscando nuevo público que sumado al que viene arrastrando con una dilatada y exitosa carrera, hace que sus shows en vivo, la única forma de hacer buen billete como músico hoy por hoy, sean sumamente codiciados alrededor del planeta. Los chicos aprendieron en el Siglo XX buenas lecciones de negocios y desde All That You Can’t Leave Behind, supieron multiplicar los beneficios. Llamaron a Dios y al parecer, les respondió.

U2 – All That You Can’t Leave Behind – Universal – 2000

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1. “Beautiful Day” 4:06
2. “Stuck in a Moment You Can’t Get Out Of” 4:32
3. “Elevation” 3:45
4. “Walk On” 4:55
5. “Kite” 4:23
6. “In a Little While” 3:39
7. “Wild Honey” 3:47
8. “Peace on Earth” 4:46
9. “When I Look at the World” 4:15
10. “New York” 5:28
11. “Grace” 5:31
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
Hinchada LDU

Canciones de las gradas (parte 2)

“Yo te daré, te daré Liga hermosa, una cosa que empieza con C: ¡Campeón!” Todo hincha de la “U” de Quito que se respete, ha cantado a todo pulmón este verso en Ponciano, en el Atahualpa o en cualquier cancha ecuatoriana y del mundo ellos se suelen jactar. En su contraparte, las hinchadas rivales han deformado este canto con un florido repertorio de obscenidades que no va a ser mi misión describirlas. Hoy vamos a explorar el origen del más conocido canto de la fanaticada de Liga Deportiva Universitaria.

¿Tal vez usted creía que un grupo de entusiastas hinchas albos se trasnochó para ponerle letra y melodía a lo que se convertiría en su canto insigne?, ¡Pues no! Y tranquilos que pronto desnudaremos cantos insignes de otros equipos, ahora concentrémonos en Liga. Pues el tema original efectivamente se llama “Yo Te Daré” y es una canción popular española cuyas letras originales van así:

Yo represento a la playa y tú eres mi vida las olas del mar,
vienes a mí me acaricias con besos me mimas y luego te vas.

Una mañana temprano cogí mi caballo y me fui a pasear,

me fui cruzando la ría de Villa García que es puerto de mar.
 
yo te daré, te daré niña hermosa,
te daré una cosa, una cosa que yo sólo sé café,
 
yo te daré, te daré niña hermosa,
te daré una cosa, una cosa que yo sólo sé café,
 
Entre un murmullo de besos, a mi me enseñaste lo que es el querer
no has de enseñarme el olvido pues eso cariño no quiero aprender
Una mañana temprano cogí mi caballo y me fui a pasear,
me fui cruzando la ría de Villa García que es puerto de mar.
yo te daré, te daré niña hermosa,
te daré una cosa, una cosa que yo sólo sé café [bis]
 

Este tema es de origen anónimo y generalmente es cantado por tunas universitarias en España. ¿Qué diablos es una “tuna universitaria”? Los que estudiamos en la Católica de Quito alguna noción tenemos y la describimos como “ese grupo de panas raros que se ponen ropa chistosa y tocan la guitarra”. Pero para dar una descripción más certera, nos remitimos a lo que nos cuenta el sitio http://www.tunaespana.es/

 “La Tuna” es una antigua tradición española, de hecho, data del Siglo XIII cuando se fundan las primeras universidades y se compone de músicos y trovadores con pocos recursos económicos que dedicados a estas artes, subsistían. Las “tunas universitarias” se conformarían como se las conoce hoy en día, a partir del Siglo XVII y al citar estos tiempos tan lejanos, podemos explicar los atuendos “peculiares”.

tuna universitaria

Pues bien, uno de las características de las “Tunas” es recorrer los caminos, lo que las llevó a Latinoamérica en el Siglo XX, alentando a conformar tunas propias en muchos de estos países. Es ahí dónde podemos vincular esta tradición con el canto de la hinchada de Liga Deportiva Universitaria que empieza a corear en las gradas desde los años 60, modificando algo la letra para identificarla con el cuadro albo. Recordando que en los años 1966 y 1967 Liga fue el campeón de los torneos profesionales de Pichincha, los últimos provinciales antes que desaparezcan y se pase a jugar solo el campeonato nacional.

Una tradición universitaria que como no podría ser de otra manera, el equipo de la Universidad Central la adoptó como propia y hoy es uno de los cánticos más conocidos y resonantes en las canchas ecuatorianas.

 Gracias a Aurelio Dávila por ayudarme con la temporización del canto en la hinchada de Liga.

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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“Music Complete”: New Order de la A a la Z

Recientemente la banda británica “New Order”, publicó su nuevo álbum “Music Complete”, que vendría a ser el décimo álbum en estudio de los originarios de Manchester. En el transcurso de este verano boreal fue presentando los sencillos de este disco que va retornando un poco a las bases bailables que lo hicieron conocidos en el mundo.

Claro, “Music Complete” es bastante más bailable que lo que fueron sus producciones dosmileras, sin embargo, en este disco se advierte un repaso a lo que ha sido la discografía de la banda, si bien, se ha privilegiado los sintetizadores y las programaciones, es notable también la participación de la guitarra. Para los fans de “vieja guardia”, el sonido de bajo de Peter Hook se extraña, sin embargo, Tom Chapman es eficiente, tal vez eso sí, menos protagonista y ha sido interesante escuchar su debut con nuevos temas.

El disco inicia con el primer sencillo: “Restless”. Tema que viene con la herencia del “Get Ready”, “Waiting for the Sirens’ Call” o incluso, se parece al proyecto paralelo de Bernard Sumner: “Bad Lieutenant”. Un buen pop de inicios del siglo XXI que busco conectar el trabajo de estos últimos años de los británicos con este presente en el que vuelven a dominar las pistas de baile. Que haya sido el primer sencillo se entiende como un buen engranaje cronológico, más que una apuesta comercial.

Con el advenimiento en septiembre de “Music Complete”, se develó el siguiente sencillo: “Plastic”. Contrariamente a lo que pasó en “Restless”, este sí es un tema sumamente bailable que tiene mucha influencia de DJ’s de principios de Siglo XXI. Es importante la ayuda vocal de Elly Jackson de “La Roux”, para darle ese toque más de discoteca. Tema donde se hace buen y casi exclusivo uso de sintetizadores, programadores y demás artificios tecnológicos. Es un tema muy de los New Order antiguos: Sumner, Morris, Gilbert con un toque muy de vanguardia e intervenciones puntuales en el bajo. Ideal para fiesta.

Pero decíamos que “Music Complete” es una mezcla de muchas épocas de New Order. Por ejemplo, el tema “Singularity”, del que tuve el honor de presenciar su estreno en el Lollapalooza 2014 de Chile, tiene muchos sampleos y ritmos programados, pero a su vez, una poderosa línea de bajo donde Tom Chapman imprime su estilo y todo permite hacer una mezcla muy acelerada y trepidante, a la vez que difícil de encajar en los 80, época de mayor fama y gloria de la banda.

New Order ni siquiera se olvida de sus orígenes. Si los fans de hueso colorado y oscuro corazón de “Joy Division” buscan un sonido similar al de la banda primigenia, probablemente lo encuentren en el tema “Nothing But a Fool”, donde los teclados solemnes, el bajo incansable y la guitarra melancólica hacen el deleite de esta taciturna canción, aunque finaliza con riffs más bien característicos de los tiempos donde Phil Cunningham se integró al grupo.

Si hablamos de favoritos, yo me quedo con “Academy”, un tema que también tiene mucho del sonido que New Order ha venido desarrollando en este siglo, privilegiando bastante las guitarras y como siempre, dando ese distintivo de música “soundtrack de carretera” que han desarrollado Sumner y compañía desde el “Get Ready”. Siempre con esa sutil línea entre lo festivo y lo nostálgico.

“Music Complete” trae un sonido de pista de baile bastante renovado, no solo por los equipos utilizados, sino por la manera de componer los temas. De todas formas, no deja de homenajear a viejos estilos y ese sería el caso del tema “Tutti Frutti”, que tiene algunos elementos de “Italo Disco”, tanto que los párrafos cantados con una grave acento italiano bien podrían hacer recordar al bueno de Pino D’Angio.

También mencionaríamos a “People on the High Line” que en cambio, pone énfasis en aquellos teclados secos de inicios de finales de los ochenta e inicios de los noventa, que New Order, además de muchas bandas y solistas de música bailable usaron para aquellas épocas. Algo muy del “Technique” o de “World in Motion”.

También, habrá que resaltar las participaciones especiales. Ya nombramos a Elly Jackson hace vocales en “Plastic” y “Tutti Frutti”, Iggy Pop hace su aparición en “Stray Dog” (¿fuerte la asociación del señor Pop y los perros, no?). El cierre del disco va con la canción “Superheated”, donde Brandon Flowers, vocalista de “The Killers” no solo comparte vocales, sino créditos en la composición. La verdad es que este track tiene cierto aire al “rock revival” del grupo norteamericano. Tom Rowlands de los Chemcial Brothers colaboró en la creación de los temas “Singularity” y “Unlearn This Hatred”.

“Music Complete” devuelve a New Order las ganas de bailar, sus miembros originales, que ya pasaron hace rato las 5 décadas de existencia, todavía tienen arrestos para hacer echar paso a multitudes, salvo pequeños espacios para la nostalgia, pero así mismo son ellos: festivos y reflexivos.

Music Complete – New Order – Mute – 2015

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1. “Restless” 5:28
2. “Singularity” 5:37
3. “Plastic” 6:55
4. “Tutti Frutti (featuring Elly Jackson)” 6:22
5. “People on the High Line” 5:41
6. “Stray Dog (featuring Iggy Pop)” 6:17
7. “Academic” 5:54
8. “Nothing but a Fool” 7:43
9. “Unlearn This Hatred” 4:19
10. “The Game” 5:06
11. “Superheated (featuring Brandon Flowers)”
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
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Morning Glory: la cúspide del Britpop

Este 2 de octubre se han cumplido 20 años de la publicación de “(What’s The Story) Morning Glory?”, álbum de la banda británica “Oasis” que es considerado como uno de los esenciales de la década de los noventa en cuanto a Rock y Pop se refiere. Morning Glory supuso una catapulta al súper estrellato mundial de los hermanos Gallagher y compañía.

Con 22 millones de copias vendidas y contando, “Morning Glory” es uno de los discos más exitosos en cuanto a ventas de finales de siglo XX. Por lejos, el mejor vendido dentro de la tendencia conocida como “britpop” que tuvo su auge a mediados de los noventa y cuando terminó dicha década, el disco fue coronado como el indiscutible número 1 en el Reino Unido si de nuevo, hablamos del éxito comercial, superando a Simply Red y a las pegajosas Spice Girls. La foto de la tapa del álbum fue tomada al amanecer en la concurrida Berwick Street del barrio Soho, donde en la época existía un frenético comercio de discos.

“Morning Glory” tuvo momentos disímiles en su acelerada producción en el verano de 1995. Si bien en el estudio hubo armonía y buen ambiente para las sesiones creativas, el rato de definir los roles (quien cantaba cada tema), surgieron las tradicionales asperezas fruto de las explosivas personalidades de los hermanos Gallagher. Al final, Liam se quedó con las voces de “Wonderwall” y “Champagne Supernova”, mientras que Noel con “Don’t Look Back In Anger”.

En el año de 1995 estaba totalmente desatada la guerra del “britpop” con los londinenses “Blur”, que habían tenido un suceso enorme con el disco “Parklife”, como era de esperarse, dicha disputa era azuzada en buena parte por la prensa. Comercialmente, la guerra se declaró en agosto de 1995, cuando Oasis decide lanzar el single “Roll With It” el mismo día que Blur publicaba “Country House”. Esa batalla la ganaron sus en ese entonces archi enemigos, pero la batalla se la terminarían llevando los de Manchester ya que “(What’s The Story) Morning Glory?” duplicó en ventas a “The Great Escape” de Blur. Contundente victoria que sumada a su notable aceptación en Estados Unidos, erigía a Oasis como los reyes del género.

“Morning Glory”, contradiciendo un poco a su predecesor, “Definitely Maybe”, desacelera un poco, es más introspectivo y menos arrogante. Bastante antes de la puesta a la venta del álbum, se dio a conocer el sencillo “Some Might Say”, nostálgico tema que se debate entre optimismo y pesimismo que fusiona la dulce melodía británica con un elemento rítmico blues. Ideal para tratar de darse ánimos, aunque sea por el coro que dice que algún rato encontraremos un día más brillante.

Habíamos hablado de “Roll With It”, un tema que tiene muchísimo “ADN Beatle”, especialmente en el coro, tal vez no sea la más novedosa, pero el siguiente sencillo “Morning Glory”, es más interesante con ese punzante intro de guitarra que da un ambiente más crudo y callejero al tema más frenético del éste, su homónimo álbum.

Obviamente hay que detenerse en “Wonderwall”, que ya sería el cuarto sencillo de la placa y que reventaría en popularidad en ambos lados del charco para 1996. Un tema muy sencillo con predominio de la guitarra acústica, una omnipresente además de solemne sección de vientos. Hay que señalar que Liam Gallagher se luce totalmente cantándola, recuerdo en mis años pubertos haberme conmovido mucho con el tema y hasta ahora me estremece, pese a ser el más trillado no sólo de este disco, sino de la banda misma.

Noel, quien siempre ha sido el cerebro creativo de Oasis, compuso este tema para su en ese entonces pareja, tratándola como su sostén y muro. Ese “you’re gonna be the one that saves me” repetido mántricamente hacia el final de la canción adquiere un notable significado para cualquiera que aunque sea alguna vez se ha sentido rescatado por un gran amor.

“Don’t Look Back In Anger”, tiene el guiño “John Lennon” o ¿de donde más don Noel se pudo sacar la frase “start a revolution frome my bed”? Y ni hablar de la introducción de piano del tema. Esta canción tiene un personaje ficticio como “Sally”, pero si existe o no es lo de menos. Oasis de nuevo juega con emociones nostalgia – esperanza, lo que hace tan reconfortante escuchar a este sencillo publicado en febrero de 1996. Todo el “Morning Glory“ tiene esa propiedad depuradora de alma.

El psicodélico cierre del álbum es “Champagne Supernova”. Con un ritmo más taciturno y una indescifrable letra, puede de todas formas ser un perfecto consuelo para los tiempos difíciles, porque ese inicio melancólico termina en una explosión sónica que le da bastante épica y euforia al tema. Volviendo a lo de las letras, siempre llamará la atención ese Where were you while we were getting high?”

Fuera de los sencillos, tenemos temas muy conmovedores como “Cast No Shadow”, que Noel Gallagher dedicó a Richard Ashcroft, vocalista de “The Verve”, quien no atravesaba buenos momentos personales. Mientras que “Hey Now!” tiene una guitarra mucho más poderosa que no deja de tener esa clásica melodía pop británica, bastante lúdica, casi infantil.

A 20 años de la publicación de “(What’s The Story) Morning Glory?” no nos queda de otra que escuchar de nuevo todo el álbum y empaparnos de historia. Sin duda, un definitivo sonido noventero que evoca tiempos más inocentes y simples, escuchando la inspiración que genera la dureza de la calle de Manchester. El álbum producido por Owen Morris deja una huella imborrable en muchos de los actuales treintones.

(What’s The Story) Morning Glory? – Oasis – Sony – 1995

morning glory 1

1. “Hello”
2. “Roll with It”
3. “Wonderwall”
4. “Don’t Look Back in Anger”
5. “Hey Now!”
6. Untitled (“The Swamp Song — Excerpt 1″)
7. “Some Might Say”
8. “Cast No Shadow”
9. “She’s Electric”
10. “Morning Glory”
11. Untitled (also known as “The Swamp Song — Excerpt 2″)
12. “”Champagne Supernova”
Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
freedom

Fashion y Rock & Roll

Es inevitable relacionar el mundo de la moda con el rock y el pop, diría el sabio refrán: “la plata atrae la plata” y yo tal vez agregaría que “la fama atrae a la fama”. Es bien sabido que el músico famoso fácilmente se puede llegar a rodear de bellas mujeres por lo atractivo de su talento (y seamos honestos, de su billetera) y aprovechar esta relación entre estas diversas facetas del mundo del entretenimiento.

Sabemos también, que el videoclip (a propósito del aniversario de MTV) es desde los ochenta, una importante forma de publicidad para el artista pop – rock, la cual fue desarrollándose en las últimas décadas del siglo pasado. Como publicidad, la belleza femenina es un muy efectivo lugar común y claro, mientras tenga más prestigio la agraciada dama, la campaña será más cara pero más efectiva. Vamos citando algunos casos de súper modelos y rock and roll.

En 1984, la agrupación bostoniana “The Cars”, estaba en la cúspide de su fama con el exitoso multi-sencillos álbum “Heartbeat City”. Uno de estos “singles” fue la clásica balada “Drive”, su tema mejor rankeado en los charts de Billboard Hot 100 (llegó a ser número 3). La protagonista del videoclip es la modelo polaca Paulina Porizkova, de quien en esos tiempos, se decía que tenía un rostro perfecto. Si no me creen, admírenla

paulina porizkova

Lo mejor de esta historia, es que la Porizkova terminó casándose con el no muy agraciado líder de la banda: Ric Ocasek y no fue el clásico matrimonio hollywoodense de par meses o unos años, sino que son marido y mujer desde 1989 hasta la presente. Mejor, disfrutemos del grandioso tema.

Vamos hacia 1990, cuando George Michael queriendo de una vez por todas buscar un rumbo diferente a lo que encasillaba su agrupación ochentera “Wham!”, publica “Listen Without Prejudice Vol I”, del que se desprende tal vez uno de los temas más fashion de la historia del Pop, que es “Freedom” y que tiene un gran poder de evocación hacia inicios de los años 90.

Las elegidas para la producción eran las jóvenes modelos que prometían dominar las pasarelas de la naciente década: Cindy Crawford, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Christy Turlington y Tatjana Patitz. En la linda foto cabecera del artículo vemos a Stephanie Seymour, quien a última hora fue reemplazada por la Evangelista. Vamos disfrutando del videoclip.

Por esos mismo tiempos (1990), se dio a conocer el que por lejos, fue el mayor éxito del solista Chris Isaak. “Wicked Game” es una fundamental balada noventera extraída del álbum “Heart Shaped World” y en el video, que para que negar, tiene una excelente cinematografía, aparece la súper modelo danesa Helena Christensen en sugestivas escenas con el afortunado Isaak.

helena hutchence

Helena siempre estuvo vinculada con el mundo pop – rock y a principios de los noventa tuvo una relación romántica con el líder de INXS, Michael Hutchence. Veamos este gran videoclip.

Entre los años 1991 y 1993, Guns N’ Roses eran los dueños del mundo con el brutal éxito de sus discos “Use Your Illusion”. Cada sencillo de aquellos tiempos era promocionado con opulentas producciones de videoclips. Uno de ellos fue de la recordada power ballad “November Rain” y una de las actuaciones de aquel, correspondió a la modelo Stephanie Seymour, en el papel de la desafortunada novia que termina muriendo en la trágica producción.

axel stephanie

En la vida real, efectivamente Seymour fue esposa de Axl Rose, pero su paciencia con el conflictivo líder de los Guns duró menos de un año y se divorciaron muy rápido. Igual, veamos el video clip.

Ahora nos trasladamos hasta el siglo XXI. En 2002, el grupo británico “Jamiroquai” lanzó el sencillo “Love Foolosophy”, parte del disco “A Funk Odyssey”. En la producción del videoclip, el bueno de Jay Kay es acompañado a una fiestota por la súper modelo alemana Heidi Klum, la cual se le cabrea enoja a Jay por coqueto y sinvergüenza y lo manda a las aguas.

Model Heidi Klum and singer Seal arrive at the 12th Annual Victo

Model Heidi Klum and singer Seal arrive at the 12th Annual Victo

Recordemos que Heidi estuvo casada durante muchos años con el cantante Seal. ¡Cómo lo envidiamos al pana!

En 2003, The White Stripes publicó uno de los últimos grandes discos de la historia del rock: “Elephant”. Para su promoción, se produjeron una serie de videos musicales sumamente innovadores en cuanto a la edición de los mismos, sin embargo, en “I Just Don’t Know What To Do With Myself”, se prefirió una producción a blanco y negro, con pocas tomas y en teoría más modesta de no mediar la participación de la súper modelo británica Kate Moss en el mismo.

Kate estuvo relacionada con el músico Pete Doherty, más famoso por su tumultuosa vida personal que por su música.

Debía haber puesto también “Como te Deseo” de Maná… Bueno, tal vez para una próxima (?)

Edison Guapaz Zambrano
Guitarras y gol
the cult love main

Bandas y discos imprescindibles: The Cult – Love

Habrá que decir, que gracias al poco espacio que tuvo el rock en los medios radiales del país durante los 80´s y 90, muchos nos perdimos de grandes bandas en sus momentos de apogeo. Lo poco que llegamos a tener en nuestras primeras bibliotecas musicales, eran los cassetes o discos que algún conocido te cruzaba o los que tus viejos en los 70´s (si es que eran de la tendencia) tenían en su colección. En mi caso gracias a mi padre tuve la oportunidad de acceder al rock. El primer disco que escuche conscientemente con doce años fue Led Zeppelin II y The Doors Greatest Hits; Y fue un kabooommmm en el cerebro. De ahí poco a poco se pudo acceder a algunas bandas gracias a los contados programas (“Prohibido Prohibir” en Tele Onda musical 95.3 o “Romper Falsos Mitos” por Hot 106). También nos empezamos a enterar algo de las bandas que existían con revistas españolas Kerrang o Heavy Rock que vendían en los quioscos de la ciudad pero no mucho más. Por suerte la globalización hizo, entre otras cosas, que los artistas y su música se expanda. ¿Alguien se acuerda aun de Napster?, Winamp y otras cositas que como locos empezamos a descubrir y usar.

Este antecedente quiere servir como preámbulo para hablar de algunos discos y bandas que en su momento fueron y son desde mi punto de vista baluartes de la historia de la música sin tratar de encasillarlos en los malditos géneros. Hoy escribo sobre una banda que aun en estos tiempos es prácticamente desconocida por acá: The Cult y el álbum que los hizo conocidos sobre todo en Europa y Estados Unidos: “Love”.

Formación del disco Love. William “Billy” Duffy, Ian AStbury y  Jamie Stewart Foto tomada de la página Facebook The Cult.

Formación del disco Love. William “Billy” Duffy, Ian AStbury y Jamie Stewart
Foto tomada de la página Facebook The Cult.

The Cult surge a inicios de los ochenta, encasillada dentro del género “Hard Rock”. Tiene su base creativa en Ian Astbury vocalista (n. Cheshire – Inglaterra, 14 de mayo de 1962) y el guitarrista Billy Duffy (n. Manchester- Inglaterra, 12 de mayo de 1961) siendo los únicos miembros fijos de la banda. Catalogada en su momento una de los grupos más emblemáticas de Inglaterra en los 80, son considerados como la banda que hizo resurgir el Hard Rock como género en Inglaterra y Europa. En septiembre de 1984 lanzan su primer álbum, “Dreamtime”, con el que ganan reconocimiento en las listas independientes británicas. Anteriormente habían lanzado un EP con el nombre de “Death Cult”. A mediados del año 1985 lanzan su segundo álbum en estudio y sujeto a nuestra revisión: “Love”.

the cult love

Love es un disco con un sonido limpio, sin mayores arreglos, donde se destaca el gran trabajo en guitarras (principal y secundaria) de Billy Duffy que le dan un toque rítmico espectacular y que a posterior sería el sonido característico de la banda conjuntamente con la sonoridad vocal de Ian Astbury. El disco arranca con un gran tema: “Nirvana” donde ya puedes apreciar el sonido “Hard Rock” por el que te llevará todo el disco. Aunque derrapan un poco con “Brother Wolf Sister”, (tema demasiado largo, lento y sin mucho que ofrecer), vuelven a recuperar el ritmo con la genial “Rain”, para sorprendernos más adelante con un medio tiempo: “Revolution”. Casi para terminar este disco, se desprende uno de sus temas más comerciales y conocidos (en Europa y Estados Unidos): “She Sells Sanctuary”. Desde mi opinión, el tema que más se destaca del disco, para finalizar con “Black Angel”, canción que te puede dejar un poco indiferente, así que mejor quedarse hasta la canción anterior.

Temas a destacar del disco:

She Sells Sanctuary

 Nirvana

Rain

Revolution

Sáltate:

Brother Wolf Sister Moon

Black Angel

Jorge Aguirre
Quito
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